La pintura de la Edad de Oro holandesa es la pintura de la Edad de Oro holandesa , un período de la historia holandesa que abarca aproximadamente el siglo XVII, [1] durante y después de la última parte de la Guerra de los Ochenta Años (1568-1648) por la independencia holandesa.
La nueva República Holandesa era la nación más próspera de Europa y lideraba el comercio, la ciencia y el arte europeos. Las provincias del norte de los Países Bajos que formaban el nuevo estado habían sido tradicionalmente centros artísticos menos importantes que las ciudades de Flandes , en el sur. Las convulsiones y los traslados a gran escala de población provocados por la guerra, y la ruptura radical con las antiguas tradiciones culturales monárquicas y católicas, hicieron que el arte holandés tuviera que reinventarse casi por completo, tarea en la que tuvo un gran éxito. La pintura de temas religiosos decayó de forma muy pronunciada, pero surgió un nuevo y amplio mercado para todo tipo de temas seculares.
Aunque la pintura holandesa del Siglo de Oro se incluye en el período general europeo de la pintura barroca y a menudo muestra muchas de sus características, la mayoría carece de la idealización y el amor por el esplendor típicos de gran parte de las obras barrocas, incluidas las de la vecina Flandes . La mayor parte de las obras, incluidas aquellas por las que el período es más conocido, reflejan las tradiciones del realismo detallado heredadas de la pintura neerlandesa temprana .
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Una característica distintiva de este período es la proliferación de distintos géneros pictóricos [2], y la mayoría de los artistas produjeron la mayor parte de su obra dentro de uno de ellos. El pleno desarrollo de esta especialización se observa a partir de finales de la década de 1620, y el período comprendido entre esa fecha y la invasión francesa de 1672 constituye el núcleo de la pintura de la Edad de Oro. Los artistas pasarían la mayor parte de sus carreras pintando únicamente retratos, escenas de género, paisajes, marinas y barcos, o naturalezas muertas , y a menudo un subtipo particular dentro de estas categorías. Muchos de estos tipos de temas eran nuevos en la pintura occidental, y la forma en que los pintaron los holandeses en este período fue decisiva para su desarrollo futuro.
Una característica distintiva de este período, en comparación con la pintura europea anterior, fue la escasa cantidad de pintura religiosa. El calvinismo holandés prohibía la pintura religiosa en las iglesias y, aunque los temas bíblicos eran aceptables en los hogares privados, se produjeron relativamente pocos. Las otras clases tradicionales de pintura histórica y de retrato estaban presentes, pero el período es más notable por una gran variedad de otros géneros, subdivididos en numerosas categorías especializadas, como escenas de la vida campesina, paisajes, paisajes urbanos, paisajes con animales, pinturas marítimas, pinturas de flores y naturalezas muertas de varios tipos. El desarrollo de muchos de estos tipos de pintura estuvo decisivamente influenciado por los artistas holandeses del siglo XVII.
La teoría generalizada de la " jerarquía de géneros " en la pintura, según la cual algunos tipos se consideraban más prestigiosos que otros, llevó a muchos pintores a querer producir pintura histórica. Sin embargo, ésta era la más difícil de vender, como descubrió incluso Rembrandt . Muchos se vieron obligados a producir retratos o escenas de género, que se vendían mucho más fácilmente. En orden descendente de estatus, las categorías en la jerarquía eran:
Los holandeses se concentraron en gran medida en las categorías "inferiores", pero de ninguna manera rechazaron el concepto de jerarquía. [4] La mayoría de las pinturas eran relativamente pequeñas: el único tipo común de pinturas realmente grandes eran los retratos de grupo. La pintura directa sobre las paredes apenas existía; cuando un espacio de pared en un edificio público necesitaba decoración, normalmente se usaba un lienzo enmarcado a medida. Para la precisión adicional posible sobre una superficie dura, muchos pintores continuaron usando paneles de madera, algún tiempo después de que el resto de Europa occidental los hubiera abandonado; algunos usaron placas de cobre, generalmente placas recicladas de grabados . A su vez, el número de pinturas sobrevivientes de la Edad de Oro se redujo al ser repintadas con nuevas obras de artistas a lo largo del siglo XVIII y XIX; las malas eran generalmente más baratas que un lienzo nuevo, bastidor y marco.
En este período, la escultura holandesa fue muy escasa; se encuentra principalmente en monumentos funerarios y edificios públicos, y las pequeñas esculturas para casas ocupan un lugar destacado, en el que se encuentran objetos de plata y cerámica . Los azulejos de cerámica de Delft pintados eran muy baratos y comunes, aunque rara vez de gran calidad, pero la plata, especialmente en el estilo auricular , lideró Europa. Con esta excepción, los mejores esfuerzos artísticos se concentraron en la pintura y el grabado.
