Annie Hall es una película de comedia dramática romántica satírica estadounidense de 1977 dirigida por Woody Allen a partir de un guion escrito por Allen y Marshall Brickman , y producida por el representante de Allen, Charles H. Joffe . La película está protagonizada por Allen como Alvy Singer, quien intenta descubrir las razones del fracaso de su relación con la protagonista femenina homónima, interpretada por Diane Keaton en un papel escrito específicamente para ella.
La fotografía principal de la película comenzó el 19 de mayo de 1976 en el South Fork de Long Island , y continuó periódicamente durante los siguientes diez meses. Allen ha descrito el resultado, que marcó su primera colaboración con el director de fotografía Gordon Willis , como "un importante punto de inflexión", [2] en el sentido de que, a diferencia de las farsas y comedias que eran su trabajo hasta ese momento, introdujo un nuevo nivel de seriedad. Los académicos han notado el contraste en los escenarios de la ciudad de Nueva York y Los Ángeles , el estereotipo de las diferencias de género en la sexualidad, la presentación de la identidad judía y los elementos del psicoanálisis y el modernismo .
Annie Hall se proyectó en el Festival de Cine de Los Ángeles el 27 de marzo de 1977, antes de su estreno oficial en los Estados Unidos el 20 de abril de 1977. La película recibió elogios generalizados de la crítica y fue nominada a los cinco grandes premios Óscar , ganando cuatro: el Óscar a la mejor película , dos para Allen ( mejor director y, con Brickman, mejor guion original ) y mejor actriz para Keaton. La película también ganó cuatro premios BAFTA , incluidos mejor película , mejor dirección (para Allen), mejor guion (tanto para Allen como para Brickman) y mejor actriz en un papel principal (para Keaton), además del Globo de Oro a la mejor actriz - Película de comedia o musical (para Keaton). Los ingresos de taquilla de la película en los Estados Unidos y Canadá de $ 38,251,425 son el cuarto mejor de las obras de Allen cuando no se ajustan a la inflación.
Considerada una de las mejores películas jamás realizadas , ocupa el puesto 31 en la lista de las 100 mejores películas del cine estadounidense de AFI , el 4.º en su lista de las mejores películas de comedia y el 28.º en la lista de las "100 películas más divertidas" de Bravo. El crítico de cine Roger Ebert la llamó "la película favorita de casi todos de Woody Allen". [3] El guion de la película también fue nombrado el más divertido jamás escrito por el Writers Guild of America en su lista de los "101 guiones más divertidos". [4] En 1992, la Biblioteca del Congreso seleccionó la película para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". [5]
El comediante Alvy Singer intenta comprender por qué su relación con Annie Hall terminó hace un año. Creció en Brooklyn y fastidiaba a su madre con preguntas imposibles sobre el vacío de la existencia, pero era precoz en su inocente curiosidad sexual. De repente, a los seis años, besó a una compañera de clase y no comprendió por qué ella no estaba dispuesta a corresponderle.
Annie y Alvy, que están en la cola para El dolor y la piedad , escuchan a otro hombre que se burla de la obra de Federico Fellini y Marshall McLuhan . Alvy imagina que el propio McLuhan interviene ante su invitación para criticar la comprensión del hombre. Esa noche, Annie no muestra ningún interés en tener sexo con Alvy. En cambio, hablan de su primera esposa, a quien mantuvo a distancia sin ningún buen motivo. Su segundo matrimonio fue con una escritora neoyorquina que no compartía su entusiasmo por los deportes y era incapaz de alcanzar el orgasmo.
Con Annie, es diferente. Los dos se divierten cocinando juntos una comida de langosta hervida. Él se burla de ella sobre los hombres inusuales de su pasado. Se conocieron jugando al tenis en dobles con amigos. Después del juego, una pequeña charla incómoda la lleva a ofrecerle llevarlo a la ciudad y luego tomar una copa de vino en su balcón. Allí, lo que parecía un intercambio suave de datos personales triviales se revela en "subtítulos mentales" como un coqueteo cada vez mayor. Su primera cita sigue a la audición de canto de Annie para un club nocturno (" It Had to be You "). Después de hacer el amor esa noche, Alvy está "destrozado", mientras Annie se relaja con un porro .
Pronto, Annie admite que ama a Alvy, mientras que él le compra libros sobre la muerte y dice que sus sentimientos por ella son más que solo amor. Cuando Annie se muda con él, las cosas se ponen muy tensas. Finalmente, Alvy la encuentra del brazo de uno de sus profesores universitarios, y los dos comienzan a discutir sobre si esta es la "flexibilidad" que habían discutido. Finalmente se separan, y él busca la verdad de las relaciones, preguntando a extraños en la calle sobre la naturaleza del amor, cuestionando sus años de formación e imaginando una versión de dibujos animados de sí mismo discutiendo con una Annie de dibujos animados retratada como la Reina Malvada en Blancanieves .
