Tradicionalmente, se entiende que la música renacentista abarca la música europea de los siglos XV y XVI, posterior a la era del Renacimiento , tal como se entiende en otras disciplinas. En lugar de comenzar con la ars nova de principios del siglo XIV , la musicología trató la música del Trecento como una coda de la música medieval y la nueva era data del surgimiento de la armonía triádica y la difusión del estilo contenance angloise desde Gran Bretaña hasta la Escuela de Borgoña . Un punto de inflexión conveniente para su final es la adopción del bajo continuo a principios del período barroco .
El período puede subdividirse a grandes rasgos, con un período temprano correspondiente a la carrera de Guillaume Du Fay ( c. 1397-1474 ) y el cultivo del estilo cantilena , un período medio dominado por la escuela franco-flamenca y las texturas de cuatro partes favorecidas por Johannes Ockeghem (1410 o 1420-1497) y Josquin des Prez (finales de la década de 1450-1521), y que culmina durante la Contrarreforma en el florido contrapunto de Palestrina ( c. 1525-1594 ) y la Escuela Romana .
La música se fue liberando cada vez más de las restricciones medievales y se permitió una mayor variedad en cuanto a rango, ritmo, armonía, forma y notación. Por otro lado, las reglas del contrapunto se volvieron más restrictivas, en particular en lo que respecta al tratamiento de las disonancias . En el Renacimiento, la música se convirtió en un vehículo para la expresión personal. Los compositores encontraron formas de hacer que la música vocal fuera más expresiva de los textos que estaban poniendo en escena. La música secular absorbió técnicas de la música sacra , y viceversa. Las formas seculares populares como la chanson y el madrigal se extendieron por toda Europa. Las cortes emplearon intérpretes virtuosos, tanto cantantes como instrumentistas. La música también se volvió más autosuficiente con su disponibilidad en forma impresa, existiendo por sí misma.
Durante el Renacimiento , las versiones precursoras de muchos instrumentos modernos conocidos (entre ellos el violín, la guitarra, el laúd y los instrumentos de teclado) se transformaron en nuevas formas. Estos instrumentos se modificaron para responder a la evolución de las ideas musicales y presentaron nuevas posibilidades para que los compositores y los músicos exploraran. También aparecieron formas tempranas de instrumentos de viento de madera y de metal modernos, como el fagot y el trombón , que ampliaron la gama de color sonoro y aumentaron el sonido de los conjuntos instrumentales. Durante el siglo XV, el sonido de las tríadas completas se volvió común y, hacia fines del siglo XVI, el sistema de modos eclesiásticos comenzó a desmoronarse por completo, dando paso a la tonalidad funcional (el sistema en el que las canciones y las piezas se basan en "claves" musicales), que dominaría la música artística occidental durante los siguientes tres siglos.
Del Renacimiento se conservan abundantes obras de música sacra y secular, incluidas obras vocales e instrumentales y obras mixtas de canto e instrumentación. Durante el Renacimiento florecieron una amplia gama de estilos y géneros musicales, incluidas misas, motetes, madrigales, chansons, canciones acompañadas, danzas instrumentales y muchas otras. A partir de finales del siglo XX se formaron numerosos conjuntos de música antigua . Los conjuntos especializados en música del Renacimiento realizan giras de conciertos y grabaciones, utilizando reproducciones modernas de instrumentos históricos y utilizando estilos de canto e interpretación que, según los musicólogos, se utilizaban en esa época.
