El arte en bronce y latón data de la antigüedad más remota . Estos importantes metales son aleaciones , el bronce compuesto de cobre y estaño y el latón de cobre y cinc .
Las proporciones de cada aleación varían ligeramente. Normalmente, el bronce se puede considerar como nueve partes de cobre por una de estaño. Otros ingredientes que se encuentran ocasionalmente son más o menos accidentales. El resultado es un metal de un intenso color marrón dorado, que se puede trabajar mediante fundición , un proceso poco aplicable a sus componentes, pero particularmente exitoso con el bronce, ya que la densidad y dureza del metal le permiten tomar cualquier impresión de un molde, por delicado que sea. De este modo, es posible crear obras ornamentales de diversos tipos.
El proceso de fundición en bronce y latón se conoce como cire perdue , y es el más primitivo y más comúnmente empleado a través de los siglos, habiendo sido descrito por el monje Teófilo y también por Benvenuto Cellini . Brevemente, es como sigue: se hace un núcleo, que representa aproximadamente el tamaño y la forma del objeto a producir, de ladrillo machacado, yeso u otra sustancia similar y se seca completamente. Sobre esto, el artista superpone su cera , que modela hasta el grado requerido en su obra terminada. Pasando desde el núcleo a través de la cera y sobresaliendo más allá, hay varillas de metal. Una vez completado el modelado, llamado fundición a la cera perdida , se debe aplicar la cubierta exterior que formará el molde; se trata de un líquido formado por arcilla y yeso lo suficientemente fino como para encontrar su camino en cada detalle del modelo de cera. Se aplican capas adicionales de líquido, de modo que, cuando se seca, hay una capa exterior sólida y un núcleo interior sólido unidos por las varillas de metal, con la obra de arte modelada en cera entre ellos. Se aplica calor y la cera se derrite y se escurre, y el metal fundido se vierte y ocupa cada detalle que la cera había llenado. Cuando se enfría, la carcasa exterior se rompe con cuidado, se rastrilla el núcleo hasta donde sea posible, se quitan las varillas salientes y el objeto modelado en cera aparece en bronce . Si se requiere un acabado adicional, se obtiene mediante el mecanizado. [1]
El cobre empezó a utilizarse en la zona del Egeo hacia el final de la era predinástica de Egipto , alrededor del 3500 a. C. El instrumento más antiguo conocido es una hacha plana, que se encontró en el suelo de una casa neolítica en el patio central del palacio de Cnosos en Creta , y se considera un producto egipcio. El bronce no se utilizó de forma generalizada hasta mil años o más después. Su primera aparición es probablemente en las hachas y las hojas de daga de la Segunda Ciudad de Troya , donde ya es la aleación estándar de 10% de estaño. No se estableció en Creta hasta principios de la era minoica media (MMI, c. 2000 a. C.). La Edad del Cobre comenzó en el norte de Grecia e Italia alrededor del 2500 a. C., mucho más tarde que en Creta y Anatolia , y la Edad del Bronce italiana madura de la cultura Terremare coincidió en el tiempo con la civilización del Egeo Tardío ( micénica ) (1600-1000 a. C.). Se desconocen las fuentes originales tanto de estaño como de cobre en estas regiones. [1]
Las herramientas y armas, cinceles y cabezas de hacha , puntas de lanza o hojas de daga , son los únicos artefactos supervivientes de la Edad del Cobre y no muestran un tratamiento artístico. Pero algunas formas de cerámica minoica temprana son claramente copiadas de prototipos de metal, tazas y jarras de construcción sencilla y diseño bastante elaborado. Las tazas son cónicas y a veces tienen un pie de tallo; hay jarras ovaladas con picos tubulares largos y jarras con pico con hombros redondos colocados sobre cuerpos cónicos. Las cabezas de remaches que unen las partes metálicas se reproducen a menudo como un elemento decorativo en arcilla. Las jarras con pico y el tipo perforado de cabeza de hacha indican que las conexiones metalúrgicas de la Creta minoica temprana eran en parte mesopotámicas .
Se sabe que la broncínea minoica media floreció como arte autóctono independiente. A principios de esta época pertenece la espada más grande de la época, encontrada en el palacio de Malia . Es una hoja plana, de 79 cm de largo, con una base ancha y una punta afilada; hay una empuñadura de oro y cristal pero no hay ornamento en la hoja. Una daga de fecha algo posterior, ahora en el Museo Metropolitano de Nueva York, es la pieza más antigua de bronce decorado de Creta. Ambos lados de la hoja están grabados con dibujos: toros luchando y un hombre cazando jabalíes en un matorral. Un poco más tarde todavía ( MM III ) hay una serie de hojas de la Grecia continental, que deben atribuirse a artesanos cretenses, con ornamentos en relieve, o incisos, o con incrustaciones de oro, plata y niel . Las incrustaciones más elaboradas, imágenes de hombres cazando leones y gatos cazando pájaros, están en dagas de las tumbas de fuste de Micenas . Estos grandes diseños cubren toda la hoja plana excepto su borde, pero en las espadas, mejor representadas por los hallazgos en Cnosos , el adorno se limita a las altas nervaduras centrales que son una característica esencial de las hojas más largas. El tipo pertenece al comienzo de la era minoica tardía (micénica). La empuñadura está hecha de una sola pieza con la hoja; tiene una guarda con cuernos, un borde con reborde para sujetar las cachas de la empuñadura y una espiga para un pomo . Las cachas eran de marfil o alguna otra sustancia perecedera y estaban fijadas con remaches de bronce ; los pomos a menudo estaban hechos de cristal . Un estoque de Zapher Papoura (Cnosos) mide 91,3 cm de largo; su nervadura central y el reborde de la empuñadura están grabados con bandas de espirales y sus cabezas de remaches (originalmente revestidas de oro) con verticilos. Las hojas micénicas comunes están enriquecidas con molduras estrechas, paralelas a las nervaduras centrales de espadas y dagas, o a los dorsos curvados de cuchillos de un solo filo. Las puntas de lanza tienen casquillos martillados. Otras herramientas e implementos son cuchillos ovalados de dos filos, navajas de afeitar de punta cuadrada , cuchillas , cinceles, martillos , hachas, azadones , rejas de arado y sierras . Las armas de las Cícladas y de Grecia continental ( Heládica ) no muestran adornos, pero incluyen algunos tipos novedosos. Una punta de lanza con espiga tiene una hoja ranurada (Cicládica) o deslizada (Heládica) para asegurar el asta; y la alabarda , un arma de Europa occidental , se usaba en la Grecia Heládica Media.Hay pocos restos de armaduras metálicas micénicas ; una simple carrillera de un casco proviene de Ialysos en Rodas , y un par de grebas de Enkomi en Chipre . Una de las grebas tiene un alambre remachado en su borde para su sujeción. [1]
