El arte militar es el arte con una temática militar , independientemente de su estilo o medio. La escena de batalla es uno de los tipos de arte más antiguos en las civilizaciones desarrolladas, ya que los gobernantes siempre han tenido mucho interés en celebrar sus victorias e intimidar a los oponentes potenciales. La representación de otros aspectos de la guerra, especialmente el sufrimiento de las víctimas y de los civiles, ha tardado mucho más en desarrollarse. Además de los retratos de figuras militares, las representaciones de soldados anónimos en el campo de batalla han sido muy comunes; desde la introducción de los uniformes militares, estas obras a menudo se concentran en mostrar la variedad de estos.
Las escenas navales son muy comunes, y las escenas de batalla y los "retratos de barcos" se consideran en su mayoría una rama del arte marino ; el desarrollo de otros tipos de equipos militares de gran tamaño, como aviones de guerra y tanques, ha dado lugar a nuevos tipos de trabajos que los representan, ya sea en acción o en reposo. En las guerras del siglo XX, se contrató a los artistas de guerra oficiales para representar a los militares en acción; a pesar de que los artistas ahora están muy cerca de la acción, la escena de batalla se deja principalmente a los medios gráficos populares y al cine. El término arte de guerra se utiliza a veces, principalmente en relación con el arte militar del siglo XX realizado durante la guerra. [1]
El arte que representa temas militares ha existido a lo largo de la historia. [2] La Paleta del campo de batalla , una paleta cosmética del Período Protodinástico de Egipto (circa ~3500 a 3000 a. C.) está incompleta, pero muestra prisioneros siendo llevados y animales salvajes dándose un festín con los muertos. La Paleta de Narmer del mismo período muestra una victoria militar en un estilo más simbólico. La Estela de los Buitres , alrededor del 2500 a. C., es una de varias " estelas de la victoria " mesopotámicas . También alrededor del 2500 a. C., la representación más antigua conocida de una ciudad asediada se encuentra en la tumba de Inti, un funcionario del nomo 21 del Alto Egipto , que vivió durante la Quinta Dinastía tardía. [3] La escena muestra a soldados egipcios escalando los muros de una fortaleza del Cercano Oriente en escaleras. [4] Aunque la batalla de Kadesh en 1274 a. C. parece no haber sido concluyente, los relieves erigidos por Ramsés II lo muestran dispersando a sus oponentes hititas con su carro.
El arte asirio que sobrevive consiste principalmente en grandes relieves de piedra que muestran escenas detalladas de campañas militares o de caza; los relieves de Laquis son un ejemplo de lo primero. Los antiguos mármoles del Partenón griego muestran largos desfiles de la fuerza de caballería voluntaria de la ciudad , y muchos jarrones griegos muestran escenas de combate. En la dinastía Han de China, un famoso relieve de piedra de c. 150-170 d. C. de los santuarios de la familia Wu muestra una batalla entre fuerzas de caballería en la Campaña contra Dong Zhuo . [5]
En el arte romano antiguo, las columnas triunfales romanas más elaboradas mostraban relieves muy largos de campañas militares que se enroscaban alrededor del cuerpo de enormes columnas; entre las más impresionantes están las de Trajano y Marco Aurelio en Roma. El mosaico de Alejandro es una escena de batalla grande y dramática que muestra a Alejandro Magno derrotando a Darío III de Persia ; es un mosaico de piso excavado en Pompeya , probablemente copiando una pintura perdida. [6] Muchos sarcófagos helenísticos y romanos mostraban escenas abarrotadas de combate, a veces mitológicas (una amazonomaquia es un término para una escena de batalla entre amazonas y griegos ), y generalmente no relacionadas con una batalla en particular; estos no se usaban necesariamente para enterrar a personas con experiencia militar. Tales escenas tuvieron una gran influencia en las escenas de batalla del Renacimiento. [7] A finales del Imperio Romano, el reverso de las monedas mostraba muy a menudo soldados y llevaba una inscripción que alababa a "nuestros muchachos", sin duda con la esperanza de retrasar la próxima revuelta militar.
