En el arte , claroscuro ( inglés: / k i ˌ ɑːr ə ˈ s k ( j ) ʊər oʊ / kee- AR -ə- SKOOR -oh, - SKURE - , italiano: [ˌkjaroˈskuːro] ; iluminado. 'claro-oscuro' ) es el uso de fuertes contrastes entre la luz y la oscuridad, contrastes generalmente audaces que afectan a toda la composición. También es un término técnico utilizado por artistas e historiadores del arte para el uso de contrastes de luz para lograr una sensación de volumen al modelar objetos y figuras tridimensionales. [1] Los efectos similares en el cine y en la fotografía en blanco y negro y discreta también se denominan claroscuro.
Otros usos especializados del término incluyen xilografía en claroscuro para xilografías de colores impresas con diferentes bloques, cada uno con una tinta de diferente color; y dibujo en claroscuro para dibujos sobre papel de colores en un medio oscuro con resaltado blanco.
El claroscuro se originó en el período del Renacimiento, pero se asocia más notablemente con el arte barroco. [2] El claroscuro es uno de los modos de pintura canónicos del Renacimiento (junto con cangiante , sfumato y unione ) (ver también Arte renacentista ). Los artistas conocidos por utilizar la técnica incluyen a Leonardo da Vinci , Caravaggio , [3] Rembrandt , [4] [5] Vermeer , [6] Goya , [7] y Georges de La Tour .
El término claroscuro se originó durante el Renacimiento como dibujo sobre papel de colores, donde el artista trabajaba desde el tono base del papel hacia la luz usando gouache blanco , y hacia la oscuridad usando tinta, color corporal o acuarela . [8] [9] Estos, a su vez, se basaron en tradiciones de manuscritos iluminados que se remontan a los manuscritos imperiales romanos tardíos en vitela teñida de púrpura . Estas obras se denominan " dibujos en claroscuro ", pero en la terminología moderna de los museos sólo pueden describirse mediante fórmulas como "lápiz sobre papel preparado, realzado con pintura blanca". [10] Los grabados en madera con claroscuro comenzaron como imitaciones de esta técnica. [11] Cuando se habla de arte italiano, el término a veces se utiliza para referirse a imágenes pintadas en monocromo o en dos colores, más generalmente conocidas en inglés por su equivalente francés, grisalla . El significado del término se amplió desde el principio para abarcar todos los fuertes contrastes de iluminación entre áreas claras y oscuras en el arte, que ahora es el significado principal.
El uso más técnico del término claroscuro es el efecto del modelado de luz en la pintura , el dibujo o el grabado , donde el volumen tridimensional es sugerido por la gradación de valores del color y la división analítica de las formas de luz y sombra, a menudo llamado " sombreado " . . La invención de estos efectos en Occidente, " skiagraphia " o "pintura de sombras" para los antiguos griegos, se atribuyó tradicionalmente al famoso pintor ateniense del siglo V a. C., Apolodoro . Aunque sobreviven pocas pinturas griegas antiguas, su comprensión del efecto del modelado de la luz todavía puede verse en los mosaicos de finales del siglo IV a. C. de Pella , Macedonia, en particular el mosaico de la caza del ciervo , en la Casa del Abducción de Helena, con la inscripción gnosis epoesen , o "el conocimiento lo hizo".
La técnica también sobrevivió en una forma estandarizada bastante tosca en el arte bizantino y fue refinada nuevamente en la Edad Media hasta convertirse en estándar a principios del siglo XV en la pintura y la iluminación de manuscritos en Italia y Flandes, y luego se extendió a todo el arte occidental.