Los vasos minoicos y micénicos de mediados y finales son numerosos. En primer lugar, en cuanto a tamaño, se encuentran algunos cuencos hallados en Tylissos , en Creta; el más grande mide 1,40 metros de diámetro. Son cuencos hemisféricos poco profundos con dos o tres asas en forma de bucle remachadas en sus bordes y están hechos en varias secciones. El más grande está compuesto por siete láminas martilladas, tres en el borde, tres en el cuerpo y una en la base. Este método de construcción es habitual en formas grandes y complicadas. Las juntas de cuellos y cuerpos de jarras y cántaros a menudo se enmascaraban con un moldeado de rodillo. También se fundían formas más simples y pequeñas. Los mejores ejemplares de estos vasos provienen de casas y tumbas de Cnosos . Su ornamentación se aplica en bandas separadas, martilladas o fundidas y cinceladas , y soldadas en el borde o el hombro del vaso. Una forma ricamente decorada es un cuenco poco profundo con un asa de anillo ancho y un borde plano, en los que ambos tienen motivos florales o foliados en relieve . [1]
Una forma notable, que conecta la metalurgia prehistórica con la helénica , es un cuenco trípode, un cuerpo globular martillado con asas anulares verticales en el borde y patas de fundición pesadas unidas al hombro.
Los trabajos puramente decorativos son raros entre los bronces minoicos, y su calidad es comparativamente pobre. Hay varias estatuillas, modeladas de manera muy completa pero toscamente fundidas; son sólidas y sin cincelar, con detalles borrosos. Son bien conocidas una figura de una mujer orando o bailando de la Tróade , ahora en Berlín , y otra de Hagia Triada ; hombres orantes de Tylissos y Psychro , otro en el Museo Británico , un flautista en Leyden y un ambicioso grupo de un hombre dando una voltereta sobre un toro que embiste, conocido como el saltador de toros minoico . Este último era quizás un peso; hay pesos micénicos más pequeños en forma de animales, llenos de plomo , de Rodas y Chipre. Entre los últimos bronces micénicos encontrados en Chipre hay varios trípodes de construcción simple calada , un tipo que también se ha encontrado con material de transición en Creta y en contextos de la Edad del Hierro Temprana (geométricos) en el continente griego. Algunas piezas más elaboradas, fundidas con diseños de barcos, hombres y animales, pertenecen a un grupo de bronces encontrados en la cueva de Idea en Creta, la mayoría de los cuales son obras asiáticas de los siglos IX u VIII a.C. Los trípodes calados pueden haber tenido el mismo origen. Probablemente no sean griegos.
Durante la Edad Oscura de la transición del bronce al hierro, las artes decorativas se mantuvieron casi inalteradas, pero la metalistería industrial se produjo con libertad. Hay algunos restos de vasijas de bronce geométricas, pero como en el caso del material minoico temprano , las formas de metal se registran en sus derivados cerámicos. Algunas formas de vasos son claramente supervivencias del repertorio micénico, pero un mayor número son nuevas, y se trata de cuerpos esféricos o bicónicos elementales y algo torpes, con cuellos cilíndricos enormes con asas largas y sin picos. El ornamento cerámico pintado también refleja originales de metal, y algunos trozos de placa de bronce delgada en relieve con filas de perillas y ligeramente grabados en contornos rayados o en zigzag representan sin duda el arte que los recién llegados trajeron consigo a tierras griegas. Este tipo de trabajo decorativo se ve mejor en bronces de la cultura Villanova, estrechamente relacionada , del norte y centro de Italia . Una característica novedosa es la aplicación de pequeñas figuras en bulto redondo, en particular pájaros y cabezas de bueyes , como adornos de asas, tapas y bordes. El estilo geométrico italiano evolucionó hacia la complejidad, en bandas estrechas y apretadas de patrones convencionales y filas apretadas de patos; pero la obra griega contemporánea fue un refinamiento de los mismos elementos crudos.
El grabado aparece en su máxima expresión en las grandes placas de captura de las fíbulas , algunas de las cuales presentan las imágenes más antiguas conocidas de la mitología helénica . Se hacían pequeñas estatuillas de animales para uso votivo y también servían como sellos, con los dispositivos fundidos debajo de sus bases. Hay una gran serie de tales figuras, en su mayoría caballos, de pie sobre placas grabadas o perforadas, que evidentemente derivaban de sellos; entre los ejemplos más recientes hay grupos de hombres y centauros. Piezas de calderos trípodes de Olimpia tienen animales acostados o de pie sobre sus asas anulares verticales, que están sostenidas por figuras humanas en los bordes. Las asas y las patas están fundidas y están enriquecidas con elegantes molduras geométricas. Los cuencos están forjados, y su forma y técnica son prehelénicas. Aquí hay dos de los elementos del arte griego clásico en pleno desarrollo: las formas y procesos de épocas anteriores vigorizadas por un nuevo sentido estético. [1]
Un tercer elemento se sumó al rico repertorio de motivos decorativos egipcios y asirios que los comerciantes fenicios trajeron a Europa o los griegos aventureros trajeron de Asia. Una gran cantidad de mercancías orientales llegó a Grecia e Italia alrededor del año 800 a. C. Existe cierta incertidumbre sobre el lugar de fabricación de gran parte de las obras de bronce que se conservan, pero la misma duda sirve para enfatizar el gran parecido que estas piezas, fenicias, griegas o etruscas , tienen con sus modelos asirios o egipcios. Entre ellas, las más importantes son los cuencos y escudos de la cueva de Idean en Creta. Estos interesantes cuencos están grabados con simples bandas de animales, mientras que los escudos tienen diseños audaces y complicados de carácter puramente oriental. Es poco probable que un artesano griego en esta vigorosa era geométrica pudiera suprimir su estilo y producir copias mecánicas como estas. Así, en las tumbas etruscas, junto a cuencos fenicios con inscripciones, se han encontrado grandes calderos adornados con cabezas salientes de leones y grifos , y colocados sobre soportes cónicos que tienen grabados en relieve monstruos alados asirios.