Una de las características más pronunciadas de la música artística europea del Renacimiento temprano fue la creciente dependencia del intervalo de tercera y su inversión, la sexta (en la Edad Media , las terceras y las sextas se habían considerado disonancias, y solo los intervalos perfectos se trataban como consonancias: la cuarta perfecta , la quinta perfecta , la octava y el unísono ). La polifonía (el uso de múltiples líneas melódicas independientes, interpretadas simultáneamente) se volvió cada vez más elaborada a lo largo del siglo XIV, con voces altamente independientes (tanto en la música vocal como en la música instrumental). El comienzo del siglo XV mostró una simplificación, con los compositores a menudo esforzándose por lograr suavidad en las partes melódicas. Esto fue posible debido a un rango vocal mucho mayor en la música: en la Edad Media, el rango estrecho hizo necesario el cruce frecuente de partes, lo que requería un mayor contraste entre ellas para distinguir las diferentes partes. Las características modales (en oposición a las tonales , también conocidas como "clave musical", un enfoque desarrollado en la era de la música barroca posterior , c. 1600-1750) de la música renacentista comenzaron a desmoronarse hacia el final del período con el aumento del uso de movimientos de raíz de quintas o cuartas (consulte el " círculo de quintas " para obtener más detalles). Un ejemplo de una progresión de acordes en la que las raíces del acorde se mueven por el intervalo de una cuarta sería la progresión de acordes, en la tonalidad de Do mayor: "Re menor/Sol mayor/Do mayor" (todas estas son tríadas; acordes de tres notas). El movimiento del acorde de Re menor al acorde de Sol mayor es un intervalo de una cuarta perfecta. El movimiento del acorde de Sol mayor al acorde de Do mayor también es un intervalo de una cuarta perfecta. Esto más tarde se convirtió en una de las características definitorias de la tonalidad durante la era barroca. [ cita requerida ]
Las principales características de la música renacentista son: [1]
El desarrollo de la polifonía produjo los cambios notables en los instrumentos musicales que marcan el Renacimiento desde la Edad Media musicalmente. Su uso fomentó el uso de conjuntos más grandes y exigió conjuntos de instrumentos que se fusionaran en todo el rango vocal. [2]
Al igual que en otras artes, la música de la época se vio muy influida por los acontecimientos que definen el período moderno temprano : el auge del pensamiento humanista ; la recuperación del patrimonio literario y artístico de la Antigua Grecia y la Antigua Roma ; el aumento de la innovación y los descubrimientos; el crecimiento de las empresas comerciales; el ascenso de una clase burguesa ; y la Reforma protestante . De esta sociedad cambiante surgió un lenguaje musical común y unificador, en particular, el estilo polifónico de la escuela franco-flamenca .
La invención de la imprenta en 1439 hizo que fuera más barato y más fácil distribuir textos de música y teoría musical a una escala geográfica más amplia y a más gente. Antes de la invención de la imprenta, los textos escritos de música y teoría musical tenían que ser copiados a mano, un proceso costoso y que consumía mucho tiempo. La demanda de música como entretenimiento y como actividad de ocio para aficionados educados aumentó con el surgimiento de una clase burguesa. La difusión de chansons , motetes y misas en toda Europa coincidió con la unificación de la práctica polifónica en el estilo fluido que culminó en la segunda mitad del siglo XVI en la obra de compositores como Giovanni Pierluigi da Palestrina , Orlande de Lassus , Thomas Tallis , William Byrd y Tomás Luis de Victoria . La relativa estabilidad política y prosperidad en los Países Bajos , junto con un floreciente sistema de educación musical en las numerosas iglesias y catedrales de la zona, permitieron la formación de un gran número de cantantes, instrumentistas y compositores. Estos músicos eran muy solicitados en toda Europa, particularmente en Italia, donde las iglesias y las cortes aristocráticas los contrataban como compositores, intérpretes y profesores. Dado que la imprenta facilitó la difusión de la música impresa, a finales del siglo XVI Italia había absorbido las influencias musicales del norte y Venecia , Roma y otras ciudades se convirtieron en centros de actividad musical. Esto revirtió la situación de cien años antes. La ópera, un género dramático escenificado en el que los cantantes son acompañados por instrumentos, surgió en esta época en Florencia. La ópera se desarrolló como un intento deliberado de resucitar la música de la antigua Grecia. [3]
Las principales formas musicales litúrgicas (basadas en la iglesia), que se mantuvieron en uso durante todo el período del Renacimiento, fueron las misas y los motetes , con algunos otros desarrollos hacia el final de la era, especialmente cuando los compositores de música sacra comenzaron a adoptar formas musicales seculares (no religiosas) (como el madrigal ) para uso religioso. Las misas de los siglos XV y XVI tenían dos tipos de fuentes que se usaban: monofónicas (una sola línea melódica) y polifónicas (múltiples líneas melódicas independientes), con dos formas principales de elaboración, basadas en la práctica del cantus firmus o, comenzando en algún momento alrededor de 1500, el nuevo estilo de "imitación generalizada", en el que los compositores escribían música en la que las diferentes voces o partes imitaban los motivos melódicos y/o rítmicos interpretados por otras voces o partes. Se utilizaron varios tipos principales de misas:
Las misas se titulaban normalmente según la fuente de la que se tomaban. La misa del cantus firmus utiliza la misma melodía monofónica, normalmente extraída del canto y normalmente en el tenor y, más a menudo, en valores de nota más largos que las otras voces. [4] Otros géneros sacros eran el madrigal espiritual y el laude .