El arte cristiano producido para la iglesia generalmente evitaba las escenas de batalla, aunque un raro motivo de la Antigüedad Tardía muestra a Cristo vestido como un emperador victorioso con ropa de general, habiendo conquistado al diablo, en Cristo pisoteando a las bestias y otras iconografías . Los gustos violentos de la élite anglosajona lograron agregar el Desgarro del Infierno , concebido como una incursión en la fortaleza de Satanás, liderada por Cristo, al grupo estándar de escenas para un ciclo sobre la Vida de Cristo . [8] Los santos soldados , mostrados con vestimenta militar, fueron extremadamente populares, al igual que las imágenes del Arcángel Miguel apuñalando a Satanás como un dragón con una cruz con una punta de lanza en su base. Algunos manuscritos iluminados ilustraron las muchas batallas del Antiguo Testamento .
Las obras seculares producidas para mecenas seculares a menudo muestran temas militares, por ejemplo en copias manuscritas iluminadas de historias como el Froissart del siglo XV de Luis de Gruuthuse (BnF Fr 2643-6) , donde la mayoría de las 112 miniaturas muestran escenas militares. El asedio del castillo del amor , que a menudo se encuentra en los espejos góticos de marfil , mostraba a caballeros atacando un castillo defendido por damas, una metáfora de la literatura del amor cortés . El tapiz de Bayeux del siglo XI es una narración panorámica lineal de los eventos que rodearon la conquista normanda y la batalla de Hastings en 1066, [9] el único ejemplo sobreviviente de un tipo de tapiz bordado con el que los anglosajones ricos solían decorar sus hogares. En el arte islámico , la escena de batalla, a menudo de una obra ficticia de poesía épica , era un tema frecuente en las miniaturas persas , y el alto punto de vista que adoptaban hacía que las escenas fueran más fácilmente comprensibles que muchas imágenes occidentales.
La pintura renacentista italiana vio un gran aumento en el arte militar de los principales artistas, pinturas de batallas que a menudo presentaban escenas casi contemporáneas como el enorme conjunto de tres lienzos de La batalla de San Romano (c. 1445) de Paolo Uccello , y la abortada Batalla de Cascina (1504-1506) de Miguel Ángel y la Batalla de Anghiari de Leonardo da Vinci (1503-1506), que estaban destinadas a colocarse una frente a la otra en el Palazzo Vecchio de Florencia , pero ninguna de las cuales se completó. Para los artistas renacentistas con sus nuevas habilidades en la representación de la figura humana, las escenas de batalla les permitieron demostrar todas sus habilidades en la representación de poses complicadas; Miguel Ángel eligió un momento en el que un grupo de soldados fue sorprendido bañándose, y casi todas las figuras están desnudas. La batalla de Leonardo fue una batalla de caballería, cuya sección central fue muy vista antes de ser destruida, y enormemente influyente: "ejerció un cambio fundamental en toda la idea de la pintura de batalla, una influencia que duró a través del Renacimiento tardío y el Barroco hasta las máquinas heroicas de los pintores napoleónicos e incluso las composiciones de batalla de Delacroix ", según el historiador de arte Frederick Hartt . [10]
Todas ellas representaban acciones francamente menores en las que Florencia había derrotado a ciudades vecinas, pero las batallas importantes de la historia lejana eran igualmente populares. Los triunfos de César de Andrea Mantegna muestra el desfile triunfal romano de Julio César , aunque se centra en el botín en lugar del ejército que lo sigue; la serie de grabados Los triunfos de Maximiliano muestra ambos, conduciendo a Maximiliano II, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico , montado en un enorme carruaje. La batalla del Puente Milvio de Giulio Romano trajo una enorme y "seminal" escena de batalla a las Estancias de Rafael en el Palacio del Vaticano . [7] La inusual La batalla de Alejandro en Issos (1528-29) de Albrecht Altdorfer logró hacer una de las escenas de batalla renacentistas más apreciadas, a pesar de, o quizás debido a, tener un formato vertical, que fue dictado por el escenario planificado; fue encargada como una de un conjunto de ocho pinturas de batallas por varios artistas. "Fue la representación de batalla más detallada y panorámica de su época", [6] y su punto de vista aéreo sería ampliamente seguido durante los siglos siguientes, aunque rara vez con un efecto tan dramático.
