Acuarela ( inglés americano ) o acuarela ( inglés británico ; ver diferencias ortográficas ), también aquarelle ( francés: [akwaʁɛl] ; del diminutivo italiano del latín aqua 'agua'), [1] es un método de pintura [2] en el que las pinturas están hechos de pigmentos suspendidos en una solución a base de agua [3] . La acuarela se refiere tanto al medio como a la obra de arte resultante . Los expertos llaman aquarellum atramento ( en latín , "acuarela hecha con tinta") las acuarelas pintadas con tinta de color soluble en agua en lugar de las acuarelas modernas. Sin embargo, este término ha tendido a dejar de utilizarse. [4] [5]
El soporte convencional y más común —material sobre el que se aplica la pintura— para las pinturas de acuarela es el papel de acuarela . Otros soportes o sustratos incluyen piedra, marfil, seda, caña, papiro , papeles de corteza, plásticos, vitela , cuero , tela , madera y lienzos para acuarela (recubiertos con un yeso especialmente formulado para usar con acuarelas). El papel de acuarela suele estar elaborado total o parcialmente con algodón. [6] [7] Esto le da a la superficie la textura adecuada y minimiza la distorsión cuando está mojada. [8] Los papeles de acuarela suelen ser papeles prensados en frío que proporcionan una mejor textura y apariencia con un peso de al menos 300 g/m2 (140 lb). Por lo general, no se recomienda menos de 300 g/m2 (140 lb) para nada más que para dibujar. [9] [10] La transparencia es la principal característica de las acuarelas. [11] Las acuarelas también se pueden hacer opacas añadiendo blanco chino . Este no es un método que deba utilizarse en "verdadera acuarela" (tradicional). [12]
La pintura de acuarela es una forma antigua de pintura, si no la forma de arte más antigua en sí misma. [2] En el este de Asia, la pintura con acuarela [13] con tintas se conoce como pintura con pincel o pintura con pergamino. En la pintura china , coreana y japonesa [14] ha sido el medio dominante, a menudo en monocromo negro o marrón, a menudo utilizando barras de tinta u otros pigmentos. India, Etiopía y otros países también tienen una larga tradición de pintura con acuarela.
Muchos artistas occidentales, especialmente a principios del siglo XIX, utilizaron la acuarela principalmente como herramienta de dibujo en preparación para el trabajo "terminado" en óleo o grabado. [15] Hasta finales del siglo XVIII, las acuarelas tradicionales se conocían como "dibujos teñidos". [dieciséis]
El arte de la acuarela se remonta a las pinturas rupestres de la Europa paleolítica [17] y se ha utilizado para la ilustración de manuscritos desde al menos la época egipcia , con especial prominencia en la Edad Media europea . [18] Sin embargo, su historia continua como medio artístico comienza con el Renacimiento . El artista alemán del Renacimiento del Norte, Alberto Durero (1471-1528), que pintó varias excelentes acuarelas botánicas, de vida silvestre y paisajes, generalmente se considera uno de los primeros ejemplos de acuarela. [19] Hans Bol (1534-1593) dirigió una importante escuela de pintura con acuarela en Alemania como parte del Renacimiento de Durero .
A pesar de este comienzo temprano, los pintores de caballete barrocos generalmente usaban las acuarelas solo para bocetos, copias o caricaturas (dibujos de diseño a gran escala) [20] Los primeros practicantes notables de la pintura con acuarela fueron Van Dyck [21] (durante su estancia en Inglaterra), Claude Lorrain , Giovanni Benedetto Castiglione y muchos artistas holandeses y flamencos . [22] Sin embargo, la ilustración botánica y la ilustración de la vida silvestre quizás formen las tradiciones más antiguas e importantes en la pintura con acuarela. Las ilustraciones botánicas se hicieron populares durante el Renacimiento, tanto como ilustraciones en madera teñidas a mano en libros o folletos como como dibujos con tinta teñida sobre vitela o papel. Los artistas botánicos han sido tradicionalmente algunos de los acuarelistas más exigentes y consumados, e incluso hoy en día, las acuarelas, con su capacidad única para resumir, aclarar e idealizar a todo color, se utilizan para ilustrar publicaciones científicas y de museos. La ilustración de la vida silvestre alcanzó su apogeo en el siglo XIX con artistas como John James Audubon , y hoy en día muchas guías de campo naturalistas todavía están ilustradas con acuarelas.
