Jean-Auguste-Dominique Ingres ( 29 de agosto de 1780 - 14 de enero de 1867 ) fue un pintor neoclásico francés . Ingres estuvo profundamente influenciado por las tradiciones artísticas pasadas y aspiró a convertirse en el guardián de la ortodoxia académica contra el estilo romántico ascendente . Aunque se consideraba un pintor de historia en la tradición de Nicolas Poussin y Jacques - Louis David , son sus retratos , tanto pintados como dibujados, los que se reconocen como su mayor legado. Sus distorsiones expresivas de la forma y el espacio lo convirtieron en un importante precursor del arte moderno , influyendo en Picasso , Matisse y otros modernistas.
Nacido en el seno de una familia modesta en Montauban , viajó a París para estudiar en el estudio de David . En 1802 debutó en el Salón y ganó el Premio de Roma por su cuadro Los embajadores de Agamenón en la tienda de Aquiles . Cuando partió en 1806 para su residencia en Roma, su estilo —que revelaba su estudio minucioso de los maestros renacentistas italianos y flamencos— estaba plenamente desarrollado y cambiaría poco durante el resto de su vida. Mientras trabajaba en Roma y posteriormente en Florencia entre 1806 y 1824, enviaba regularmente cuadros al Salón de París, donde los críticos los criticaban por considerar su estilo extraño y arcaico. Recibió pocos encargos durante este período para las pinturas históricas que aspiraba a pintar, pero pudo mantenerse a sí mismo y a su esposa como retratista y dibujante.
Finalmente fue reconocido en el Salón de 1824, cuando su pintura rafaelesca El voto de Luis XIII fue recibida con aclamación, y Ingres fue reconocido como el líder de la escuela neoclásica en Francia. Aunque los ingresos por encargos de pinturas históricas le permitieron pintar menos retratos, su Retrato de Monsieur Bertin marcó su siguiente éxito popular en 1833. Al año siguiente, su indignación por las duras críticas a su ambiciosa composición El martirio de san Sinforiano le hizo regresar a Italia, donde asumió la dirección de la Academia Francesa en Roma en 1835. Regresó a París definitivamente en 1841. En sus últimos años pintó nuevas versiones de muchas de sus composiciones anteriores, una serie de diseños para vidrieras, varios retratos importantes de mujeres y El baño turco , la última de sus varias pinturas orientalistas del desnudo femenino, que terminó a la edad de 83 años.
Ingres nació en Montauban , Tarn-et-Garonne , Francia, el primero de siete hijos (cinco de los cuales sobrevivieron a la infancia) de Jean-Marie-Joseph Ingres (1755-1814) y su esposa Anne Moulet (1758-1817). Su padre era un exitoso hombre de múltiples profesiones, pintor de miniaturas , escultor, cantero decorativo y músico aficionado; su madre era la hija casi analfabeta de un maestro peluquero. [1] El joven Ingres recibió de su padre estímulo y enseñanza temprana en el dibujo y la música, y su primer dibujo conocido, un estudio de un molde antiguo, lo realizó en 1789. [2] A partir de 1786, asistió a la escuela local École des Frères de l'Éducation Chrétienne, pero su educación se vio interrumpida por la agitación de la Revolución Francesa , y el cierre de la escuela en 1791 marcó el final de su educación convencional. La deficiencia en su escolarización siempre sería para él una fuente de inseguridad. [3]
En 1791, Joseph Ingres llevó a su hijo a Toulouse , donde el joven Jean-Auguste-Dominique se matriculó en la Académie Royale de Peinture, Sculpture et Architecture. Allí estudió con el escultor Jean-Pierre Vigan, el paisajista Jean Briant y el pintor neoclásico Guillaume-Joseph Roques . La veneración de Roques por Rafael fue una influencia decisiva en el joven artista. [4] Ingres ganó premios en varias disciplinas, como composición, "figura y antigüedad" y estudios del natural. [5] Su talento musical se desarrolló bajo la tutela del violinista Lejeune, y desde los trece a los dieciséis años tocó el segundo violín en la Orquesta del Capitolio de Toulouse. [5]
Desde muy joven se propuso ser pintor de historia, lo que, en la jerarquía de géneros establecida por la Real Academia de Pintura y Escultura bajo Luis XIV, y que continuó hasta bien entrado el siglo XIX, se consideraba el nivel más alto de la pintura. No quería simplemente hacer retratos o ilustraciones de la vida real como su padre; quería representar a los héroes de la religión, la historia y la mitología, idealizarlos y mostrarlos de maneras que explicaran sus acciones, rivalizando con las mejores obras de la literatura y la filosofía. [6]
En marzo de 1797, la Academia le otorgó a Ingres el primer premio de dibujo, y en agosto viajó a París para estudiar en el estudio de Jacques-Louis David , el pintor más destacado de Francia (y de Europa) durante el período revolucionario, en cuyo estudio permaneció durante cuatro años. Ingres siguió el ejemplo neoclásico de su maestro. [7] En 1797, David estaba trabajando en su enorme obra maestra, La intervención de las sabinas , y gradualmente fue modificando su estilo alejándose de los modelos romanos de realismo riguroso hacia los ideales de pureza, virtud y simplicidad del arte griego. [8]
Otro de los estudiantes de David, Étienne-Jean Delécluze , que más tarde se convirtió en crítico de arte, describió a Ingres como estudiante:
No sólo se distinguía por su candor de carácter y su disposición a trabajar solo... era uno de los más estudiosos... tomaba poca parte en todas las locuras turbulentas que lo rodeaban, y estudiaba con más perseverancia que la mayoría de sus condiscípulos... Todas las cualidades que caracterizan hoy el talento de este artista, la fineza del contorno, el sentimiento verdadero y profundo de la forma y un modelado con extraordinaria corrección y firmeza, podían verse ya en sus primeros estudios. Si bien varios de sus compañeros y el propio David señalaron una tendencia hacia la exageración en sus estudios, todos quedaron impresionados por sus grandes composiciones y reconocieron su talento. [9]
Fue admitido en el departamento de pintura de la Escuela de Bellas Artes en octubre de 1799. En 1800 y 1801, ganó el gran premio de pintura de figuras por sus pinturas de torsos masculinos. [10]
En 1800 y 1801 compitió por el Prix de Rome, el máximo galardón de la Academia, que daba derecho al ganador a cuatro años de residencia en la Academia Francesa en Roma. Quedó segundo en su primer intento, pero en 1801 se llevó el máximo galardón con Los embajadores de Agamenón en la tienda de Aquiles . Las figuras de los enviados, a la derecha del cuadro, son musculosas y sólidas como estatuas, en el estilo enseñado por David, pero las dos figuras principales de la izquierda, Aquiles y Patroclo, son móviles, vívidas y gráciles, como figuras de un delicado bajorrelieve. [11]
Su residencia en Roma se pospuso hasta 1806 debido a la escasez de fondos estatales. Mientras tanto, trabajó en París junto con varios otros estudiantes de David en un estudio proporcionado por el estado y continuó desarrollando un estilo que enfatizaba la pureza del contorno. Encontró inspiración en las obras de Rafael, en las pinturas de vasos etruscos y en los grabados de contornos del artista inglés John Flaxman . [5] Sus dibujos de Hermafrodita y la ninfa Salmacis mostraron un nuevo ideal estilizado de belleza femenina, que reaparecería más tarde en su Júpiter y Tetis y sus famosos desnudos. [12]