En el norte de Europa, los grupos de soldados se convirtieron en un tema popular para las pinturas y, sobre todo, para los grabados de muchos artistas, entre ellos Urs Graf , que tiene la particularidad de que fue mercenario profesional suizo durante muchos años. Estas obras empezaron a presentar una visión menos heroica de los soldados, que a menudo representaban una amenaza considerable para las poblaciones civiles incluso en tiempos de paz, aunque los extravagantes trajes de los lansquenetes suelen considerarse glamorosos. [11] Para Peter Paret, a partir del Renacimiento "la glorificación del líder temporal y de su sistema político -que por supuesto también había estado presente en el arte medieval- reemplaza a la fe cristiana como fuerza interpretativa determinante" en el arte militar. [12]
La pintura naval se convirtió en una práctica convencional en la pintura holandesa de la Edad de Oro del siglo XVII y, a partir de entonces, los artistas tendieron a especializarse en ella o no intentarlo; además de cualquier otra cosa, "los artistas marinos siempre han tratado con una clase de mecenas particularmente exigente", como descubrió JMW Turner cuando el "rey marinero" Guillermo IV del Reino Unido rechazó su versión de La batalla de Trafalgar debido a su inexactitud. Hendrick Vroom fue el primer especialista real, seguido por el equipo de padre e hijo de Willem van de Velde , que emigró a Londres en 1673 y fundó efectivamente la tradición inglesa de la pintura naval, "produciendo un registro visual impresionante de las guerras navales anglo-holandesas, que establecieron las convenciones de la pintura de batallas marítimas para los siguientes 150 años". Vroom también había trabajado para mecenas ingleses, diseñando un gran conjunto de tapices de la derrota de la Armada Española que fue destruida cuando las Cámaras del Parlamento se incendiaron en 1834. [13]
En los siglos XVII y XVIII, las representaciones de batallas se hacían principalmente desde una vista aérea , como si se tratara de una colina cercana; esto hacía que fueran menos interesantes de pintar y los grandes artistas tendían a evitarlas. Una visión muy diferente de la guerra se ve en Les Grandes Misères de la guerre ("Las desgracias de la guerra"), un conjunto de doce grabados realizados por Jacques Callot durante la Guerra de los Treinta Años que sigue a un grupo de soldados que asolan el campo antes de ser finalmente acorralados por su propio bando y ejecutados. [14] También en la primera mitad del siglo XVII, una rama de la pintura de género en la pintura de la Edad de Oro holandesa se especializó en escenas de salas de guardia de soldados bastante desordenados, no a menudo en batalla, sino saqueando granjas o sentados en una sala de guardia de un campamento. [15] Las pinturas de Salvator Rosa , esencialmente paisajes , a menudo mostraban grupos descritos de diversas formas como bandidos o soldados acechando en el campo del sur de Italia. La rendición de Breda de Velázquez (1634-1635) muestra una escena multitudinaria en la que ambos bandos se reúnen pacíficamente para entregar la ciudad; un tema más a menudo copiado en la pintura naval que en el arte militar terrestre. [6]
Desde al menos finales del siglo XV, los tapices se convirtieron en el medio más importante para el "arte militar oficial"; los tapices portugueses de Pastrana (década de 1470) fueron un ejemplo temprano. Un conjunto producido para el duque de Marlborough que mostraba sus victorias fue modificado para diferentes clientes e incluso vendido a uno de sus oponentes, Maximiliano II Emanuel, elector de Baviera , después de rehacer los rostros del general y otros detalles. [16] [17]
A mediados del siglo XVIII, varios artistas, especialmente en Gran Bretaña, buscaron revivir el arte militar con grandes obras centradas en un incidente heroico que volvería a poner el género en primer plano en la pintura histórica , como lo había sido en el Renacimiento. La escena de batalla contemporánea estándar tendía a agruparse en la humilde categoría de pintura topográfica, que abarcaba mapas y vistas de casas de campo. La muerte del general Wolfe (1771) de Benjamin West , La muerte del capitán James Cook (1779) de Johann Zoffany , La derrota de las baterías flotantes en Gibraltar, septiembre de 1782 y La muerte del mayor Pierson (1784) de John Singleton Copley son ejemplos destacados del nuevo tipo, que ignoró las quejas sobre la falta de idoneidad de la vestimenta moderna para temas heroicos. Sin embargo, tales obras tuvieron una influencia más inmediata en Francia que en Gran Bretaña. [18]