Los extranjeros comentaron las enormes cantidades de arte producidas y las grandes ferias donde se vendían muchas pinturas; se ha estimado aproximadamente que más de 1,3 millones de cuadros holandeses fueron pintados solo en los 20 años posteriores a 1640. [5] El volumen de producción significó que los precios eran bastante bajos, excepto para los artistas más conocidos; como en la mayoría de los períodos posteriores, hubo un gradiente de precios pronunciado para los artistas más de moda. [6] Aquellos sin una fuerte reputación contemporánea, o que habían pasado de moda, incluidos muchos ahora considerados entre los más grandes del período, como Vermeer , Frans Hals y Rembrandt en sus últimos años, tuvieron considerables problemas para ganarse la vida y murieron pobres; muchos artistas tenían otros trabajos o abandonaron el arte por completo. [7] En particular, la invasión francesa de 1672 (el Rampjaar , o "año del desastre") provocó una grave depresión en el mercado del arte, que nunca regresó a sus niveles anteriores. [8]
La distribución de los cuadros era muy amplia: «Sí, muchas veces, los herreros, zapateros y demás, tienen algún cuadro en su fragua y en su establo. Tal es la noción, inclinación y deleite general que estos nativos del campo tienen por la pintura», informó un viajero inglés en 1640. [9] Había, prácticamente por primera vez, muchos comerciantes de arte profesionales, varios de ellos también artistas importantes, como Vermeer y su padre, Jan van Goyen y Willem Kalf . El comerciante de Rembrandt, Hendrick van Uylenburgh y su hijo Gerrit estaban entre los más importantes. Los paisajes eran las obras no encargadas más fáciles de vender, y sus pintores eran los « lacayos comunes en el ejército del arte», según Samuel van Hoogstraten . [10]
La calidad técnica de los artistas holandeses era en general alta, y en su mayoría seguían el antiguo sistema medieval de formación mediante el aprendizaje con un maestro. Por lo general, los talleres eran más pequeños que en Flandes o Italia, con solo uno o dos aprendices a la vez, y el número a menudo estaba restringido por las regulaciones gremiales. La agitación de los primeros años de la República, con los artistas desplazados del sur que se mudaron al norte y la pérdida de los mercados tradicionales en la corte y la iglesia, condujo a un resurgimiento de los gremios de artistas, a menudo todavía llamados Gremio de San Lucas . En muchos casos, esto implicó que los artistas se liberaran de las agrupaciones medievales en las que compartían un gremio con varios otros oficios, como la pintura de casas. En ese período se establecieron varios gremios nuevos: Ámsterdam en 1579, Haarlem en 1590 y Gouda , Róterdam , Utrecht y Delft entre 1609 y 1611. [11] Las autoridades de Leiden desconfiaban de los gremios y no permitieron ninguno hasta 1648. [12]
Más adelante en el siglo, comenzó a quedar claro para todos los involucrados que la vieja idea de un gremio que controlara tanto la formación como las ventas ya no funcionaba bien, y gradualmente los gremios fueron reemplazados por academias , a menudo solo preocupadas por la formación de artistas. La Haya , con la corte, fue un ejemplo temprano, donde los artistas se dividieron en dos grupos en 1656 con la fundación de la Confrerie Pictura . Con la obvia excepción de los retratos, muchas más pinturas holandesas se hicieron "especulativamente" sin un encargo específico de lo que era el caso en otros países, una de las muchas formas en que el mercado del arte holandés mostró el futuro. [13]
Hubo muchas dinastías de artistas, y muchos se casaron con las hijas de sus maestros o de otros artistas. Muchos artistas provenían de familias adineradas, que pagaban tasas por sus aprendizajes, y a menudo se casaban con mujeres adineradas. Rembrandt y Jan Steen estuvieron matriculados en la Universidad de Leiden durante un tiempo. Varias ciudades tenían estilos y especialidades temáticas diferenciadas, pero Ámsterdam era el mayor centro artístico, debido a su gran riqueza. [14] Ciudades como Haarlem y Utrecht fueron más importantes en la primera mitad del siglo, con Leiden y otras ciudades surgiendo después de 1648, y sobre todo Ámsterdam, que atrajo cada vez más artistas del resto de los Países Bajos, así como de Flandes y Alemania. [15]
Los artistas holandeses se preocupaban mucho menos por la teoría artística que los de muchas naciones y eran menos dados a discutir su arte; parece que también había mucho menos interés en la teoría artística en los círculos intelectuales generales y entre el público en general de lo que era común en Italia por entonces. [16] Como casi todos los encargos y ventas eran privados y entre individuos burgueses cuyos relatos no se han conservado, también están menos documentados que en otros lugares. Pero el arte holandés era una fuente de orgullo nacional y los principales biógrafos son fuentes cruciales de información. Se trata de Karel van Mander (Het Schilderboeck, 1604), que cubre esencialmente el siglo anterior, y Arnold Houbraken ( De groote schouburgh der Nederlantsche konstschilders en schilderessen – "El gran teatro de los pintores holandeses", 1718-21). Ambos siguieron, y de hecho superaron, a Vasari al incluir un gran número de vidas cortas de artistas (más de 500 en el caso de Houbraken) y ambos son considerados generalmente precisos en cuestiones fácticas.
El artista alemán Joachim von Sandrart (1606-1688) había trabajado durante períodos en Holanda, y su Deutsche Akademie, en el mismo formato, abarca a muchos artistas holandeses que conoció. El maestro de Houbraken y alumno de Rembrandt fue Samuel van Hoogstraten (1627-1678), cuyos Zichtbare wereld e Inleyding tot de Hooge Schoole der Schilderkonst (1678) contienen más información crítica que biográfica y se encuentran entre los tratados más importantes sobre pintura de la época. Al igual que otras obras holandesas sobre la teoría del arte, exponen muchos lugares comunes de la teoría del Renacimiento y no reflejan por completo el arte holandés contemporáneo, ya que a menudo siguen centrándose en la pintura histórica. [17]
Esta categoría comprende no sólo pinturas que representan acontecimientos históricos del pasado, sino también pinturas que muestran escenas bíblicas, mitológicas, literarias y alegóricas . Los acontecimientos históricos recientes esencialmente quedaron fuera de la categoría y fueron tratados de manera realista, como la combinación apropiada de retratos con temas marinos, de paisajes urbanos o paisajísticos. [18] Las grandes escenas dramáticas históricas o bíblicas se produjeron con menos frecuencia que en otros países, ya que no había un mercado local para el arte eclesiástico y pocas grandes casas aristocráticas barrocas para llenar. Más que eso, la población protestante de las principales ciudades había estado expuesta a algunos usos notablemente hipócritas de la alegoría manierista en la propaganda infructuosa de los Habsburgo durante la Revuelta holandesa , que había producido una fuerte reacción hacia el realismo y una desconfianza hacia la retórica visual grandiosa. [19] La pintura de historia era ahora un "arte minoritario", aunque hasta cierto punto esto se compensó con un interés relativamente entusiasta en las versiones impresas de temas históricos. [20]
Más que en otros tipos de pintura, los pintores de historia holandeses siguieron recibiendo la influencia de la pintura italiana. Circulaban grabados y copias de obras maestras italianas que sugerían ciertos esquemas compositivos. La creciente habilidad holandesa en la representación de la luz se aplicó a estilos derivados de Italia, en particular el de Caravaggio . Algunos pintores holandeses también viajaron a Italia, aunque esto fue menos común que entre sus contemporáneos flamencos, como se puede ver en la membresía del club Bentvueghels en Roma. [13]
A principios de siglo, muchos artistas manieristas del norte con estilos formados en el siglo anterior continuaron trabajando, hasta la década de 1630 en los casos de Abraham Bloemaert y Joachim Wtewael . [21] Muchas pinturas históricas eran de pequeña escala, y el pintor alemán (afincado en Roma) Adam Elsheimer ejerció tanta influencia como Caravaggio (ambos murieron en 1610) en pintores holandeses como Pieter Lastman , el maestro de Rembrandt, y Jan y Jacob Pynas . En comparación con la pintura histórica barroca de otros países, compartían el énfasis holandés en el realismo y la narrativa directa, y a veces se los conoce como los "prerrembrandtistas", ya que las primeras pinturas de Rembrandt eran de este estilo. [22]
El caravaggismo de Utrech describe a un grupo de artistas que produjeron tanto pintura histórica como, en general, grandes escenas de género en un estilo de influencia italiana, a menudo haciendo un uso intensivo del claroscuro . Utrech, antes de la revuelta la ciudad más importante del nuevo territorio holandés, era una ciudad holandesa inusual, todavía con un 40% de católicos a mediados de siglo, incluso más entre los grupos de élite, que incluían a mucha nobleza rural y alta burguesía con casas adosadas allí. [23] Los artistas principales fueron Hendrick ter Brugghen , Gerard van Honthorst y Dirck van Baburen , y la escuela estuvo activa alrededor de 1630, aunque van Honthorst continuó hasta la década de 1650 como un exitoso pintor de la corte en las cortes inglesa, holandesa y danesa en un estilo más clásico. [24]
Rembrandt empezó como pintor de historia antes de alcanzar el éxito económico como retratista, y nunca renunció a sus ambiciones en este campo. Un gran número de sus grabados son escenas religiosas narrativas, y la historia de su último encargo histórico, La conspiración de Claudio Civilis (1661), ilustra tanto su compromiso con la forma como las dificultades que tuvo para encontrar público. [25] Varios artistas, muchos de ellos alumnos suyos, intentaron con cierto éxito continuar con su estilo muy personal; Govaert Flinck fue el que más éxito tuvo. Gerard de Lairesse (1640-1711) fue otro de ellos, antes de caer bajo una fuerte influencia del clasicismo francés y convertirse en su principal defensor holandés, tanto como artista como teórico. [26]
La desnudez era, en efecto, un privilegio de los pintores de historia, aunque muchos retratistas adornaban sus ocasionales desnudos (casi siempre femeninos) con un título clásico, como hizo Rembrandt. A pesar de toda su desinhibida sugestión, los pintores de género rara vez revelaban más que un generoso escote o una parte del muslo, por lo general cuando pintaban prostitutas o campesinos "italianos".