El cuenco y el soporte eran formas arcaicas favoritas. El soporte griego era una fusión del trípode de varilla fundida y el cono en relieve. Algunos ejemplos tempranos tienen grandes placas triangulares entre las patas, trabajadas en relieve; pero el tipo desarrollado tiene patas y soportes separados cuyas juntas están enmascaradas con bordes y pies decorativos y placas de cubierta. Estos adornos están fundidos y cincelados, y están modelados en formas florales, animales y humanas. Los pies son garras de león, que a veces sujetan una pelota o se apoyan en sapos; los bordes y las placas muestran grupos de animales que luchan, guerreros, juerguistas o atletas, ninfas y sátiros , o temas mitológicos en relieve. Los festejantes se reclinan y los jinetes galopan sobre los bordes de los cuencos; las asas están formadas por figuras individuales de pie, parejas arqueadas de luchadores, amantes tomados de la mano o dos soldados verticales que llevan a un camarada horizontal. Los atletas desnudos sirven de asas para todo tipo de tapas y recipientes, mujeres vestidas sostienen discos de espejo alrededor de los cuales vuelan los dioses del amor y figuras similares coronan altos fustes de candelabros . Las bases de las asas están modeladas como máscaras de sátiro, palmetas y esfinges . Se trata de un adorno griego del siglo VI y posteriores. No se conocen con precisión sus centros de fabricación, pero el estilo de gran parte de las obras arcaicas apunta a Jonia .
Los tejidos etruscos se parecen tanto a sus originales griegos que no es posible separarlos en técnica o diseño, y el estilo etrusco no es más que griego provincial. El bronce era bastante abundante en Italia, las primeras monedas romanas eran de bronce pesado y hay evidencia literaria de que los bronces etruscos se exportaban. El proceso de grabado de línea parece haber sido una especialidad latina ; se aplicaba en temas pictóricos en las partes traseras de los espejos y en los lados de grandes cajas cilíndricas, ambas particularmente relacionadas con Praeneste . La más hermosa de todas estas cajas, la cista Firconi en la Villa Giulia en Roma , lleva la firma de un artista romano . Pertenecen a los siglos IV y III a. C. Los espejos griegos del mismo período rara vez están grabados; el disco generalmente está contenido en una caja plana que tiene un diseño repujado en su tapa. [1]
Las formas helenísticas y grecorromanas son más convencionales, y los nuevos motivos que pertenecen a estos períodos son en su mayoría florales. Los bustos y las máscaras son las placas con asas y los caños habituales; a las cabezas y extremidades de varios animales se les asignan ciertas funciones decorativas, como por ejemplo las briosas cabezas de mula mencionadas por Juvenal , que formaban los reposabrazos de los sofás de comedor. Estas piezas estructurales suelen tener incrustaciones de plata y niel . Las sillas y mesas de bronce se usaban comúnmente en las casas helenísticas y romanas, y en gran medida reemplazaron a los jarrones monumentales que eran populares en épocas anteriores. Los pequeños artículos domésticos, como las lámparas, cuando están hechos de bronce suelen ser romanos, y una clase peculiarmente romana de adornos personales es un gran broche de bronce con incrustaciones de esmaltes de colores, una técnica que parece haber tenido un origen galo .
En todas las épocas de la Antigüedad también se fabricaron estatuillas de bronce para uso votivo , y al menos en la época helenística y romana para adornos domésticos y mobiliario de santuarios domésticos. Pero el arte de la estatuaria de bronce apenas existía antes de la introducción de la fundición hueca, aproximadamente a mediados del siglo VI a. C. Las estatuillas votivas más primitivas son bueyes y otros animales, que evidentemente representan víctimas ofrecidas a los dioses . Se han encontrado abundantemente en muchos sitios de templos. Pero el arte clásico prefería el tema humano, devotos sosteniendo regalos o en su apariencia ordinaria, o los propios dioses en forma humana. Tales figuras suelen estar inscritas con fórmulas de dedicación. Los dioses y diosas posados conforme a sus personajes tradicionales y con sus atributos distintivos son la clase más representada de estatuillas posteriores. Son un género religioso , que aparece por primera vez en la escultura del siglo IV y particularmente favorecido por el sentimiento helenístico y la pedantería romana. Muchas de ellas eran, sin duda, figuras votivas, otras eran imágenes en santuarios domésticos y algunas eran ciertamente adornos. Entre los ídolos de culto se encuentran los lares danzantes , que llevan cornucopias y cuencos para libaciones. El pequeño Heracles que Lisipo hizo para Alejandro era un adorno de mesa ( epitrapezios ): estaba reclinado sobre la piel de león, con su maza en una mano y una copa de vino en la otra.
