Rembrandt Harmenszoon van Rijn ( / ˈ r ɛ m b r æ n t , ˈ r ɛ m b r ɑː n t / , [ 2] Holandés: [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)ˌsoːɱ vɑn ˈrɛin] (15 de julio de 1606[1] - 4 de octubre de 1669), conocido simplemente comoRembrandt, fue un,grabadorydibujanteholandés del Siglo de Oro. Generalmente se lo considera uno de losartistas visualesde lahistoria del arte.[3]Se estima que Rembrandt produjo un total de alrededor de trescientas pinturas, trescientos grabados y dos mil dibujos.
A diferencia de la mayoría de los pintores holandeses del siglo XVII, las obras de Rembrandt representan una amplia gama de estilos y temas, desde retratos y autorretratos hasta paisajes, escenas de género , escenas alegóricas e históricas, temas bíblicos y mitológicos y estudios de animales. Sus contribuciones al arte se produjeron en un período que los historiadores denominan la Edad de Oro holandesa .
Rembrandt nunca viajó al extranjero, pero recibió una gran influencia de la obra de los antiguos maestros italianos y de los artistas holandeses y flamencos que habían estudiado en Italia. Tras alcanzar el éxito juvenil como retratista, los últimos años de Rembrandt estuvieron marcados por la tragedia personal y las dificultades económicas. Sin embargo, sus grabados y pinturas fueron populares durante toda su vida, su reputación como artista se mantuvo alta [4] y durante veinte años enseñó a muchos pintores holandeses importantes [5] . Los retratos de Rembrandt de sus contemporáneos, los autorretratos y las ilustraciones de escenas de la Biblia se consideran sus mayores triunfos creativos. Sus aproximadamente 40 autorretratos forman una autobiografía íntima [3] [6]
Rembrandt [a] Harmenszoon van Rijn nació el 15 de julio de 1606 en Leiden, [1] en la República Holandesa , ahora Países Bajos . Fue el noveno hijo de Harmen Gerritszoon van Rijn y Neeltgen Willemsdochter van Zuijtbrouck. [8] Su familia era bastante adinerada; su padre era molinero y su madre hija de un panadero. Su madre era católica y su padre pertenecía a la Iglesia Reformada Holandesa . La religión es un tema central en las obras de Rembrandt y el período de gran carga religiosa en el que vivió hace que su fe sea un tema de interés.
De niño asistió a una escuela de latín . En 1620 se matriculó en la Universidad de Leiden , aunque tenía una mayor inclinación hacia la pintura y pronto fue aprendiz de Jacob van Swanenburg , con quien pasó tres años. [9] Tras un breve pero importante aprendizaje de seis meses con el pintor de historia Pieter Lastman en Ámsterdam, Rembrandt se quedó unos meses con Jacob Pynas en 1625, aunque Simon van Leeuwen afirmó que Rembrandt fue alumno de Joris van Schooten y luego abrió su propio taller. [9] [10]
En 1625, Rembrandt abrió un estudio en Leiden, que compartió con su amigo y colega Jan Lievens . En 1627, Rembrandt comenzó a aceptar estudiantes, entre ellos Gerrit Dou e Isaac de Jouderville . [11] Joan Huydecoper es mencionada como la primera compradora de un cuadro de Rembrandt en 1628. [12] En 1629, Rembrandt fue descubierto por el estadista Constantijn Huygens , quien consiguió para Rembrandt importantes encargos de la corte de La Haya. Como resultado de esta conexión, el príncipe Frederik Hendrik continuó comprando cuadros de Rembrandt. [13]
A finales de 1631, Rembrandt se trasladó a Ámsterdam, una ciudad en rápida expansión como capital comercial y de negocios. Comenzó a ejercer como retratista profesional por primera vez, con gran éxito. Al principio se quedó con un comerciante de arte, Hendrick van Uylenburgh , y en 1634 se casó con la prima de Hendrick, Saskia van Uylenburgh . [14] [15] Saskia provenía de una familia respetada: su padre, Rombertus, era abogado y había sido burgomaestre (alcalde) de Leeuwarden. La pareja se casó en la iglesia local de St. Annaparochie sin la presencia de los parientes de Rembrandt. [16] Ese mismo año, Rembrandt se convirtió en ciudadano de Ámsterdam y miembro del gremio local de pintores . También adquirió varios estudiantes, entre ellos Ferdinand Bol y Govert Flinck . [17]
En 1635, Rembrandt y Saskia alquilaron un alojamiento de moda con vistas al río Amstel. [18] En 1637, Rembrandt se mudó río arriba a Vlooienburg , en un edificio en el sitio anterior de la actual Stopera . [19] En mayo de 1639 se mudaron a una casa recientemente modernizada en la elegante 'Breestraat' con artistas y comerciantes de arte; Nicolaes Pickenoy , un pintor de retratos, era su vecino. La hipoteca para financiar la compra de 13.000 florines sería una causa de dificultades financieras posteriores. [b] [17] El vecindario albergó a muchos inmigrantes y se estaba convirtiendo en el barrio judío. Fue allí donde Rembrandt buscó con frecuencia a sus vecinos judíos para que modelaran sus escenas del Antiguo Testamento. [22] Uno de los grandes mecenas en las primeras etapas de su carrera fue el estadista de Ámsterdam Andries de Graeff . [23] [24]