La pintura de retratos prosperó en los Países Bajos en el siglo XVII, ya que había una gran clase mercantil que estaba mucho más dispuesta a encargar retratos que sus equivalentes en otros países; un resumen de varias estimaciones de la producción total llega a entre 750.000 y 1.100.000 retratos. [28] Rembrandt disfrutó de su mayor período de éxito financiero como joven retratista de Ámsterdam, pero al igual que otros artistas, se aburrió bastante de pintar retratos por encargo de burgueses: "los artistas viajan por este camino sin deleite", según van Mander. [29]
Aunque la pintura de retratos holandesa evita la fanfarronería y la retórica excesiva de los retratos barrocos aristocráticos corrientes en el resto de Europa del siglo XVII, la vestimenta sombría de los modelos masculinos y en muchos casos femeninos, y el sentimiento calvinista de que la inclusión de accesorios, poses o vistas de la tierra en el fondo mostraría el pecado del orgullo conducen a una innegable uniformidad en muchos retratos holandeses, a pesar de toda su calidad técnica. Incluso se suele evitar la pose de pie, ya que una de cuerpo entero también podría mostrar orgullo. Las poses son poco demostrativas, especialmente para las mujeres, aunque a los niños se les puede permitir más libertad. El momento clásico para pintar un retrato era el matrimonio, cuando el nuevo marido y la nueva esposa ocupaban con mayor frecuencia marcos separados en un par de pinturas. Los retratos posteriores de Rembrandt atraen por la fuerza de la caracterización, y a veces por un elemento narrativo, pero incluso sus primeros retratos pueden ser desalentadores en masa , como en la sala llena de "Rembrandts iniciales" donados al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.
El otro gran retratista de la época es Frans Hals , cuya pincelada vivaz y su habilidad para mostrar a los modelos relajados y alegres añade emoción incluso a los sujetos más poco prometedores. La pose extremadamente "despreocupada" de su retrato de Willem Heythuijsen es excepcional: "ningún otro retrato de este período es tan informal". [30] El modelo era un rico comerciante de textiles que ya había encargado el único retrato individual de cuerpo entero a tamaño natural de Hals diez años antes. En esta obra mucho más pequeña para una cámara privada, lleva ropa de montar. [31] Jan de Bray animó a sus modelos a posar vestidos como figuras de la historia clásica, pero muchas de sus obras son de su propia familia. Thomas de Keyser , Bartholomeus van der Helst , Ferdinand Bol y otros, incluidos muchos mencionados a continuación como pintores de historia o de género, hicieron todo lo posible por animar obras más convencionales. El retrato, menos afectado por la moda que otros tipos de pintura, siguió siendo el recurso seguro para los artistas holandeses.
Por lo poco que sabemos de los procedimientos de estudio de los artistas, parece que, como en otras partes de Europa, el rostro probablemente fue dibujado y quizás pintado en una o dos sesiones iniciales. El número típico de sesiones posteriores no está claro: entre cero (para un Rembrandt de cuerpo entero) y 50 parecen documentadas. Las ropas se dejaron en el estudio y bien podrían ser pintadas por asistentes, o por un maestro especialista contratado, aunque, o porque, se las consideraba una parte muy importante de la pintura. [32] Las mujeres casadas y solteras se pueden distinguir por su vestimenta, lo que resalta cuán pocas mujeres solteras fueron pintadas, excepto en grupos familiares. [33] Como en otros lugares, la precisión de las ropas mostradas es variable: se usaban prendas a rayas y estampadas, pero los artistas rara vez las muestran, comprensiblemente evitando el trabajo extra. [34] Los cuellos de encaje y volantes eran inevitables y presentaban un desafío formidable para el intento de los pintores de lograr el realismo. Rembrandt desarrolló una forma más eficaz de pintar encajes estampados, aplicando pinceladas blancas amplias y luego pintando ligeramente de negro para mostrar el patrón. Otra forma de hacerlo era pintar de blanco sobre una capa negra y raspar el blanco con la punta del pincel para mostrar el patrón. [35]
A finales de siglo, se puso de moda mostrar a los modelos con un traje semielegante, iniciado en Inglaterra por van Dyck en la década de 1630, conocido como traje "pintoresco" o "romano". [36] Los modelos aristocráticos y de la milicia se permitían más libertad con vestidos brillantes y escenarios amplios que los burgueses, y las afiliaciones religiosas probablemente afectaron a muchas representaciones. A finales de siglo, los valores aristocráticos, o franceses, se estaban extendiendo entre los burgueses, y a las representaciones se les permitía más libertad y ostentación.