Durante este período, la música secular (no religiosa) tuvo una distribución creciente, con una amplia variedad de formas, pero hay que ser cauteloso al suponer una explosión en la variedad: dado que la imprenta hizo que la música estuviera más ampliamente disponible, ha sobrevivido mucho más de esta era que de la era medieval precedente, y probablemente se haya perdido un rico acervo de música popular de finales de la Edad Media. La música secular era música que era independiente de las iglesias. Los tipos principales eran el Lied alemán , la frottola italiana , la chanson francesa , el madrigal italiano y el villancico español . [1] Otros géneros vocales seculares incluían la caccia , el rondeau , el virelai , la bergerette , la balada , la música mesurada , la canzonetta , la villanella , la villotta y la canción para laúd . También aparecieron formas mixtas como el motete-chanson y el motete secular.
La música puramente instrumental incluía música de consorte para flautas dulces o violas y otros instrumentos, y danzas para varios conjuntos. Los géneros instrumentales comunes eran la toccata , el preludio , el ricercar y la canzona . Las danzas interpretadas por conjuntos instrumentales (o a veces cantadas) incluían la basse danse (en italiano, bassadanza ), el tourdion , el saltarello , la pavana , la gallarda , la allemande , la courante , el bransle , la canarie , la piva y la lavolta . Se podía arreglar música de muchos géneros para un instrumento solista como el laúd, la vihuela, el arpa o el teclado. Estos arreglos se llamaban intabulaciones (en italiano, intavolatura , en alemán, intabulierung ).
Hacia el final del período, se escuchan los primeros precursores dramáticos de la ópera, como la monodia , la comedia madrigal y el intermedio .
Según Margaret Bent : " La notación renacentista es poco prescriptiva según nuestros estándares [modernos]; cuando se traduce a la forma moderna adquiere un peso prescriptivo que sobreespecifica y distorsiona su apertura original". [5] Las composiciones renacentistas se notaban solo en partes individuales; las partituras eran extremadamente raras y no se usaban barras de compás . Los valores de las notas eran generalmente más grandes que los que se usan hoy en día; la unidad primaria de pulso era la semibreve o nota redonda . Como había sido el caso desde el Ars Nova (ver Música medieval ), podía haber dos o tres de estas para cada breve (una nota redonda doble), que puede considerarse equivalente al "compás" moderno, aunque era en sí mismo un valor de nota y un compás no lo es. La situación puede considerarse de esta manera: es la misma que la regla por la cual en la música moderna una negra puede ser igual a dos corcheas o tres, lo que se escribiría como un "tresillo". Según el mismo cálculo, podría haber dos o tres de la siguiente nota más pequeña, la "blanca" (equivalente a la "media nota" moderna) por cada semibreve.
Estas diferentes permutaciones se denominaban «tempus perfecto/imperfecto» en el nivel de la relación breve-semibreve, «prolación perfecta/imperfecta» en el nivel de la relación semibreve-blanca, y existían en todas las combinaciones posibles entre sí. La relación tres a uno se denominaba «perfecta» y la relación dos a uno «imperfecta». También existían reglas por las que las notas simples podían reducirse a la mitad o duplicarse en valor («imperfectas» o «alteradas», respectivamente) cuando iban precedidas o seguidas de otras notas determinadas. Las notas con cabezas de nota negras (como las negras ) se producían con menos frecuencia. Este desarrollo de la notación mensural blanca puede ser el resultado del aumento del uso de papel (en lugar de pergamino ), ya que el papel más débil era menos capaz de soportar el rayado necesario para rellenar las cabezas de nota sólidas; la notación de épocas anteriores, escrita en pergamino, había sido negra. También se utilizaron rutinariamente otros colores y, más tarde, notas rellenas, principalmente para reforzar las imperfecciones o alteraciones mencionadas anteriormente y para solicitar otros cambios rítmicos temporales.