En 1802 debutó en el Salón con Retrato de mujer (cuyo paradero actual se desconoce). Entre 1804 y 1806 pintó una serie de retratos que llamaban la atención por su extrema precisión, en particular por la riqueza de sus tejidos y los minúsculos detalles. Entre ellos se encuentran el Retrato de Philipbert Rivière (1805), el Retrato de Sabine Rivière (1805-06), el Retrato de Madame Aymon (también conocido como La Belle Zélie ; 1806) y el Retrato de Caroline Rivière (1805-06). Los rostros femeninos no eran en absoluto detallados, sino suavizados, y destacaban por sus grandes ojos ovalados y delicados colores de piel y sus expresiones más bien oníricas. Sus retratos solían tener fondos sencillos de color sólido oscuro o claro, o de cielo. Éstos fueron el comienzo de una serie que lo convertiría en uno de los retratistas más célebres del siglo XIX. [13]
Mientras Ingres esperaba para partir hacia Roma, su amigo Lorenzo Bartolini le presentó las pinturas renacentistas italianas, en particular las obras de Bronzino y Pontormo , que Napoleón había traído de su campaña en Italia y colocado en el Louvre . Ingres asimiló su claridad y monumentalidad en su propio estilo de retrato. En el Louvre también había obras maestras del arte flamenco, incluido el Retablo de Gante de Jan van Eyck , que el ejército francés había confiscado durante su conquista de Flandes. La precisión del arte flamenco renacentista se convirtió en parte del estilo de Ingres. [14] El eclecticismo estilístico de Ingres representó una nueva tendencia en el arte. El Louvre, recientemente lleno del botín confiscado por Napoleón en sus campañas en Italia y los Países Bajos , proporcionó a los artistas franceses de principios del siglo XIX una oportunidad sin precedentes para estudiar, comparar y copiar obras maestras de la antigüedad y de toda la historia de la pintura europea. [15] Como ha escrito la historiadora del arte Marjorie Cohn: "En aquella época, la historia del arte como investigación académica era algo completamente nuevo. Los artistas y los críticos se superaban entre sí en sus intentos de identificar, interpretar y explotar lo que apenas empezaban a percibir como desarrollos estilísticos históricos". [16] Desde el comienzo de su carrera, Ingres tomó prestado libremente del arte anterior, adoptando el estilo histórico apropiado para su tema, y en consecuencia los críticos lo acusaron de saquear el pasado. [16]
En 1803 recibió un prestigioso encargo, siendo uno de los cinco artistas seleccionados (junto con Jean-Baptiste Greuze , Robert Lefèvre , Charles Meynier y Marie-Guillemine Benoist ) para pintar retratos de cuerpo entero de Napoleón Bonaparte como Primer Cónsul . Estos debían ser distribuidos a las ciudades prefecturales de Lieja , Amberes , Dunkerque , Bruselas y Gante , todas las cuales fueron cedidas recientemente a Francia en el Tratado de Lunéville de 1801. [17] No se sabe que Napoleón haya concedido una sesión a los artistas, y el retrato meticulosamente pintado por Ingres de Bonaparte, Primer Cónsul parece estar modelado en una imagen de Napoleón pintada por Antoine-Jean Gros en 1802. [18]
En el verano de 1806, Ingres se comprometió con Marie-Anne-Julie Forestier , pintora y músico, antes de partir a Roma en septiembre. Aunque esperaba quedarse en París el tiempo suficiente para presenciar la inauguración del Salón de ese año, en el que iba a exponer varias obras, se fue a Italia a regañadientes unos días antes de la inauguración. [19]
Ingres pintó un nuevo retrato de Napoleón para su presentación en el Salón de 1806, en el que lo mostraba en el trono imperial para su coronación. Esta pintura era completamente diferente de su retrato anterior de Napoleón como Primer Cónsul; se concentraba casi por completo en el lujoso traje imperial que Napoleón había elegido usar y en los símbolos de poder que ostentaba. El cetro de Carlos V , la espada de Carlomagno , las ricas telas, pieles y capas, la corona de hojas de oro, las cadenas y los emblemas dorados estaban todos representados con un detalle extremadamente preciso; el rostro y las manos del Emperador estaban casi perdidos en el majestuoso traje. [20]
En el Salón, sus cuadros —Autorretrato , retratos de la familia Rivière y Napoleón I en su trono imperial— recibieron una recepción muy fría. [21] David emitió un juicio severo, [2] y los críticos fueron hostiles. Chaussard ( Le Pausanias Français , 1806) elogió "la delicadeza de la pincelada de Ingres y el acabado", pero condenó el estilo de Ingres como gótico y preguntó:
¿Cómo, con tanto talento, un trazo tan impecable, una atención tan minuciosa al detalle, ha conseguido M. Ingres pintar un cuadro tan malo? La respuesta es que quería hacer algo singular, algo extraordinario... La intención de M. Ingres no es otra que hacer retroceder el arte cuatro siglos, retrotraernos a su infancia, resucitar el estilo de Jean de Bruges . [22]
Recién llegado a Roma, Ingres leyó con creciente indignación los recortes de prensa que le enviaban sus amigos desde París y que no dejaban de ser negativos. En cartas a su futuro suegro, expresó su indignación ante los críticos: «Así que el Salón es el escenario de mi desgracia... Los sinvergüenzas esperaron a que yo me fuera para asesinar mi reputación... Nunca he sido tan infeliz... Sabía que tenía muchos enemigos; nunca fui agradable con ellos y nunca lo seré. Mi mayor deseo sería volar al Salón y confundirlos con mis obras, que en nada se parecen a las suyas; y cuanto más avance, menos se parecerán sus obras a las mías». [23] Juró no volver a exponer en el Salón y su negativa a regresar a París provocó la ruptura de su compromiso. [24] Julie Forestier, cuando años después le preguntaron por qué nunca se había casado, respondió: «Cuando uno ha tenido el honor de estar comprometido con M. Ingres, uno no se casa». [25]
El 23 de noviembre de 1806, escribió a Jean Forestier, el padre de su ex prometida: "Sí, el arte necesitará una reforma, y yo tengo la intención de ser ese revolucionario". [23] Como era característico de él, encontró un estudio en los terrenos de la Villa Medici, lejos de los otros artistas residentes, y pintó frenéticamente. Muchos dibujos de monumentos de Roma de esta época se atribuyen a Ingres, pero parece ser que, según estudios más recientes, en realidad fueron obra de sus colaboradores, en particular de su amigo, el paisajista François-Marius Granet . [26] Como se le exigía a todo ganador del Premio , enviaba obras a intervalos regulares a París para que se pudiera juzgar su progreso. Tradicionalmente, los becarios enviaban pinturas de héroes masculinos griegos o romanos, pero para sus primeras muestras Ingres envió Baigneuse à mi-corps (1807), una pintura de la espalda de una joven bañándose, basada en un grabado de un jarrón antiguo, y La Grande Bagneuse (1808), una pintura más grande de la espalda de una bañista desnuda, y el primer modelo de Ingres en usar un turbante, un detalle que tomó prestado de la Fornarina de su pintor favorito, Rafael . [27] Para satisfacer a la Academia en París, también envió Edipo y la Esfinge para mostrar su dominio del desnudo masculino. [28] El veredicto de los académicos en París fue que las figuras no estaban suficientemente idealizadas. [29] En años posteriores Ingres pintó varias variantes de estas composiciones; otro desnudo comenzado en 1807, la Venus Anadyomene , permaneció inacabado durante décadas, para completarse cuarenta años después [30] y finalmente exhibirse en 1855.