Aunque para entonces eran ricos, la pareja sufrió varios reveses personales; tres niños murieron a las pocas semanas de nacer. [c] [d] Solo su cuarto hijo, Titus , que nació en 1641, sobrevivió hasta la edad adulta. Saskia murió en 1642, probablemente de tuberculosis . Los dibujos de Rembrandt de ella en su lecho de enfermedad y muerte se encuentran entre sus obras más conmovedoras. [26] [18] Después de la enfermedad de Saskia, la viuda Geertje Dircx fue contratada como cuidadora y nodriza de Titus; en algún momento, también se convirtió en la amante de Rembrandt. En mayo de 1649 se fue y acusó a Rembrandt de incumplimiento de promesa y pidió que se le otorgara una pensión alimenticia . [17] Rembrandt intentó resolver el asunto amistosamente, pero para pagar a su abogado ella empeñó el anillo de diamantes que él le había dado y que una vez perteneció a Saskia. El 14 de octubre llegaron a un acuerdo; El tribunal declaró en particular que Rembrandt tenía que pagar una pensión anual de manutención, siempre que Titus siguiera siendo su único heredero y que ella no vendiera ninguna de las posesiones de Rembrandt. [27] [28] Como Dircx rompió su promesa, Rembrandt y miembros de la propia familia de Dircx la internaron en una casa de corrección para mujeres en Gouda en agosto de 1650. Rembrandt también tomó medidas para asegurarse de que permaneciera en la casa de corrección durante el mayor tiempo posible. [29] Rembrandt pagó los costos. [30] [e]
A principios de 1649, Rembrandt inició una relación con Hendrickje Stoffels , de 23 años , que inicialmente había sido su criada. Ella pudo haber sido la causa de la marcha de Geertje. En ese año no hizo ninguna pintura ni grabado (fechado). [31] En 1654 Rembrandt pintó una controvertida Betsabé desnuda en su baño . En junio Hendrickje recibió tres citaciones de la Iglesia Reformada para responder a la acusación de "haber cometido actos de prostitución con Rembrandt el pintor". En julio admitió su culpabilidad y se le prohibió recibir la comunión . [32] Rembrandt no fue citado para comparecer ante el concilio de la Iglesia. [33] En octubre tuvieron una hija, Cornelia. Si se hubiera vuelto a casar, habría perdido el acceso a un fideicomiso creado para Titus en el testamento de Saskia. [26]
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Rembrandt, a pesar de su éxito artístico, se encontró en una situación financiera difícil. Su afición por adquirir obras de arte, grabados y objetos raros le llevó a vivir por encima de sus posibilidades. En enero de 1653 se concretó formalmente la venta de la propiedad, pero Rembrandt todavía tenía que cubrir la mitad de la hipoteca restante. Los acreedores comenzaron a presionar para que se le pagaran las cuotas, pero Rembrandt, ante la presión financiera, solicitó un aplazamiento. La casa necesitaba reparaciones, lo que llevó a Rembrandt a pedir dinero prestado a amigos, entre ellos Jan Six . [34] [f]
En noviembre de 1655, en medio de un año ensombrecido por la peste y la redacción de testamentos, el hijo de 14 años de Rembrandt, Titus, dio un paso significativo al redactar un testamento que designaba a su padre como único heredero, marginando efectivamente a la familia de su madre. [37] [38] En diciembre, Rembrandt orquestó una venta de sus pinturas, pero las ganancias no cumplieron con las expectativas. [39] Este período tumultuoso afectó profundamente a la industria del arte, lo que llevó a Rembrandt a buscar un acuerdo de la corte superior conocido como cessio bonorum . [40] A pesar de las dificultades financieras, la quiebra de Rembrandt no fue forzada. [39] [41] En julio de 1656, declaró su insolvencia , hizo un balance y entregó voluntariamente sus bienes. [42] Cabe destacar que ya había transferido la casa a su hijo. [21] Tanto las autoridades como sus acreedores mostraron indulgencia, otorgándole tiempo suficiente para liquidar sus deudas. Jacob J. Hinlopen supuestamente jugó un papel. [43]
En noviembre de 1657 se celebró otra subasta para vender sus pinturas, así como una cantidad sustancial de grabados y dibujos, algunos de ellos de artistas de renombre como Rafael , Mantegna y Giorgione . [g] Sorprendentemente, a Rembrandt se le permitió conservar sus herramientas como medio de generar ingresos. [21] Rembrandt perdió la tutela de su hijo y, por lo tanto, el control sobre sus acciones. Un nuevo tutor, Louis Crayers, reclamó la casa para saldar la deuda de Titus. [44]
La lista de venta, compuesta por 363 artículos, ofrece una visión de las diversas colecciones de Rembrandt, que abarcaban pinturas de viejos maestros , dibujos, bustos de emperadores romanos , estatuas de filósofos griegos , libros (una Biblia), dos globos terráqueos , bonetes, armaduras y varios objetos de Asia ( porcelana ), así como una colección de especímenes de historia natural (dos pieles de león, un ave del paraíso , corales y minerales). [45] Desafortunadamente, los precios alcanzados en la venta fueron decepcionantes. [46]
En febrero de 1658, la casa de Rembrandt se vendió en una subasta de ejecución hipotecaria y la familia se mudó a un alojamiento más modesto en Rozengracht . [47] En 1660, terminó Asuero y Amán en la fiesta de Ester , que vendió a Jan J. Hinlopen . [48] A principios de diciembre de 1660, se finalizó la venta de la casa, pero las ganancias fueron directamente al tutor de Titus. [49] [50]