Las alteraciones accidentales (por ejemplo, los sostenidos, bemoles y naturales añadidos que cambian las notas) no siempre se especificaban, de forma similar a ciertas notaciones de digitación para instrumentos de la familia de la guitarra ( tablaturas ) actuales. Sin embargo, los músicos del Renacimiento habrían estado altamente capacitados en contrapunto diádico y, por lo tanto, poseían esta y otra información necesaria para leer una partitura correctamente, incluso si las alteraciones accidentales no estaban escritas. Como tal, "lo que la notación moderna requiere [las alteraciones accidentales] habría sido perfectamente evidente sin notación para un cantante versado en contrapunto". (Véase musica ficta .) Un cantante interpretaría su parte calculando fórmulas cadenciales con otras partes en mente, y cuando cantaban juntos, los músicos evitarían octavas paralelas y quintas paralelas o alterarían sus partes cadenciales a la luz de las decisiones de otros músicos. [5] Es a través de tablaturas contemporáneas para varios instrumentos de cuerda pulsada que hemos obtenido mucha información sobre qué alteraciones accidentales fueron interpretadas por los practicantes originales.
Para obtener información sobre teóricos específicos, véase Johannes Tinctoris , Franchinus Gaffurius , Heinrich Glarean , Pietro Aron , Nicola Vicentino , Tomás de Santa María , Gioseffo Zarlino , Vicente Lusitano , Vincenzo Galilei , Giovanni Artusi , Johannes Nucius y Pietro Cerone .
Los compositores clave de la época del Renacimiento temprano también escribieron en un estilo medieval tardío y, como tales, son figuras de transición. Leonel Power (c. 1370 o 1380–1445) fue un compositor inglés de las eras musicales de finales de la Edad Media y principios del Renacimiento. Junto con John Dunstaple , fue una de las figuras principales de la música inglesa a principios del siglo XV. [6] [7] Power es el compositor mejor representado en el Manuscrito Old Hall , una de las únicas fuentes intactas de música inglesa de principios del siglo XV. Fue uno de los primeros compositores en establecer movimientos separados del ordinario de la misa que estaban temáticamente unificados y destinados a una interpretación contigua. El Manuscrito Old Hall contiene su misa basada en la antífona mariana , Alma Redemptoris Mater , en la que la antífona se enuncia literalmente en la voz de tenor en cada movimiento, sin adornos melódicos. Esta es la única configuración cíclica del ordinario de la misa que se le puede atribuir. [8] Escribió ciclos de misas, fragmentos y movimientos individuales y una variedad de otras obras sacras.
John Dunstaple (c. 1390–1453) fue un compositor inglés de música polifónica de finales de la Edad Media y principios del Renacimiento. Fue uno de los compositores más famosos en activo a principios del siglo XV, casi contemporáneo de Power, y fue muy influyente, no solo en Inglaterra sino en el continente, especialmente en el estilo en desarrollo de la Escuela de Borgoña . La influencia de Dunstaple en el vocabulario musical del continente fue enorme, en particular considerando la relativa escasez de sus obras (atribuibles). Fue reconocido por poseer algo nunca antes escuchado en la música de la Escuela de Borgoña : la contenance angloise ("el rostro inglés"), un término utilizado por el poeta Martin le Franc en su Le Champion des Dames. Le Franc agregó que el estilo influyó en Dufay y Binchois . Unas décadas después, en torno a 1476, el compositor y teórico musical flamenco Tinctoris reafirmó la poderosa influencia de Dunstaple y destacó el "nuevo arte" que había inspirado. Tinctoris elogió a Dunstaple como la fuente y el origen del estilo. [ Esta cita necesita una cita ]
El contenance angloise , aunque no fue definido por Martin le Franc, probablemente era una referencia al rasgo estilístico de Dunstaple de usar una armonía triádica completa (acordes de tres notas), junto con un gusto por el intervalo de tercera . Suponiendo que hubiera estado en el continente con el duque de Bedford, Dunstaple habría sido introducido al fauxbourdon francés ; tomando prestadas algunas de las sonoridades, creó armonías elegantes en su propia música usando terceras y sextas (un ejemplo de un intervalo de tercera son las notas C y E; un ejemplo de un intervalo de sexta son las notas C y A). En conjunto, estas se consideran características definitorias de la música del Renacimiento temprano. Muchos de estos rasgos pueden haberse originado en Inglaterra, echando raíces en la Escuela de Borgoña alrededor de mediados de siglo.