Con la invención de la fundición hueca, el bronce se convirtió en el material más importante de la escultura monumental, en gran parte debido a su resistencia y ligereza, que permitía poses que no serían posibles en piedra. Pero el valor del metal en épocas posteriores ha implicado la destrucción de casi todas esas estatuas. Las pocas figuras completas que sobreviven, y una serie algo más numerosa de cabezas separadas y bustos-retratos, dan testimonio de la excelencia del trabajo antiguo en este material. Las primeras estatuillas están cinceladas, forjadas y soldadas; después vienen las fundiciones sólidas, pero las figuras más grandes estaban compuestas de secciones martilladas, como utensilios domésticos, cada parte trabajada por separado en repujado y el conjunto ensamblado con remaches (σφυρήλατα). Muy poco de este endeble tejido se conserva, pero la casualidad ha conservado un busto entero, en la Tumba de Polledrara en Vulci . Pertenece a principios del siglo VI a. C., la época del trabajo repujado .
El proceso fue pronto reemplazado en tales temas por el vaciado hueco, pero los relieves martillados, la artesanía doméstica de la que surgió el trabajo del bronce griego, persistió en algunas formas especiales y muy perfeccionadas, como placas de asa en ciertos jarrones, emblemata en cajas de espejos y particularmente como adornos de armadura, donde se requería poco peso. Los bronces de Siris en el Museo Británico son hombreras de una coraza del siglo IV . El vaciado se realizó mediante el proceso de cire perdue en moldes de arcilla, pero se dedicó mucho trabajo al acabado. Los moldes están muy finamente cincelados, y la mayoría de las piezas grandes contienen parches, insertados para corregir los defectos. Las cabezas y las extremidades de las estatuas se fundieron por separado y se ajustaron a los cuerpos: además de la evidencia de la literatura y de los bronces reales, hay una ilustración de una estatua desmembrada en proceso de fabricación en un jarrón pintado en Berlín. [1]
Plinio y otros escritores antiguos tienen mucho que decir con respecto a varias aleaciones de bronce ( corintio , delio , egineta , siracusano ) en lo que respecta a su composición y usos y, en particular, a sus efectos de color, pero sus afirmaciones no han sido confirmadas por análisis modernos y, a veces, son manifiestamente falsas. Se dice que el bronce corintio se produjo por primera vez por accidente en el incendio romano de la ciudad (146 a. C.) cuando se mezclaron corrientes de cobre fundido , oro y plata. Plutarco y Plinio cuentan historias similares sobre el control del color por parte de los artistas: Silanión hizo una Yocasta de rostro pálido mezclando plata con su bronce, Aristónidas hizo que Atamante se sonrojara con una aleación de hierro . Hay buena evidencia de que los bronces griegos y romanos no estaban patinados artificialmente , aunque muchos estaban dorados o plateados. Plutarco admira el color azul de algunas estatuas muy antiguas en Delfos y se pregunta cómo se producía; Plinio menciona un lavado con betún , pero sin duda se trataba de una laca protectora ; y una inscripción del siglo IV procedente de Quíos registra las normas dictadas allí para mantener limpia y brillante una estatua pública. [1]
Esta sección no se ocupa de la escultura en bronce , sino de las múltiples aplicaciones artísticas del metal en relación con la arquitectura o con objetos de uso eclesiástico y doméstico. No se puede determinar de forma satisfactoria por qué se prefería el bronce en Italia , el hierro en España y Alemania y el latón en los Países Bajos ; el temperamento nacional está impreso en la elección de los metales y también en los métodos de trabajarlos. Los centros de energía artística se desplazan de un lugar a otro debido a las guerras, las conquistas o las migraciones. [2]
Dejando a un lado la antigüedad remota y comenzando con la Roma Imperial , el trabajo del bronce, inspirado probablemente en la Grecia conquistada, se ve claramente. Hay puertas de bronce antiguas en el Templo de Rómulo en el Foro Romano ; otras de las Termas de Caracalla están en la Basílica de Letrán , que también contiene cuatro hermosas columnas estriadas de bronce dorado del orden corintio . El Museo de Nápoles contiene una gran colección de utensilios domésticos de bronce, recuperados de las ciudades sepultadas de Pompeya y Herculano , que muestran un alto grado de perfección en el trabajo del metal, así como una amplia aplicación de su uso. Una serie de amarres en forma de cabezas de animales finamente modeladas, realizadas en el siglo I d.C., y recuperadas del lago Nemi en las colinas Albanas hace algunos años, muestran un mayor conocimiento de la hábil elaboración de este metal. El trono de Dagoberto en la Biblioteca Nacional de París parece ser una silla curul de bronce romana , con respaldo y parte de los brazos añadidos por el abad Suger en el siglo XII.
Bizancio , desde que Constantino la convirtió en sede del imperio, a principios del siglo IV, fue durante 1.000 años famosa por sus trabajos en metal. Su posición como centro comercial entre Oriente y Occidente atrajo los mejores trabajos proporcionados por las habilidades artísticas de los artesanos de Siria , Egipto , Persia , Asia Menor y las costas septentrionales del Mar Negro , y durante 400 años, hasta el comienzo del período iconoclasta en la primera mitad del siglo VIII, su producción fue enorme. Varias iglesias italianas aún conservan puertas de bronce fundidas en Constantinopla en los últimos días del Imperio Oriental , como las donadas por los miembros de la familia Pantaleone , en la segunda mitad del siglo XI, a las iglesias de Amalfi , Monte Cassino , Atrani y Monte Gargano . Puertas similares se encuentran en Salerno ; y San Marcos , en Venecia , también tiene puertas de origen griego.
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El período de los iconoclastas coincidió con el reinado del emperador franco Carlomagno , cuyo poder se hizo sentir en toda Europa occidental. Algunos de los artesanos que se vieron obligados a abandonar Bizancio fueron bien recibidos por él en sus capitales de Colonia y Aquisgrán y su influencia también se sintió en Francia. Otra corriente pasó por el Mediterráneo hasta Italia, donde el antiguo arte clásico había decaído debido a las muchas calamidades nacionales, y aquí provocó un renacimiento. En Renania y en otras partes de Europa, los términos "renano-bizantino" y " románico " aplicados a la arquitectura y las obras de arte en general, dan testimonio de la procedencia del estilo de este período y del siguiente. El parapeto de bronce [ aclaración necesaria ] de la catedral de Aquisgrán es de diseño clásico y probablemente data de la época de Carlomagno.