Durante su estancia en Roma también pintó numerosos retratos: Madame Duvaucey (1807), François-Marius Granet (1807), Joseph-Antoine Moltedo (1810), Madame Panckoucke (1811) y Charles-Joseph-Laurent Cordier (1811). [31] En 1812 pintó uno de sus pocos retratos de una mujer mayor, la condesa de Tournon , madre del prefecto de Roma. [32] En 1810 la pensión de Ingres en la Villa Medici terminó, pero decidió quedarse en Roma y buscar el patrocinio del gobierno de ocupación francés.
En 1811, Ingres completó su último ejercicio de estudiante, el inmenso Júpiter y Tetis , una escena de la Ilíada de Homero: la diosa del mar, Tetis, suplica a Zeus que actúe en favor de su hijo Aquiles . El rostro de la ninfa acuática Salmacis que había dibujado años antes reapareció como Tetis. Ingres escribió con entusiasmo que había estado planeando pintar este tema desde 1806, y que tenía la intención de "desplegar todo el lujo del arte en su belleza". [33] Sin embargo, una vez más, los críticos fueron hostiles, encontrando fallas en las proporciones exageradas de las figuras y la calidad plana y sin aire de la pintura. [34]
Aunque se enfrentaba a unas perspectivas inciertas, en 1813 Ingres se casó con una joven, Madeleine Chapelle , recomendada por sus amigos en Roma. Tras un noviazgo llevado a cabo por correspondencia, él le propuso matrimonio sin haberla conocido, y ella aceptó. [35] Su matrimonio fue feliz; la fe de Madame Ingres era inquebrantable. Siguió sufriendo críticas despectivas, ya que Don Pedro de Toledo besando la espada de Enrique IV , Rafael y la Fornarina ( Fogg Art Museum , Universidad de Harvard ), varios retratos y el Interior de la Capilla Sixtina recibieron una respuesta crítica generalmente hostil en el Salón de París de 1814. [36]
Después de dejar la Academia, recibió algunos encargos importantes. El gobernador francés de Roma, el general Miollis , un rico mecenas de las artes, le pidió que decorara las habitaciones del palacio de Monte Cavallo , una antigua residencia papal, para una visita esperada de Napoleón. Ingres pintó una Victoria de Rómulo sobre Acron (1811) a gran escala para el salón de la emperatriz y El sueño de Ossian (1813), basada en un libro de poemas que Napoleón admiraba, para el techo del dormitorio del emperador. [37] El general Miollis también encargó a Ingres que pintara a Virgilio leyendo La Eneida ante Augusto, Livia y Octavia (1812) para su propia residencia, la villa Aldobrandini. [38] La pintura muestra el momento en que Virgilio, recitando su obra al emperador Augusto , su esposa Livia y su hermana Octavia , menciona el nombre del hijo muerto de Octavia, Marcelo , lo que hace que Octavia se desmaye. El interior fue representado con precisión, siguiendo los hallazgos arqueológicos en Pompeya . Como de costumbre, Ingres hizo varias versiones de la misma escena: un fragmento de tres figuras cortado de una versión abandonada se encuentra en los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas, y en 1825 hizo un dibujo a tiza en formato vertical como modelo para un grabado reproductivo realizado por Pradier en 1832. [39] La versión del general Miollis fue recomprada por Ingres en la década de 1830, reelaborada por asistentes bajo la dirección de Ingres y nunca terminada; El sueño de Ossian también fue recomprado, modificado, pero dejado inacabado. [40]
En la primavera de 1814 viajó a Nápoles para pintar a la reina Carolina Murat . Joachim Murat , el rey de Nápoles, había comprado anteriormente la Dormeuse de Naples , un desnudo dormido [41] (el original se ha perdido, pero existen varios dibujos, e Ingres volvió a tratar el tema más tarde en L'Odalisque à l'esclave ). Murat también encargó dos pinturas históricas, Raphael et la Fornarina y Paolo et Francesca , y lo que más tarde se convertiría en una de las obras más famosas de Ingres, La Grande Odalisque , para acompañar a Dormeuse de Naples . Ingres nunca recibió el pago, debido al colapso del régimen de Murat y la ejecución de Joachim Murat en 1815. [42] Con la caída de la dinastía de Napoleón, se encontró esencialmente varado en Roma sin mecenazgo.
Continuó produciendo retratos magistrales, a lápiz y al óleo, de una precisión casi fotográfica; pero con la marcha de la administración francesa, los encargos de pintura fueron escasos. Durante este punto bajo de su carrera, Ingres aumentó sus ingresos dibujando retratos a lápiz de los numerosos turistas adinerados, en particular los ingleses, que pasaban por la Roma de la posguerra. Para un artista que aspiraba a una reputación de pintor de historia, esto parecía un trabajo servil, y a los visitantes que llamaban a su puerta preguntando: "¿Es aquí donde vive el hombre que dibuja los pequeños retratos?", respondía con irritación: "¡No, el hombre que vive aquí es un pintor!" [43] Los dibujos de retratos que produjo con tanta profusión durante este período se encuentran hoy entre sus obras más admiradas. [44] Se estima que hizo unos quinientos dibujos de retratos, incluidos retratos de sus amigos famosos. Entre sus amigos había muchos músicos, incluido Paganini , y tocaba regularmente el violín con otros que compartían su entusiasmo por Mozart , Haydn , Gluck y Beethoven . [45]
También produjo una serie de pequeñas pinturas en lo que se conoció como el estilo del trovador , representaciones idealizadas de eventos de la Edad Media y el Renacimiento. En 1815 pintó Aretino y el embajador de Carlos V , así como Aretino y Tintoretto , una pintura anecdótica cuyo tema, un pintor blandiendo una pistola contra su crítico, puede haber sido especialmente satisfactoria para el asediado Ingres. [46] Otras pinturas del mismo estilo incluyen Enrique IV jugando con sus hijos (1817) y La muerte de Leonardo .
