El término "vodevil negro" se refiere específicamente a los artistas afroamericanos de la época del vodevil y a los ambientes de danza, música y espectáculos teatrales que crearon. Estos espectáculos, que abarcaron los años entre 1880 y principios de 1930, no solo trajeron elementos e influencias exclusivos de la cultura negra estadounidense directamente a los afroamericanos, sino que finalmente los difundieron a la sociedad estadounidense blanca y a Europa.
El vodevil tenía lo que se conocía como "circuitos", lugares que contrataban artistas de gira. El racismo dificultaba que un artista negro fuera aceptado en los circuitos blancos de la época, aunque algunos artistas tenían un atractivo transversal. La Asociación de Propietarios de Teatros (TOBA, por sus siglas en inglés) se creó para que los artistas negros consiguieran contrataciones estables en teatros que atendieran al público negro. Finalmente, la TOBA fue reemplazada en la década de 1930 por los "circuitos chitlin'", que surgieron para vincular a los artistas negros con las oportunidades de entretenimiento.
El vodevil estadounidense comenzó a principios de la década de 1880, al final de la Reconstrucción , y terminó con el auge del cine hablado y la Gran Depresión a principios de la década de 1930. [1] [2] Cada espectáculo de vodevil contenía una serie de actos diferentes, que podían incluir canto, baile, comedia y actos novedosos. Con sus raíces en los espectáculos de variedades y de juglares de mediados del siglo XIX, era común en el vodevil que los artistas blancos interpretaran estereotipos racistas de los estadounidenses negros, utilizando la cara pintada de negro , canciones de juglares y canciones de mapaches en sus actos. [3]
Los estadounidenses negros con talento veían el trabajo en el vodevil como una alternativa más rentable y satisfactoria que los trabajos domésticos y laborales que estaban disponibles para ellos en el siglo XIX. [1] Aunque algunos de los primeros artistas negros trabajaron dentro de los estereotipos, usando la cara pintada de negro y escribiendo canciones de coon, [4] otros desafiaron estos estereotipos con ironía y humor, [5] o realizaron y produjeron actos que eran más auténticos a sus talentos y experiencia. [3] Tocando para audiencias blancas y negras, así como para audiencias "mixtas" con asientos separados, recibían menos dinero que sus contrapartes blancas de las agencias de contratación nacionales y se encontraron con discriminación en el alojamiento y la contratación. Los espectáculos para audiencias blancas estaban limitados a solo un acto negro por espectáculo [6] aunque una huelga de actores blancos en 1901 abrió las puertas a los artistas afroamericanos. [7] Algunos artistas negros optaron por trabajar solo para audiencias negras; [8] otros formaron sus propias compañías de gira, [9] organizaciones laborales, [10] agencias de contratación y circuitos teatrales. [11]
Antes de 1912, cuando Sherman H. Dudley creó la Colored Consolidated Vaudeville Exchange, los principales circuitos de vodevil solían incluir solo a los gerentes de teatros que atendían al público blanco. [12] Pero los primeros empresarios negros como Pat Chappelle organizaron espectáculos itinerantes y circuitos más pequeños para el público blanco y negro y ayudaron a allanar el camino para los artistas afroamericanos.
Chappelle (1869–1911) fue un empresario de espectáculos negro de Jacksonville, Florida . Aprendió los entresijos del mundo del espectáculo gracias a su tío Julius C. Chappelle , quien le permitió conocer a Franklin Keith y Edward F. Albee , productores de vodevil . Pat terminó trabajando para Keith y Albee como pianista. Durante su debut en el vodevil, conoció a Edward Elder Cooper , un periodista interesado en el entretenimiento negro y el primero en escribir un diario sobre la raza afroamericana en 1891.