Varios factores contribuyeron a la difusión de la pintura con acuarela durante el siglo XVIII, particularmente en Inglaterra. [23] Entre las clases élite y aristocrática, la pintura con acuarela era uno de los adornos incidentales de una buena educación; cartógrafos, oficiales militares e ingenieros lo valoraron por su utilidad para representar propiedades, terreno, [24] fortificaciones, geología de campo y para ilustrar obras públicas o proyectos encargados. Los acuarelistas solían participar en expediciones geológicas o arqueológicas, financiadas por la Sociedad de Dilettanti (fundada en 1733), para documentar descubrimientos en el Mediterráneo, Asia y el Nuevo Mundo. Estas expediciones estimularon la demanda de pintores topográficos, que produjeron pinturas de recuerdos de sitios (y monumentos) famosos a lo largo del Gran Tour a Italia que emprendió todo joven elegante de la época. [25]
A finales del siglo XVIII, el clérigo inglés William Gilpin escribió una serie de libros muy populares que describen sus pintorescos viajes por la Inglaterra rural y los ilustró con acuarelas monocromáticas sentimentales y de elaboración propia de valles fluviales, castillos antiguos e iglesias abandonadas. [26] Este ejemplo popularizó las acuarelas como una forma de diario turístico personal. La confluencia de estos intereses culturales, de ingeniería, científicos, turísticos y de aficionados culminó en la celebración y promoción de la acuarela como un "arte nacional" claramente inglés. William Blake publicó varios libros de poesía grabada coloreada a mano, proporcionó ilustraciones para el Infierno de Dante y también experimentó con grandes obras monotípicas en acuarela. [27] Entre los muchos otros acuarelistas importantes de este período se encontraban Thomas Gainsborough , [28] John Robert Cozens , Francis Towne , [29] Michael Angelo Rooker , William Pars , [30] Thomas Hearne , [31] y John Warwick Smith . [32]
Desde finales del siglo XVIII hasta el siglo XIX, el mercado de libros impresos y arte nacional contribuyó sustancialmente al crecimiento del medio. [33] Las acuarelas se utilizaron como documento básico a partir del cual se desarrollaron grabados turísticos o de paisajes coleccionables, y los originales en acuarela pintados a mano o las copias de pinturas famosas contribuyeron a muchos portafolios de arte de la clase alta. Las andanadas satíricas de Thomas Rowlandson , muchas de ellas publicadas por Rudolph Ackermann , también fueron extremadamente populares.
Los tres artistas ingleses a los que se atribuye el establecimiento de la acuarela como un medio de pintura maduro e independiente son Paul Sandby (1730-1809), a menudo llamado el "padre de la acuarela inglesa"; Thomas Girtin (1775–1802), quien fue pionero en su uso para pinturas de paisajes románticos o pintorescos de gran formato; y Joseph Mallord William Turner (1775–1851), [34] quien llevó la pintura con acuarela al más alto nivel de poder y refinamiento, [35] y creó cientos de magníficas acuarelas históricas, topográficas, arquitectónicas y mitológicas. Su método de desarrollar la pintura de acuarela en etapas, comenzando con áreas de color grandes y vagas establecidas sobre papel húmedo, luego refinando la imagen a través de una secuencia de lavados y veladuras, [36] le permitió producir una gran cantidad de pinturas con "eficiencia de taller". [37] y lo convirtió en multimillonario, en parte por las ventas de su galería de arte personal, la primera de su tipo. Entre los contemporáneos importantes y talentosos de Turner y Girtin se encontraban John Varley , John Sell Cotman , [38] Anthony Copley Fielding , Samuel Palmer , [39] William Havell , [40] y Samuel Prout . El pintor suizo Abraham-Louis-Rodolphe Ducros también fue ampliamente conocido por sus pinturas románticas de gran formato en acuarela.