En 1816 Ingres produjo su único grabado al aguafuerte , un retrato del embajador francés en Roma, monseñor Gabriel Cortois de Pressigny. [47] Los únicos otros grabados que se sabe que realizó son dos litografías : Los cuatro magistrados de Besançon , realizada como ilustración para Voyages pittoresques et romantiques dans l'ancienne France del barón Taylor , y una copia de La Grande Odalisque , ambas en 1825. [48]
En 1817, el conde de Blacas , que era embajador de Francia ante la Santa Sede , le encargó a Ingres su primer encargo oficial desde 1814: una pintura de Cristo entregando las llaves a Pedro . Esta imponente obra, terminada en 1820, fue bien recibida en Roma, pero, para disgusto del artista, las autoridades eclesiásticas no permitieron que se enviara a París para su exposición. [49]
En 1816 o 1817, los descendientes de Fernando Álvarez de Toledo, duque de Alba , le encargaron un cuadro en el que el duque recibía honores papales por su represión de la Reforma protestante . Ingres detestaba el tema (consideraba al duque como uno de los brutos de la historia) y luchó por satisfacer tanto al encargo como a su conciencia. Tras las revisiones que acabaron por reducir al duque a una pequeña figura en el fondo, Ingres dejó la obra sin terminar. [50] Escribió en su diario: "J'etais forcé par la necessité de peindre un pareil tableau; Dieu a voulu qu'il reste en ébauche". ("La necesidad me obligó a pintar un cuadro así; Dios quería que se quedara en un boceto"). [51]
Continuó enviando obras al Salón de París, con la esperanza de lograr allí su gran éxito. En 1819 envió su desnudo reclinado, La gran odalisca , así como una pintura histórica, Felipe V y el mariscal de Berwick , y Roger liberando a Angélica , basada en un episodio del poema épico del siglo XVI Orlando furioso de Ariosto, pero su obra fue nuevamente condenada por los críticos como gótica y antinatural. [52] El crítico Kératy se quejó de que la espalda de La gran odalisca tenía tres vértebras de más. El crítico Charles Landon escribió: «Después de un momento de atención, uno ve que en esta figura no hay huesos, ni músculos, ni sangre, ni vida, ni relieve, ni nada que constituya una imitación... es evidente que el artista se equivocó deliberadamente, que quería hacerlo mal, que creía en devolver a la vida la manera pura y primitiva de los pintores de la Antigüedad; pero tomó como modelo algunos fragmentos de períodos anteriores y una ejecución degenerada, y perdió completamente su camino». [53]
En 1820, Ingres y su esposa se mudaron a Florencia a instancias del escultor florentino Lorenzo Bartolini , un viejo amigo de sus años en París. Todavía tenía que depender de sus retratos y dibujos para obtener ingresos, pero su suerte comenzó a cambiar. [54] Su cuadro histórico Roger liberando a Angélica fue comprado para la colección privada de Luis XVIII y fue colgado en el Museo de Luxemburgo en París, que recientemente se dedicó al trabajo de artistas vivos. Esta fue la primera obra de Ingres en ingresar a un museo. [55]
En 1821, terminó un cuadro encargado por un amigo de la infancia, Monsieur de Pastoret, La entrada en París del delfín, futuro Carlos V ; de Pastoret también encargó un retrato de sí mismo y una obra religiosa ( Virgen con velo azul ). En agosto de 1820, con la ayuda de De Pastoret, recibió un encargo para una importante pintura religiosa para la catedral de Montauban. El tema era el restablecimiento del vínculo entre la iglesia y el estado. La pintura de Ingres, El voto de Luis XIII (1824), inspirada en Rafael, era puramente de estilo renacentista y mostraba al rey Luis XIII jurando dedicar su reinado a la Virgen María. Esto estaba en perfecta sintonía con la doctrina del nuevo gobierno de la Restauración. Pasó cuatro años terminando el gran lienzo y lo llevó al Salón de París en octubre de 1824, donde se convirtió en la llave que finalmente abrió la puerta del establishment artístico de París y de su carrera como pintor oficial. [56]
El voto de Luis XIII en el Salón de 1824 finalmente le trajo a Ingres el éxito de la crítica. Aunque Stendhal se quejó de "el tipo de belleza material que excluye la idea de la divinidad", [57] la mayoría de los críticos elogiaron la obra. El periodista y futuro primer ministro y presidente francés Adolphe Thiers celebró el avance de un nuevo estilo: "Nada es mejor que la variedad como ésta, el carácter esencial del nuevo estilo". [57] En enero de 1825, Ingres recibió la Cruz de la Legión de Honor de manos de Carlos X , y en junio de 1825 fue elegido miembro de la Academia de Bellas Artes. [45] Las litografías de La Grande Odalisque publicadas en 1826 en dos versiones competitivas por Delpech y Sudré encontraron compradores ansiosos; Ingres recibió 24.000 francos por los derechos de reproducción, veinte veces la cantidad que había cobrado por la pintura original seis años antes. [58] El Salón de 1824 también presentó una contracorriente al neoclasicismo de Ingres: Eugène Delacroix exhibió Les Massacres de Scio , en un estilo romántico que contrastaba marcadamente con el de Ingres. [59]
El éxito de la pintura de Ingres llevó en 1826 a un nuevo encargo importante, La apoteosis de Homero , un lienzo gigante que celebraba a todos los grandes artistas de la historia, destinado a decorar el techo de una de las salas del Museo Carlos X en el Louvre. Ingres no pudo terminar la obra a tiempo para el Salón de 1827, pero exhibió la pintura en grisalla . [60] El Salón de 1827 se convirtió en una confrontación entre el neoclasicismo de La apoteosis de Ingres y un nuevo manifiesto del romanticismo de Delacroix, La muerte de Sardanápalo . Ingres se unió a la batalla con entusiasmo; llamó a Delacroix "el apóstol de la fealdad" y dijo a sus amigos que reconocía "el talento, el carácter honorable y el espíritu distinguido" de Delacroix, pero que "tiene tendencias que creo que son peligrosas y que debo rechazar". [61] [62]
A pesar del considerable patrocinio del que disfrutó bajo el gobierno borbónico, Ingres dio la bienvenida a la Revolución de Julio de 1830. [63] Que el resultado de la Revolución no fuera una república sino una monarquía constitucional fue satisfactorio para el artista esencialmente conservador y pacifista, quien en una carta a un amigo en agosto de 1830 criticó a los agitadores que "todavía quieren ensuciar y perturbar el orden y la felicidad de una libertad tan gloriosamente, tan divinamente ganada". [64] La carrera de Ingres se vio poco afectada y continuó recibiendo encargos y honores oficiales bajo la Monarquía de Julio .