Un tipo de pintura distintivo, que combinaba elementos del retrato, la historia y la pintura de género, era el tronie . Se trataba, por lo general, de un retrato de medio cuerpo de una sola figura que se centraba en captar un estado de ánimo o una expresión inusuales. Se suponía que la identidad real del modelo no era importante, pero podía representar a una figura histórica y llevar un traje exótico o histórico. Jan Lievens y Rembrandt, muchos de cuyos autorretratos también son tronies (especialmente sus grabados), se encontraban entre los que desarrollaron el género.
Los retratos familiares tendían, como en Flandes, a ser colocados al aire libre en jardines, pero sin una vista amplia como más tarde en Inglaterra, y a ser relativamente informales en la vestimenta y el ambiente. Los retratos de grupo, en gran parte una invención holandesa, fueron populares entre el gran número de asociaciones cívicas que eran una parte notable de la vida holandesa, como los oficiales de la schutterij o guardias de la milicia de una ciudad, juntas de síndicos y regentes de gremios y fundaciones benéficas y similares. Especialmente en la primera mitad del siglo, los retratos eran muy formales y rígidos en composición. Los grupos a menudo estaban sentados alrededor de una mesa, cada persona mirando al espectador. Se prestaba mucha atención a los detalles finos de la ropa y, cuando era posible, a los muebles y otros signos de la posición de una persona en la sociedad. Más adelante en el siglo, los grupos se volvieron más animados y los colores más brillantes. Los síndicos del gremio de pañeros de Rembrandt es un tratamiento sutil de un grupo alrededor de una mesa.
Los científicos solían posar rodeados de instrumentos y objetos de estudio. Los médicos a veces posaban juntos alrededor de un cadáver, en lo que se denominaba una "Lección de anatomía", siendo la más famosa la Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp de Rembrandt (1632, Mauritshuis , La Haya ). Los patronatos preferían en sus retratos regentenstuk una imagen de austeridad y humildad, posando con ropa oscura (que por su refinamiento daba testimonio de su posición prominente en la sociedad), a menudo sentados alrededor de una mesa, con expresiones solemnes en sus rostros.
La mayoría de los retratos de grupos de milicianos se encargaron en Haarlem y Ámsterdam y eran mucho más extravagantes y relajados o incluso bulliciosos que otros tipos de retratos, además de ser mucho más grandes. Los primeros ejemplos los mostraban cenando, pero los grupos posteriores mostraban a la mayoría de las figuras de pie, lo que daba lugar a una composición más dinámica. La famosa Compañía de milicianos del capitán Frans Banning Cocq de Rembrandt, más conocida como La ronda de noche (1642), fue un intento ambicioso y no del todo exitoso de mostrar a un grupo en acción, preparándose para una patrulla o un desfile, también innovador al evitar el formato muy ancho típico de tales obras.
El coste de los retratos de grupo solía ser compartido entre los retratados, a menudo no de forma equitativa. La cantidad pagada podía determinar el lugar que ocupaba cada persona en el cuadro, ya fuera de pies a cabeza con toda la indumentaria en primer plano o sólo de cara en la parte posterior del grupo. A veces todos los miembros del grupo pagaban una suma igual, lo que podía dar lugar a disputas cuando algunos miembros obtenían un lugar más destacado en el cuadro que otros. En Ámsterdam, la mayoría de estas pinturas terminaron en posesión del ayuntamiento, y muchas de ellas se exhiben ahora en el Museo Histórico de Ámsterdam ; no hay ejemplos significativos fuera de los Países Bajos.
Las escenas de la vida cotidiana, hoy llamadas pinturas de género , presentan de forma destacada figuras a las que no se les puede asignar una identidad específica; no son retratos ni figuras históricas, sino más bien instantáneas de la vida cotidiana. Junto con la pintura de paisajes, el desarrollo y la enorme popularidad de la pintura de género es la característica más distintiva de la pintura holandesa en este período, aunque en este caso también fueron muy populares en la pintura flamenca. Muchas son figuras individuales, como La lechera de Vermeer ; otras pueden mostrar grandes grupos en alguna ocasión social o multitudes.
«La Holanda del siglo XVII produjo más y mejores artistas dedicados a la pintura de género con y sin mensajes que cualquier otra nación». [38] Había una gran cantidad de subtipos dentro del género: figuras individuales, familias campesinas, escenas de taberna, fiestas de « alegres compañías », mujeres trabajando en la casa, escenas de festividades de pueblos o ciudades (aunque estas eran todavía más comunes en la pintura flamenca), escenas de mercado, escenas de cuarteles, escenas con caballos o animales de granja, en la nieve, a la luz de la luna y muchas más. De hecho, la mayoría de estas tenían términos específicos en holandés, pero no había un término holandés general equivalente a «pintura de género»; hasta finales del siglo XVIII, los ingleses a menudo las llamaban «drolleries». [39] Algunos artistas trabajaron principalmente dentro de uno de estos subtipos, especialmente después de aproximadamente 1625. [40] A lo largo del siglo, las pinturas de género tendieron a reducirse en tamaño.
Aunque las pinturas de género proporcionan muchas perspectivas sobre la vida cotidiana de los ciudadanos de todas las clases del siglo XVII, su precisión no siempre se puede dar por sentada. [41] Por lo general, muestran lo que los historiadores del arte llaman un "efecto de realidad" en lugar de una representación realista real; el grado en que esto es así varía entre los artistas. Muchas pinturas que parecen representar solo escenas cotidianas en realidad ilustraban proverbios y dichos holandeses o transmitían un mensaje moralista, cuyo significado puede que ahora deban descifrar los historiadores del arte, aunque algunos son bastante claros. Muchos artistas, y sin duda compradores, ciertamente intentaron tener las dos cosas a la vez, disfrutando de la representación de hogares desordenados o escenas de burdeles, al tiempo que proporcionaban una interpretación moral: las obras de Jan Steen , cuya otra profesión era la de posadero, son un ejemplo. El equilibrio entre estos elementos todavía es debatido por los historiadores del arte en la actualidad. [42]
Los títulos dados posteriormente a las pinturas a menudo distinguen entre " tabernas " o " posadas " y " burdeles ", pero en la práctica se trataba muy a menudo de los mismos establecimientos, ya que muchas tabernas tenían habitaciones encima o detrás reservadas para fines sexuales: "Posada delante; burdel detrás" era un proverbio holandés . [43]
El Steen que se muestra arriba es claramente un exemplum , y aunque cada uno de sus componentes individuales está representado de manera realista, la escena general no es una representación plausible de un momento real; típicamente en la pintura de género, se trata de una situación que se representa y se satiriza. [44]
La tradición renacentista de los libros de emblemas recónditos se había convertido, en manos de los holandeses del siglo XVII (casi universalmente alfabetizados en la lengua vernácula, pero en su mayoría sin educación en los clásicos) en las obras popularistas y altamente moralistas de Jacob Cats , Roemer Visscher y otros, a menudo basadas en proverbios populares . Las ilustraciones de estos a menudo se citan directamente en pinturas y, desde principios del siglo XX, los historiadores del arte han adjuntado proverbios, dichos y lemas a una gran cantidad de obras de género. Otra fuente popular de significado son los juegos de palabras visuales que utilizan la gran cantidad de términos del argot holandés en el área sexual: la vagina podría representarse con un laúd ( luit ) o una media ( kous ), y el sexo con un pájaro ( vogelen ), entre muchas otras opciones, [45] y símbolos puramente visuales como zapatos, caños y jarras y frascos en su costado.