Alvy intenta volver a salir con alguien, pero el esfuerzo se ve empañado por la neurosis y un episodio de sexo malo que se ve interrumpido cuando Annie llama en mitad de la noche, insistiendo en que vaya inmediatamente a matar una araña en su baño. Se produce una reconciliación, acompañada de una promesa de permanecer juntos, pase lo que pase. Sin embargo, sus conversaciones por separado con sus terapeutas dejan en evidencia que hay una división tácita e insalvable. Cuando Alvy acepta una oferta para presentar un premio en televisión, viajan a Los Ángeles con el amigo de Alvy, Rob. Sin embargo, en el viaje de regreso, coinciden en que su relación no está funcionando. Después de perder a Annie a manos de su productor discográfico Tony Lacey, Alvy intenta sin éxito reavivar la llama con una propuesta de matrimonio. De vuelta en Nueva York, escenifica una obra de teatro sobre su relación, pero cambia el final: ahora ella acepta.
El último encuentro entre Annie y Alvy es una melancólica coda en el Upper West Side de Manhattan , después de que ambos hayan pasado a otra persona. La voz de Alvy regresa con un resumen: el amor es esencial, especialmente si es neurótico. Annie canta " Seems Like Old Times " y aparecen los créditos finales.
Truman Capote tiene un cameo en la película. Alvy hace bromas sobre la gente que pasa por allí. Dice "Ahí está el ganador del concurso de dobles de Truman Capote" mientras Truman Capote pasa por el encuadre. [7] Varios actores que luego ganaron un perfil más alto tuvieron pequeños papeles en la película: John Glover como el novio actor de Annie, Jerry; Jeff Goldblum como un hombre que "olvidó [su] mantra " en la fiesta de Navidad de Tony Lacey; Beverly D'Angelo como actriz en el programa de televisión de Rob; Christopher Walken como el hermano de Annie, Duane; y Sigourney Weaver , en su debut cinematográfico, en la secuencia final como la cita de Alvy en el cine. Laurie Bird también aparece, dos años antes de su suicidio.
Técnicamente, la película marcó un avance para el director. Seleccionó a Gordon Willis como su director de fotografía —para Allen "un maestro muy importante" y un "mago técnico"—, diciendo: "Realmente cuento a Annie Hall como el primer paso hacia la madurez de alguna manera al hacer películas". [8] En ese momento, muchos la consideraron una "pareja extraña", entre ellos Keaton. El director era conocido por sus comedias y farsas, mientras que Willis era conocido como "el príncipe de las tinieblas" por su trabajo en películas dramáticas como El Padrino . [9] A pesar de esto, los dos se hicieron amigos durante el rodaje y continuaron la colaboración en varias películas posteriores, incluida Zelig , que le valió a Willis su primera nominación al Premio de la Academia a Mejor Fotografía . [9]
Willis describió la producción de la película como "relativamente fácil". [9] Filmó en varios estilos: "luz cálida y dorada para California , nublado gris para Manhattan y un brillo hollywoodiense de los años cuarenta para... secuencias de sueños", la mayoría de las cuales fueron cortadas. [10] Fue su sugerencia la que llevó a Allen a filmar las escenas de terapia dual en un set dividido por una pared en lugar del método habitual de pantalla dividida . [9] Intentó tomas largas, con algunas tomas, sin abreviar, que duraban una escena entera, lo que, para Ebert, se suma al poder dramático de la película: "Pocos espectadores probablemente notan cuánto de Annie Hall consiste en gente hablando, simplemente hablando. Caminan y hablan, se sientan y hablan, van al psiquiatra, van a almorzar, hacen el amor y hablan, hablan a la cámara o se lanzan a monólogos inspirados como la asociación libre de Annie mientras describe su familia a Alvy. Este discurso de Diane Keaton es lo más cercano a la perfección que un discurso de este tipo puede ser... todo hecho en una sola toma de brillante política arriesgada". Cita un estudio que calculó que la duración media de cada plano de Annie Hall era de 14,5 segundos, mientras que otras películas realizadas en 1977 tenían una duración media de entre 4 y 7 segundos. [3] Peter Cowie sugiere que "Allen divide sus planos extendidos con cortes más ortodoxos de ida y vuelta en fragmentos de conversación para que se mantenga el impulso hacia adelante de la película". [11] Bernd Herzogenrath señala la innovación en el uso de la pantalla dividida durante la escena de la cena para exagerar poderosamente el contraste entre la familia judía y la gentil. [12]