Ingres expuso en el Salón de 1833, donde su retrato de Louis-François Bertin (1832) tuvo un éxito particular. El público encontró su realismo fascinante, aunque algunos críticos declararon que su naturalismo era vulgar y su colorido monótono. [65] En 1834 terminó una gran pintura religiosa, El martirio de San Sinforiano , que representaba al primer santo martirizado en la Galia. La pintura fue encargada en 1824 por el Ministerio del Interior para la catedral de Autun , y la iconografía de la imagen fue especificada por el obispo. Ingres concibió la pintura como la suma de todo su trabajo y habilidad, y trabajó en ella durante diez años antes de exhibirla en el Salón de 1834. Quedó sorprendido, conmocionado y enfadado por la respuesta; la pintura fue atacada tanto por los neoclásicos como por los románticos. Ingres fue acusado de inexactitud histórica, por los colores y por la apariencia femenina de la Santa, que parecía una hermosa estatua. Enfadado, Ingres anunció que ya no aceptaría encargos públicos y que no volvería a participar en el Salón. Más tarde participó en algunas exposiciones semipúblicas y en una retrospectiva de su obra en la Exposición Internacional de París de 1855 , pero nunca más participó en el Salón ni presentó su obra para su juicio público. En cambio, a finales de 1834 regresó a Roma para convertirse en director de la Academia de Francia. [66]
Ingres permaneció en Roma durante seis años. Dedicó gran parte de su atención a la formación de los estudiantes de pintura, como más tarde haría en la École des Beaux-Arts de París. Reorganizó la Academia, aumentó el tamaño de la biblioteca, añadió muchos moldes de estatuas clásicas a la colección de la Academia y ayudó a los estudiantes a conseguir encargos públicos tanto en Roma como en París. Viajó a Orvieto (1835), Siena (1835) y a Rávena y Urbino para estudiar los mosaicos paleocristianos, los murales medievales y el arte renacentista. [67] Dedicó una atención considerable a la música, una de las materias de la academia; dio la bienvenida a Franz Liszt y Fanny Mendelssohn . Entabló una larga amistad con Liszt. [68] El compositor Charles Gounod , que en ese momento era pensionista en la Academia, describió la apreciación de Ingres por la música moderna, incluidos Weber y Berlioz, y su adoración por Beethoven, Haydn, Mozart y Gluck. Se unió a los estudiantes de música y a su amigo Niccolò Paganini para tocar las obras para violín de Beethoven. [67] Gounod escribió que Ingres "tenía la ternura de un niño y la indignación de un apóstol". Cuando Stendhal visitó la Academia y menospreció a Beethoven, Ingres se volvió hacia el portero, señaló a Stendhal y le dijo: "Si este caballero vuelve a llamar, no estoy aquí". [69]
Su rencor contra el establishment artístico parisino por su fracaso en el Salón de 1834 no disminuyó. En 1836 rechazó un importante encargo del ministro del Interior francés, Adolphe Thiers , para decorar el interior de la iglesia de la Madeleine en París, porque el encargo había sido ofrecido primero a un rival, Paul Delaroche , quien lo rechazó. [67] Completó un pequeño número de obras que envió a mecenas en París. Una de ellas fue L'Odalisque et l'esclave (1839), un retrato de una odalisca rubia, o miembro de un harén, que se reclina lánguidamente mientras un músico con turbante toca. Esto encajaba en el género popular del orientalismo; su rival Eugène Delacroix había creado una pintura sobre un tema similar, Les Femmes d'Alger , para el Salón de 1834. El escenario estaba inspirado en miniaturas persas y estaba lleno de detalles exóticos, pero la larga forma reclinada de la mujer era puro Ingres. El crítico Théophile Gautier escribió sobre la obra de Ingres: «Es imposible pintar mejor el misterio, el silencio y la atmósfera sofocante del serrallo». En 1842 pintó una segunda versión, casi idéntica a la primera pero con un fondo de paisaje (pintada por su alumno Paul Flandrin ). [70]
El segundo cuadro que envió, en 1840, fue La enfermedad de Antíoco (1840; también conocida como Aniochus y Stratonice ), una pintura histórica sobre un tema de amor y sacrificio, un tema pintado una vez por David en 1800, cuando Ingres estaba en su estudio. Fue encargado por el duque de Orleans , hijo del rey Luis Felipe I ), y tenía un fondo arquitectónico muy elaborado diseñado por uno de los estudiantes de la Academia, Victor Baltard , el futuro arquitecto del mercado parisino de Les Halles . La figura central era una mujer etérea vestida de blanco, cuya pose contemplativa con la mano en la barbilla se repite en algunos de los retratos femeninos de Ingres. [71]
Su cuadro de Aniochius y Stratonice, a pesar de su pequeño tamaño, apenas un metro, fue un gran éxito para Ingres. En agosto fue expuesto en el apartamento privado del duque de Orleans en el Pabellón Marsan del Palacio de las Tullerías. [72] El rey lo recibió personalmente en Versalles y le hizo una visita guiada por el palacio. Le ofrecieron un encargo para pintar un retrato del duque, el heredero al trono, y otro del duque de Lunyes para crear dos enormes murales para el castillo de Dampierre . En abril de 1841 regresó definitivamente a París. [73]
Una de las primeras obras que realizó tras su regreso a París fue un retrato del duque de Orleans. Después de que el heredero al trono muriera en un accidente de carruaje unos meses después de que se completara la pintura en 1842, Ingres recibió encargos para hacer copias adicionales. También recibió un encargo para diseñar diecisiete vidrieras para la capilla del lugar donde ocurrió el accidente, y un encargo para ocho diseños de vidrieras adicionales para la capilla de Orleans en Dreux. [74] Se convirtió en profesor en la Escuela de Bellas Artes de París. Llevaba a sus estudiantes con frecuencia al Louvre para ver el arte clásico y renacentista, instruyéndolos para que miraran hacia adelante y evitaran las obras de Rubens , que creía que se desviaban demasiado de los verdaderos valores del arte. [75]
La Revolución de 1848, que derrocó a Luis Felipe y creó la Segunda República Francesa , tuvo poco efecto en su obra o sus ideas. Declaró que los revolucionarios eran "caníbales que se llamaban a sí mismos franceses", [76] pero durante la Revolución completó su Venus Anadyomene , que había comenzado como un estudio académico en 1808. Representaba a Venus, surgiendo del mar que la había visto nacer, rodeada de querubines. Acogió con agrado el patrocinio del nuevo gobierno de Luis Napoleón, quien en 1852 se convirtió en el emperador Napoleón III .