La confluencia de la actividad de aficionados, los mercados editoriales, el coleccionismo de arte de la clase media y la técnica del siglo XIX llevaron a la formación de sociedades inglesas de pintura de acuarela: la Sociedad de Pintores en Acuarelas (1804, ahora conocida como Royal Watercolour Society ) y la Nueva Water Color Society (1832, ahora conocido como Real Instituto de Pintores en Acuarelas ). ( En 1878 se fundó una Sociedad Escocesa de Pintores en Acuarela , ahora conocida como la Real Sociedad Escocesa de Pintores en Acuarela ). [41] Estas sociedades ofrecían exposiciones anuales y referencias de compradores para muchos artistas. También se involucraron en pequeñas rivalidades de estatus y debates estéticos, particularmente entre los defensores de la acuarela tradicional ("transparente") y los primeros en adoptar el color más denso posible con el color del cuerpo o gouache (acuarela "opaca"). Los períodos georgiano tardío y victoriano produjeron el cenit de la acuarela británica, entre las obras sobre papel más impresionantes del siglo XIX, [42] gracias a los artistas Turner, Varley, Cotman, [43] David Cox , Peter de Wint [44] William Henry Hunt , John Frederick Lewis , [45] Myles Birket Foster , [46] Frederick Walker , [47] Thomas Collier , Arthur Melville y muchos otros. En particular, las elegantes, lapidarias y atmosféricas acuarelas ("pinturas de género") de Richard Parkes Bonington [48] crearon una moda internacional para la pintura con acuarela, especialmente en Inglaterra y Francia en la década de 1820. En la segunda mitad del siglo XIX, el retratista Frederick Havill se convirtió en un actor clave en el establecimiento de la acuarela en Inglaterra. El crítico de arte Huntly Carter describió a Havill como un "fundador de la escuela de acuarela". [49]
La popularidad de las acuarelas estimuló muchas innovaciones, incluidos papeles tramados más pesados y de mayor tamaño , y pinceles (llamados "lápices") fabricados expresamente para acuarela. Los tutoriales de acuarela fueron publicados por primera vez en este período por Varley, Cox y otros, estableciendo las instrucciones de pintura paso a paso que todavía caracterizan el género hoy en día; The Elements of Drawing , un tutorial de acuarela del crítico de arte inglés John Ruskin , se ha agotado sólo una vez desde que se publicó por primera vez en 1857. Se comercializaban marcas comerciales de acuarela y las pinturas se envasaban en tubos metálicos o en forma de tortas secas que podían ser "borrado" (disuelto) en porcelana de estudio o utilizado en cajas de pintura metálicas portátiles en el campo. Los avances en química pusieron a disposición muchos pigmentos nuevos, incluido el azul ultramar sintético , el azul cobalto , el viridiano , el violeta cobalto , el amarillo de cadmio , la aureolina ( cobaltinitrito de potasio ), el blanco de zinc y una amplia gama de lagos de carmín y rubia . Estos pigmentos, a su vez, estimularon un mayor uso del color en todos los medios pictóricos, excepto en las acuarelas inglesas, particularmente por parte de la Hermandad Prerrafaelita .
La pintura con acuarela también se hizo popular en los Estados Unidos durante el siglo XIX; Los primeros practicantes destacados incluyeron a John James Audubon , así como a los primeros pintores de la Escuela del Río Hudson , como William H. Bartlett y George Harvey . A mediados de siglo, la influencia de John Ruskin llevó a un creciente interés por las acuarelas, particularmente por el uso de un estilo "ruskiniano" detallado por parte de artistas como John W. Hill Henry, William Trost Richards , Roderick Newman y Fidelia Bridges . La Sociedad Estadounidense de Pintores en Acuarela (ahora Sociedad Estadounidense de Acuarela ) se fundó en 1866. Los exponentes estadounidenses del medio de finales del siglo XIX incluyeron a Thomas Moran , Thomas Eakins , John LaFarge , John Singer Sargent , [50] Childe Hassam y , sobre todo, Winslow Homer .
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La acuarela era menos popular en la Europa continental. En el siglo XVIII, el gouache fue un medio importante para los artistas italianos Marco Ricci y Francesco Zuccarelli , cuyas pinturas de paisajes fueron ampliamente coleccionadas. [51] El gouache también fue utilizado por varios artistas en Francia. En el siglo XIX, la influencia de la escuela inglesa ayudó a popularizar la acuarela "transparente" en Francia, y se convirtió en un medio importante para Eugène Delacroix , François Marius Granet , Henri-Joseph Harpignies y el satírico Honoré Daumier . Otros pintores europeos que trabajaron frecuentemente con acuarela fueron Adolph Menzel en Alemania y Stanisław Masłowski en Polonia.
La adopción de tintes de anilina derivados del petróleo, de colores brillantes (y pigmentos compuestos a partir de ellos), que se desvanecen rápidamente al exponerse a la luz, y los esfuerzos por conservar adecuadamente las veinte mil pinturas de JMW Turner heredadas por el Museo Británico en 1857, condujeron a una reevaluación negativa de la permanencia de los pigmentos en la acuarela. [52] Esto provocó una fuerte caída en su estatus y valor de mercado. Sin embargo, practicantes aislados continuaron prefiriendo y desarrollando el medio hasta el siglo XX. Paul Signac creó acuarelas de paisajes y marítimos, y Paul Cézanne desarrolló un estilo de pintura de acuarela que consiste enteramente en pequeñas veladuras superpuestas de color puro.