Según la teoría de la historiadora del arte Marcia B. Hall , [12] que ha ganado considerable aceptación, [13] el claroscuro es uno de los cuatro modos de pintar colores disponibles para los pintores italianos del Alto Renacimiento , junto con el cangiante , el sfumato y el unione . [14]
El cuadro de Rafael ilustrado, con luz proveniente de la izquierda, muestra tanto un delicado claroscuro de modelado para dar volumen al cuerpo del modelo como un fuerte claroscuro en el sentido más común, en el contraste entre el modelo bien iluminado y el fondo muy oscuro. de follaje. Sin embargo, para complicar aún más las cosas, el claroscuro compositivo del contraste entre el modelo y el fondo probablemente no se describiría usando este término, ya que los dos elementos están casi completamente separados. El término se utiliza principalmente para describir composiciones en las que al menos algunos elementos principales de la composición principal muestran la transición entre la luz y la oscuridad, como en las pinturas de Baglioni y Geertgen tot Sint Jans ilustradas arriba y abajo.
El modelado de claroscuro ahora se da por sentado, pero ha tenido algunos oponentes; a saber: el retratista miniaturista inglés Nicholas Hilliard advirtió en su tratado sobre pintura contra todo uso excepto el mínimo que vemos en sus obras, reflejando las opiniones de su mecenas, la reina Isabel I de Inglaterra : "ver que mostrarse mejor no necesita sombra de lugar sino más bien la luz abierta... Su Majestad... eligió su lugar para sentarse con ese propósito en el callejón abierto de un hermoso jardín, donde no había ningún árbol cerca, ni sombra alguna..." [ 15]
En dibujos y grabados, el modelado del claroscuro a menudo se logra mediante el uso de sombreado o sombreado mediante líneas paralelas. Otras técnicas son los lavados, los efectos de punteado o punteado y el " tono superficial " en el grabado.
Los grabados en claroscuro son grabados en madera de antiguos maestros que utilizan dos o más bloques impresos en diferentes colores; no necesariamente presentan fuertes contrastes de luz y oscuridad. Primero se produjeron para lograr efectos similares a los dibujos de claroscuro. Después de algunos experimentos iniciales en la impresión de libros, el verdadero grabado en claroscuro concebido para dos bloques probablemente fue inventado por primera vez por Lucas Cranach el Viejo en Alemania en 1508 o 1509, aunque retrocedió algunas de sus primeras impresiones y añadió bloques de tonos a algunas impresiones producidas por primera vez. para la impresión monocromática, seguido rápidamente por Hans Burgkmair el Viejo . [16] Se afirma que el formschneider o cortador de bloques que trabajó en la imprenta de Johannes Schott en Estrasburgo fue el primero en realizar grabados en claroscuro con tres bloques. [17] A pesar de la afirmación de Vasari de la precedencia italiana en Ugo da Carpi , está claro que el suyo, los primeros ejemplos italianos, datan de alrededor de 1516 [18] [19] Pero otras fuentes sugieren que el primer grabado en claroscuro fue el Triunfo. de Julio César , que fue creado por Andrea Mantegna , un pintor italiano, entre 1470 y 1500. [20] Otra opinión afirma que: "Lucas Cranach retrodató dos de sus obras en un intento de acaparar la gloria" y que la técnica fue inventada "con toda probabilidad" por Burgkmair "a quien el emperador Maximiliano le encargó encontrar una forma barata y eficaz de difundir ampliamente la imagen imperial, ya que necesitaba conseguir dinero y apoyo para una cruzada". [21]
Otros grabadores que han utilizado esta técnica incluyen a Hans Wechtlin , Hans Baldung Grien y Parmigianino . En Alemania, la técnica alcanzó su mayor popularidad alrededor de 1520, pero se utilizó en Italia durante todo el siglo XVI. Artistas posteriores como Goltzius lo utilizaron en ocasiones. En la mayoría de las impresiones alemanas de dos bloques, el bloque clave (o "bloque de líneas") se imprimió en negro y el bloque o bloques de tono tenían áreas planas de color. En Italia, las xilografías en claroscuro se produjeron sin teclas para lograr un efecto muy diferente. [22]
La iluminación de manuscritos fue, como en muchas áreas, especialmente experimental al intentar efectos de iluminación ambiciosos, ya que los resultados no estaban para exhibición pública. El desarrollo del claroscuro compositivo recibió un impulso considerable en el norte de Europa a partir de la visión de la Natividad de Jesús de Santa Brígida de Suecia , una mística muy popular. Ella describió al niño Jesús como emitiendo luz; Las representaciones redujeron cada vez más otras fuentes de luz en la escena para enfatizar este efecto, y la Natividad siguió siendo muy comúnmente tratada con claroscuro hasta el Barroco. Hugo van der Goes y sus seguidores pintaron muchas escenas iluminadas únicamente por velas o la luz divina del niño Cristo. Como ocurrió con algunos pintores posteriores, en sus manos el efecto era de quietud y calma más que del dramatismo con el que se utilizaría durante el Barroco.