Durante toda la Edad Media, el uso del bronce continuó a gran escala, particularmente en los siglos XI y XII. Bernward , obispo de Hildesheim , un gran mecenas de las artes, hizo puertas de bronce, las Puertas Bernward , hechas para la iglesia de San Nicolás (posteriormente trasladada a la catedral) que se instalaron en 1015; se hicieron grandes puertas para Augsburgo en algún momento entre 1060 y 1065, y para Maguncia [3] poco después del año 1000. Una característica destacada en varias de estas puertas se ve en las mandíbulas de león finamente modeladas, con melenas convencionales y con un anillo colgando de sus mandíbulas. Estas tienen su contraparte en Francia y Escandinavia , así como en Inglaterra , donde están representadas por el llamado Aldaba del Santuario en la Catedral de Durham . [4]
La construcción de monumentos funerarios y mobiliario eclesiástico dio mucho trabajo a los fundadores alemanes y holandeses. Cabe mencionar el candelabro de siete brazos de la catedral de Essen, realizado para la abadesa Matilde alrededor del año 1000, y otro de Brunswick , terminado en 1223; también la notable pila bautismal del siglo XIII, realizada para la catedral de Hildesheim a cargo de Wilbernus, un canónigo de la catedral. Se encuentran otras pilas bautismales en Brandeburgo y Würzburg . En la Edad Media se produjeron grandes cantidades de jarras de bronce y latón , vasos de agua bendita, relicarios y candelabros. En general, la mayor parte de los trabajos más finos se ejecutaron para la Iglesia. [2] Un importante centro de fundición de cobre y latón medieval ( en neerlandés : geelgieten ; literalmente "fundición amarilla") fue el valle del Mosa , especialmente en el siglo XII. La ciudad de Dinant dio su nombre al término francés que designaba todo tipo de trabajos artísticos en cobre y latón: dinanderie (véase también la sección "Latón"). Tras la destrucción de la ciudad por parte de Carlos el Temerario en 1466, muchos trabajadores del latón se trasladaron a Maastricht , Aquisgrán y otras ciudades de Alemania e incluso de Inglaterra.
El final del período gótico vio algunos grandes artesanos en Alemania y los Países Bajos de los Habsburgo . El artesano Aert van Tricht tenía su base en Maastricht, pero trabajó en la Catedral de San Juan, 's-Hertogenbosch y la Catedral de Xanten . Un atril de bronce para la Iglesia de San Pedro, Lovaina, se encuentra ahora en la colección de The Cloisters en Nueva York. Peter Vischer de Núremberg , y sus hijos, trabajando en el relicario de bronce de San Sebaldo , un monumento de forma arquitectónica finamente concebido, con ricos detalles de ornamentos y figuras; entre estas últimas aparece el artista en su traje de trabajo. El santuario se completó y se instaló en el año 1516. Este gran artesano ejecutó otras obras excelentes en Magdeburgo , Römhild y Breslau . Cabe hacer referencia al monumento colosal de Innsbruck , la tumba del emperador Maximiliano I , con sus 28 estatuas de bronce de un tamaño superior al natural. Se construyeron grandes fuentes en las que se empleaba libremente el bronce, como las de Múnich y Augsburgo. La tendencia era utilizar este metal para grandes obras de carácter arquitectónico o escultórico, al tiempo que se producían objetos más pequeños para uso doméstico. [2] A finales del siglo XV y durante el siglo XVI se había desarrollado un estilo de cuencos ornamentales de latón llamados Beckenschlägerschüssel .
En el siglo XII, los artesanos italianos habían desarrollado un estilo propio, como se puede ver en las puertas de bronce de San Zenón , Verona (que están hechas de bronce martillado y no fundido), Ravello , Trani y Monreale . Bonanno da Pisa hizo una serie de puertas para el duomo de esa ciudad , de las cuales se conserva un par. El siglo XIV fue testigo del nacimiento de un gran renacimiento en el trabajo del bronce, que estaba destinado a florecer durante al menos cuatro siglos. El bronce era un metal amado por el artesano italiano; en ese metal produjo objetos para todos los propósitos concebibles, grandes o pequeños, desde un pomo de puerta hasta las poderosas puertas de Lorenzo Ghiberti en Florencia , de las que Miguel Ángel comentó que quedarían bien en las puertas del Paraíso. Nicola , Giovanni y Andrea Pisano , Ghiberti , Brunelleschi , Donatello , Verrocchio , Cellini , Miguel Ángel, Giovanni da Bolonia : estos y muchos otros produjeron grandes obras en bronce.