Aunque la película no es esencialmente experimental, en varios puntos socava la realidad narrativa. [13] James Bernardoni nota la forma en que Allen abre la película encarando a la cámara, lo que inmediatamente interfiere en la participación del público en la película. [14] En una escena, el personaje de Allen, en la cola para ver una película con Annie, escucha a un hombre detrás de él pronunciar pontificaciones mal informadas sobre la importancia del trabajo de Fellini y Marshall McLuhan. Allen saca al propio McLuhan de fuera de cámara para corregir personalmente los errores del hombre. [3] Más adelante en la película, cuando vemos a Annie y Alvy en su primera charla extensa, los "subtítulos mentales" transmiten a la audiencia las nerviosas dudas internas de los personajes. [3] Una escena animada, con ilustraciones basadas en la tira cómica Inside Woody Allen, muestra a Alvy y Annie disfrazados de la Reina Malvada de Blancanieves . [3] Aunque Allen utiliza cada una de estas técnicas solo una vez, la " cuarta pared " se rompe varias otras veces cuando los personajes se dirigen directamente a la cámara. En una de ellas, Alvy detiene a varios transeúntes para hacerles preguntas sobre el amor, y en otra, se encoge de hombros al escribir un final feliz para su relación con Annie en su primera obra autobiográfica como un "cumplimiento de deseos" perdonable. Allen decidió que Alvy rompiera la cuarta pared , explicó, "porque sentí que muchas de las personas en la audiencia tenían los mismos sentimientos y los mismos problemas. Quería hablar con ellos directamente y enfrentarlos". [8]
La idea de lo que se convirtió en Annie Hall surgió mientras Allen caminaba por la ciudad de Nueva York con el coguionista Marshall Brickman . La pareja discutió el proyecto con frecuencia, a veces frustrados y rechazando la idea. Allen escribió un primer borrador de un guion en un período de cuatro días, enviándolo a Brickman para que hiciera modificaciones. Según Brickman, este borrador se centraba en un hombre de unos cuarenta años, alguien cuya vida consistía "en varias vertientes". Una era una relación con una mujer joven, otra era una preocupación por la banalidad de la vida que todos vivimos, y una tercera una obsesión por probarse a sí mismo y ponerse a prueba para descubrir qué tipo de carácter tenía. El propio Allen cumplió cuarenta años en 1975, y Brickman sugiere que "la edad avanzada" y las "preocupaciones por la muerte" habían influido en el enfoque filosófico y personal de Allen para complementar su "lado comercial". [15] [16] Allen tomó la decisión consciente de "sacrificar algunas de las risas por una historia sobre seres humanos". [9] Reconoció que por primera vez tenía el coraje de abandonar la seguridad de la comedia completa y amplia y tenía la voluntad de producir una película de significado más profundo que sería una experiencia nutritiva para la audiencia. [2] También estuvo influenciado por la comedia dramática 8½ (1963) de Federico Fellini, creada en un punto de inflexión personal similar, y coloreada de manera similar por el psicoanálisis de cada director . [16]
Brickman y Allen enviaron el guion de ida y vuelta hasta que estuvieron listos para pedirle a United Artists 4 millones de dólares. [16] Muchos elementos de los primeros borradores no sobrevivieron. Originalmente era un drama centrado en un misterio de asesinato con una subtrama cómica y romántica. [17] Según Allen, el asesinato ocurrió después de una escena que permanece en la película, la secuencia en la que Annie y Alvy se pierden la película de Ingmar Bergman Cara a cara (1976). [18] Aunque decidieron abandonar la trama del asesinato, Allen y Brickman hicieron un misterio de asesinato muchos años después: Manhattan Murder Mystery (1993), también protagonizada por Diane Keaton. [19] El borrador que Allen presentó al editor de la película, Ralph Rosenblum , concluía con las palabras, "final para ser filmado". [20]
Allen sugirió Anhedonia , un término para la incapacidad de experimentar placer, como título provisional, [21] [22] y Brickman sugirió alternativas como It Had to Be Jew , Rollercoaster Named Desire y Me and My Goy . [23] Una agencia de publicidad, contratada por United Artists, adoptó la elección de Allen de una palabra oscura al sugerir que el estudio eliminara anuncios de periódicos que parecieran titulares falsos de tabloides como "¡Anhedonia ataca a Cleveland!". [23] Sin embargo, Allen experimentó con varios títulos en cinco proyecciones de prueba, incluyendo Anxiety y Annie and Alvy , antes de decidirse por Annie Hall . [23]
Varias referencias en la película a la propia vida de Allen han dado pie a especulaciones sobre su carácter autobiográfico. Tanto Alvy como Allen eran comediantes. Su cumpleaños aparece en la pizarra en una escena escolar, y "Alvy" era uno de los apodos de infancia de Allen; [24] ciertos rasgos de su infancia se encuentran en el de Alvy Singer; [25] Allen fue a la Universidad de Nueva York , al igual que Alvy. El apellido real de Diane Keaton es "Hall" y "Annie" era su apodo, y ella y Allen estuvieron en una relación sentimental. [26] Sin embargo, Allen se apresura a disipar estas sugerencias. "Las cosas que la gente insiste en que son autobiográficas casi invariablemente no lo son", dijo Allen. "Es tan exagerado que prácticamente no tiene sentido para la gente en la que se basan estos pequeños matices. A la gente se le metió en la cabeza que Annie Hall era autobiográfica, y no pude convencerlos de que no lo fuera". [27] Al contrario de varios entrevistadores y comentaristas, dice, Alvy no es el personaje que más se acerca a él; se identificó más con la madre (Eve, interpretada por Geraldine Page ) en su siguiente película, Interiors . [28] A pesar de esto, Keaton ha declarado que la relación entre Alvy y Annie se basó en parte en la relación de ella con el director. [29]