Debido a que se han encontrado numerosas copias de las obras de Dunstaple en manuscritos italianos y alemanes, su fama en toda Europa debe haber sido generalizada. De las obras que se le atribuyen solo sobreviven unas cincuenta, entre las que se encuentran dos misas completas, tres secciones de misa conectadas, catorce secciones de misa individuales, doce motetes isorrítmicos completos y siete versiones de antífonas marianas , como Alma redemptoris Mater y Salve Regina, Mater misericordiae . Dunstaple fue uno de los primeros en componer misas utilizando una única melodía como cantus firmus . Un buen ejemplo de esta técnica es su Missa Rex seculorum . Se cree que escribió música secular (no religiosa), pero no se le puede atribuir ninguna canción en lengua vernácula con algún grado de certeza.
Oswald von Wolkenstein (c. 1376–1445) es uno de los compositores más importantes del Renacimiento alemán temprano. Es conocido por sus melodías bien escritas y por su uso de tres temas: los viajes, Dios y el sexo . [9]
Gilles Binchois ( c. 1400–1460 ) fue un compositor holandés, uno de los primeros miembros de la escuela borgoñona y uno de los tres compositores más famosos de principios del siglo XV. Aunque los estudiosos contemporáneos lo suelen situar por detrás de sus contemporáneos Guillaume Dufay y John Dunstaple, sus obras se siguen citando, tomando prestadas y utilizando como material de referencia tras su muerte. Binchois es considerado [¿ por quién? ] un buen melodista, que escribe líneas cuidadosamente definidas que son fáciles de cantar y memorables. Sus melodías aparecieron en copias décadas después de su muerte y a menudo se utilizaron como fuentes para la composición de masas por compositores posteriores. La mayor parte de su música, incluso su música sacra, es sencilla y clara en sus líneas generales, a veces incluso ascética (monacal). Sería difícil imaginar un mayor contraste entre Binchois y la extrema complejidad del ars subtilior del siglo anterior (XIV). La mayoría de sus canciones seculares son rondeaux , que se convirtieron en la forma de canción más común durante el siglo. Rara vez escribió en forma estrófica y sus melodías son generalmente independientes del esquema rítmico de los versos a los que están asociadas. Binchois escribió música para la corte, canciones seculares de amor y caballería que cumplieron con las expectativas y satisficieron el gusto de los duques de Borgoña que lo emplearon y, evidentemente, amaban su música en consecuencia. Aproximadamente la mitad de su música secular existente se encuentra en la Biblioteca Bodleiana de Oxford.
Guillaume Du Fay ( c. 1397-1474 ) fue un compositor franco-flamenco del Renacimiento temprano. Figura central de la Escuela de Borgoña , sus contemporáneos lo consideraban el compositor más importante de Europa a mediados del siglo XV. [10] Du Fay compuso en la mayoría de las formas comunes de la época, incluidas misas , motetes , Magnificats , himnos , arreglos de canto simple en fauxbourdon y antífonas dentro del área de la música sacra, y rondeaux , baladas , virelais y algunos otros tipos de chanson dentro del ámbito de la música secular. Ninguna de sus obras supervivientes es específicamente instrumental, aunque ciertamente se utilizaron instrumentos para parte de su música secular, especialmente para las partes bajas; toda su música sacra es vocal. Es posible que se hayan utilizado instrumentos para reforzar las voces en la interpretación real de casi cualquiera de sus obras. [ cita requerida ] Siete misas completas, 28 movimientos de misa individuales, 15 configuraciones de canto utilizadas en misas propias, tres Magnificats, dos configuraciones de Benedicamus Domino, 15 configuraciones de antífonas (seis de ellas antífonas marianas ), 27 himnos, 22 motetes (13 de estos isorrítmicos en el estilo más angular y austero del siglo XIV que dio paso a una escritura de partes más melódica, sensual y dominada por los agudos con frases que terminaban en la cadencia de "tercera inferior" en la juventud de Du Fay) y 87 chansons definitivamente de él han sobrevivido. [ cita requerida ]