Benedetto da Rovezzano llegó a Inglaterra en 1524 para ejecutar una tumba para el cardenal Wosley , parte de la cual, después de muchas vicisitudes, ahora está en la cripta de la catedral de San Pablo . Pietro Torrigiano de Florencia ejecutó la tumba de Enrique VII en la Abadía de Westminster . Alessandro Leopardi , a principios del siglo XVI, completó los tres admirables zócalos para astas de bandera que todavía adornan la Piazza San Marco , en Venecia. Un desarrollo posterior se mostró en la producción de medallas de retrato en bronce, que alcanzaron un alto grado de perfección y atrajeron la atención de muchos artistas célebres. Las plaquetas de bronce para la decoración de objetos grandes exhiben un fino sentido del diseño y la composición. De los objetos más pequeños, para uso eclesiástico y doméstico, el número fue legión. Entre los primeros se pueden mencionar crucifijos, santuarios, altares y candelabros pascuales , como los elaborados ejemplos de la Certosa de Pavía ; Para uso profano, morteros, tinteros, candeleros y gran cantidad de espléndidos aldabones y pomos, todos ellos ejecutados con gran destreza y perfección de acabado. Trabajos de este tipo continuaron realizándose durante los siglos XVII y XVIII. [2]
El Candelabro Trivulzio de la Catedral de Milán , un candelabro de bronce de siete brazos que mide 5 metros de altura, tiene una base y una parte inferior decoradas con un intrincado diseño ornamental que muchos consideran una obra francesa del siglo XIII; la parte superior con los brazos se añadió en la segunda mitad del siglo XVI. Una parte de un objeto similar que muestra la misma intrincada decoración existía anteriormente en Reims , pero lamentablemente fue destruida durante la Primera Guerra Mundial . [ cita requerida ]
En el siglo XVI, los nombres de Germain Pilon y Jean Goujon son prueba suficiente de la habilidad para trabajar el bronce. A principios del siglo XVII se observa un gran estallido de energía artística, cuando se producen obras en bronce dorado o bronce dorado en grandes cantidades. La artesanía es magnífica y de la más alta calidad, los diseños al principio refinados y simétricos; pero más tarde, bajo la influencia del estilo rococó , introducido en 1723, apuntaban solo a la suntuosidad. Todo estaba en consonancia con el espíritu de la época, y en su propio entorno suntuoso estos finos candelabros, apliques, jarrones, relojes y ricos montajes de muebles son completamente armoniosos. El "ciseleur" y el "fondeur", como Pierre Gouthière y Jacques Caffieri , se asociaron con los fabricantes de muebles finos y de delicada porcelana de Sèvres , lo que dio como resultado una riqueza extrema y un efecto atractivo. Después de la Revolución Francesa, el estilo fue reemplazado por un estilo rígido y clásico que, aunque tiene un encanto propio, carece de la vitalidad y la libertad de las obras anteriores. En Londres, los estilos se pueden estudiar en la Colección Wallace , en Manchester Square , y en el Museo Victoria y Alberto , en South Kensington ; en Nueva York, en el Museo Metropolitano . [2]
La fundición en bronce alcanzó una gran perfección en Inglaterra, donde aún se conservan numerosos monumentos. William Torel , orfebre y ciudadano de Londres, hizo una efigie de bronce de Enrique III y, más tarde, la de la reina Leonor para sus tumbas en la Abadía de Westminster; la efigie de Eduardo III fue probablemente obra de uno de sus alumnos. No se encuentran pilas de bronce en las iglesias inglesas, pero han sobrevivido varios crucifijos procesionales del siglo XV, todos siguiendo el mismo diseño y de ejecución tosca. Existen anillos o aldabas para el santuario en Norwich , Gloucester y otros lugares; el más notable es el de la puerta norte de la nave de la catedral de Durham, que tiene suficiente carácter propio para diferenciarlo de sus hermanos continentales y sugerir un origen nórdico.
El candelabro de Gloucester, del Victoria and Albert Museum de South Kensington, muestra el poder y la imaginación del diseñador, así como una extraordinaria habilidad manipuladora por parte del fundador. [5] Según una inscripción en el objeto, este candelabro, que mide unos 61 cm de alto y está hecho de una aleación aliada al bronce, fue hecho para el abad Peter, que gobernó de 1109 a 1112. Si bien el contorno se conserva cuidadosamente, el adorno consiste en una masa de figuras de monstruos, pájaros y hombres, mezcladas y entrelazadas hasta el borde de la confusión. Como pieza de fundición, es un triunfo de la habilidad técnica. [5] Para uso secular, el mortero era uno de los objetos más comunes en Inglaterra y en el continente; los primeros ejemplos de diseño gótico son de gran belleza. En ejemplos posteriores se encuentra una mezcla de estilos en las bandas de ornamentos góticos y renacentistas , que se usan libremente en combinación. Los jarros de bronce deben haber sido comunes; Del tipo más ornamentado se pueden ver dos, uno en South Kensington y otro en el Museo Británico. Se trata de grandes vasijas de unos 61 cm de altura, con escudos de armas e inscripciones en letras de fundidores de campanas. En siglos posteriores se produjeron muchos objetos de uso doméstico, como morteros, sartenes, etc. [1] [2]
En el norte de Europa, Francia, Alemania, Inglaterra y los Países Bajos , la fundición de campanas ha sido una industria enorme desde principios de la Edad Media. Desafortunadamente, un gran número de campanas medievales han sido fundidas y refundidas, y en tiempos de guerra muchas fueron confiscadas para ser fundidas en armas. Las primeras campanas tienen un contorno elegante y a menudo tienen adornos simples pero bien diseñados e inscripciones muy decorativas; para estas últimas se usaba un sello o troquel separado para cada letra o para un grupo corto de letras. En todos los países, los fundidores de campanas eran un grupo importante de la comunidad; en Inglaterra se conocen muchos de sus nombres y se reconoce el carácter especial de su trabajo. Existen campanas antiguas en las catedrales francesas de Amiens , Beauvais , Chartres y otros lugares; en Alemania, en Erfurt , Colonia y Halberstadt . La industria de la fundición de campanas ha continuado a lo largo de los siglos, y uno de sus logros posteriores fue la fundición del " Big Ben " en Westminster en 1858, una campana de entre 13 y 14 toneladas de peso. [1] [2]
En años más recientes, el bronce ha reemplazado en cierta medida al hierro en barandillas, balcones y escaleras, en el ámbito de la arquitectura; el estilo adoptado es rígidamente clásico, lo que no requiere una gran cantidad de ornamentación, y el metal tiene el mérito de una apariencia agradable y una durabilidad considerable.
El latón es una aleación compuesta de cobre y cinc , que se utiliza habitualmente para la fabricación de chapas metálicas y se funde en una proporción de siete partes del primero por tres del segundo. Esta combinación garantiza un color brillante. Sin embargo, existen variedades de tonos que van desde un color limón pálido hasta un marrón dorado intenso, que depende de una cantidad mayor o menor de cinc. En los primeros tiempos, este metal parece haberse empleado con moderación, pero a partir de la Edad Media la industria del latón fue muy importante, se llevó a cabo a gran escala y se aplicó en direcciones muy diferentes. El término " latten ", que se encuentra con frecuencia en documentos antiguos, se utiliza con bastante ligereza y a veces se utiliza para objetos hechos de bronce; su verdadera aplicación es la aleación que llamamos latón. En Europa, su uso con fines artísticos se centró principalmente en la región del valle del Mosa , en el sureste de Bélgica , junto con el noreste de Francia, partes de los Países Bajos y las provincias renanas, de las que Colonia era el centro.