El papel de Annie Hall fue escrito específicamente para Keaton, quien había trabajado con Allen en Play It Again, Sam (1972), Sleeper (1973) y Love and Death (1975). [29] Ella consideraba al personaje una "versión afable" de sí misma (ambos eran "semiarticulados, soñaban con ser cantantes y sufrían de inseguridad") y se sorprendió al ganar un Oscar por su actuación. [29] La película también marca la segunda colaboración cinematográfica entre Allen y Tony Roberts, su proyecto anterior fue Play It Again, Sam . [9]
Federico Fellini fue la primera opción de Allen para aparecer en la escena del lobby cinematográfico porque sus películas estaban en discusión, [18] pero Allen eligió al académico cultural Marshall McLuhan después de que tanto Fellini como Luis Buñuel rechazaran el cameo. [30] Algunos miembros del elenco, afirma el biógrafo John Baxter, se sintieron agraviados por el trato que Allen les dio. El director "actuó con frialdad" con McLuhan, quien tuvo que regresar de Canadá para volver a filmar, y Mordecai Lawner , quien interpretó al padre de Alvy, afirmó que Allen nunca le habló. [30] Sin embargo, durante la producción, Allen comenzó una relación de dos años con Stacey Nelkin , quien aparece en una sola escena. [30]
El rodaje principal comenzó el 19 de mayo de 1976 en el South Fork de Long Island con la escena en la que Alvy y Annie hierven langostas vivas; el rodaje continuó periódicamente durante los siguientes diez meses, [31] y se desvió con frecuencia del guion. No había nada escrito sobre la casa de la infancia de Alvy debajo de una montaña rusa, pero cuando Allen estaba buscando localizaciones en Brooklyn con Willis y el director artístico Mel Bourne, "vio esta montaña rusa, y... vio la casa debajo de ella. Y pensé, tenemos que usar esto". [25] De manera similar, está el incidente en el que Alvy esparce un tesoro de cocaína con un estornudo accidental: aunque no está en el guion, el chiste surgió de una casualidad durante el ensayo y se quedó en la película. En la prueba de audiencia, esta risa fue tan sostenida que se tuvo que agregar una pausa mucho más larga para que no se perdiera el diálogo siguiente. [32]
El primer montaje de la película realizado por el editor Ralph Rosenblum en 1976 dejó a Brickman decepcionado. "Sentí que la película se estaba desviando en nueve direcciones diferentes", recordó Brickman. [33] "Era como un primer borrador de una novela... a partir del cual posiblemente se podrían ensamblar dos o tres películas". [34] Rosenblum caracterizó el primer corte, de dos horas y veinte minutos, [35] como "las aventuras surrealistas y abstractas de un comediante judío neurótico que estaba reviviendo su vida llena de defectos y en el proceso satirizando gran parte de nuestra cultura... un monólogo visual, una versión más sofisticada y más filosófica de Take the Money and Run ". [35] Brickman lo encontró "poco dramático y en última instancia poco interesante, una especie de ejercicio cerebral". [36] Sugirió una narrativa más lineal. [37]
La relación en tiempo presente entre Alvy y Annie no era el foco narrativo de este primer corte, pero Allen y Rosenblum la reconocieron como la columna vertebral dramática y comenzaron a reelaborar la película "en la dirección de esa relación". [38] Rosenblum recordó que Allen "no dudó en recortar gran parte de los primeros veinte minutos para establecer a Keaton más rápidamente". [36] Según Allen, "no me senté con Marshall Brickman y le dije: 'Vamos a escribir una película sobre una relación'. Quiero decir que todo el concepto de la película cambió mientras la montábamos". [37]
Como la película tenía un presupuesto de dos semanas de fotografía de posproducción, [20] a finales de 1976 se filmaron tres partes separadas del segmento final, pero solo se utilizó parte de este material. [39] La narración que termina la película, que incluye el chiste sobre "todos necesitamos los huevos", fue concebida y grabada solo dos horas antes de una proyección de prueba. [39]
Los créditos llaman a la película "Una producción de Jack Rollins y Charles H. Joffe "; los dos hombres fueron los representantes de Allen y recibieron este mismo crédito en sus películas de 1969 a 1993. Sin embargo, para esta película, Joffe se llevó el crédito de productor y, por lo tanto, recibió el Premio de la Academia a la Mejor Película . La secuencia del título presenta un fondo negro con texto blanco en la tipografía Windsor Light Condensed , un diseño que Allen utilizó en sus películas posteriores. Stig Björkman ve cierta similitud con el diseño del título simple y consistente de Ingmar Bergman , aunque Allen dice que su propia elección es un dispositivo de ahorro de costos. [40]
En la película se escucha muy poca música de fondo, un cambio para Allen influenciado por Ingmar Bergman. [40] Diane Keaton toca dos veces en el club de jazz: "It Had to be You" y "Seems Like Old Times" (esta última se repite en voz en off en la escena final). Las otras excepciones incluyen un coro de niños que toca "Christmas Medley" mientras los personajes conducen por Los Ángeles, el allegro de Molto de la Sinfonía Júpiter de Mozart (que se escucha mientras Annie y Alvy conducen por el campo), la interpretación de Tommy Dorsey de "Sleepy Lagoon", [41] y la versión anodina de la canción de Savoy Brown "A Hard Way to Go" que suena en una fiesta en la mansión del personaje de Paul Simon.