Muchas de las composiciones de Du Fay eran simples arreglos de canto, obviamente diseñados para uso litúrgico, probablemente como sustitutos del canto sin adornos, y pueden verse como armonizaciones de canto. A menudo, la armonización usaba una técnica de escritura paralela conocida como fauxbourdon , como en el siguiente ejemplo, una versión de la antífona mariana Ave maris stella . Du Fay puede haber sido el primer compositor en usar el término "fauxbourdon" para este estilo de composición más simple, prominente en la música litúrgica del siglo XV en general y en la de la escuela borgoñona en particular. La mayoría de las canciones seculares (no religiosas) de Du Fay siguen las formas fijas ( rondeau , ballade y virelai), que dominaron la música secular europea de los siglos XIV y XV. También escribió un puñado de ballate italianas , casi con certeza mientras estaba en Italia. Al igual que ocurre con sus motetes, muchas de las canciones fueron escritas para ocasiones específicas y muchas de ellas son datables, lo que proporciona información biográfica útil. La mayoría de sus canciones son para tres voces, utilizando una textura dominada por la voz más aguda; las otras dos voces, sin texto, probablemente fueron interpretadas por instrumentos. [ cita requerida ]
Du Fay fue uno de los últimos compositores en hacer uso de técnicas estructurales polifónicas de finales de la Edad Media, como el isorritmo , [11] y uno de los primeros en emplear las armonías, fraseos y melodías más melifluas características del Renacimiento temprano. [12] Sus composiciones dentro de los géneros más amplios (misas, motetes y chansons) son en su mayoría similares entre sí; su renombre se debe en gran medida a lo que se percibía como su control perfecto de las formas en las que trabajaba, así como a su don para la melodía memorable y cantable. Durante el siglo XV, fue considerado universalmente como el mayor compositor de su tiempo, una opinión que ha sobrevivido en gran medida hasta nuestros días. [13] [14]
Durante el siglo XVI, Josquin des Prez ( c. 1450/1455 – 27 de agosto de 1521) adquirió gradualmente la reputación de ser el mayor compositor de su época; su dominio de la técnica y la expresión fueron imitados y admirados universalmente. Escritores tan diversos como Baldassare Castiglione y Martín Lutero escribieron sobre su reputación y fama.
.jpg/1280px-San_Marco_(evening_view).jpg)
En Venecia , desde aproximadamente 1530 hasta alrededor de 1600, se desarrolló un impresionante estilo policoral, que dio a Europa una de las músicas más grandiosas y sonoras compuestas hasta ese momento, con múltiples coros de cantantes, metales y cuerdas en diferentes ubicaciones espaciales en la Basílica de San Marcos de Venecia (ver Escuela veneciana ). Estas múltiples revoluciones se extendieron por Europa en las siguientes décadas, comenzando en Alemania y luego pasando a España, Francia e Inglaterra un poco más tarde, marcando el comienzo de lo que ahora conocemos como la era musical barroca .
La Escuela Romana fue un grupo de compositores de música predominantemente sacra en Roma, que abarcó las eras del Renacimiento tardío y el Barroco temprano. Muchos de los compositores tenían una conexión directa con el Vaticano y la capilla papal, aunque trabajaron en varias iglesias; estilísticamente se los suele contrastar con la Escuela de compositores de Venecia, un movimiento concurrente que era mucho más progresista. Con diferencia, el compositor más famoso de la Escuela Romana es Giovanni Pierluigi da Palestrina. Aunque es más conocido como un prolífico compositor de misas y motetes, también fue un importante madrigalista. Su capacidad para unir las necesidades funcionales de la Iglesia católica con los estilos musicales predominantes durante el período de la Contrarreforma le dio su fama duradera. [15]
El breve pero intenso florecimiento del madrigalismo musical en Inglaterra, principalmente entre 1588 y 1627, junto con los compositores que lo produjeron, se conoce como la Escuela Inglesa del Madrigal . Los madrigales ingleses eran a capela, de estilo predominantemente ligero, y generalmente comenzaron como copias o traducciones directas de modelos italianos. La mayoría eran para tres a seis voces.