En la era napoleónica , Francia añadió el romanticismo a su estilo y comenzó a retratar a soldados individuales con más carácter. Las pinturas de batallas se produjeron cada vez más para grandes edificios públicos y crecieron más que nunca. El barón Gros pintó principalmente glorificaciones de Napoleón y sus victorias, pero su pintura de 1808 de la Batalla de Eylau no descuida el sufrimiento de los muertos y heridos en el campo de batalla helado. [19] En contraste, las grandes pinturas de Goya El 2 de mayo de 1808 y El 3 de mayo de 1808 , tal vez concebidas conscientemente como una respuesta a Gros, y su serie relacionada de 82 aguafuertes , Los desastres de la guerra (en español: Los desastres de la guerra ), enfatizaron la brutalidad de las fuerzas francesas durante la Guerra de la Independencia en España. [20] [21] Las representaciones británicas de las guerras napoleónicas continuaron los patrones de finales del siglo XVIII, a menudo a mayor escala, con la muerte del almirante Horatio Nelson produciendo rápidamente grandes obras de Arthur William Devis ( La muerte de Nelson, 21 de octubre de 1805 ) y West ( La muerte de Nelson ). JMW Turner estuvo entre los artistas que produjeron escenas de las victorias de Nelson, con La batalla de Trafalgar . [22] La Institución Británica organizó concursos de bocetos de arte que conmemoraran las victorias británicas, y luego se encargaron las obras ganadoras. [23]
En este período, la estampa uniforme, que se centraba en una representación detallada del uniforme de una o más figuras de pie, normalmente coloreadas a mano, también se hizo muy popular en toda Europa. Al igual que otras estampas, estas se publicaban normalmente en forma de libro, pero también se vendían individualmente. En Gran Bretaña, las 87 estampas de The Loyal Volunteers of London (1797-98) de Thomas Rowlandson , publicadas por Rudolph Ackermann , marcan el inicio del período clásico. Aunque Rowlandson solía satirizar a sus sujetos hasta cierto punto, aquí los soldados estaban "representados como ellos, y particularmente sus coroneles que pagaban sus uniformes, preferían verse a sí mismos", que siguió siendo la representación habitual en tales estampas. [24] Un conjunto de estampas de Carle Vernet de los espléndidos uniformes de La Grande Armée de 1812 mostraba a la mayoría de los soldados de a pie en parejas en el campamento, en una variedad de poses relajadas que mostraban a uno de frente y al otro de atrás. Una rara pintura al óleo de un artista destacado que trata a los soldados con el espíritu de la estampa de uniforme es Soldados del 10.º Regimiento de Dragones Ligeros (el "Prince of Wales Own") pintado en 1793 por George Stubbs para su coronel en jefe , el futuro Jorge IV del Reino Unido. Otras pinturas de soldados solos eran más dramáticas, como El cazador a la carga de Théodore Géricault (c. 1812).
Eugène Delacroix , que también pintó muchas escenas de combate más pequeñas, terminó su Matanza de Quíos en 1824, que muestra un ataque entonces notorio contra civiles griegos por parte de las fuerzas otomanas durante la Guerra de Independencia griega , que se muestran bajo una luz completamente negativa. Tuvo un impacto más inmediato en el arte europeo que el Tres de Mayo de Goya ( 1808 ) de unos años antes, que aparentemente ni siquiera se exhibió en el Museo del Prado hasta algunos años después. En contraste, La Libertad guiando al pueblo de Delacroix de 1830 mostraba la lucha desde una perspectiva positiva, pero no desde una perspectiva "militar", ya que muestra a los revolucionarios civiles armados de la Revolución de Julio , avanzando contra las fuerzas uniformadas invisibles del gobierno. [25] Las atrocidades turcas seguirían siendo un tema recurrente en la pintura del siglo XIX, especialmente en los antiguos territorios otomanos que escaparon del imperio en decadencia (a menudo las escenas previas a la violación eran tratadas de forma bastante lasciva), y los sentimientos antimilitaristas generales, que antes se encontraban principalmente en grabados, también surgirían regularmente en grandes pinturas al óleo.