Annie Hall se mostró en el Festival de Cine de Los Ángeles el 27 de marzo de 1977, [21] antes de su estreno oficial en los Estados Unidos el 20 de abril de 1977. [42] La película finalmente ganó $ 38,251,425 ($ 192 millones en dólares de 2023) en los Estados Unidos y Canadá con un presupuesto de $ 4 millones, lo que la convierte en la undécima película más taquillera de 1977. [42] En cifras brutas, actualmente se ubica como la cuarta película más taquillera de Allen en los Estados Unidos, después de Manhattan , Hannah y sus hermanas y Medianoche en París ; cuando se ajusta a la inflación, la cifra bruta la convierte en el mayor éxito de taquilla de Allen. [43] Se proyectó durante más de 100 semanas consecutivas en Londres y recaudó más de $ 5,6 millones en el Reino Unido. [44] Se lanzó por primera vez en Blu-ray el 24 de enero de 2012, junto con la película de Allen Manhattan (1979). [45] Ambos lanzamientos incluyen sus tráilers cinematográficos originales. [45]
Annie Hall recibió una gran aclamación de la crítica tras su estreno, con mayores elogios dirigidos al guión de la película y a las actuaciones de Allen y Keaton.
Tim Radford de The Guardian calificó la película como "la película más atrevida y centrada de Allen hasta la fecha". [46] Vincent Canby del New York Times prefirió Annie Hall al segundo trabajo como director de Allen, Take the Money and Run , ya que la primera es más "humana" mientras que la segunda es más una "caricatura". [47] Varios críticos han comparado la película favorablemente con Escenas de un matrimonio (1973) de Bergman, [47] [48] [49] incluido Joseph McBride en Variety , quien la encontró como la "película más tridimensional de Allen hasta la fecha" con una ambición igual a la mejor de Bergman incluso cuando las coprotagonistas se convierten en el "equivalente contemporáneo de... Tracy - Hepburn ". [48]
En un tono más crítico, Peter Cowie comentó que la película "sufre de su profusión de referencias culturales y comentarios al margen ". [50] En un artículo para la revista New York , John Simon calificó la película de "comedia sin gracia, mala realización cinematográfica y vergonzosa autorrevelación", y escribió que la actuación de Keaton era "de mal gusto para ver y una indecencia para mostrar", diciendo que el papel debería haber sido interpretado por Robin Mary Paris, la actriz que aparece brevemente en la escena en la que Alvy Singer ha escrito una obra de teatro de dos personajes basada desnudamente en él y Annie Hall. La crítica de Simon sobre Annie Hall "Es una película tan informe, extensa, repetitiva y sin objetivo que parece pedir el olvido. En eso, es exitosa". [51]
La película ha seguido recibiendo críticas positivas. En su retrospectiva de 2002, Roger Ebert la agregó a su lista de Grandes Películas y comentó con sorpresa que la película tenía "una familiaridad instantánea" a pesar de su edad, [3] y el escritor de Slant Jaime N. Christley encontró que las líneas ingeniosas "todavía reventaban después de 35 años". [49] Un crítico posterior del Guardian , Peter Bradshaw , la nombró la mejor película de comedia de todos los tiempos, comentando que "esta película maravillosamente divertida e insoportablemente triste es un milagro de escritura cómica y realización cinematográfica inspirada". [52] John Marriott del Radio Times creía que Annie Hall fue la película donde Allen "encontró su propia voz singular, una voz que resuena a través de los eventos con una mezcla de exuberancia e introspección", refiriéndose al "deleite cómico" derivado de la "interpretación enérgica de Diane Keaton como la inocente excéntrica del Medio Oeste, y el propio Woody como el neurótico torpe de Nueva York". [53] La revista Empire calificó la película con cinco de cinco estrellas, calificándola de "clásico". [54] En 2017, Claire Dederer escribió: " Annie Hall es la mejor película cómica del siglo XX [...] porque reconoce el nihilismo irreprimible que se esconde en el centro de toda comedia". [55]
El cineasta japonés Akira Kurosawa citó a Annie Hall como una de sus películas favoritas. [56] [57]
En el agregador de reseñas Rotten Tomatoes , la película tiene una calificación del 97% basada en 128 reseñas, con una calificación promedio de 9.10/10. El consenso crítico del sitio dice: "Llena de actuaciones conmovedoras y humor devastador, Annie Hall representa un salto cuántico para Woody Allen y sigue siendo un clásico estadounidense". [58] Metacritic le dio a la película una puntuación de 92 sobre 100 basada en 20 reseñas críticas, lo que indica "aclamación universal". [59]