En 1843, Ingres comenzó la decoración del gran salón del castillo de Dampierre con dos grandes murales, la Edad de Oro y la Edad de Hierro , que ilustraban los orígenes del arte. Realizó más de quinientos dibujos preparatorios, [77] y trabajó en el enorme proyecto durante seis años. En un intento de imitar el efecto de los frescos renacentistas , optó por pintar los murales al óleo sobre yeso, lo que creó dificultades técnicas. [78] El trabajo en la Edad de Hierro nunca progresó más allá del fondo arquitectónico pintado por un asistente. [79] Mientras tanto, la creciente multitud de desnudos en la Edad de Oro desconcertó al mecenas de Ingres, el duque de Luynes, e Ingres suspendió el trabajo en el mural en 1847. Ingres quedó devastado por la pérdida de su esposa, que murió el 27 de julio de 1849, y finalmente no pudo completar la obra. [80] En julio de 1851 anunció una donación de sus obras de arte a su ciudad natal de Montauban, y en octubre renunció como profesor en la Escuela de Bellas Artes. [81]
Sin embargo, en 1852, Ingres, que entonces tenía setenta y un años, se casó con Delphine Ramel, de cuarenta y tres años, pariente de su amigo Marcotte d'Argenteuil. Ingres rejuveneció y en la década siguiente completó varias obras importantes, incluido el retrato de la princesa Albert de Broglie , de soltera Joséphine-Eléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn . En 1853 comenzó La apoteosis de Napoleón I , para el techo de un salón del Hôtel de Ville de París (fue destruido en mayo de 1871 cuando la Comuna de París incendió el edificio). Con la ayuda de asistentes, en 1854 completó otra pintura histórica, Juana de Arco en la coronación de Carlos VII . En la Exposición Universal de París de 1855 se presentó una retrospectiva de sus obras , [82] y ese mismo año Napoleón III lo nombró Gran Oficial de la Legión de Honor . En 1862 se le concedió el título de senador y se le nombró miembro del Consejo Imperial de Instrucción Pública. Tres de sus obras se exhibieron en la Exposición Internacional de Londres, [83] y su reputación como pintor francés de primera línea se confirmó una vez más. [84]
Continuó reelaborando y refinando sus temas clásicos. En 1856, Ingres completó La fuente (La primavera), una pintura comenzada en 1820 y estrechamente relacionada con su Venus Anadyoméne . [30] Pintó dos versiones de Luis XIV y Molière (1857 y 1860), y produjo copias variantes de varias de sus composiciones anteriores. Estas incluían obras religiosas en las que se repitió la figura de la Virgen de El voto de Luis XIII : La Virgen de la adopción de 1858 (pintada para mademoiselle Roland-Gosselin) fue seguida por La Virgen coronada (pintada para Madame la Baronne de Larinthie) y La Virgen con el Niño . En 1859 produjo nuevas versiones de La Virgen de la hostia , y en 1862 completó Cristo y los doctores , una obra encargada muchos años antes por la reina María Amalia para la capilla de Bizy . [85] Pintó pequeñas réplicas de Paolo y Francesca y Edipo y la Esfinge . [86] En 1862 completó una pequeña versión al óleo sobre papel de La edad de oro . [87] Los últimos de sus retratos importantes datan de este período: Marie-Clothilde-Inés de Foucauld, Madame Moitessier, sentada (1856), Autorretrato a los setenta y ocho años y Madame J.-A.-D. Ingres, de soltera Delphine Ramel , ambos completados en 1859. A petición de la Galería de los Uffizi de Florencia, hizo su propio autorretrato en 1858. El único color en la pintura es el rojo de su roseta de la Legión de Honor. [88]
Cerca del final de su vida, realizó una de sus obras maestras más conocidas, El baño turco . Retomaba una figura y un tema que había estado pintando desde 1828, con su Petite Baigneuse . Originalmente completada en un formato cuadrado en 1852 y vendida al príncipe Napoleón en 1859, fue devuelta al artista poco después; según una leyenda, la princesa Clothilde se sorprendió por la abundante desnudez. [89] Después de reelaborar la pintura como un tondo , Ingres la firmó y la fechó en 1862, aunque hizo revisiones adicionales en 1863. [90] La pintura finalmente fue comprada por un diplomático turco, Khalid Bey, que poseía una gran colección de desnudos y arte erótico, incluidas varias pinturas de Courbet . La pintura continuó causando un escándalo mucho después de la muerte de Ingres. Fue ofrecido inicialmente al Louvre en 1907, pero fue rechazado, [91] antes de ser donado al Louvre en 1911. [90]
Ingres murió de neumonía el 14 de enero de 1867, a la edad de ochenta y seis años, en su apartamento del Quai Voltaire en París. Está enterrado en el cementerio de Père Lachaise en París con una tumba esculpida por su alumno Jean-Marie Bonnassieux . El contenido de su estudio, que incluye varias pinturas importantes, más de 4000 dibujos y su violín, fue legado por el artista al museo de la ciudad de Montauban, ahora conocido como el Musée Ingres . [92]
El estilo de Ingres se formó a temprana edad y cambió relativamente poco. [93] Sus primeros dibujos, como el Retrato de un hombre (o Retrato de un desconocido , 3 de julio de 1797, ahora en el Louvre [94] ) ya muestran una suavidad de contorno y un extraordinario control de los trazos paralelos que modelan las formas. Desde el principio, sus pinturas se caracterizan por una firmeza de contorno que refleja su convicción, a menudo citada, de que "el dibujo es la probidad del arte". [95] Creía que el color no era más que un accesorio del dibujo, y explicaba: "El dibujo no es sólo reproducir contornos, no es sólo la línea; el dibujo es también la expresión, la forma interior, la composición, el modelado. Vea lo que queda después de eso. El dibujo es siete octavos de lo que constituye la pintura". [96]
El historiador de arte Jean Clay dijo que Ingres "siempre iba de una certeza a otra, con el resultado de que incluso sus bocetos más libres revelan el mismo tipo de ejecución que se encuentra en las obras finales". [97] Al representar el cuerpo humano, hizo caso omiso de las reglas de la anatomía (a la que llamó una "ciencia terrible en la que no puedo pensar sin disgusto") en su búsqueda de un arabesco sinuoso. [97] Aborreciendo la pincelada visible, Ingres no recurrió a los efectos cambiantes de color y luz de los que dependía la escuela romántica ; prefería los colores locales sólo ligeramente modelados en la luz por los medios tonos. "Ce que l'on sait", repetía, "il faut le savoir l'épée à la main". ("Todo lo que sabes, debes saberlo con la espada en la mano"). Ingres se quedó así sin los medios para producir la necesaria unidad de efecto al tratar con composiciones abarrotadas, como la Apoteosis de Homero y el Martirio de San Sinforiano . Entre las pinturas históricas y mitológicas de Ingres, las más satisfactorias suelen ser las que representan una o dos figuras, como Edipo , La bañista de medio cuerpo , Odalisca y La primavera , temas animados únicamente por la conciencia de un perfecto bienestar físico. [85]