Dos semanas después, Hendrickje y Titus establecieron una corporación ficticia como comerciantes de arte, lo que permitió a Rembrandt, que tenía alojamiento y comida , continuar con sus actividades artísticas. [51] [52] En 1661, consiguieron un contrato para un importante proyecto en el recién terminado ayuntamiento . La obra resultante, La conspiración de Claudio Civilis , fue rechazada por los alcaldes y devuelta al pintor en unas pocas semanas; el fragmento sobreviviente (en Estocolmo) es solo una cuarta parte del original. [53]
A pesar de estos reveses, Rembrandt continuó recibiendo importantes encargos de retratos y completó obras notables, como los Oficiales de muestreo en 1662. [54] Sigue siendo un desafío evaluar con precisión la riqueza de Rembrandt, ya que es posible que haya sobreestimado el valor de su colección de arte. [42] No obstante, la mitad de sus activos estaban destinados a la herencia de Titus. [55]
En marzo de 1663, con la enfermedad de Hendrickje, Titus asumió un papel más destacado. Isaac van Hertsbeeck, el principal acreedor de Rembrandt, acudió al Tribunal Supremo y cuestionó la prioridad de pago de Titus, lo que dio lugar a batallas legales que Titus finalmente ganó en 1665 cuando alcanzó la mayoría de edad. [56] [57] [58] Durante este tiempo, Rembrandt trabajó en piezas notables como La novia judía y sus últimos autorretratos, pero luchó con los atrasos en el alquiler. [59] Cabe destacar que Cosimo III de' Medici, Gran Duque de Toscana , visitó a Rembrandt dos veces y regresó a Florencia con uno de los autorretratos. [60]
Rembrandt sobrevivió tanto a Hendrickje como a Titus; murió el viernes 4 de octubre de 1669 y fue enterrado cuatro días después en una tumba alquilada en la Westerkerk . [61] Su hija ilegítima , Cornelia (1654-1684), finalmente se mudó a Batavia en 1670 acompañada por un oscuro pintor y la herencia de su madre. [62] La considerable herencia de Titus pasó a su única hija, Titia (1669-1715), quien se casó con su prima y vivió en Blauwburgwal . [63] La vida de Rembrandt estuvo marcada por algo más que logros artísticos; navegó por numerosos desafíos legales y financieros, dejando un legado complejo. [64] [65]
En una carta a Huygens, Rembrandt ofreció la única explicación que se conserva de lo que buscaba lograr a través de su arte, escribiendo que, "el movimiento más grande y natural", traducido de de meeste en de natuurlijkste beweegelijkheid . La palabra "beweegelijkheid" se traduce como "emoción" o "motivo". No se sabe si se refiere a objetivos, material o algo más, pero los críticos han llamado especialmente la atención sobre la forma en que Rembrandt fusionó a la perfección lo terrenal y lo espiritual. [66]
Los conocedores de principios del siglo XX afirmaron que Rembrandt había producido más de 600 pinturas, [67] casi 400 aguafuertes y 2.000 dibujos. [68] Estudios más recientes, desde la década de 1960 hasta la actualidad (liderados por el Proyecto de Investigación Rembrandt ), a menudo de manera controvertida, han reducido su obra a cerca de 300 pinturas. [h] Sus grabados , tradicionalmente todos llamados aguafuertes, aunque muchos se producen en su totalidad o en parte mediante grabado y, a veces , punta seca , tienen un total mucho más estable de poco menos de 300. [i] Es probable que Rembrandt hiciera muchos más dibujos en su vida que 2.000, pero los existentes son más raros de lo que se presume. [j] Dos expertos afirman que el número de dibujos cuyo estado autógrafo puede considerarse efectivamente "cierto" no es superior a unos 75, aunque esto es discutido. La lista se daría a conocer en una reunión académica en febrero de 2010. [71]
En un tiempo, se contabilizaron aproximadamente 90 cuadros como autorretratos de Rembrandt , pero ahora se sabe que hacía que sus alumnos copiaran sus propios autorretratos como parte de su formación. Los estudios modernos han reducido el recuento de autógrafos a más de cuarenta cuadros, así como unos pocos dibujos y treinta y un grabados, que incluyen muchas de las imágenes más notables del grupo. [72] Algunos lo muestran posando con un disfraz casi histórico o haciendo muecas. Sus pinturas al óleo trazan la evolución desde un joven inseguro, pasando por el elegante y exitoso retratista de la década de 1630, hasta los retratos problemáticos pero enormemente poderosos de su vejez. En conjunto, ofrecen una imagen notablemente clara del hombre, su apariencia y su composición psicológica, como lo revela su rostro ricamente curtido por la intemperie. [k]
En sus retratos y autorretratos, inclina el rostro del retratado de tal manera que la cresta de la nariz casi siempre forma la línea de demarcación entre las zonas iluminadas y las sombrías. Un rostro de Rembrandt es un rostro parcialmente eclipsado; y la nariz, brillante y obvia, que se introduce en el enigma de los medios tonos, sirve para centrar la atención del espectador y dramatizar la división entre un torrente de luz —una claridad abrumadora— y una penumbra inquietante. [73]
En varias obras bíblicas, entre ellas El levantamiento de la cruz , José contando sus sueños y La lapidación de san Esteban , Rembrandt se pintó a sí mismo como un personaje entre la multitud. Durham sugiere que esto se debió a que la Biblia era para Rembrandt "una especie de diario, un relato de momentos de su propia vida". [74]