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Los sociólogos Virginia Rutter y Pepper Schwartz consideran que la relación de Alvy y Annie es un estereotipo de las diferencias de género en la sexualidad. [60] La naturaleza del amor es un tema recurrente para Allen y el coprotagonista Tony Roberts describió esta película como "la historia de todos los que se enamoran, y luego se desenamoran y siguen adelante". [9] Alvy busca el propósito del amor a través de su esfuerzo por superar su depresión por la desaparición de su relación con Annie. A veces examina sus recuerdos de la relación, en otro momento detiene a la gente en la acera, y una mujer dice que "Nunca es algo que hagas. Así es la gente. El amor se desvanece", una sugerencia de que no fue culpa de nadie, simplemente se distanciaron y el final era inevitable. Al final de la película, Alvy acepta esto y decide que el amor es en última instancia "irracional, loco y absurdo", pero una necesidad de la vida. [61] Christopher Knight cree que la búsqueda de Alvy al conocer a Annie es carnal, mientras que la de ella es de tono emocional. [62]
Richard Brody, de The New Yorker, destaca la "autoconciencia eurocéntrica de cine de arte" de la película y la "obsesión psicoanalítica de Alvy Singer por desnudar sus deseos y frustraciones sexuales, sus desastres románticos y sus inhibiciones neuróticas". [63]
Al cantante se le identifica con el estereotipo de hombre judío neurótico, y las diferencias entre Alvy y Annie a menudo están relacionadas con las percepciones y realidades de la identidad judía. Vincent Brook señala que "Alvy cena con la familia WASP -y Hall e imagina que deben verlo como un judío jasídico , con payot (mechones de pelo) y un gran sombrero negro". [64] Robert M. Seltzer y Norman J. Cohen destacan la escena en la que Annie comenta que la abuela de Annie "odia a los judíos. Cree que solo ganan dinero, pero ella es la indicada. ¿Lo es alguna vez, te lo aseguro?", revelando la hipocresía en la visión estereotipada estadounidense de su abuela sobre los judíos al argumentar que "no hay ningún estigma asociado al amor al dinero en Estados Unidos". [65] Bernd Herzogenrath también considera que el chiste de Allen, "Me gustaría, pero necesitamos los huevos", al final, cuando Allen sugiere internarlo en una institución mental, es una paradoja no sólo de la personalidad del judío neurótico urbano, sino también de la película misma. [12]
Christopher Knight señala que Annie Hall está enmarcada a través de las experiencias de Alvy. "Generalmente, lo que sabemos sobre Annie y sobre la relación viene filtrado a través de Alvy, un narrador intrusivo capaz de detener la narración y salir de ella para suplicar el favor interpretativo del público". [66] Sugiere que debido a que las películas de Allen difuminan al protagonista con "protagonistas pasados y futuros, así como con el propio director", "hace una diferencia en cuanto a si somos más receptivos al encuadre de los hechos del director o del personaje". [67] A pesar del encuadre de la narrativa, "la broma es para Alvy". [68] Emanuel Levy cree que Alvy Singer se convirtió en sinónimo de la percepción pública de Woody Allen en los Estados Unidos. [69] Annie Hall es vista como la película definitiva de Woody Allen en cuanto a mostrar humor neurótico. [70]
Annie Hall "es tanto una canción de amor a la ciudad de Nueva York como al personaje", [71] lo que refleja la adoración de Allen por la isla de Manhattan . Fue una relación que exploró repetidamente, particularmente en películas como Manhattan (1979) y Hannah and Her Sisters (1986). [9] El apartamento de Annie Hall, que todavía existe en East 70th Street entre Lexington Avenue y Park Avenue, es, según la propia confesión de Allen, su bloque favorito de la ciudad. [72] Peter Cowie sostiene que la película muestra "una visión romantizada" del distrito, con la cámara "deteniéndose en el Upper East Side [... y donde] el miedo al crimen no preocupa a sus personajes". [73] En contraste, California se presenta de manera menos positiva, y David Halle señala la obvia "comparación intelectual odiosa" entre la ciudad de Nueva York y Los Ángeles. [74] Mientras que los cines de Manhattan muestran películas clásicas y extranjeras, los cines de Los Ángeles ofrecen películas menos prestigiosas como La casa del exorcismo y El mesías del mal . [73] La demostración de Rob de añadir risas enlatadas a la televisión demuestra el "artificio cínico del medio". [73] La ciudad de Nueva York sirve como símbolo de la personalidad de Alvy ("sombría, claustrofóbica y socialmente fría, pero también un refugio intelectual lleno de energía nerviosa") mientras que Los Ángeles es un símbolo de libertad para Annie. [71]
Annie Hall ha sido citada como una película que utiliza tanto la terapia como el análisis para lograr un efecto cómico. [75] Sam B. Girgus considera que Annie Hall es una historia sobre la memoria y la retrospección, que "dramatiza un retorno a través del deseo narrativo a lo reprimido y al inconsciente de una manera similar al psicoanálisis". [76] Sostiene que la película constituye una afirmación autoconsciente de cómo el deseo narrativo y el humor interactúan en la película para reformar ideas y percepciones y que el despliegue de Allen de conceptos freudianos y humor forma un "patrón de escepticismo hacia el significado superficial que obliga a una mayor interpretación". Girgus cree que la prueba de la omnipresencia de Sigmund Freud en la película se demuestra al principio a través de una referencia a un chiste en Jokes and Their Relation to the Unconscious , y hace otro chiste sobre un psiquiatra y un paciente, que Girgus sostiene que también es simbólico de la dinámica entre el humor y el inconsciente en la película. [76] Más adelante en la película se abordan otros conceptos freudianos cuando Annie recuerda a su psicoanalista un sueño en el que Frank Sinatra la asfixia con una almohada, lo que alude a la creencia de Freud en los sueños como "representaciones visuales de palabras o ideas". [76]