El arte militar siguió siendo popular durante el resto del siglo XIX en la mayor parte de Europa. Artistas franceses como Ernest Meissonier , [26] Edouard Detaille , [27] y Alphonse de Neuville [28] establecieron la pintura de género militar en el Salón de París . [29] Las nuevas formas de arte militar que se desarrollaron en la década de 1850 se encontraron con una considerable oposición por parte de la Royal Academy del Reino Unido. [30]
Entre los artistas europeos de estilo generalmente académico que eran conocidos como pintores de escenas de batalla, a menudo de temas de las guerras napoleónicas o conflictos más antiguos, se encontraban Albrecht Adam , [31] Nicaise de Keyser , [32] Piotr Michałowski [33] Antoine Charles Horace Vernet , [34] Emile Jean Horace Vernet , [35] Wilhelm Camphausen y Emil Hünten . El auge del nacionalismo promovió la pintura de batallas en países como Hungría (gran atención prestada a los uniformes), Polonia (enormes fuerzas) y las Tierras Checas . La enorme Batalla de Grunwald (1878) de Jan Matejko refleja el sentimiento paneslavo , mostrando varias fuerzas eslavas uniéndose para aplastar el poder de los Caballeros Teutónicos .
El uso del término "arte militar" ha evolucionado desde mediados del siglo XIX. En Francia, Charles Baudelaire analizó el arte militar y el impacto de la fotografía en él en el Salón de París de 1859. [36] Un crítico británico de la exposición de la Royal Academy de 1861 observó que
Los pintores británicos nunca se han adentrado plenamente en el arte militar , sólo se han quedado en los márgenes, tocando y recortando. – William Michael Rossetti [37]
En contraste, la artista británica Elizabeth Thompson (Lady Butler) explicó que "nunca pintó para la gloria de la guerra, sino para retratar su patetismo y heroísmo". [38] Las secuelas de la batalla fueron representadas en pinturas como Llamando a lista después de un compromiso, Crimea , que se exhibió en la Royal Academy en 1874. Esta perspectiva también se ve en Restos de un ejército que mostraba a William Brydon luchando por entrar en Jalalabad en un caballo moribundo. El Dr. Brydon fue el único sobreviviente de la retirada de Kabul de 1842, en la que 16.000 personas fueron masacradas por tribus afganas. [39]
El mercado británico comenzó a desarrollarse a mediados del siglo XIX. [40] Las relaciones entre el Estado y sus militares, y las ideologías implicadas en esa relación afectaron las obras de arte, los artistas y las percepciones públicas tanto de las obras de arte como de los artistas. [41]
En la época de la Guerra Civil estadounidense y la Guerra de Crimea, los fotógrafos comenzaron a competir fuertemente con los artistas en la cobertura de escenas en campamentos y las secuelas de la batalla, pero los tiempos de exposición eran generalmente demasiado largos para permitirles tomar fotografías de batallas con mucha eficacia. La fotografía de guerra no se cubre en este artículo. Las ilustraciones para periódicos y revistas continuaron un estilo heroico con quizás más confianza que los pintores, y Melton Prior siguió a las fuerzas británicas alrededor de los focos de conflicto imperial durante décadas, trabajando para Illustrated London News ; sus escenas "ayudaron a establecer un estilo de dibujo de acción que ha dejado una huella indeleble en el arte de la tira cómica ". [42] Prior y otros "corresponsales especiales" como Frederic Villiers eran conocidos como "especiales". Richard Caton Woodville Jr. y Charles Edwin Fripp eran "especiales" y también pintores que expusieron en la Royal Academy y en otros lugares. [42]
La Primera Guerra Mundial confirmó en gran medida el fin de la glorificación de la guerra en el arte, que había estado en declive desde finales del siglo anterior. [43] En general, y a pesar del establecimiento de grandes esquemas que empleaban a artistas de guerra oficiales , el arte más llamativo que representa la guerra es el que enfatiza su horror. Los artistas de guerra oficiales fueron designados por los gobiernos con fines informativos o de propaganda y para registrar los eventos en el campo de batalla; [44] pero muchos artistas lucharon como soldados normales y registraron sus experiencias en ese momento y más tarde, incluidos los alemanes George Grosz y Otto Dix , quienes habían luchado en el frente occidental y continuaron representando el tema durante el resto de sus carreras. La trinchera (1923) de Dix, que muestra los cuerpos desmembrados de los muertos después de un asalto, causó un escándalo y primero se exhibió detrás de una cortina, antes de provocar el despido del director del museo que había planeado comprarlo. Más tarde, después de exhibirlo en su exposición itinerante de 1937 de " Arte degenerado ", el gobierno nazi lo quemó. En 1924 produjo una serie de cincuenta grabados sobre Der Krieg ("La guerra"). El artista inglés Paul Nash comenzó a hacer dibujos de la guerra mientras luchaba en el frente occidental en el Artists Rifles . Después de recuperarse de una herida, fue reclutado como artista de guerra oficial y produjo muchas de las imágenes más memorables del lado británico de ambas guerras mundiales. Después de la guerra, la enorme demanda de monumentos de guerra provocó un auge para los escultores, que se describen a continuación, y los fabricantes de vidrieras .