Entre las características más destacadas de la obra de Rembrandt se encuentran su uso del claroscuro , el empleo teatral de la luz y la sombra derivado de Caravaggio o, más probablemente, de los caravaggistas holandeses pero adaptado para fines muy personales. [75] También son notables su presentación dramática y vivaz de los temas, desprovista de la formalidad rígida que a menudo mostraban sus contemporáneos, y una compasión profundamente sentida por la humanidad, independientemente de la riqueza y la edad. Su familia inmediata (su esposa Saskia, su hijo Titus y su esposa de hecho Hendrickje) a menudo figuraban de forma destacada en sus pinturas, muchas de las cuales tenían temas míticos , bíblicos o históricos.
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A lo largo de su carrera, Rembrandt tomó como temas principales el retrato, el paisaje y la pintura narrativa. Por esta última, fue especialmente elogiado por sus contemporáneos, quienes lo ensalzaron como un intérprete magistral de historias bíblicas por su habilidad para representar emociones y atención al detalle. [78] Estilísticamente, sus pinturas progresaron desde el estilo "suave" inicial, caracterizado por una técnica fina en la representación de formas ilusionistas, hasta el tratamiento "áspero" posterior de superficies de pintura ricamente abigarradas, que permitían un ilusionismo de la forma sugerido por la calidad táctil de la pintura misma. Rembrandt debió darse cuenta de que si mantenía la pintura deliberadamente suelta y "como pintura" en algunas partes del lienzo, la percepción del espacio se volvía mucho mayor. [79]
En la técnica de Rembrandt como grabador se puede observar un desarrollo paralelo. En los grabados de su madurez, en particular a partir de finales de la década de 1640, la libertad y amplitud de sus dibujos y pinturas también encontraron expresión en el medio impreso. Las obras abarcan una amplia gama de temas y técnicas, a veces dejando grandes áreas de papel blanco para sugerir espacio, y en otras ocasiones empleanndo complejas redes de líneas para producir ricos tonos oscuros. [80]
La influencia de Lastman en Rembrandt fue más prominente durante su período en Leiden de 1625 a 1631. [81] Las pinturas eran más bien pequeñas pero ricas en detalles (por ejemplo, en los trajes y las joyas). Se favorecían los temas religiosos y alegóricos , al igual que los tronies . [81] En 1626 Rembrandt produjo sus primeros aguafuertes, cuya amplia difusión explicaría en gran medida su fama internacional. [81] En 1629, completó Judas arrepentido, devolviendo las piezas de plata y El artista en su estudio , obras que evidencian su interés en el manejo de la luz y la variedad de la aplicación de la pintura y constituyen el primer gran progreso en su desarrollo como pintor. [82]
Durante sus primeros años en Ámsterdam (1632-1636), Rembrandt comenzó a pintar dramáticas escenas bíblicas y mitológicas en alto contraste y de gran formato ( El cegamiento de Sansón , 1636, El banquete de Baltasar , c. 1635 Dánae , 1636 pero reelaborada más tarde), buscando emular el estilo barroco de Rubens . [83] Con la ayuda ocasional de asistentes en el taller de Uylenburgh, pintó numerosos retratos por encargo, tanto pequeños ( Jacob de Gheyn III ) como grandes ( Retrato del constructor de barcos Jan Rijcksen y su esposa , 1633, Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp , 1632). [84]
A finales de la década de 1630, Rembrandt había producido algunas pinturas y muchos grabados de paisajes . A menudo, estos paisajes resaltaban el drama natural, con árboles arrancados de raíz y cielos siniestros ( Cabañas ante un cielo tormentoso , c. 1641; Los tres árboles , 1643). A partir de 1640, su obra se volvió menos exuberante y más sobria en tono, posiblemente reflejando una tragedia personal. Las escenas bíblicas ahora se derivaban más a menudo del Nuevo Testamento que del Antiguo Testamento , como había sido el caso antes. En 1642 pintó La ronda de noche , el más importante de los encargos de retratos grupales importantes que recibió en este período, y a través del cual buscó encontrar soluciones a problemas de composición y narrativos que se habían intentado en obras anteriores. [85]
En la década posterior a La ronda de noche , las pinturas de Rembrandt variaron mucho en tamaño, tema y estilo. La tendencia anterior a crear efectos dramáticos principalmente mediante fuertes contrastes de luz y sombra dio paso al uso de iluminación frontal y áreas de color más grandes y saturadas. Simultáneamente, las figuras comenzaron a colocarse paralelas al plano del cuadro. Estos cambios pueden verse como un movimiento hacia un modo clásico de composición y, considerando también el uso más expresivo de la pincelada, pueden indicar una familiaridad con el arte veneciano ( Susan y los viejos , 1637-1647). [86] Al mismo tiempo, hubo una marcada disminución de las obras pintadas a favor de grabados y dibujos de paisajes. [87] En estas obras gráficas, el drama natural finalmente dio paso a tranquilas escenas rurales holandesas.