Los mismos pintores solían pintar obras con un espíritu muy diferente de amas de casa u otras mujeres descansando en el hogar o en el trabajo: superan enormemente en número a los tratamientos similares de hombres. De hecho, los hombres de clase trabajadora en sus trabajos están notablemente ausentes del arte de la Edad de Oro holandesa, con paisajes poblados por viajeros y ociosos, pero rara vez labradores de la tierra. [46] A pesar de que la República Holandesa era la nación más importante en el comercio internacional de Europa, y de la abundancia de pinturas marinas, las escenas de trabajadores portuarios y otras actividades comerciales son muy raras. [47] Este grupo de temas fue una invención holandesa, que reflejaba las preocupaciones culturales de la época, [48] y sería adoptado por artistas de otros países, especialmente Francia, en los dos siglos siguientes.
La tradición se desarrolló a partir del realismo y la actividad detallada de fondo de la pintura flamenca temprana, que El Bosco y Pieter Bruegel el Viejo fueron de los primeros en convertir en sus temas principales, haciendo también uso de proverbios. Los pintores de Haarlem Willem Pieterszoon Buytewech , Frans Hals y Esaias van de Velde fueron pintores importantes al principio del período. Buytewech pintó " alegres compañías " de jóvenes elegantemente vestidos, con un significado moralista acechando en los detalles.
Van de Velde también fue importante como paisajista, cuyas escenas incluían figuras poco glamorosas muy diferentes de las de sus pinturas de género, que normalmente se desarrollaban en fiestas en jardines de casas de campo. Hals fue principalmente un retratista, pero también pintó figuras de género de tamaño retrato al principio de su carrera. [50]
Una estancia en Haarlem del maestro flamenco de las escenas campesinas en tabernas Adriaen Brouwer , entre 1625 y 1626, le proporcionó a Adriaen van Ostade el tema de su vida, aunque a menudo adoptó un enfoque más sentimental. Antes de Brouwer, los campesinos normalmente se representaban al aire libre; él los suele mostrar en un interior sencillo y oscuro, aunque los de van Ostade a veces ocupan casas de campo ostentosamente decrépitas de enorme tamaño. [51]
Van Ostade era tan propenso a pintar una sola figura como un grupo, como lo eran los caravaggistas de Utrecht en sus obras de género, y la figura única, o pequeños grupos de dos o tres, se volvieron cada vez más comunes, especialmente aquellos que incluían mujeres y niños. La artista femenina más notable de la época, Judith Leyster (1609-1660), se especializó en estas, antes de que su esposo, Jan Miense Molenaer , la convenciera de que abandonara la pintura. La escuela de Leiden de fijnschilder ("pintores finos") era famosa por sus pinturas pequeñas y muy acabadas, muchas de este tipo. Entre los artistas más destacados se encontraban Gerard Dou , Gabriel Metsu , Frans van Mieris el Viejo y, más tarde, su hijo Willem van Mieris , Godfried Schalcken y Adriaen van der Werff .
Esta generación posterior, cuyo trabajo ahora parece demasiado refinado en comparación con sus predecesores, también pintó retratos e historias, y fueron los pintores holandeses más respetados y recompensados al final del período, cuyas obras eran buscadas en toda Europa. [52] Las pinturas de género reflejaban la creciente prosperidad de la sociedad holandesa, y los escenarios se volvieron cada vez más cómodos, opulentos y cuidadosamente representados a medida que avanzaba el siglo. Los artistas que no formaban parte del grupo de Leiden cuyos temas comunes también eran grupos de género más íntimos incluían a Nicolaes Maes , Gerard ter Borch y Pieter de Hooch , cuyo interés en la luz en escenas de interiores era compartido con Jan Vermeer , una figura muy oscura durante mucho tiempo, pero ahora el pintor de género más respetado de todos.
La pintura de paisajes fue un género importante en el siglo XVII. Los primeros ejemplos fueron los paisajes flamencos (en particular de Amberes ) del siglo XVI. No eran especialmente realistas, ya que se pintaban principalmente en el estudio, en parte a partir de la imaginación y, a menudo, todavía se utilizaba la vista semiaérea desde arriba, típica de la pintura de paisajes neerlandesa anterior en la tradición del " paisaje mundial " de Joachim Patinir , Herri met de Bles y el primer Pieter Bruegel el Viejo . Se desarrolló un estilo de paisaje holandés más realista, visto desde el nivel del suelo, a menudo basado en dibujos hechos al aire libre, con horizontes más bajos que permitían enfatizar las formaciones de nubes a menudo impresionantes que eran (y son) tan típicas del clima de la región y que arrojaban una luz particular. Los temas favoritos eran las dunas a lo largo de la costa occidental, los ríos con sus amplias praderas adyacentes donde pastaba el ganado, a menudo con la silueta de una ciudad en la distancia. También abundaban los paisajes invernales con canales y arroyos congelados. El mar también era un tema favorito, ya que los Países Bajos dependían de él para el comercio, luchaban con él por nuevas tierras y luchaban en él con naciones competidoras.