Los carteles se habían vuelto universales en 1914 y estaban dirigidos tanto a los militares como al "frente interno" con diversos fines, incluido el reclutamiento, donde el eslogan británico Lord Kitchener Wants You (no es realmente el eslogan) se repitió en los Estados Unidos con el Tío Sam y en otros lugares con figuras totémicas similares. La Unión Soviética comenzó con carteles muy modernistas como Beat the Whites with the Red Wedge de Lazar Markovich Lissitzky, pero pronto se inclinó por el realismo socialista , utilizado para la mayoría de los carteles de la Segunda Guerra Mundial de la Unión Soviética , que a veces son similares a sus equivalentes nazis . En la Segunda Guerra Mundial se utilizaron aún más ampliamente. [45] Los ilustradores y dibujantes como Norman Rockwell también siguieron la tendencia de alejarse de las fotografías de temática militar después de la Segunda Guerra Mundial y con el auge de las portadas fotográficas en general.
El impacto de la Guerra Civil Española en una población no combatiente fue representado en la obra maestra de Picasso de 1937, Guernica , que muestra el bombardeo de Guernica en 1937 ; [46] un tratamiento muy diferente de un tema similar se ve en los dibujos de Henry Moore de civiles durmiendo refugiándose de los bombardeos de The Blitz en los andenes de la estación del metro de Londres . Entre los artistas oficiales de guerra de la Segunda Guerra Mundial, Totes Meer de Paul Nash es una imagen poderosa de un depósito de chatarra de aviones alemanes derribados, y el paisajista Eric Ravilious produjo algunas pinturas muy bellas antes de ser derribado y asesinado en 1942. [47] Los cuadros de Edward Ardizzone se concentraron completamente en soldados descansando o realizando tareas rutinarias, y fueron elogiados por muchos soldados: "Es la única persona que ha captado la atmósfera de esta guerra", sintió Douglas Cooper , el crítico de arte e historiador, amigo de Picasso, y entonces en una unidad médica militar. [48] La fotografía y el cine ahora podían capturar acciones de rápido movimiento, y se puede decir con justicia que produjeron la mayoría de las imágenes memorables que registran el combate en la guerra, y ciertamente los conflictos posteriores como la Guerra de Vietnam , que fue más notable por el arte de protesta específicamente contra la guerra, en carteles y el trabajo de artistas como Nancy Spero . [49] El arte militar contemporáneo es parte del subcampo "cultura militar y popular". [50]
Los gobernantes han sido representados con vestimenta específicamente militar desde la antigüedad; la diferencia es especialmente fácil de ver en la escultura de la Antigua Roma , donde los generales y cada vez más a menudo los emperadores son representados con armadura y la túnica militar corta. Las efigies de las tumbas medievales con mayor frecuencia representan caballeros, nobles y reyes con armadura, ya sea que hayan visto o no el servicio activo. En el período moderno temprano , cuando los comandantes superiores tendían a usar su traje de montar normal incluso en el campo de batalla, la distinción entre un retrato militar y uno normal se transmite principalmente por el fondo, o por una coraza o la chaqueta de cuero beige que se usaba debajo de la armadura, pero una vez que incluso los generales comenzaron a usar uniforme militar, a mediados del siglo XVIII, se vuelve claro nuevamente, [51] aunque inicialmente los uniformes de los oficiales se acercaban al traje civil elegante.