Ya en el siglo XI los habitantes de las ciudades de Huy y Dinant trabajaban este metal; el cinc lo encontraban en su propio país, mientras que para el cobre iban a Colonia o Dortmund , y más tarde a las minas de las montañas de Harz . Se producían muchos trabajos tanto por fundición como por repujado, pero era en el primer proceso en el que sobresalían. En muy poco tiempo se acuñó el término "dinanderie" para designar el trabajo en latón que emanaba de las fundiciones de Dinant y otras ciudades de los alrededores. Sus producciones encontraron su camino hacia Francia, España, Inglaterra y Alemania. En Londres, los comerciantes de Dinant, alentados por Eduardo III , establecieron un "Hall" en 1329 que existió hasta finales del siglo XVI; en Francia comerciaban en Rouen , Calais , París y otros lugares. La industria floreció durante varios siglos, pero se vio debilitada por las disputas con sus rivales en la vecina ciudad de Bouvignes ; En 1466 la ciudad fue saqueada y destruida por Carlos el Temerario . Los fundidores de bronce huyeron a Huy, Namur , Middleburg , Tournai y Brujas , donde continuaron su trabajo. [1] [2]
La obra más antigua realizada en latón procedente del Mosa es la pila bautismal de la iglesia de San Bartolomé de Lieja (cf. fig. 1 en la galería), un gran recipiente que reposa sobre bueyes y cuyo exterior está realizado en alto relieve con grupos de figuras realizando ceremonias bautismales; fue realizada entre 1113 y 1118 por René de Huy , autor de un notable incensario conservado en el museo de Lille .
A partir de esta época se ejecutaron una larga serie de obras excepcionales para iglesias y catedrales en forma de pilas, atriles , candelabros pascuales y de altar, tabernáculos y candelabros; las pilas de contorno sencillo tienen ricas cubiertas frecuentemente adornadas con temas de figuras; los atriles suelen estar coronados por un águila de forma convencional, pero a veces por un pelícano (cf. Fig. 2); un grifo corona el atril en Andenne . Los soportes que sostienen a estas aves son a veces de rica tracería gótica, con figuras, y descansan sobre leones; formas posteriores muestran un fuste de forma cilíndrica, con molduras a intervalos y extendido hasta una base ancha. Se encuentran algunos en Alemania en el distrito de Colonia, que pueden ser de fabricación local; algunos permanecen en iglesias de Venecia. Se han observado alrededor de una veintena en iglesias inglesas, como en Norwich , St Albans , Croydon y otros lugares. En su mayor parte siguen el mismo modelo y probablemente fueron importados de Bélgica. Existen candelabros de latón de gran calidad en la iglesia del Temple , en Bristol (cf. Fig. 3), en St Michael's Mount , en Cornualles , y en el norte de Gales . Los atriles debieron marcar la moda en Inglaterra para este tipo de objetos; durante varios siglos se encuentran, por ejemplo, en la capilla de San Jorge, el castillo de Windsor , la capilla del King's College, en Cambridge , la catedral de San Pablo y algunas iglesias de Londres (cf. Fig. 4). En la región de Colonia se produjeron muchos trabajos en latón que aún permanecen en las iglesias; cabe mencionar el hermoso biombo de la catedral de Xanten , obra, según se dice, de un artesano de Maastricht , Países Bajos, a principios del siglo XVI. Un ejemplo moderno es el biombo de Hereford en la catedral de Hereford , realizado por George Gilbert Scott en 1862 en una variedad de metales donde predomina el latón (cf. Fig. 5).
Los Países Bajos, Noruega y Suecia también produjeron candelabros, muchos de ellos de gran tamaño: el tipo de los siglos XVI y XVII es el conocido "araña", de los cuales también se fabricaron grandes cantidades en Inglaterra y todavía cuelgan en muchas iglesias de Londres y provincias. Los Países Bajos también mostraron un gran gusto por el trabajo martillado, y produjeron una gran cantidad de atriles, candelabros de altar y similares con ese método. Los grandes platos en relieve con Adán y Eva y temas similares son probablemente de origen holandés y se encuentran en países vecinos. Estos difieren considerablemente de los platos de latón en los que el tema central -la Anunciación , San Jorge , San Cristóbal , el Agnus Dei , una sirena o flores- está rodeado por una banda de letras, que con frecuencia no tienen ningún significado más allá del de la ornamentación; los bordes están estampados con un patrón repetido de pequeños diseños. Este último tipo de plato probablemente fue obra de artesanos de Núremberg o Augsburgo, y debe notarse que todo el adorno se produce martillando en matrices o mediante el uso de sellos; Son piezas puramente mecánicas.
El latón se utilizaba mucho para objetos más pequeños en las iglesias y para uso doméstico. Las imágenes flamencas y alemanas muestran candelabros, pilas de agua bendita , reflectores, incensarios y vasos para lavarse las manos como los que se usan en las iglesias. Los inventarios de bienes eclesiásticos en Inglaterra hicieron que en la época de la Reforma se descubriera una gran cantidad de objetos en latón que probablemente se fabricaban en el país. En general, se utilizaba un recipiente atractivo conocido como aguamanil ( cf. Fig. 6); se trata de un recipiente para agua generalmente en forma de un león de pie, con un pico que sobresale de su boca; en la parte superior de la cabeza hay una abertura para llenar el recipiente, y un asa en forma de lagarto une la parte posterior de la cabeza con la cola. Otros tienen forma de caballo o carnero; algunos tienen forma de busto humano y algunos representan a un guerrero montado. Se produjeron entre los siglos XII y XV. Innumerables son los objetos domésticos: morteros, candelabros pequeños, cacerolas para calentar, salvamanteles, guardabarros; Estos datan principalmente de los siglos XVII y XVIII, cuando la ornamentación de latón también se aplicaba con frecuencia a las esferas de los relojes, grandes y pequeñas. Dos desarrollos ingleses durante el siglo XVII merecen especial atención. El primero fue un intento de usar esmalte con latón, un asunto difícil, ya que el latón es un mal medio para el esmalte.