Peter Bailey, en su libro The Reluctant Film Art of Woody Allen , sostiene que Alvy muestra una "denigración genial del arte" que contiene una "equivocación significativa", ya que en su autodesprecio invita a la audiencia a creer que se está sincerando con ellos. [77] Bailey sostiene que los recursos de Allen en la película, incluidos los subtítulos que revelan los pensamientos de Annie y Alvy, "extienden y refuerzan el atractivo ethos de Annie Hall de trato sencillo e ingenuidad". [77] Reflexiona sobre que la película está llena de emblemas antimiméticos como la aparición mágica de McLuhan que proporciona un humor peculiar y que la "disparidad entre las proyecciones mentales de la realidad y la actualidad" impulsa la película. Su opinión es que los dispositivos cinematográficos autorreflexivos dramatizan inteligentemente la diferencia entre la superficie y la sustancia, con emblemas visuales "destilando incesantemente la distinción entre el mundo construido mentalmente y la realidad". [77]
En su análisis de la relación de la película con el modernismo , Thomas Schatz considera que la película es un "examen no resuelto del proceso de interacción humana y comunicación interpersonal" [78] y "establece inmediatamente [una] postura autorreferencial" que invita al espectador "a leer la narrativa como algo más que un desarrollo secuencial hacia alguna verdad trascendente". [79] Para él, Alvy "es víctima de una tendencia hacia la sobredeterminación del significado -o en términos modernistas 'la tiranía del significado'- y su relación con Annie puede verse como un intento de establecer una relación espontánea, intelectualmente libre, un intento que está condenado al fracaso". [78]
Annie Hall ganó cuatro premios Óscar en la 50.ª edición de los Premios Óscar el 3 de abril de 1978, y fue nominada a cinco (los Big Five ) en total. El productor Charles H. Joffe recibió la estatuilla a la Mejor Película, Allen a la Mejor Dirección y, con Brickman, a la de Mejor Guion Original , y Keaton a la de Mejor Actriz . Allen también fue nominada a Mejor Actor . [80] Muchos habían esperado que Star Wars ganara los premios principales, incluidos Brickman y el productor ejecutivo Robert Greenhut . [9]
La película también fue galardonada cinco veces en los premios BAFTA. Junto con el máximo galardón a la Mejor Película y el premio a la Mejor Edición , Keaton ganó como Mejor Actriz , Allen ganó como Mejor Dirección y Mejor Guion Original junto a Brickman. [81] La película recibió un Globo de Oro , a la Mejor Actriz - Película de Comedia o Musical (Keaton), además de cuatro nominaciones: Mejor Película - Musical o Comedia , Mejor Director , Mejor Guion y Mejor Actor - Película de Comedia o Musical (las últimas tres para Allen).
En 1992, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos seleccionó la película para su preservación en su Registro Nacional de Cine que incluye películas "cultural, histórica o estéticamente significativas". [5] La película a menudo se menciona entre las mejores comedias de todos los tiempos. El American Film Institute la incluye en el puesto 31 en la historia del cine estadounidense. [82] En 2000, la nombraron la segunda mejor comedia romántica del cine estadounidense. [82] La interpretación de Keaton de "Seems Like Old Times" ocupó el puesto 90 en su lista de las mejores canciones incluidas en una película, y su línea "La-dee-da, la-dee-da." fue nombrada la 55.ª mejor cita cinematográfica. [82] El guion fue nombrado el sexto mejor guion por el Writers Guild of America, West [83] mientras que IGN lo nombró la séptima mejor película de comedia de todos los tiempos. [84] En 2000, los lectores de la revista Total Film la votaron como la cuadragésima segunda mejor película de comedia de todos los tiempos y la séptima mejor película de comedia romántica de todos los tiempos. [85] Varias listas que clasifican las mejores películas de Allen han puesto a Annie Hall entre sus mejores trabajos. [86] [87] [88]