Los retratos de cuerpo entero y ecuestres de gobernantes y generales a menudo los mostraban en el campo de batalla, pero con la acción en un fondo lejano; una característica que probablemente se remonta al magistral Retrato ecuestre de Carlos V de Tiziano , que muestra al emperador después de su victoria en la batalla de Mühlberg pero sin otros soldados presentes. Los monarcas no solían ser pintados con uniforme militar hasta el período napoleónico, pero en el siglo XIX esto se volvió típico para los retratos formales, tal vez porque el uniforme era más atractivo visualmente. Un tipo de pintura distintivamente holandés son los enormes retratos de grupo encargados por los ricos oficiales a tiempo parcial de las compañías de milicia de la ciudad, de los cuales La ronda de noche (1642) de Rembrandt es el más famoso, aunque su escenario narrativo es atípico del género. La mayoría de los ejemplos solo muestran a los oficiales alineados como si estuvieran a punto de cenar, y algunos los muestran realmente comiéndola. [52] Por lo demás, los retratos de grupo de oficiales son bastante sorprendentemente raros hasta el siglo XIX.
La mayoría de las esculturas de escenas de batalla de la Antigüedad que se conservan son relieves de piedra, cubiertos por una capa superior. Los artistas y mecenas del Renacimiento deseaban recuperar esta forma, lo que hicieron principalmente en escenas mucho más pequeñas en piedra o bronce. La tumba en Milán del brillante general francés Gastón de Foix, duque de Nemours, incluía numerosos relieves de mármol alrededor de la base del sarcófago (que nunca se completó). Las estatuas y los monumentos funerarios de los comandantes siguieron siendo el lugar más común hasta que el monumento de guerra más general que conmemoraba a todos los muertos comenzó a surgir en el período de las guerras napoleónicas. La Columna de Nelson en Londres todavía conmemora a un solo comandante; tiene relieves muy grandes alrededor de la base de diferentes artistas, aunque generalmente se los considera menos memorables que otros aspectos del monumento. La Columna de Wellington en Liverpool también se conoce como el "Memorial de Waterloo", cambiando al concepto más moderno cuando "los muertos eran recordados esencialmente como soldados que lucharon en nombre de colectivos nacionales". [53]
Las enormes pérdidas de la Guerra Civil estadounidense dieron lugar al primer grupo realmente grande de monumentos escultóricos de guerra, así como a muchos monumentos para individuos. Entre los más destacados desde el punto de vista artístico se encuentra el Memorial a Robert Gould Shaw y al 54.º Regimiento, compuesto exclusivamente por negros , de Augustus Saint-Gaudens en Boston, con un segundo molde en la Galería Nacional de Arte de Washington . Las pérdidas aún mayores de la Primera Guerra Mundial llevaron incluso a pequeñas comunidades de la mayoría de las naciones involucradas a levantar algún tipo de monumento, introduciendo el uso generalizado de la forma en Australia, Canadá y Nueva Zelanda; el aumento repentino de la demanda llevó a un auge de los escultores de arte público . Incluso más que en la pintura, la guerra provocó una crisis de estilo, ya que gran parte de la opinión pública consideró inadecuados los estilos heroicos tradicionales. Uno de los monumentos británicos de mayor éxito es el Memorial de Artillería Real de Londres, de marcado realismo, la obra maestra de Charles Sargeant Jagger , que había sido herido tres veces en la guerra y pasó la mayor parte de la década siguiente conmemorándola. En las naciones derrotadas de Alemania y Austria, la controversia, que tenía un aspecto político, fue especialmente feroz, y los nazis eliminaron varios monumentos considerados excesivamente modernos, cuyos propios monumentos, como el Memorial Tannenberg , fueron eliminados después de la Segunda Guerra Mundial. [54] Otras soluciones fueron hacer que los monumentos fueran más neutrales, como en el Neue Wache reutilizado en Berlín, desde entonces rededicado a diferentes grupos varias veces, y las formas arquitectónicas dignas del Cenotafio en Londres (ampliamente imitado) y el Memorial Naval Alemán Laboe ; las tumbas del Soldado Desconocido y las llamas eternas fueron otras formas de evitar la controversia. Algunos, como el Memorial Nacional de Guerra de Canadá , y la mayoría de los monumentos franceses, se contentaron con actualizar los estilos tradicionales. [55]