Existen numerosos objetos en forma de morillos , candelabros, cofres, placas y jarrones cuyo cuerpo es de latón fundido toscamente con un diseño en relieve; los espacios huecos entre las líneas del diseño se rellenan con parches de esmalte blanco, negro, azul o rojo, con resultados muy agradables (cf. Fig. 7). La analogía más cercana se encuentra en las pequeñas placas e iconos de latón esmaltado producidos en Rusia en los siglos XVII y XVIII. El segundo uso del latón se encuentra en un grupo de cerraduras de intrincado mecanismo, cuyas cajas son de latón fundido en calado con un delicado patrón de volutas y formas de pájaros a veces grabadas. Un desarrollo posterior muestra cajas de latón macizo cubiertas con diseños ricamente grabados (cf. Fig. 8). El Museo Victoria y Alberto de Londres contiene un excelente grupo de estas cerraduras; otras están in situ en el Palacio de Hampton Court y en mansiones de campo. [1] [2]
Durante el siglo XVIII, el latón se utilizó en gran medida en la producción de objetos de uso doméstico; también se siguió fabricando grandes lámparas colgantes, apliques de pared y otros aparatos de iluminación. En la segunda mitad del siglo XIX, aumentó la demanda de trabajos eclesiásticos en Inglaterra; se fabricaron atriles, platos para limosnas, cruces procesionales y muebles de altar en latón; los diseños eran en su mayoría adaptaciones de trabajos más antiguos y sin gran originalidad.
En general, se considera que el trabajo de los bronces conmemorativos se originó en el noroeste de Alemania, siendo al menos uno de los centros Colonia , donde se fabricaban las placas de latón o Cullen para uso local y para exportación. Pero es seguro que desde la época medieval hubo una producción equivalente en las ciudades de Bélgica, cuando el latón era el metal preferido para otros fines. Los bronces continentales eran láminas rectangulares de metal en las que se representaba la figura del difunto, hasta tamaño natural, mediante líneas profundamente incisas, frecuentemente rellenas de masilla o sustancia similar al esmalte; el fondo de las figuras estaba cubierto con un marco arquitectónico, o con adornos de follaje y figuras, y una inscripción. En Inglaterra, posiblemente porque el metal era menos abundante, las figuras suelen ser accesorios, se cortan del metal y se insertan en las matrices de losas de piedra o mármol que forman parte de la tumba; los doseles arquitectónicos, las inscripciones y los escudos de armas se fijan de la misma manera. Así, el fondo de piedra o mármol reemplaza al fondo de latón decorado del ejemplo continental. El método primitivo de rellenar las incisiones ha sugerido cierta conexión con los métodos de los esmaltadores de Limoges del siglo XIII. El arte se introdujo en Inglaterra desde los Países Bajos y rápidamente alcanzó un alto grado de excelencia. Durante muchos siglos siguió siendo muy popular y todavía quedan una gran cantidad de piezas de latón que dan testimonio de un hermoso trabajo artístico. [2]
El bronce más antiguo que se conserva es el del obispo Ysowilpe en Verden , Alemania, que data de 1231 y sigue el modelo de una piedra incisa, como si fuera obra de un artista acostumbrado a trabajar en ese material. En Inglaterra, el ejemplo más antiguo se encuentra en la iglesia de Stoke D'Abernon , en Surrey , en memoria de Sir John D'Abernon, que murió en 1277. Se pueden encontrar numerosos bronces en Bélgica, y algunos en Francia y los Países Bajos. Aparte de su atractivo artístico, estos bronces ornamentales son de gran valor para representar fielmente los trajes de la época, eclesiásticos, civiles o militares; también proporcionan inscripciones apropiadas en letras hermosas (cf. Brass Gallery). [1] [2]
Las excavaciones realizadas en lugares donde floreció la civilización del valle del Indo revelan el uso del bronce para diversos fines. El uso más antiguo conocido del bronce para una forma de arte se remonta al año 2500 a. C., y se le atribuye el mismo nombre a la bailarina de Mohenjo Daro . Los arqueólogos que trabajan en las excavaciones de Kosambi, en Uttar Pradesh, desenterraron una figura de bronce de una niña montando dos toros que data aproximadamente entre el año 2000 y el 1750 a. C., lo que revela además el uso del bronce para la fundición de una forma de arte durante el período Harappa tardío . Otro ejemplo de un artefacto de bronce del período Harappa tardío se encontró en Daimbad, en Maharashtra, lo que sugiere la posibilidad de un uso más extendido del bronce que el que se limitaba a lugares alrededor del valle del Indo.
El bronce continuó utilizándose como metal para diversas estatuas y estatuillas durante el Período Clásico, como se puede ver en el tesoro de bronce descubierto en Chausa Bihar , que consistía en estatuillas de bronce que datan entre el siglo II a. C. y el siglo VI d. C.
El arte en bronce que se recogió en el sur de la India durante la Edad Media durante el gobierno de Pallava , el icono de asana Ardhaparyanka de Shiva del siglo VIII, es un artefacto notable de este período. Sin embargo, la escultura en bronce alcanzó su apogeo durante el reinado de Cholas (c. 850 d. C. - 1250 d. C.). Muchas de las esculturas de bronce de este período ahora están presentes en varios museos de todo el mundo . La estatua de Nataraja que se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York es una notable pieza de escultura de este período.
Este artículo incorpora texto de una publicación que ahora es de dominio público : Chisholm, Hugh , ed. (1911). "Metal-Work". Encyclopædia Britannica . Vol. 18 (11.ª ed.). Cambridge University Press. págs. 205–215.
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