En junio de 2008, el AFI reveló su Top 10 de las diez mejores películas en diez géneros cinematográficos estadounidenses clásicos, después de encuestar a más de 1500 personas de la comunidad creativa y Annie Hall quedó en segundo lugar en el género de comedia romántica. [89] El AFI también clasificó a Annie Hall en varias otras listas. En noviembre de 2008, Annie Hall fue votada en el puesto 68 en la lista de las 500 mejores películas de todos los tiempos de la revista Empire . [90] También ocupa el puesto número 2 en las 25 mejores comedias románticas de Rotten Tomatoes, solo superada por The Philadelphia Story . [91] En 2012, la película fue catalogada como la 127.ª mejor película de todos los tiempos por la encuesta de críticos de Sight & Sound . [92] La película también fue nombrada la 132.ª mejor película por la encuesta de directores de Sight & Sound . [92] En octubre de 2013, la película fue votada por los lectores del Guardian como la segunda mejor película dirigida por Woody Allen. [93] En noviembre de 2015, la película fue nombrada el guion más divertido por el Writers Guild of America en su lista de los 101 guiones más divertidos . [94]
La película está reconocida por el American Film Institute en estas listas:
1992 – Registro Nacional de Cine . [102]
En 2006, la revista Premiere clasificó a Keaton en Annie Hall en el puesto 60 de su lista de las "100 mejores actuaciones de todos los tiempos", y señaló:
Es difícil hacer el papel de tonta... El genio de Annie es que, a pesar de su revés torcido, su pésima conducción y sus tics nerviosos, también es una mujer complicada e inteligente. Keaton muestra brillantemente esta dicotomía de su personaje, especialmente cuando parlotea en una primera cita con Alvy (Woody Allen), mientras el subtítulo dice: "Probablemente piensa que soy una yo-yo". ¿Yo-yo? Difícilmente. [103]
Aunque la película recibió elogios de la crítica y numerosos premios, el propio Allen se mostró decepcionado y dijo en una entrevista: "Cuando Annie Hall empezó, no se suponía que esa película fuera lo que yo terminaría haciendo. Se suponía que la película iba a ser lo que pasa en la mente de un hombre... Nadie entendía nada de lo que pasaba. La relación entre Diane Keaton y yo era lo único que le importaba a todo el mundo. Eso no era lo que a mí me importaba... Al final, tuve que reducir la película a solo yo y Diane Keaton, y esa relación, así que me decepcionó bastante esa película". [104] Allen se ha negado repetidamente a hacer una secuela, [105] y en una entrevista de 1992 declaró que "el secuesismo se ha convertido en algo molesto. No creo que Francis Coppola debería haber hecho El Padrino III porque El Padrino II fue bastante genial. Cuando hacen una secuela, es solo una sed de más dinero, así que no me gusta tanto esa idea". [106]
Diane Keaton ha declarado que Annie Hall era su papel favorito y que la película significaba todo para ella. [107] Cuando se le preguntó si el hecho de que la asociaran más con el papel la preocupaba como actriz, respondió: "Annie Hall no me persigue. Estoy feliz de ser Annie Hall. Si alguien quiere verme de esa manera, está bien para mí". La diseñadora de vestuario Ruth Morley , que trabajó con Keaton, creó un estilo que influyó en el mundo de la moda a finales de los años 70, y las mujeres adoptaron el estilo: capas de blazers masculinos de gran tamaño sobre chalecos, pantalones holgados o faldas largas, una corbata de hombre y botas. [108] El estilo a menudo se conocía como el " estilo Annie Hall ". [109] Algunas fuentes sugieren que la propia Keaton fue la principal responsable del estilo, y Ralph Lauren a menudo se ha atribuido el mérito, pero solo se compraron una chaqueta y una corbata a Ralph Lauren para usarlas en la película. [110] Allen recordó que el estilo de vestir de Lauren y Keaton casi no aparece en la película. "Ella llegó", recordó en 1992, "y la encargada del vestuario de Annie Hall le dijo: 'Dígale que no se ponga eso. No puede ponérselo. Es una locura'. Y yo le dije: 'Déjenla. Es una genio. Dejémosla en paz, dejémosla que se ponga lo que quiera ' " . [111]
El guion de la película encabezó la lista del Writers Guild of America de los 101 guiones más divertidos de la historia, superando a Some Like It Hot (1959), Groundhog Day (1993), Airplane! (1980) y Tootsie (1982). [112] James Bernardoni afirma que la película es "una de las pocas comedias dramáticas románticas de la era del Nuevo Hollywood y que ha ocupado con razón su lugar entre los clásicos de ese género venerado", comparando la meditación seriocómica sobre la relación de pareja con Adam's Rib (1949) de George Cukor , protagonizada por Katharine Hepburn y Spencer Tracy . [14] Desde su estreno, otras comedias románticas han inspirado comparaciones. Cuando Harry conoció a Sally... (1989), Persiguiendo a Amy (1997), Burning Annie (2007), 500 días juntos (2009) y la película de Allen de 2003, Anything Else , se encuentran entre ellas, [92] [113] [114] [115] [116] mientras que el director de cine Rian Johnson dijo en una entrevista para el libro, The Film That Changed My Life , que Annie Hall lo inspiró a convertirse en director de cine. [117] Karen Gillan declaró que vio a Annie Hall como parte de su investigación para su papel principal en Not Another Happy Ending . [118] En 2018, Matt Starr y Ellie Sachs lanzaron una nueva versión de cortometraje protagonizada por personas mayores. [119] [120]