Un gran número de monumentos conmemorativos de la Primera Guerra Mundial simplemente se ampliaron en su alcance para cubrir a los muertos de la Segunda Guerra Mundial y, a menudo, de los conflictos posteriores. El papel ahora dominante de la fotografía en la representación de la guerra se refleja en el Memorial Nacional de Iwo Jima , que recrea la icónica fotografía de 1945 Izando la bandera en Iwo Jima . El Memorial Nacional del Día D , un proyecto de la década de 1990, incluye esculturas fuertemente realistas, en contraste con el Memorial de los Veteranos de Vietnam en Washington. A menudo se han erigido monumentos más innovadores para las víctimas civiles de la guerra, sobre todo las del Holocausto . [56]
El arte militar abarca las acciones de las fuerzas militares en tiempos de paz. Por ejemplo, el sargento del Cuerpo de Infantería de Marina de los Estados Unidos Kristopher Battles , el único artista de guerra oficial estadounidense que quedaba en 2010, se desplegó con las fuerzas estadounidenses en Haití para proporcionar ayuda humanitaria como parte de la Operación Respuesta Unificada después del desastroso terremoto de 2010. [57]
El arte bélico crea un relato visual del conflicto militar mostrando su impacto, ya que se muestra a hombres y mujeres esperando, preparándose, luchando, sufriendo y celebrando. [58] [59] Los temas abarcan muchos aspectos de la guerra y la experiencia individual de la guerra, ya sea aliada o enemiga, militar o civil, militar o política, social o cultural. La gama temática abarca las causas, el curso y las consecuencias del conflicto. [60]
El arte bélico, expresión significativa de cualquier cultura y sus legados significativos, combina funciones artísticas y documentales para proporcionar una representación pictórica de escenas de guerra y mostrar "cómo la guerra moldea las vidas". [60] [61] [62] [63] [64] Representa un intento de llegar a un acuerdo sobre la naturaleza y la realidad de la violencia. [65] El arte bélico es típicamente realista , capturando detalles fácticos de testigos oculares, así como la impresión emocional y el impacto de los eventos. [66] El arte y la guerra se convierten en "una lucha entre el mundo de la imaginación y el mundo de la acción", una tensión constante entre la representación fáctica de los eventos y la interpretación de esos eventos por parte de un artista. [67]
Parte de la lucha incluye determinar cuál es la mejor manera de ilustrar escenas de guerra complejas. El libro Anzac de CEW Bean , por ejemplo, influyó en los artistas australianos que crecieron entre las dos guerras mundiales. Cuando se les pidió que representaran una segunda guerra multinacional después de 1939, existía un precedente y un formato que debían seguir. [68]
El arte bélico se ha utilizado como instrumento de propaganda, como herramienta para la construcción de naciones u otros fines persuasivos. [63] [69] [70] El arte bélico también se plasma en caricaturas, que ofrecen perspectivas contemporáneas. [71] La civilización occidental y la tradición estética estuvieron claramente marcadas por conflictos militares a lo largo de la historia. La guerra impulsó la cultura y la cultura impulsó la guerra. El legado de las obras de arte inspiradas en la guerra se lee como una serie de hitos que documentan el sinuoso curso del mapa evolutivo de la civilización. [72]
Los artistas de guerra pueden participar como espectadores de las escenas, personal militar que responde a poderosos impulsos internos de representar la experiencia directa de la guerra o individuos que reciben encargo oficial de estar presentes y registrar la actividad militar. [73]
Como ejemplo de los esfuerzos de la nación por documentar los acontecimientos de la guerra, se encargó a los artistas oficiales de guerra japoneses que crearan obras de arte en el contexto de una guerra específica para el gobierno japonés, incluyendo sensō sakusen kirokuga ("pintura documental de campañas de guerra"). Entre 1937 y 1945, se crearon aproximadamente 200 imágenes que representaban las campañas militares de Japón. Estas imágenes se presentaron en exposiciones a gran escala durante los años de guerra; después del final de la Segunda Guerra Mundial, los estadounidenses tomaron posesión de las obras de arte japonesas. [74] [75] [76]
Hay quienes pueden optar por no crear arte bélico. Durante la Segunda Guerra Mundial, los italianos prácticamente no crearon arte que documentara el conflicto. Los franceses comenzaron a pintar la guerra recién después de que esta terminara en 1945. [77]
Ejemplos de arte bélico clásico incluyen los frisos de guerreros en el Templo de Afaya en Grecia o el Tapiz de Bayeux , es una narración panorámica lineal de los eventos que rodearon la conquista normanda y la batalla de Hastings en 1066. [9] [78]