En 1898, Chappelle organizó su primer espectáculo itinerante, los Imperial Colored Minstrels (o Famous Imperial Minstrels), [13] en el que aparecía el comediante Arthur "Happy" Howe y que realizó una gira exitosa por el Sur . [14] [15] Chappelle también abrió un salón de billar en el distrito comercial de Jacksonville. Remodelado como Excelsior Hall, se convirtió en el primer teatro propiedad de negros en el Sur, con capacidad para 500 personas. [16] [17]
En 1899, tras una disputa con el propietario blanco del Excelsior Hall, JET Bowden , que también era alcalde de Jacksonville , Chappelle cerró el teatro y se mudó a Tampa, donde, junto con su colega empresario afroamericano RS Donaldson, abrió un nuevo teatro de vodevil, el Buckingham, en el barrio de Fort Brooke . El teatro Buckingham abrió en septiembre de 1899 y, en pocos meses, se informó que "todas las noches se llenaba de cubanos, españoles, negros y blancos". [16] En diciembre de 1899, Chappelle y Donaldson abrieron un segundo teatro, el Mascotte, más cerca del centro de Tampa. [16] [13] Otro reportero dijo: "Estos teatros han demostrado ser minas de oro en miniatura".
Su siguiente proyecto fue un espectáculo de gira llamado A Rabbit's Foot . La diferencia entre esta gira y las anteriores era que el elenco estaba formado por sesenta personas y todos los intérpretes estarían cómodos. Si un intérprete negro podía hacer una gira en un circuito blanco, no se le permitía dormir en los hoteles cuando paraba a descansar, porque los hoteles no lo permitían. Dormían en el autobús porque era mejor que el suelo. [18] En la gira de Chappelle, el Freeman describió sus alojamientos de viaje como "su propio tren de nuevos vagones comedor y cama, que se dice, cuando esté terminado, será un 'palacio sobre ruedas'". Al igual que su espectáculo Famous Imperial Minstrel, A Rabbit's Foot contenía juglares y una variedad de actos, manteniendo el estilo escénico de vodevil esperado. Chappelle ofrecía un espectáculo para todos. [19]
A mediados de 1900, Chappelle decidió poner el espectáculo en teatros en lugar de bajo carpas, primero en Paterson, Nueva Jersey , y luego en Brooklyn, Nueva York . En octubre de 1901, la compañía lanzó su segunda temporada, con un plantel de artistas nuevamente encabezado por el comediante Arthur "Happy" Howe, y realizó giras en Alabama , Mississippi , Georgia y Florida . El espectáculo creció en popularidad durante los primeros años del siglo y se representó tanto en teatros como en carpas. [16] [13] Con el nombre comercial de Chappelle Bros., [15] Pat Chappelle y sus hermanos, James E. Chappelle y Lewis W. Chappelle, organizaron rápidamente un pequeño circuito de vodevil, que incluía salas de teatro en Savannah, Georgia , así como en Jacksonville y Tampa. En 1902 se decía que el Circuito Chappelle Bros. tenía el control total del negocio del vodevil afroamericano en esa parte del país, "capaz de dar de 12 a 14 semanas [de empleo] a al menos 75 artistas y músicos" cada temporada. [14]