En la década de 1650, el estilo de Rembrandt cambió de nuevo. Los colores se volvieron más ricos y las pinceladas más pronunciadas. Con estos cambios, Rembrandt se distanció de sus trabajos anteriores y de la moda actual, que se inclinaba cada vez más hacia obras finas y detalladas. Su uso de la luz se vuelve más irregular y áspero, y el brillo se vuelve casi inexistente. Su enfoque singular para la aplicación de la pintura puede haber sido sugerido en parte por la familiaridad con la obra de Tiziano , y podría verse en el contexto de la discusión entonces actual sobre el "acabado" y la calidad de la superficie de las pinturas. Los relatos contemporáneos a veces comentan con desaprobación la tosquedad de la pincelada de Rembrandt, y se dice que el propio artista disuadió a los visitantes de mirar demasiado de cerca sus pinturas. [88] La manipulación táctil de la pintura puede recordar a los procedimientos medievales, cuando los efectos miméticos de la representación informaban la superficie de una pintura. El resultado es un manejo de la pintura ricamente variado, profundamente estratificado y a menudo aparentemente aleatorio, que sugiere forma y espacio de una manera tanto ilusoria como muy individual. [89]
En años posteriores, se representaron con frecuencia temas bíblicos , pero el énfasis pasó de las dramáticas escenas grupales a las figuras íntimas tipo retratos ( Santiago el apóstol , 1661). En sus últimos años, Rembrandt pintó sus autorretratos más profundamente reflexivos (de 1652 a 1669 pintó quince) y varias imágenes en movimiento de hombres y mujeres ( La novia judía , c. 1666) enamorados, en vida y ante Dios. [90] [91]
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Rembrandt produjo aguafuertes durante la mayor parte de su carrera, desde 1626 hasta 1660, cuando se vio obligado a vender su imprenta y prácticamente abandonó el grabado. Sólo el turbulento año de 1649 no produjo ninguna obra fechada. [92] Se acostumbró fácilmente al grabado y, aunque aprendió a utilizar un buril y grabó parcialmente muchas planchas, la libertad de la técnica del grabado fue fundamental para su trabajo. Estuvo muy involucrado en todo el proceso de grabado y debe haber impreso él mismo al menos los primeros ejemplos de sus grabados. Al principio utilizó un estilo basado en el dibujo, pero pronto pasó a uno basado en la pintura, utilizando una masa de líneas y numerosos mordiscos con el ácido para lograr diferentes intensidades de línea. Hacia finales de la década de 1630, reaccionó contra esta manera y pasó a un estilo más simple, con menos mordiscos. [93] Trabajó en la llamada Impresión de los Cien Florines en etapas a lo largo de la década de 1640, y fue el "trabajo crítico en la mitad de su carrera", del cual comenzó a surgir su estilo de grabado final. [94] Aunque la impresión solo sobrevive en dos estados , el primero muy raro, se puede ver evidencia de mucha reelaboración debajo de la impresión final y muchos dibujos sobreviven para elementos de ella. [95]
En las obras maduras de la década de 1650, Rembrandt estaba más dispuesto a improvisar sobre la plancha y las impresiones de gran tamaño suelen sobrevivir en varios estados, hasta once, a menudo radicalmente modificados. Ahora utilizó el rayado para crear sus áreas oscuras, que a menudo ocupan gran parte de la plancha. También experimentó con los efectos de la impresión en diferentes tipos de papel, incluido el papel japonés , que utilizó con frecuencia, y en vitela . Comenzó a utilizar el " tono de superficie ", dejando una fina película de tinta en partes de la plancha en lugar de limpiarla por completo para imprimir cada impresión. Hizo un mayor uso de la punta seca , explotando, especialmente en los paisajes, la rica rebaba difusa que esta técnica da a las primeras impresiones. [96]
Sus grabados tienen temas similares a sus pinturas, aunque los 27 autorretratos son relativamente más comunes y los retratos de otras personas no tanto. Los paisajes, en su mayoría pequeños, marcaron en gran medida el rumbo del tratamiento gráfico del paisaje hasta finales del siglo XIX. De los cientos de dibujos que hizo Rembrandt, solo unos doscientos tienen como tema un motivo de paisaje, y de los aproximadamente trescientos aguafuertes, unos treinta muestran un paisaje. En cuanto a sus paisajes pintados, ni siquiera se pasa de ocho obras. [97] Un tercio de sus aguafuertes son de temas religiosos, muchos tratados con una sencillez hogareña, mientras que otros son sus grabados más monumentales. Unas pocas composiciones eróticas, o simplemente obscenas, no tienen equivalente en sus pinturas. [98] Poseía, hasta que se vio obligado a venderla, una magnífica colección de grabados de otros artistas, y muchos préstamos e influencias en su obra se pueden rastrear a artistas tan diversos como Mantegna , Rafael , Hercules Seghers y Giovanni Benedetto Castiglione .