Los claroscuros intensos se convirtieron en un efecto popular durante el siglo XVI en el arte manierista y barroco . La luz divina continuó iluminando, a menudo de manera bastante inadecuada, las composiciones de Tintoretto , Veronese y sus numerosos seguidores. El uso de sujetos oscuros dramáticamente iluminados por un rayo de luz proveniente de una única fuente restringida y a menudo invisible, fue un recurso compositivo desarrollado por Ugo da Carpi (c. 1455 – c. 1523), Giovanni Baglione (1566-1643) y Caravaggio. (1571-1610), el último de los cuales fue crucial en el desarrollo del estilo del tenebrismo , donde el claroscuro dramático se convierte en un recurso estilístico dominante.
El tenebrismo fue practicado especialmente en España y el Reino de Nápoles , gobernado por españoles , por Jusepe de Ribera y sus seguidores. Adam Elsheimer (1578-1610), un artista alemán que vivía en Roma, produjo varias escenas nocturnas iluminadas principalmente por el fuego y, a veces, por la luz de la luna. A diferencia de las de Caravaggio, sus zonas oscuras contienen detalles e interés muy sutiles. Las influencias de Caravaggio y Elsheimer fueron fuertes en Peter Paul Rubens , quien explotó sus respectivos enfoques de la tenebrosidad para lograr efectos dramáticos en pinturas como La elevación de la cruz (1610-1611). Artemisia Gentileschi (1593-1656), artista barroca seguidora de Caravaggio, fue también una destacada exponente del tenebrismo y el claroscuro.
Un género particular que se desarrolló fue la escena nocturna iluminada por velas, que se remonta a artistas nórdicos anteriores como Geertgen tot Sint Jans y, más inmediatamente, a las innovaciones de Caravaggio y Elsheimer. Este tema se desarrolló entre muchos artistas de los Países Bajos en las primeras décadas del siglo XVII, donde se asoció con los caravaggistas de Utrecht , como Gerrit van Honthorst y Dirck van Baburen , y con pintores barrocos flamencos como Jacob Jordaens . Las primeras obras de Rembrandt van Rijn (1606-1669) de la década de 1620 también adoptaron la fuente de luz de una sola vela. La escena nocturna a la luz de las velas resurgió en la República Holandesa a mediados del siglo XVII en menor escala en las obras de fijnschilders como Gerrit Dou y Gottfried Schalken .
El propio interés de Rembrandt por los efectos de la oscuridad cambió en sus obras maduras. Se basó menos en los marcados contrastes de luz y oscuridad que marcaron las influencias italianas de la generación anterior, un factor que se encuentra en sus grabados de mediados del siglo XVII. En ese medio compartió muchas similitudes con su contemporáneo en Italia, Giovanni Benedetto Castiglione , cuyo trabajo en grabado lo llevó a inventar el monotipo .
Fuera de los Países Bajos, artistas como Georges de La Tour y Trophime Bigot en Francia y Joseph Wright de Derby en Inglaterra continuaron con un claroscuro tan fuerte, pero gradual, a la luz de las velas. Watteau utilizó un suave claroscuro en los fondos frondosos de sus fêtes galantes , y esto continuó en las pinturas de muchos artistas franceses, en particular Fragonard . A finales de siglo, Fuseli y otros utilizaron un claroscuro más intenso para lograr un efecto romántico, al igual que Delacroix y otros en el siglo XIX.