En Roger liberando a Angelica , el desnudo femenino parece simplemente yuxtapuesto con la figura meticulosamente representada pero inerte de Roger volando al rescate en su hipogrifo , [98] ya que Ingres rara vez tuvo éxito en la representación del movimiento y el drama. Según Sanford Schwartz, las "imágenes históricas, mitológicas y religiosas denotan enormes cantidades de energía y laboriosidad, pero, al transmitir poca sensación palpable de tensión interna, son dramas de época... Los rostros en las imágenes históricas son esencialmente los de modelos esperando que termine la sesión. Cuando se debe expresar una emoción, se transmite de manera estridente o inexpresiva". [99]
Ingres era reacio a las teorías, y su lealtad al clasicismo —con su énfasis en lo ideal, lo generalizado y lo regular— estaba atemperada por su amor por lo particular. [100] Creía que «el secreto de la belleza tiene que encontrarse a través de la verdad. Los antiguos no creaban, no hacían; reconocían». [101] En muchas de las obras de Ingres hay una colisión entre lo idealizado y lo particular que crea lo que Robert Rosenblum denominó una «sensación de aceite y agua». [102] Esta contradicción es vívida en Cherubini y la musa de la poesía lírica (1842), por ejemplo, en la que el compositor de 81 años pintado de manera realista es acompañado por una musa idealizada con ropas clásicas. [103]
La elección de temas de Ingres reflejaba sus gustos literarios, que eran muy limitados: leyó y releyó a Homero , Virgilio , Plutarco , Dante , historias y las vidas de los artistas. [16] A lo largo de su vida revisó un pequeño número de temas favoritos y pintó múltiples versiones de muchas de sus principales composiciones. [104] No compartía el entusiasmo de su época por las escenas de batalla y generalmente prefería representar "momentos de revelación o decisión íntima manifestados por el encuentro o la confrontación, pero nunca por la violencia". [105] Sus numerosas pinturas de odaliscas estuvieron influenciadas en gran medida por los escritos de Mary Wortley Montagu , la esposa del embajador en Turquía cuyos diarios y cartas, cuando se publicaron, fascinaron a la sociedad europea. [106]
Aunque era capaz de pintar con rapidez, a menudo trabajaba durante años en una pintura. Amaury-Duval, discípulo de Ingres , escribió sobre él: «Con esta facilidad de ejecución, resulta difícil explicar por qué la obra de Ingres no es aún mayor, pero él descartaba [su obra] con frecuencia, sin estar nunca satisfecho... y quizás esta facilidad en sí misma le hacía rehacer lo que le insatisfacía, seguro de que tenía el poder de reparar el defecto, y rápidamente, además». [107] La Venus Anadyomene de Ingres se inició en 1807, pero no se completó hasta 1848, después de un largo paréntesis resultante de su indecisión sobre la posición de los brazos. [30] La Fuente (1856) tuvo una historia similar. Se inició en la década de 1820 como un boceto de «tal simplicidad que uno supondría que había sido pintado de un solo trazo», según Amaury-Duval, quien creía que la reelaboración de la pintura por parte de Ingres en 1855 fue una pérdida. [108] [109]
Aunque Ingres creía que la pintura histórica era la forma más alta del arte, su reputación moderna se basa en gran medida en la calidad excepcional de sus retratos. En el momento de su retrospectiva en la Exposición Universal de 1855, un consenso emergente consideraba que sus pinturas de retratos eran sus obras maestras. [110] Su constante alta calidad desmiente la queja que Ingres expresó a menudo de que las exigencias del retrato le robaban tiempo que podría haber dedicado a pintar temas históricos. Baudelaire lo llamó "el único hombre en Francia que realmente hace retratos. Los retratos de M. Bertin, M. Molé y Mme d'Haussonville son verdaderos retratos, es decir, la reconstrucción ideal de individuos... Un buen retrato me parece siempre una biografía dramatizada". [111] Su retrato más famoso es el de Louis-François Bertin, el editor jefe del Journal des Debats , que fue ampliamente admirado cuando se exhibió en el Salón de 1833. Ingres había planeado originalmente pintar a Bertin de pie, pero muchas horas de esfuerzo terminaron en un impasse creativo antes de que se decidiera por una pose sentada. Édouard Manet describió el retrato resultante como "El Buda de la burguesía". El retrato se convirtió rápidamente en un símbolo del creciente poder económico y político de la clase social de Bertin. [112]
Para sus retratos femeninos, a menudo posaba el modelo según una estatua clásica; el famoso retrato de la condesa de Haussonville puede haber sido modelado según una estatua romana llamada "Pudicity" ("modestia") de la colección del Vaticano. [113] Otro truco que utilizó Ingres fue pintar las telas y los detalles de los retratos con extrema precisión y exactitud, pero idealizando el rostro. El ojo del espectador percibiría las telas como realistas y asumiría que el rostro era igualmente verdadero. [114] Sus retratos de mujeres van desde la cálida y sensual Madame de Senonnes (1814) hasta la realista Mademoiselle Jeanne Gonin (1821), la Junoesque Marie-Clothilde-Inés de Foucauld, Madame Moitessier (retratada de pie y sentada, 1851 y 1856) y la fría Joséphine-Eléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn. , Princesa de Broglie (1853).
El dibujo fue la base del arte de Ingres. En la Escuela de Bellas Artes destacó en el dibujo de figuras, ganando los premios más importantes. Durante sus años en Roma y Florencia, hizo cientos de dibujos de familiares, amigos y visitantes, muchos de ellos de gran calidad de retrato. Nunca comenzó un cuadro sin resolver primero el dibujo, normalmente con una larga serie de dibujos en los que refinaba la composición. En el caso de sus grandes cuadros históricos, cada figura del cuadro era objeto de numerosos bocetos y estudios mientras probaba diferentes poses. Exigía a sus alumnos de la Academia y de la Escuela de Bellas Artes que perfeccionaran su dibujo antes que nada; declaró que "una cosa bien dibujada es siempre una cosa bien pintada". [115]
Sus dibujos de retratos, de los que se conservan unos 450, [116] se encuentran hoy entre sus obras más admiradas. Si bien un número desproporcionado de ellos datan de sus difíciles primeros años en Italia, continuó realizando dibujos de retratos de sus amigos hasta el final de su vida. Agnes Mongan ha escrito sobre los dibujos de retratos:
Antes de su partida de París a Roma en el otoño de 1806, las características familiares de su estilo de dibujo estaban bien establecidas: el contorno delicado pero firme, las distorsiones de la forma definidas pero discretas, la capacidad casi asombrosa de captar una semejanza en la delineación precisa pero vivaz de los rasgos.