Los dibujos de Rembrandt y sus discípulos/seguidores han sido estudiados extensamente por muchos artistas y eruditos [l] a lo largo de los siglos. Su original técnica de dibujo ha sido descrita como un estilo artístico individualista que era muy similar al de los antiguos maestros del este de Asia, sobre todo los maestros chinos: [105] [106]
Rembrandt se interesó por las miniaturas mogoles , especialmente alrededor de la década de 1650. Dibujó versiones de unas 23 pinturas mogoles y es posible que tuviera un álbum de ellas. Estas miniaturas incluyen pinturas de Shah Jahan , Akbar , Jahangir y Dara Shikoh y pueden haber influido en los trajes y otros aspectos de sus obras. [107] [108] [109] [110]
Rembrandt pintó La compañía de milicia del capitán Frans Banning Cocq entre 1640 y 1642, y se convirtió en su obra más famosa. [111] Los holandeses llamaron a este cuadro De Nachtwacht y Sir Joshua Reynolds La ronda de noche porque en 1781 el cuadro estaba tan oscurecido y desfigurado que era casi indistinguible y parecía una escena nocturna. Después de limpiarlo, se descubrió que representaba un día pleno: un grupo de 18 mosqueteros saliendo de un patio sombrío hacia la luz cegadora del sol. Para Théophile Thoré era el cuadro más bonito del mundo.
La pieza fue encargada para la nueva sala de los Kloveniersdoelen , la rama de mosqueteros de la milicia cívica . Rembrandt se apartó de la convención, que ordenaba que estas piezas de género debían ser majestuosas y formales, más una fila de gente que una escena de acción. En su lugar, mostró a la milicia preparándose para embarcarse en una misión, aunque la naturaleza exacta de la misión o el evento es un tema de debate en curso.
Contrariamente a lo que se suele decir, la obra fue aclamada como un éxito desde el principio. Se cortaron partes del lienzo (aproximadamente el 20% del lado izquierdo) para que la pintura se adaptara a su nueva ubicación cuando se trasladó al ayuntamiento en 1715. En 1817, este gran cuadro se trasladó a la Trippenhuis . Desde 1885, el cuadro se exhibe en el Rijksmuseum . [m] En 1940, el cuadro se trasladó al castillo de Radboud ; en 1941, a un búnker cerca de Heemskerk ; en 1942, a St Pietersberg ; en junio de 1945, se envió de regreso a Ámsterdam.
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En 1968, bajo el patrocinio de la Organización Holandesa para el Fomento de la Investigación Científica, se inició el Proyecto de Investigación Rembrandt, que inicialmente se estimó que duraría diez años, una cifra muy optimista. Los historiadores del arte se unieron a expertos de otros campos para reevaluar la autenticidad de las obras atribuidas a Rembrandt, utilizando todos los métodos disponibles, incluidos los diagnósticos técnicos de última generación, y para compilar un nuevo catálogo razonado completo de sus pinturas. Como resultado de sus hallazgos, muchas pinturas que anteriormente se atribuían a Rembrandt han sido eliminadas de la lista, aunque otras han sido agregadas nuevamente. [113] Se cree que muchas de las eliminadas son ahora obra de sus estudiantes.