Chappelle afirmó que había "logrado lo que ningún otro negro ha hecho: ha dirigido con éxito un espectáculo de negros sin la ayuda de un solo hombre blanco". [16] A medida que su negocio crecía, pudo poseer y administrar varios espectáculos en carpas, y la Rabbit's Foot Company viajaba a dieciséis estados en una temporada. El espectáculo incluía actuaciones de juglares, bailarines, números de circo, comedia, piezas de conjunto musical, teatro y ópera clásica, [20] y era conocido como uno de los pocos espectáculos de vodevil "auténticamente negros" que existían. Viajó con más éxito al sureste y suroeste, y también a Manhattan y Coney Island . [21]
En 1904, el espectáculo Rabbit's Foot se había expandido para llenar tres vagones de tren Pullman y se anunciaba como "el espectáculo negro líder en Estados Unidos". [22] Para la temporada 1904-05, la compañía incluyó puestos de una semana en Washington, DC y Baltimore, Maryland . Dos de sus artistas más populares fueron el comediante cantante Charles "Cuba" Santana y el trombonista Amos Gilliard. [16] Otro artista, William Rainey, trajo a su joven esposa Gertrude (más tarde conocida como "Ma" Rainey) para unirse a la compañía en 1906. [16] Ese año, Chappelle lanzó una segunda compañía itinerante, la Funny Folks Comedy Company, con artistas alternando entre las dos compañías. El negocio continuó expandiéndose, aunque en agosto de 1908, uno de los vagones de tren de la Pullman Company utilizado por el espectáculo se quemó hasta los cimientos en Shelby, Carolina del Norte , mientras varios de los artistas dormían. Chappelle ordenó rápidamente un nuevo carruaje y una carpa redonda de ochenta pies para que el espectáculo pudiera continuar la semana siguiente. [17]
Pat Chappelle murió de una enfermedad no especificada en octubre de 1911, a los 42 años, y la Rabbit's Foot Company fue comprada en 1912 por Fred Swift Wolcott (1882-1967), un granjero blanco originario de Michigan , que había sido dueño de una pequeña compañía de carnaval, FS Wolcott Carnivals. Wolcott mantuvo la compañía Rabbit's Foot como un espectáculo de gira, [23] inicialmente como propietario y gerente, y atrajo nuevos talentos, incluida la cantante de blues Ida Cox , quien se unió a la compañía en 1913. "Ma" Rainey también trajo a la joven Bessie Smith a la compañía, y trabajó con ella hasta que Smith se fue en 1915. La base de gira del espectáculo se mudó a la plantación Glen Sade de 1,000 acres de Wolcott en las afueras de Port Gibson, Mississippi en 1918, con oficinas en el centro de la ciudad. Wolcott comenzó a referirse al espectáculo como un "espectáculo de juglares", un término que Chappelle había evitado, aunque un miembro de su compañía, el trombonista Leon "Pee Wee" Whittaker, lo describió como "un buen hombre" que cuidaba de sus intérpretes. [16] Cada primavera, músicos de todo el país se reunían en Port Gibson para crear un espectáculo musical, de comedia y de variedades para actuar bajo una lona. En su libro The Story of the Blues , Paul Oliver escribió: [24]
Los "Foots" viajaban en dos coches y tenían una carpa de 24 x 33 metros que montaban los peones y los vendedores ambulantes, mientras una banda de música desfilaba por la ciudad para anunciar la llegada del espectáculo... El escenario estaba formado por tablas sobre un armazón plegable y las linternas Coleman (lámparas de gasolina) actuaban como candilejas. No había micrófonos; los cantantes de voz más débil utilizaban un megáfono, pero la mayoría de las cantantes de blues que aparecían en el programa despreciaban esas ayudas para aumentar el volumen...