El uso francés del término claro oscuro fue introducido por el crítico de arte del siglo XVII Roger de Piles en el curso de una famosa discusión ( Débat sur le coloris ) sobre los méritos relativos del dibujo y el color en la pintura (su Dialogues sur le coloris , 1673, [23] fue una contribución clave al Débat ).
En inglés, el término italiano se ha utilizado (originalmente como claro-obscuro y chiaro-scuro [24]) desde al menos finales del siglo XVII. El término se utiliza con menos frecuencia en el arte después de finales del siglo XIX, aunque el expresionismo y otros movimientos modernos hacen un gran uso del efecto.
Especialmente desde el fuerte aumento de la reputación de Caravaggio en el siglo XX, en el uso no especializado el término se utiliza principalmente para fuertes efectos de claroscuro como el suyo o el de Rembrandt. Como dice la Tate : "El claroscuro generalmente sólo se destaca cuando es una característica particularmente prominente de la obra, generalmente cuando el artista utiliza contrastes extremos de luces y sombras". [25] [26]
El claroscuro se utiliza en cinematografía para una iluminación extremadamente discreta y de alto contraste para crear áreas distintas de luz y oscuridad en las películas, especialmente en películas en blanco y negro. Ejemplos clásicos son El gabinete del Dr. Caligari (1920), Nosferatu (1922), Metrópolis (1927) , El jorobado de Notre Dame (1939), El diablo y Daniel Webster (1941) y las escenas en blanco y negro de Andrei Tarkovsky . s Acosador (1979). [27]
Por ejemplo, en Metrópolis , la iluminación de claroscuros crea un contraste entre la puesta en escena y las figuras claras y oscuras . El efecto resalta las diferencias entre la élite capitalista y los trabajadores.
En fotografía , el claroscuro se puede conseguir utilizando la " iluminación Rembrandt ". En procesos fotográficos más desarrollados, la técnica puede denominarse "iluminación ambiental/natural", aunque cuando se hace así por el efecto, la apariencia es artificial y generalmente no de naturaleza documental. En particular, Bill Henson , junto con otros como W. Eugene Smith , Josef Koudelka , Lothar Wolleh , Annie Leibovitz , Floria Sigismondi y Ralph Gibson , pueden ser considerados algunos de los maestros modernos del claroscuro en la fotografía documental.
Quizás el uso más directo del claroscuro en el cine sea la película Barry Lyndon de Stanley Kubrick de 1975 . [28] Cuando se le informó que ningún lente tenía una apertura lo suficientemente amplia para filmar un drama de época ambientado en grandes palacios usando solo la luz de las velas, Kubrick compró y adaptó un lente especial para ese propósito: una cámara Mitchell BNC modificada y una lente Zeiss fabricada para el rigores de la fotografía espacial , con una apertura máxima de f/0,7 . La iluminación natural, no aumentada, de los decorados de la película ejemplifica la iluminación natural discreta en el cine en su forma más extrema, fuera de la tradición cinematográfica de Europa del Este/soviética (ejemplificada a su vez por el duro estilo de iluminación discreta empleado por el cineasta soviético Sergei Eisenstein ).
Sven Nykvist , colaborador de Ingmar Bergman desde hace mucho tiempo , también inspiró gran parte de su fotografía con realismo de claroscuro, al igual que Gregg Toland , quien influyó en directores de fotografía como László Kovács , Vilmos Zsigmond y Vittorio Storaro con su uso de un enfoque profundo y selectivo potenciado con fuertes Iluminación clave a nivel del horizonte que penetra a través de ventanas y puertas. Gran parte de la célebre tradición del cine negro se basa en técnicas relacionadas con el claroscuro que Toland perfeccionó a principios de la década de 1930 (aunque la iluminación de alto nivel , la iluminación del escenario, la iluminación frontal y otros efectos del cine negro se intercalan de maneras que disminuyen la afirmación del claroscuro).
Claroscuro en el modelado; pinturas
Claroscuro en el modelado; impresiones y dibujos
El claroscuro como elemento principal en la composición: la pintura
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El claroscuro como elemento importante en la composición: la fotografía
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Caras de claroscuro
Dibujos y xilografías en claroscuro.
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