Un ejemplo de esta actividad es El jinete polaco , que ahora se conserva en la Colección Frick de la ciudad de Nueva York. La autoría de Rembrandt había sido cuestionada por al menos un erudito, Alfred von Wurzbach, a principios del siglo XX, pero durante muchas décadas después la mayoría de los eruditos, incluida la principal autoridad que escribía en inglés, Julius S. Held , coincidieron en que, en efecto, se trataba del maestro. Sin embargo, en la década de 1980, el Dr. Josua Bruyn, del Proyecto de Investigación de la Fundación Rembrandt, atribuyó cautelosamente y con cautela la pintura a uno de los alumnos más cercanos y talentosos de Rembrandt, Willem Drost , sobre el que se sabe poco. Pero la opinión de Bruyn siguió siendo minoritaria, la sugerencia de la autoría de Drost ahora se rechaza en general y la propia Frick nunca cambió su propia atribución, la etiqueta sigue diciendo "Rembrandt" y no "atribuido a" o "escuela de". La opinión más reciente ha cambiado aún más decisivamente a favor de Frick; En su libro de 1999 Rembrandt's Eyes (Los ojos de Rembrandt) , Simon Schama y el investigador del Rembrandt Project Ernst van de Wetering (Simposio de Melbourne, 1997) abogaron por la atribución al maestro. Los pocos investigadores que aún cuestionan la autoría de Rembrandt creen que la ejecución es desigual y están a favor de distintas atribuciones para distintas partes de la obra. [114]
Schama planteó una cuestión similar en relación con la verificación de los títulos asociados con el tema representado en las obras de Rembrandt. Por ejemplo, el tema exacto representado en Aristóteles con un busto de Homero , recientemente retitulado por los curadores del Museo Metropolitano, ha sido cuestionado directamente por Schama aplicando la erudición de Paul Crenshaw. [115] Schama presenta un argumento sustancial de que fue el famoso pintor griego antiguo Apeles quien fue representado en contemplación por Rembrandt y no Aristóteles. [116]
Otra pintura, Pilato lavándose las manos , también es de atribución cuestionable. La opinión crítica sobre esta pintura ha variado desde 1905, cuando Wilhelm von Bode la describió como "una obra algo anormal" de Rembrandt. Desde entonces, los académicos han datado la pintura en la década de 1660 y la han asignado a un alumno anónimo, posiblemente Aert de Gelder. La composición tiene un parecido superficial con obras maduras de Rembrandt, pero carece del dominio del maestro de la iluminación y el modelado. [117]
El trabajo de atribución y reatribución está en curso. En 2005, cuatro pinturas al óleo atribuidas anteriormente a los estudiantes de Rembrandt fueron reclasificadas como obra del propio Rembrandt: Estudio de un anciano de perfil y Estudio de un anciano con barba de una colección privada estadounidense, Estudio de una mujer llorando , propiedad del Instituto de Artes de Detroit , y Retrato de una anciana con cofia blanca , pintado en 1640. [118] El anciano sentado en una silla es otro ejemplo: en 2014, el profesor Ernst van de Wetering ofreció su opinión a The Guardian de que la degradación de la pintura de 1652 El anciano sentado en una silla "fue un gran error... es una pintura muy importante. La pintura debe verse en términos de la experimentación de Rembrandt". Esto fue destacado mucho antes por Nigel Konstam , quien estudió a Rembrandt a lo largo de su carrera. [119]
La práctica del propio Rembrandt en su estudio es un factor importante en la dificultad de atribución, ya que, como muchos maestros antes que él, animaba a sus alumnos a copiar sus cuadros, a veces terminándolos o retocándolos para venderlos como originales, y a veces vendiéndolos como copias autorizadas. Además, su estilo resultó bastante fácil de emular para sus alumnos más talentosos. Para complicar aún más las cosas está la calidad desigual de algunas de las obras del propio Rembrandt y sus frecuentes evoluciones y experimentos estilísticos. [120] Además, hubo imitaciones posteriores de su obra y restauraciones que dañaron tan gravemente las obras originales que ya no son reconocibles. [121]
En 1977, Hermann Kühn llevó a cabo una investigación técnica de las pinturas de Rembrandt que se encuentran en posesión de la Gemäldegalerie Alte Meister [122] y en la Gemäldegalerie Alte Meister (Kassel) [123]. Los análisis de pigmentos de unas treinta pinturas han demostrado que la paleta de Rembrandt estaba compuesta por los siguientes pigmentos: blanco de plomo , varios ocres , pardo Van Dyke, negro de hueso, negro de carbón , negro de humo , bermellón , laca de rubia , azurita , ultramar , laca amarilla y amarillo de plomo y estaño . En las sombras de la manga del novio judío se mostró oropimente sintético . Este amarillo de arsénico tóxico rara vez se utilizó en la pintura al óleo. [124] Se dice que una pintura (Saskia van Uylenburgh como Flora) [125] contiene gamboge . Rembrandt rara vez utilizó colores azules o verdes puros, siendo la excepción más pronunciada El banquete de Baltasar [126] [127] en la National Gallery de Londres . El libro de Bomford [126] describe investigaciones técnicas más recientes y análisis de pigmentos de las pinturas de Rembrandt predominantemente en la National Gallery de Londres. La gama completa de pigmentos empleados por Rembrandt se puede encontrar en ColourLex. [128] La mejor fuente de información técnica sobre las pinturas de Rembrandt en la web es la Base de datos Rembrandt que contiene todas las obras de Rembrandt con informes de investigación detallados, imágenes infrarrojas y radiográficas y otros detalles científicos. [129]
"Rembrandt" es una modificación de la ortografía del primer nombre del artista que introdujo en 1633. "Harmenszoon" indica que el nombre de su padre es Harmen. "van Rijn" indica que su familia vivía cerca del Rin . [130]