Figuras tempranas importantes en la transición hacia el realismo fueron Esaias van de Velde (1587-1630) y Hendrick Avercamp (1585-1634), ambos también mencionados anteriormente como pintores de género; en el caso de Avercamp, las mismas pinturas merecen ser mencionadas en cada categoría. A partir de finales de la década de 1620 comenzó la "fase tonal" de la pintura de paisajes, a medida que los artistas suavizaban o difuminaban sus contornos y se concentraban en un efecto atmosférico, con gran prominencia dada al cielo y las figuras humanas generalmente ausentes o pequeñas y distantes. Las composiciones basadas en una diagonal a través del espacio del cuadro se hicieron populares, y el agua a menudo aparecía. Los artistas principales fueron Jan van Goyen (1596-1656), Salomon van Ruysdael (1602-1670), Pieter de Molyn (1595-1661) y, en pintura marina, Simon de Vlieger (1601-1653), con una gran cantidad de figuras menores; un estudio reciente enumera más de 75 artistas que trabajaron al estilo de van Goyen durante al menos un período, incluido Cuyp. [56]
A partir de la década de 1650 comenzó la "fase clásica", que conservaba la calidad atmosférica, pero con composiciones más expresivas y contrastes más fuertes de luz y color. Las composiciones suelen estar ancladas por un solo "árbol heroico", molino de viento o torre, o barco en obras marinas. [57] El artista principal fue Jacob van Ruisdael (1628-1682), que produjo una gran cantidad y variedad de obras, utilizando todos los temas típicamente holandeses excepto el paisaje italianizante (abajo); en su lugar, produjo paisajes "nórdicos" de bosques de pinos de montaña oscuros y dramáticos con torrentes y cascadas. [58]
Su alumno fue Meindert Hobbema (1638-1709), más conocido por su atípica Avenida de Middelharnis (1689, Londres), que se alejaba de sus escenas habituales de molinos de agua y caminos a través de bosques. Otros dos artistas con estilos más personales, cuyas mejores obras incluían cuadros de mayor tamaño (de hasta un metro o más de ancho), fueron Aelbert Cuyp (1620-1691) y Philips Koninck (1619-1688). Cuyp tomó la luz dorada italiana y la utilizó en escenas nocturnas con un grupo de figuras en primer plano y detrás de ellas un río y un amplio paisaje. Las mejores obras de Koninck son vistas panorámicas, como desde una colina, sobre amplias tierras de cultivo planas, con un cielo enorme.
Un tipo diferente de paisaje, producido a lo largo de las fases tonal y clásica, fue el paisaje romántico italianizante, típicamente en entornos más montañosos que los que se encuentran en los Países Bajos, con luz dorada y, a veces, pintorescos paisajes mediterráneos y ruinas. No todos los artistas que se especializaron en estos habían visitado Italia. Jan Both (fallecido en 1652), que había estado en Roma y había trabajado con Claude Lorrain , fue un destacado desarrollador del subgénero, que influyó en el trabajo de muchos pintores de paisajes con escenarios holandeses, como Aelbert Cuyp. Otros artistas que trabajaron constantemente en el estilo fueron Nicolaes Berchem (1620-1683) y Adam Pijnacker . Los paisajes italianizantes fueron populares como grabados, y más pinturas de Berchem se reprodujeron en grabados durante el período en sí que las de cualquier otro artista. [59]
Muchos otros artistas no encajan en ninguno de estos grupos, sobre todo Rembrandt, cuyos relativamente pocos paisajes pintados muestran diversas influencias, incluidas algunas de Hercules Seghers (c. 1589–c. 1638); sus muy raros paisajes de valles de montaña de gran tamaño fueron un desarrollo muy personal de los estilos del siglo XVI. [60] Aert van der Neer (fallecido en 1677) pintó escenas muy pequeñas de ríos de noche o bajo el hielo y la nieve.
Los paisajes con animales en primer plano eran un subtipo distinto, y fueron pintados por Cuyp, Paulus Potter (1625-1654), Albert Jansz. Klomp (1625-1688), Adriaen van de Velde (1636-1672) y Karel Dujardin (1626-1678, animales de granja), con Philips Wouwerman pintando caballos y jinetes en varios escenarios. La vaca era un símbolo de prosperidad para los holandeses, hasta entonces ignorada en el arte, y aparte del caballo, con mucho, el animal más representado; las cabras se usaban para indicar Italia. El toro joven de Potter es un retrato enorme y famoso que Napoleón llevó a París (más tarde regresó) aunque los analistas de ganado han notado a partir de la representación de las diversas partes de la anatomía que parece ser una composición de estudios de seis animales diferentes de edades muy diferentes.
La arquitectura también fascinó a los holandeses, en particular las iglesias. Al principio de este período, la tradición principal eran los palacios fantásticos y las vistas de las ciudades de la arquitectura manierista nórdica inventada, que la pintura flamenca continuó desarrollando y que en Holanda estuvo representada por Dirck van Delen . Comenzó a aparecer un mayor realismo y se reprodujeron los exteriores e interiores de los edificios reales, aunque no siempre con fidelidad. Durante el siglo, la comprensión de la representación correcta de la perspectiva creció y se aplicó con entusiasmo. Varios artistas se especializaron en interiores de iglesias.
Pieter Jansz Saenredam , cuyo padre Jan Saenredam grabó sensuales diosas manieristas desnudas, pintó vistas despobladas de iglesias urbanas góticas ahora encaladas. Su énfasis en la luz uniforme y la geometría, con poca representación de texturas superficiales, se resalta al comparar sus obras con las de Emanuel de Witte , quien dejó en la gente, pisos desiguales, contrastes de luz y tal desorden de mobiliario de iglesia como permaneció en las iglesias calvinistas, todo generalmente ignorado por Saenredam. Gerard Houckgeest , seguido por van Witte y Hendrick van Vliet , había complementado la vista tradicional a lo largo de un eje principal de la iglesia con vistas diagonales que agregaron dramatismo e interés. [61]
Gerrit Berckheyde se especializó en vistas poco pobladas de las calles principales de la ciudad, plazas y edificios públicos importantes; Jan van der Heyden prefería escenas más íntimas de calles más tranquilas de Ámsterdam, a menudo con árboles y canales. Se trataba de vistas reales, pero no dudó en ajustarlas para lograr un efecto compositivo. [62]
La República Holandesa dependía del comercio marítimo para su excepcional riqueza, tuvo guerras navales con Gran Bretaña y otras naciones durante el período, y estaba atravesada por ríos y canales. Por lo tanto, no es sorprendente que el género de la pintura marítima fuera enormemente popular y llevado a nuevas alturas en el período por los artistas holandeses; al igual que con los paisajes, el paso de la vista elevada artificial típica de la pintura marina anterior fue un paso crucial. [63] Las imágenes de batallas navales contaban las historias de una marina holandesa en la cima de su gloria, aunque hoy en día son generalmente las escenas más tranquilas las que se valoran más. Los barcos normalmente están en el mar y las escenas de muelles sorprendentemente están ausentes. [64]