La compañía, conocida en ese momento como "FS Wolcott's Original Rabbit's Foot Company" o "FS Wolcott's Original Rabbit's Foot Minstrels", continuó realizando sus giras anuales durante las décadas de 1920 y 1930, tocando en pueblos pequeños durante la semana y en ciudades más grandes los fines de semana. El espectáculo proporcionó una base para las carreras de muchos músicos y artistas afroamericanos importantes, incluidos Butterbeans and Susie , Tim Moore , Big Joe Williams , Louis Jordan , George Guesnon , Leon "Pee Wee" Whittaker, Brownie McGhee y Rufus Thomas . Wolcott siguió siendo su gerente general y propietario hasta que vendió la compañía en 1950 a Earl Hendren de Erwin, Tennessee , quien a su vez la vendió en 1955 a Eddie Moran de Monroe, Luisiana , cuando todavía operaba bajo el nombre de Wolcott. [16] Los registros sugieren que su última actuación fue en 1959. [25]
A medida que el vodevil se hizo más popular, aumentó la competencia por el acto “más llamativo”. A medida que el canto de los trovadores se fue haciendo menos popular, se crearon otros tipos de movimientos que se trasladaron al escenario del vodevil. Un intérprete llamado Benjamin Franklin tenía un acto que, según describió el líder de su troupe de trovadores, “baila un vals con un balde de agua sobre la cabeza y toca la trompa al mismo tiempo”. [26]
La danza era un entretenimiento que se aceptaba en casi todos los espacios de actuación en el programa de vodevil. El claqué , con orígenes en África y Europa, era un estilo que se veía a menudo. [27] El hamboning había sido una forma en que los intérpretes creaban ritmos que sonaban con percusión al golpearse el pecho y los muslos. En las décadas de 1870 y 1880, el hamboning se mezcló con bailes con zuecos y jigs irlandeses para crear el claqué. [ cita requerida ]
En el vodevil se practicaban dos tipos de claqué: el buck-and-wing y el zapatazo suave cuatro por cuatro . El buck-and-wing consistía en movimientos de deslizamiento, deslizamiento y pisoteo a gran velocidad. El ala era una parte en la que, al saltar, los pies continuaban bailando en el aire. El zapato suave era más relajado y elegante. Se añadían placas de metal a la parte inferior de los zapatos de claqué para crear un sonido de percusión más fuerte. Sin embargo, después de unas pocas rutinas de baile cortas, el escenario de madera blanda del vodevil se desmoronaba fácilmente. Los propietarios de los teatros reemplazaron la sección del escenario que estaba delante de la cortina por arce duradero , lo que les ahorraba tener que cambiar todo el escenario y les permitía presentar actos "en un solo número" realizados con la cortina como telón de fondo mientras se cambiaba el decorado para el siguiente acto. Esto mantenía al público entretenido y, lo que es más importante, animado.
Entre los bailarines de claqué famosos de la época que todavía son muy recordados hoy en día se incluyen Buster Brown and the Speed Kings , Beige & Brown, Nicholas Brothers y Bill "Bojangles" Robinson . [18] Alice Whitman de las Whitman Sisters fue muy elogiada por sus habilidades tanto en ballet como en claqué. [28] La bailarina y coreógrafa Aida Overton Walker era conocida como la Reina del Vodevil del Cakewalk . [29]
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Los músicos y compositores negros de la era del vodevil influyeron en lo que hoy se conoce como comedia musical estadounidense , jazz , blues y teatro musical de Broadway . La música popular de la época era el ragtime , una forma animada desarrollada a partir de la música folclórica negra en la que predominaban el piano y el banjo. [30] El ritmo rápido del ragtime coincidía con el ritmo del espectáculo de tipo revista vodevilesco.
Thomas Greene Bethune o ("Blind Tom") compuso 100 piezas y podía tocar más de 7000. Fue explotado por un dueño de esclavos, John Benthune. Por ejemplo, John dejó que Tom actuara para ganar dinero. "Blind Tom" ganó $100,000 en 1866 y solo recibió $3,000 de esa cantidad. John William Boone era un pianista ciego, un profesional a la edad de catorce años, conocido como "Blind Boone". John y Tom compartían un estilo de piano ragtime de "jig piano". Este consistía en que la mano izquierda tocaba el ritmo de la tuba mientras que la mano derecha tocaba las melodías del violín y el banjo. Esta música retrataba las danzas de los esclavos, incluidos los ritmos a veces creados por el único instrumento que tenían, sus cuerpos. [31]