Las primeras firmas de Rembrandt (hacia 1625) consistían en una "R" inicial o el monograma "RH" (por Rembrant Harmenszoon) y, a partir de 1629, "RHL" (la "L" representaba, presumiblemente, Leiden). En 1632, utilizó este monograma a principios de año y luego le añadió su apellido, "RHL-van Rijn", pero reemplazó esta forma ese mismo año y comenzó a utilizar su nombre de pila solo con su ortografía original, "Rembrant". En 1633 añadió una "d" y mantuvo esta forma de manera constante a partir de entonces, lo que demuestra que este pequeño cambio tenía un significado para él (cualquiera que fuera). Este cambio es puramente visual; no cambia la forma en que se pronuncia su nombre. Curiosamente, a pesar de la gran cantidad de pinturas y grabados firmados con este nombre de pila modificado, la mayoría de los documentos que lo mencionan durante su vida conservaron la ortografía original "Rembrant". (Nota: la cronología aproximada de las formas de firma anteriores se aplica a las pinturas y, en menor grado, a los grabados; desde 1632, presumiblemente, solo hay un grabado firmado "RHL-v. Rijn", el gran formato "La resurrección de Lázaro", B 73). [131] Su práctica de firmar su trabajo con su primer nombre, seguida más tarde por Vincent van Gogh , probablemente se inspiró en Rafael , Leonardo da Vinci y Miguel Ángel , a quienes, entonces como ahora, se hacía referencia solo por sus nombres de pila. [132]
Rembrandt tenía un gran taller y muchos alumnos. La lista de alumnos de Rembrandt durante su estancia en Leiden y en Ámsterdam es bastante larga, sobre todo porque su influencia sobre los pintores de su entorno fue tan grande que resulta difícil saber si alguien trabajó para él en su taller o simplemente copió su estilo para mecenas deseosos de adquirir un Rembrandt. Una lista parcial debería incluir a [133] Ferdinand Bol , Adriaen Brouwer , Gerrit Dou , Willem Drost , Heiman Dullaart , Gerbrand van den Eeckhout , Carel Fabritius , Govert Flinck , Hendrick Fromantiou , Aert de Gelder , Samuel Dirksz van Hoogstraten , Abraham Janssens , Godfrey Kneller , Philip de Koninck , Jacob Levecq , Nicolaes Maes , Jürgen Ovens , Christopher Paudiß , Willem de Poorter , Jan Victors y Willem van der Vliet .
Las mayores colecciones de obras de Rembrandt se encuentran en los Estados Unidos en el Museo Metropolitano de Arte (principalmente retratos) y la Colección Frick en la ciudad de Nueva York, la Galería Nacional de Arte en Washington, DC, el Museo de Bellas Artes de Boston y el Museo J. Paul Getty en Los Ángeles, en total 86 pinturas. [134] Otros grandes grupos se encuentran en Alemania, con 69 pinturas, en la Gemäldegalerie de Berlín, la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde y el Schloss Wilhelmshöhe de Kassel, y en otros lugares. El Reino Unido tiene un total de 51, especialmente en la Galería Nacional y la Colección Real . Hay 49 en los Países Bajos, muchos en el Rijksmuseum , que tiene La ronda de noche y La novia judía , y el Mauritshuis en La Haya. [135] Otras se pueden encontrar en el Louvre , el Museo del Hermitage y el Nationalmuseum de Estocolmo . El Castillo Real de Varsovia exhibe dos pinturas de Rembrandt. [136]
Las mayores colecciones de dibujos se encuentran en los grandes museos más antiguos, como el Rijksmuseum, el Louvre y el Museo Británico . Todas las salas de grabados importantes tienen grandes colecciones de grabados de Rembrandt, aunque como algunos solo existen en una única impresión, ninguna colección está completa. El grado en que estas colecciones se exhiben al público o en que este puede verlas fácilmente en la sala de grabados varía enormemente.
El Museo Casa de Rembrandt cuenta con muebles y accesorios que en su mayoría no son originales, sino piezas de época comparables a las que Rembrandt pudo haber tenido, y las que aparecen en los numerosos dibujos y grabados que se encuentran en la casa, así como pinturas contemporáneas que reflejan el uso que Rembrandt hizo de la casa para la venta de arte. Su estudio de grabado se ha instalado con una imprenta, donde se imprimen réplicas de grabados. El museo tiene algunas pinturas tempranas de Rembrandt, muchas de ellas prestadas, pero una importante colección de sus grabados, una buena selección de los cuales se exhibe de forma rotativa.
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Las obras de arte que Karolina Lanckorońska donó al Castillo Real en 1994 fueron uno de los obsequios más valiosos en la historia del museo.
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![Autorretrato como Zeuxis (c. 1662), uno de los dos autorretratos en los que Rembrandt está girado hacia la izquierda.[150] en el Museo Wallraf–Richartz de Colonia](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/58/Rembrandt_Harmensz._van_Rijn_142.jpg/1280px-Rembrandt_Harmensz._van_Rijn_142.jpg)
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![La lapidación de San Esteban (1625), primer cuadro que Rembrandt completó a los 19 años.[151] Actualmente se conserva en el Museo de Bellas Artes de Lyon.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/75/Rembrandt-Lapidation-Saint-%C3%89tienne-MBA-Lyon.jpg/1280px-Rembrandt-Lapidation-Saint-%C3%89tienne-MBA-Lyon.jpg)
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![Una joven durmiendo (hacia 1654). Muestra el estilo caligráfico de Rembrandt.[105][106]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/14/Amsterdam_-_Late_Rembrandt_Exposition_2015_-_Young_Woman_Sleeping_1654_B_(cropped).jpg/1280px-Amsterdam_-_Late_Rembrandt_Exposition_2015_-_Young_Woman_Sleeping_1654_B_(cropped).jpg)