La musica reservata es un estilo o una práctica interpretativa de música vocal a capella de la segunda mitad del siglo XVI, principalmente en Italia y el sur de Alemania, que implica refinamiento, exclusividad e intensa expresión emocional del texto cantado. [16]
El cultivo de la música europea en las Américas comenzó en el siglo XVI, poco después de la llegada de los españoles y la conquista de México. Aunque se crearon en estilo europeo, las obras híbridas exclusivamente mexicanas basadas en la lengua mexicana nativa y la práctica musical europea aparecieron muy pronto. Las prácticas musicales en la Nueva España coincidieron continuamente con las tendencias europeas a lo largo de los períodos posteriores de la música barroca y clásica. Entre estos compositores del Nuevo Mundo se encontraban Hernando Franco , Antonio de Salazar y Manuel de Zumaya . [ cita requerida ]
Además, desde 1932 los escritores han observado lo que llaman una seconda prattica (una práctica innovadora que implica un estilo monódico y libertad en el tratamiento de la disonancia, ambos justificados por la configuración expresiva de los textos) durante finales del siglo XVI y principios del XVII. [17]
A finales del siglo XVI, cuando se acercaba el fin del Renacimiento, se desarrolló un estilo extremadamente manierista . En la música profana, especialmente en el madrigal , se observó una tendencia hacia la complejidad e incluso hacia el cromatismo extremo (como se ejemplifica en los madrigales de Luzzaschi , Marenzio y Gesualdo ). El término manierismo deriva de la historia del arte.
En Florencia se intentó recuperar las formas dramáticas y musicales de la Antigua Grecia a través de la monodia , una forma de música declamada con un acompañamiento sencillo; sería difícil encontrar un contraste más extremo con el estilo polifónico precedente; también se trataba, al menos al principio, de una tendencia secular. Estos músicos eran conocidos como la Camerata florentina .
Ya hemos señalado algunos de los desarrollos musicales que ayudaron a marcar el comienzo del Barroco , pero para una explicación más detallada de esta transición, véase antífona , concertato , monodia , madrigal y ópera, así como las obras incluidas en "Fuentes y lectura adicional".
Muchos instrumentos surgieron durante el Renacimiento; otros eran variaciones o mejoras de instrumentos que ya existían anteriormente. Algunos han sobrevivido hasta nuestros días; otros han desaparecido, para luego ser recreados con el fin de interpretar música de la época con instrumentos auténticos. Al igual que en la actualidad, los instrumentos pueden clasificarse en instrumentos de viento metal, de cuerda, de percusión y de viento madera.
En Europa, los instrumentos medievales se utilizaban habitualmente de forma individual, a menudo acompañados de un bordón, o en ocasiones en partes. Desde al menos el siglo XIII hasta el siglo XV, los instrumentos se dividieron en haut (instrumentos fuertes, estridentes y para exteriores) y bas (instrumentos más silenciosos e íntimos). [18] Solo dos grupos de instrumentos podían tocar libremente en ambos tipos de conjuntos: la corneta y el sacabuche , y el tamboril y la pandereta . [4]
A principios del siglo XVI, los instrumentos se consideraban menos importantes que las voces. Se utilizaban para danzas y para acompañar la música vocal. [1] La música instrumental permaneció subordinada a la música vocal, y gran parte de su repertorio se derivaba de modelos vocales o dependía de ellos en diversos aspectos. [3]
En el Renacimiento se utilizaban habitualmente diversos tipos de órganos, desde grandes órganos de iglesia hasta pequeños órganos portátiles y órganos de lengüeta llamados regals .
Los instrumentos de viento metal del Renacimiento eran tradicionalmente tocados por profesionales. Algunos de los instrumentos de viento metal más comunes que se tocaban:
Como familia, las cuerdas se utilizaban en muchas circunstancias, tanto sagradas como profanas. Algunos miembros de esta familia son:
Algunos instrumentos de percusión del Renacimiento incluyen el triángulo , el arpa judía, la pandereta, las campanas, los platillos , el tamboril y varios tipos de tambores.
Los instrumentos de viento de madera (aerófonos) producen sonido mediante una columna de aire vibrante dentro del tubo. Los agujeros a lo largo del tubo permiten al intérprete controlar la longitud de la columna de aire y, por lo tanto, el tono. Hay varias formas de hacer vibrar la columna de aire y estas formas definen las subcategorías de los instrumentos de viento de madera. Un intérprete puede soplar a través de un orificio en la boca, como en una flauta; en una boquilla con una sola lengüeta, como en un clarinete o saxofón modernos; o con una lengüeta doble, como en un oboe o fagot. Estos tres métodos de producción de sonido se pueden encontrar en los instrumentos del Renacimiento.
Power (c. 1375–1445) fue uno de los dos principales compositores de música inglesa entre 1410 y 1445. El otro fue John Dunstaple.