En la mayoría de los casos, incluso los barcos pequeños ondean la bandera holandesa , y muchos de ellos pueden identificarse como navales o como uno de los muchos otros barcos gubernamentales. Muchas imágenes incluían algo de tierra, con una vista de la playa o del puerto, o una vista de un estuario. Otros artistas se especializaron en escenas fluviales, desde los pequeños cuadros de Salomon van Ruysdael con pequeñas embarcaciones y bancos de juncos hasta los grandes paisajes italianizantes de Aelbert Cuyp , donde el sol suele ponerse sobre un ancho río. El género, naturalmente, comparte mucho con la pintura de paisajes, y al desarrollar la representación del cielo, los dos iban de la mano; muchos paisajistas también pintaron escenas de playa y río. Entre los artistas se encontraban Jan Porcellis , Simon de Vlieger , Jan van de Cappelle , Hendrick Dubbels y Abraham Storck . Willem van de Velde el Viejo y su hijo son los principales maestros de las décadas posteriores, que tienden, como a principios de siglo, a hacer del barco el tema, mientras que en las obras tonales de décadas anteriores el énfasis había estado en el mar y el clima. Partieron hacia Londres en 1672, dejando al maestro de los mares pesados, el alemán Ludolf Bakhuizen , como el artista principal. [65]
Las naturalezas muertas eran una gran oportunidad para mostrar la habilidad de pintar texturas y superficies con gran detalle y con efectos de luz realistas. Alimentos de todo tipo dispuestos sobre una mesa, cubiertos de plata, patrones intrincados y pliegues sutiles en manteles y flores eran todo un desafío para los pintores. Los pintores holandeses produjeron naturalezas muertas en gran número, lo que revela el "amor de los holandeses por la cultura doméstica". El término inglés "se deriva de la palabra holandesa stilleven ", que comenzó a usarse alrededor de 1650. [66]
Se reconocían varios tipos de temas: los banketje eran «piezas de banquete», los ontbijtjes, más simples, «piezas de desayuno». [67] Prácticamente todas las naturalezas muertas tenían un mensaje moralista, generalmente relacionado con la brevedad de la vida –esto se conoce como el tema de la vanitas– implícito incluso en ausencia de un símbolo obvio como una calavera, o uno menos obvio como un limón medio pelado (como la vida, dulce en apariencia pero amargo al gusto). [68] Las flores se marchitan y la comida se descompone, y la plata no tiene ninguna utilidad para el alma. Sin embargo, la fuerza de este mensaje parece menos poderosa en las piezas más elaboradas de la segunda mitad del siglo.
Al principio, los objetos que se mostraban eran casi siempre mundanos. Sin embargo, a partir de mediados de siglo, los pronkstillevens ("naturalezas muertas ostentosas"), que representaban objetos caros y exóticos y que habían sido desarrollados como un subgénero en la década de 1640 en Amberes por artistas flamencos como Frans Snyders y Adriaen van Utrecht , se hicieron más populares. [69] Las primeras fases realistas, tonales y clásicas de la pintura de paisajes tuvieron contrapartes en la pintura de naturalezas muertas. [70] Willem Claeszoon Heda (1595– c. 1680 ) y Willem Kalf (1619–1693) lideraron el cambio hacia los pronkstilleven , mientras que Pieter Claesz (fallecido en 1660) prefirió pintar "ontbijt" ("piezas de desayuno") más simples o piezas de vanitas explícitas.
En todos estos pintores, los colores suelen ser muy apagados, con predominio de los marrones, especialmente a mediados de siglo. Esto es menos cierto en las obras de Jan Davidsz de Heem (1606-1684), una figura importante que pasó gran parte de su carrera en Amberes, al otro lado de la frontera . Allí, sus composiciones comenzaron a extenderse lateralmente para formar amplios cuadros oblongos, algo poco habitual en el norte, aunque Heda a veces pintaba composiciones verticales más altas. Los pintores de naturalezas muertas eran especialmente propensos a formar dinastías; parece que hubo muchos de Heems y Bosschaerts; el hijo de Heda continuó con el estilo de su padre y Claesz fue el padre de Nicholaes Berchem.
Las pinturas de flores formaban un subgrupo con sus propios especialistas y, ocasionalmente, eran la especialidad de las pocas mujeres artistas, como Maria van Oosterwyck y Rachel Ruysch . [71] Los holandeses también lideraron el mundo en dibujos, grabados e ilustraciones de libros botánicos y científicos. A pesar del intenso realismo de las flores individuales, las pinturas se componían a partir de estudios individuales o incluso ilustraciones de libros, y las flores de estaciones muy diferentes se incluían rutinariamente en la misma composición, y las mismas flores reaparecían en diferentes obras, al igual que las piezas de vajilla. También había una irrealidad fundamental en el hecho de que los ramos de flores en jarrones no eran, de hecho, en absoluto comunes en las casas de la época; incluso los muy ricos mostraban las flores una a una en porta tulipanes de cerámica de Delft . [72]
La tradición holandesa fue iniciada en gran medida por Ambrosius Bosschaert (1573-1621), un pintor de flores nacido en Flandes que se había establecido en el norte a principios del período y había fundado una dinastía. Su cuñado Balthasar van der Ast (fallecido en 1657) fue pionero en la pintura de bodegones de conchas y flores. Estas primeras obras estaban relativamente bien iluminadas y los ramos de flores estaban dispuestos de una manera relativamente sencilla. A partir de mediados de siglo, los arreglos que pueden llamarse con justicia barrocos, por lo general sobre un fondo oscuro, se hicieron más populares, ejemplificados por las obras de Willem van Aelst (1627-1683). Los pintores de Leiden , La Haya y Ámsterdam sobresalieron especialmente en este género.
La caza muerta y las aves pintadas vivas pero estudiadas desde la muerte eran otro subgénero, al igual que el pescado muerto, un alimento básico de la dieta holandesa ( Abraham van Beijeren hizo muchos de ellos). [73] Los holandeses eran menos dados al estilo flamenco de combinar grandes elementos de naturaleza muerta con otros tipos de pintura (habrían sido considerados orgullosos en los retratos) y al hábito flamenco de los pintores especialistas de colaborar en los diferentes elementos de la misma obra. Pero esto a veces sucedía: Philips Wouwerman se utilizaba ocasionalmente para añadir hombres y caballos para convertir un paisaje en una escena de caza o escaramuza, Berchem o Adriaen van de Velde para añadir personas o animales de granja.