Otros compositores y letristas negros exitosos de la era del vodevil fueron Ernest Hogan , Bob Cole , Rosamond Johnson , George Johnson , Tom Lemonier , Gussie L. Davis , Chris Smith , Irving Jones , Turner Layton y Henry Creamer . [32]
Las hermanas Hyers , que comenzaron a actuar a fines de la década de 1870, y Sissieretta Jones , que abandonó la ópera clásica para dirigir una compañía de gira de vodevil, fueron pioneras del teatro musical negro. El pianista y compositor de jazz Eubie Blake comenzó en el vodevil de la década de 1920, [33] al igual que Louis Armstrong y otros músicos de jazz. [34] [35] Entre las cantantes de blues negras notables que comenzaron en el escenario del vodevil se encuentran Ma Rainey , Bessie Smith , Clara Smith , Mamie Smith , Mamie Brown, Ida Cox y Edmonia Henderson . [36] Otro lugar para músicos e intérpretes emergentes era el espectáculo circense. [37]
La comedia era uno de los pilares del vodevil; los actos de canto y baile a menudo incorporaban comedia en su rutina. Los comediantes negros respondieron a los estereotipos cómicos prevalecientes de Blackface exagerándolos hasta el punto del absurdo, o agregando su propia autenticidad y estilo más matizados. Los comediantes negros populares en vodevil incluyeron a Bert Williams , George Walker , Bob Cole , Ernest Hogan , Billy Kersands , Irving Jones , Charlie Case , Ernie Sunshine Morrison y el dúo Flourney Miller y Aubrey Lyles . [38] Las comediantes generalmente actuaban como el complemento de un compañero masculino; Moms Mabley fue la primera en crear su propio acto en solitario en la década de 1920, y finalmente lo llevó del Circuito Chitlin al mainstream. [39] Los artistas Florence Hines y Andrew Tribble usaron travestismo en sus rutinas de comedia. [40] [41]
En 1903, la compañía teatral cómica The Smart Set , con el actor Ernest Hogan y el escritor/artista Billy McClain , rompió con los estereotipos anteriores de los juglares y presentó a los afroamericanos como más elegantes y sofisticados, realizando giras por el Norte y el Sur. Aunque recibieron buenas críticas, algunos propietarios de teatros blancos del Sur se negaron a contratarlos porque no se adhirieron a los estereotipos comunes. Sherman H. Dudley más tarde asumió como productor y comediante principal de esta compañía, seguido por Salem Tutt Whitney , quien creó el Southern Smart Set en la década de 1910. El productor Alexander Tolliver también usó el nombre Smart Set en su espectáculo de variedades Big Tent, que se basó en gran medida en melodías de blues y jazz en desarrollo, e incluyó números novedosos y acróbatas. El espectáculo de Tolliver, con un equipo completamente negro, comenzó en 1914 y continuó siendo popular entre el público blanco y negro hasta 1930. [16]
A medida que la industria del entretenimiento en vivo creció, actores, cantantes, comediantes, músicos, bailarines y acróbatas comenzaron a contratar agentes para reservar sus actuaciones. [18] Surgieron asociaciones de reservas, que cumplían un papel de intermediario entre los agentes y los propietarios de los teatros. Teatros como el Teatro Pekin en Chicago y el Teatro Lafayette en la ciudad de Nueva York fueron creados y administrados por empresarios negros para artistas y audiencias negras. El circuito de teatro de vodevil negro dominante de la época era la Asociación de Propietarios de Teatros de Reservas (TOBA), conocida entre los artistas de la época como "Duro con los actores negros". [42] La gestión de TOBA era interracial; el empresario negro Sherman H. Dudley sentó las bases de TOBA en 1912 con su circuito de teatros de propiedad negra, continuó administrando su parte del circuito de teatros TOBA y tuvo un puesto en la junta directiva de TOBA. [10] [12]
TOBA se disolvió en 1930; para entonces, los "circuitos chitlin'" para artistas negros habían comenzado. El nombre se deriva de un plato regional del sur asociado con los negros y su herencia esclavista: " chitlins ", codillos e intestinos de cerdo fritos. Los grupos de gira del circuito chitlin' a menudo se veían obligados a actuar en lugares como auditorios escolares porque los teatros no siempre estaban disponibles para ellos debido a la segregación . ” [42] También viajaban directamente a los barrios negros para llevarles entretenimiento. El contenido de los espectáculos itinerantes era melodramático y ridículo, diseñado para ser disfrutado en el momento. [42]
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