Entre los muchos artistas del siglo XX que produjeron importantes obras en acuarela se encuentran Wassily Kandinsky , Emil Nolde , Paul Klee , Egon Schiele y Raoul Dufy . En Estados Unidos, los principales exponentes incluyeron a Charles Burchfield , Edward Hopper , Georgia O'Keeffe , Charles Demuth y John Marin (el 80% de su obra total es acuarela). En este período, la acuarela estadounidense a menudo emulaba el impresionismo y el postimpresionismo europeos, [53] pero un individualismo significativo floreció en estilos "regionales" [54] de pintura con acuarela de las décadas de 1920 a 1940. En particular, la " Escuela de Cleveland " o "Escuela de Ohio" de pintores centrada en el Museo de Arte de Cleveland , y los pintores de la Escena de California [55] se asociaban a menudo con los estudios de animación de Hollywood o el Instituto de Arte Chouinard (ahora Instituto de las Artes de California). ). Los pintores de California explotaron la variada geografía, el clima mediterráneo y la " automovilidad " de su estado para revitalizar la tradición al aire libre o "plein air". Los más influyentes entre ellos fueron Phil Dike , Millard Sheets , Rex Brandt , Dong Kingman y Milford Zornes . La Sociedad de Acuarelas de California, fundada en 1921 y posteriormente rebautizada como Sociedad Nacional de Acuarelas, patrocinó importantes exposiciones de sus obras. La acuarela más grande del mundo en este momento (con 9 pies (3 m) de alto y 16 pies (5 m) de ancho) es Building 6 Portrait: Interior. [56] Producida por la artista estadounidense Barbara Prey por encargo para MASS MoCA , [57] la obra se puede ver en el edificio Robert W. Wilson de MASS MoCA. [58]
Aunque el auge del expresionismo abstracto y la influencia trivializadora de los pintores aficionados y los estilos de pintura influenciados por la publicidad o los talleres condujeron a una disminución temporal de la popularidad de la pintura con acuarela después de c. 1950 , [59] las acuarelas continúan siendo utilizadas por artistas como Martha Burchfield , Joseph Raffael , Andrew Wyeth , Philip Pearlstein , [60] Eric Fischl , Gerhard Richter , Anselm Kiefer y Francesco Clemente . En España, Ceferí Olivé creó un estilo innovador seguido por sus alumnos, como Rafael Alonso López-Montero y Francesc Torné Gavaldà. En México , los mayores exponentes son Ignacio Barrios , Edgardo Coghlan , Ángel Mauro, Vicente Mendiola y Pastor Velázquez . En Canarias , donde esta técnica pictórica tiene muchos adeptos, destacan artistas como Francisco Bonnín Guerín, José Comas Quesada y Alberto Manrique.
La pintura de acuarela consta de cuatro ingredientes principales: [61] un pigmento ; goma arábiga [62] [63] como aglutinante para mantener el pigmento en suspensión; aditivos como glicerina , hiel de buey , [64] miel y conservantes para alterar la viscosidad , ocultación, durabilidad o color de la mezcla de pigmento y vehículo; y, evaporando agua, como disolvente utilizado para diluir o diluir la pintura para su aplicación.
El término más general medio acuático se refiere a cualquier medio de pintura que utiliza agua como solvente y que se puede aplicar con un pincel , bolígrafo o rociador. Esto incluye la mayoría de las tintas , acuarelas , témperas , caseínas , gouaches y pinturas acrílicas modernas .
El término "acuarela" se refiere a pinturas que utilizan carbohidratos complejos solubles en agua como aglutinante. Originalmente (en los siglos XVI al XVIII), los aglutinantes de acuarela eran azúcares y/o colas para pieles, pero desde el siglo XIX, el aglutinante preferido es la goma arábiga natural , con glicerina y/o miel como aditivos para mejorar la plasticidad y solubilidad del aglutinante. y con otros químicos agregados para mejorar la vida útil del producto.
El término " color de carrocería " se refiere a pintura que es opaca en lugar de transparente. Suele referirse a la acuarela opaca, conocida como gouache . [65] Las pinturas acrílicas modernas utilizan una dispersión de resina acrílica como aglutinante.