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Para los artistas holandeses, el Schilderboeck de Karel van Mander no sólo tenía como objetivo servir de lista de biografías, sino también de fuente de consejos para los jóvenes artistas. Rápidamente se convirtió en una obra clásica de referencia para generaciones de jóvenes artistas holandeses y flamencos del siglo XVII. El libro aconsejaba a los artistas que viajaran y conocieran los lugares de interés de Florencia y Roma, y después de 1604 muchos lo hicieron. Sin embargo, es de destacar que los artistas holandeses más importantes en todos los campos, figuras como Rembrandt, Vermeer, Hals, Steen, Jacob van Ruisdael y otros, no habían realizado el viaje. [13]
Muchos pintores holandeses (y flamencos) trabajaron en el extranjero o exportaron su obra; el grabado también fue un importante mercado de exportación, por el que Rembrandt se hizo conocido en toda Europa. El regalo holandés a Carlos II de Inglaterra fue un regalo diplomático que incluía cuatro pinturas holandesas contemporáneas. La pintura inglesa dependía en gran medida de los pintores holandeses, con Sir Peter Lely seguido por Sir Godfrey Kneller , desarrollando el estilo de retrato inglés establecido por el flamenco Anthony van Dyck antes de la Guerra Civil Inglesa . Los pintores marinos van der Velde, padre e hijo , estuvieron entre varios artistas que abandonaron Holanda en la invasión francesa de 1672, que provocó un colapso en el mercado del arte. También se mudaron a Londres, y los inicios de la pintura de paisajes inglesa fueron establecidos por varios pintores holandeses menos distinguidos, como Hendrick Danckerts .
Los bamboccianti eran una colonia de artistas holandeses que introdujeron el género en Italia. Jan Weenix y Melchior d'Hondecoeter se especializaron en caza y aves, vivas o muertas, y eran muy solicitados para las puertas de las casas de campo y los cotos de caza en todo el norte de Europa.
Aunque el control holandés de la región azucarera del noreste del Brasil holandés resultó ser breve (1630-54), el gobernador Johan Maurits van Nassau-Siegen invitó a artistas holandeses a pintar escenas que son valiosas para mostrar el paisaje y los pueblos del siglo XVII de la región. [74] Los dos más conocidos de estos artistas fueron Frans Post , un paisajista, y un pintor de naturalezas muertas, Albert Eckhout , quien produjo pinturas etnográficas de la población de Brasil. Estas se exhibieron originalmente en el Gran Salón del Palacio de Vrijburg en Recife . [75] Había un mercado en Ámsterdam para tales pinturas, [76] y Post continuó produciendo escenas brasileñas durante años después de su regreso a los Países Bajos. Las Indias Orientales Holandesas fueron cubiertas artísticamente mucho menos bien.
The enormous success of 17th-century Dutch painting overpowered the work of subsequent generations, and no Dutch painter of the 18th century—nor, arguably, a 19th-century one before Van Gogh—is well known outside the Netherlands. Already by the end of the period artists were complaining that buyers were more interested in dead than living artists.
If only because of the enormous quantities produced, Dutch Golden Age painting has always formed a significant part of collections of Old Master paintings, itself a term invented in the 18th century to describe Dutch Golden Age artists. Taking only Wouwerman paintings in old royal collections, there are more than 60 in Dresden and over 50 in the Hermitage.[77] But the reputation of the period has shown many changes and shifts of emphasis. One nearly constant factor has been admiration for Rembrandt, especially since the Romantic period. Other artists have shown drastic shifts in critical fortune and market price; at the end of the period some of the active Leiden fijnschilders had enormous reputations, but since the mid-19th century realist works in various genres have been far more appreciated.[78]
Vermeer was rescued from near-total obscurity in the 19th century, by which time several of his works had been re-attributed to others. However the fact that so many of his works were already in major collections, often attributed to other artists, demonstrates that the quality of individual paintings was recognised even if his collective oeuvre was unknown.[79] Other artists have continued to be rescued from the mass of little-known painters: the late and very simple still lifes of Adriaen Coorte in the 1950s,[80] and the landscapists Jacobus Mancaden and Frans Post earlier in the century.[81]
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Genre paintings were long popular, but little-regarded. In 1780, Horace Walpole disapproved that they "invite laughter to divert itself with the nastiest indelicacy of boors".[82] Sir Joshua Reynolds, the English leader of 18th-century academic art, made several revealing comments on Dutch art. He was impressed by the quality of Vermeer's Milkmaid (illustrated at the start of this article), and the liveliness of Hals' portraits, regretting he lacked the "patience" to finish them properly, and lamented that Steen had not been born in Italy and formed by the High Renaissance, so that his talent could have been put to better use.[83] By Reynolds' time, the moralist aspect of genre painting was no longer understood, even in the Netherlands; the famous example is the so-called Paternal Admonition, as it was then known, by Gerard ter Borch. This was praised by Goethe and others for the delicacy of its depiction of a father reprimanding his daughter. In fact, in the view of most (but not all) modern scholars it is a proposition scene in a brothel – there are two versions (Berlin & Amsterdam) and it is unclear whether a "tell-tale coin" in the man's hand has been removed or overpainted in either.[84]
In the second half of the 18th century, the down-to-earth realism of Dutch painting was a "Whig taste" in England, and in France associated with Enlightenment rationalism and aspirations for political reform.[85] In the 19th century, with a near-universal respect for realism, and the final decline of the hierarchy of genres, contemporary painters began to borrow from genre painters both their realism and their use of objects for narrative purposes, and paint similar subjects themselves, with all the genres the Dutch had pioneered appearing on far larger canvases (still lifes excepted).
In landscape painting, the Italianate artists were the most influential and highly regarded in the 18th century, but John Constable was among those Romantics who denounced them for artificiality, preferring the tonal and classical artists.[59] In fact, both groups remained influential and popular in the 19th century.
![Pieter de Hooch, Patio de una casa en Delft, 1658, un estudio sobre la virtud doméstica, la textura y la complejidad espacial. La mujer es una sirvienta.[53]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c2/Pieter_de_Hooch_-_The_Courtyard_of_a_House_in_Delft.jpg/1280px-Pieter_de_Hooch_-_The_Courtyard_of_a_House_in_Delft.jpg)
![Judith Leyster, Un niño y una niña con un gato y una anguila; se han sugerido varias referencias a proverbios o emblemas.[54]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/41/Judith_Leyster_A_Boy_and_a_Girl_with_a_Cat_and_an_Eel.jpg/1280px-Judith_Leyster_A_Boy_and_a_Girl_with_a_Cat_and_an_Eel.jpg)
![Nicolaes Maes, El sirviente ocioso; los problemas de las criadas domésticas fueron el tema de varias de las obras de Maes.[55]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c2/The_idle_servant.jpg/1280px-The_idle_servant.jpg)