Los acuarelistas antes del cambio de siglo XVIII tenían que hacer pinturas ellos mismos utilizando pigmentos comprados a un boticario o "colorman" especializado y mezclándolos con goma arábiga o algún otro aglutinante. Las primeras pinturas comerciales eran pequeños bloques resinosos que debían humedecerse y "frotarse" laboriosamente en agua para obtener una intensidad de color utilizable. William Reeves comenzó su negocio como colorista alrededor de 1766. En 1781, él y su hermano, Thomas Reeves, recibieron la Paleta de Plata de la Sociedad de las Artes , por la invención de la torta de pintura húmeda de acuarela , una conveniencia para ahorrar tiempo. introducido en la "edad de oro" de la acuarela inglesa. El "pastel" se disolvió inmediatamente al tocarlo con un cepillo húmedo. [66]
Las pinturas de acuarela comerciales modernas están disponibles en tubos, recipientes y líquidos. [67] La mayoría de las pinturas que se venden hoy en día vienen en pequeños tubos metálicos plegables de tamaños estándar y están formuladas con una consistencia similar a la pasta de dientes al estar ya mezcladas con un determinado componente de agua. Para su uso, esta pasta debe diluirse aún más con agua. Las pinturas para moldes (en realidad, pequeñas tortas secas o barras de pintura en un recipiente de plástico abierto) generalmente se venden en dos tamaños: moldes completos y medios moldes.
Gracias a la química orgánica industrial moderna , la variedad, saturación y permanencia de los colores de los artistas disponibles en la actualidad han mejorado enormemente. Ahora están presentes colores primarios correctos y no tóxicos gracias a la introducción del amarillo hansa , el azul ftalo y la quinacridona (PV 122). A partir de este conjunto de tres colores, en principio se pueden mezclar todos los demás, ya que en la técnica clásica no se utiliza el blanco. El desarrollo moderno de los pigmentos no estuvo impulsado por la demanda artística. La industria de materiales artísticos es demasiado pequeña para ejercer influencia en el mercado en la fabricación mundial de tintes o pigmentos. Con raras excepciones como la aureolina, todas las pinturas de acuarela modernas utilizan pigmentos que tienen un uso industrial más amplio. Los fabricantes de pinturas compran cantidades muy pequeñas según los estándares industriales de estos pigmentos, los muelen con el vehículo, el disolvente y los aditivos, y los envasan. El proceso de molienda con pigmentos inorgánicos, en marcas más caras, reduce el tamaño de las partículas para mejorar el flujo del color cuando la pintura se aplica con agua.
En los debates partidistas del mundo del arte inglés del siglo XIX, el gouache fue enfáticamente contrastado con las acuarelas tradicionales y denigrado por su alto poder cubriente o su falta de "transparencia"; Se exaltaron las acuarelas "transparentes". La aversión a las pinturas opacas tuvo su origen en que hasta bien entrado el siglo XIX se utilizaba blanco de plomo para aumentar la calidad del cubrimiento. Ese pigmento pronto tendió a decolorarse hasta volverse negro bajo la influencia de la contaminación del aire con azufre, arruinando totalmente la obra de arte. [68] La afirmación tradicional de que las acuarelas "transparentes" ganan "luminosidad" porque funcionan como un panel de vidriera colocado sobre papel: el color se intensifica porque la luz pasa a través del pigmento, se refleja en el papel y pasa por segunda vez. el pigmento en su camino hacia el espectador—es falso. Las pinturas de acuarela generalmente no forman una capa de pintura cohesiva, como lo hacen las pinturas acrílicas o al óleo , sino que simplemente esparcen partículas de pigmento al azar sobre la superficie del papel ; la transparencia se debe a que el papel es visible entre las partículas. [69] Las acuarelas pueden parecer más vívidas que los acrílicos o los óleos porque los pigmentos se depositan en una forma más pura, con pocos o ningún relleno (como el caolín) que oscurece los colores de los pigmentos. Normalmente, la mayor parte o la totalidad del aglutinante de goma será absorbido por el papel, evitando que el aglutinante cambie la visibilidad del pigmento. [69] La goma que se absorbe no disminuye sino que aumenta la adhesión del pigmento al papel, ya que sus partículas penetrarán más fácilmente en las fibras. De hecho, una función importante de la goma es facilitar el "levantamiento" (eliminación) del color, en caso de que el artista desee crear una mancha más clara en un área pintada. [69] Además, la goma evita la floculación de las partículas de pigmento. [69]