Los materiales preferidos ya estaban establecidos: el lápiz de grafito de punta afilada sobre un papel blanco liso. Tanto los materiales como el estilo nos resultan tan familiares que olvidamos lo extraordinarios que debieron parecernos en su época... La manera de dibujar de Ingres era tan nueva como el siglo. Se reconoció inmediatamente como experta y admirable. Si sus pinturas fueron duramente criticadas como "góticas", no se dirigió ninguna crítica comparable a sus dibujos. [117]
Su alumno Raymond Balze describió la rutina de trabajo de Ingres al ejecutar sus dibujos de retratos, cada uno de los cuales requería cuatro horas, como "una hora y media por la mañana, luego dos horas y media por la tarde, rara vez lo retocaba al día siguiente. A menudo me decía que captaba la esencia del retrato mientras almorzaba con el modelo que, desprevenido, se volvía más natural". [118] Los dibujos resultantes, según John Canaday , revelaban las personalidades de los retratados por medios tan sutiles -y tan libres de crueldad- que Ingres podía "exponer las vanidades de un petimetre, una mujer tonta o un charlatán, en dibujos que los deleitaban". [119]
Ingres dibujó sus dibujos de retratos en papel verjurado , que proporcionaba una superficie lisa muy diferente de la superficie acanalada del papel verjurado (que, sin embargo, a veces se conoce hoy como " papel Ingres "). [120] Los primeros dibujos se caracterizan por contornos muy tensos dibujados con grafito puntiagudo, mientras que los dibujos posteriores muestran líneas más libres y un modelado más enfático, dibujados con un grafito más suave y contundente. [121]
Los dibujos que hizo para preparar sus cuadros, como los numerosos estudios para El martirio de San Sinforiano y La edad de oro , son más variados en tamaño y tratamiento que los dibujos de retratos. Su práctica habitual era hacer muchos dibujos de modelos desnudos, en busca del gesto más elocuente, antes de hacer otra serie de dibujos para los ropajes. En sus primeros años, a veces hacía que su modelo posara detrás de un velo translúcido que suprimía los detalles y enfatizaba el arabesco. [122] A menudo utilizaba modelos femeninos cuando probaba poses para figuras masculinas, como hizo en los dibujos para Jesús entre los doctores . [123] Incluso existen estudios de desnudos para algunos de sus retratos por encargo, pero estos fueron dibujados utilizando modelos contratados. [124]
Ingres dibujó numerosos paisajes durante su estancia en Roma, pero sólo pintó un paisaje puro, el pequeño tondo Casino de Rafael (aunque a veces se le atribuyen otros dos pequeños tondos de paisajes). [125]
Para Ingres, el color desempeñaba un papel completamente secundario en el arte. Escribió: «El color añade ornamento a una pintura; pero no es más que su ayudante, porque todo lo que hace es hacer más agradables las verdaderas perfecciones del arte. Rubens y Van Dyck pueden ser agradables a primera vista, pero son engañosos; pertenecen a la pobre escuela de los coloristas, la escuela del engaño. Nunca utilice colores brillantes, son antihistóricos. Es mejor caer en el gris que en los colores brillantes». [126] El Instituto de París se quejó en 1838 de que los estudiantes de Ingres en Roma «tenían una deplorable falta de conocimiento de la verdad y el poder del color, y de conocimiento de los diferentes efectos de la luz. En todos sus lienzos se encuentra un efecto apagado y opaco. Parece que sólo han sido iluminados por el crepúsculo». El poeta y crítico Baudelaire observó: «Los estudiantes de M. Ingres han evitado de manera muy inútil cualquier semblanza de color; creen o pretenden creer que no son necesarios en la pintura». [127]
Las propias pinturas de Ingres varían considerablemente en su uso del color, y los críticos tendían a criticarlas por ser demasiado grises o, por el contrario, demasiado discordantes. [128] Baudelaire, que dijo que "M. Ingres adora el color como un modisto de moda", escribió sobre los retratos de Louis-François Bertin y Madame d'Haussonville: "Abran los ojos, nación de simplones, y dígannos si alguna vez vieron una pintura tan deslumbrante y llamativa, o incluso una mayor elaboración del color". [128] Las pinturas de Ingres a menudo se caracterizan por fuertes colores locales, como los "azules ácidos y verdes botella" que Kenneth Clark profesaba "disfrutar perversamente" en La gran odalisca . [129] En otras obras, especialmente en sus retratos menos formales como Mademoiselle Jeanne-Suzanne-Catherine Gonin (1821), el color es moderado. [112]
Ingres y Delacroix se convirtieron, a mediados del siglo XIX, en los representantes más destacados de las dos escuelas de arte rivales en Francia, el neoclasicismo y el romanticismo . El neoclasicismo se basó en gran parte en la filosofía de Johann Joachim Winckelmann (1717-1768), quien escribió que el arte debería encarnar «la noble sencillez y la serena grandeza». Muchos pintores siguieron esta línea, entre ellos François Gérard , Antoine-Jean Gros , Anne-Louis Girodet y Jacques-Louis David , el maestro de Ingres. Una escuela rival, el romanticismo, surgió primero en Alemania y se trasladó rápidamente a Francia. Rechazó la idea de la imitación de los estilos clásicos, a los que describió como «góticos» y «primitivos». Los románticos en la pintura francesa estuvieron liderados por Théodore Géricault y especialmente Delacroix. La rivalidad surgió por primera vez en el Salón de París de 1824, donde Ingres exhibió El voto de Luis XIII , inspirado en Rafael , mientras que Delacroix mostró La masacre de Quíos , que representa un evento trágico en la Guerra de Independencia griega. La pintura de Ingres era tranquila, estática y cuidadosamente construida, mientras que la obra de Delacroix era turbulenta, llena de movimiento, color y emoción. [130]
La disputa entre los dos pintores y escuelas reapareció en el Salón de 1827, donde Ingres presentó La apotheose d'Homer , un ejemplo de equilibrio y armonía clásicos, mientras que Delacroix mostró La muerte de Sardanápalo , otra escena de violencia brillante y tumultuosa. El duelo entre los dos pintores, cada uno considerado el mejor de su escuela, continuó a lo largo de los años. Los artistas e intelectuales de París estaban apasionadamente divididos por el conflicto, aunque los historiadores del arte moderno tienden a considerar a Ingres y otros neoclásicos como encarnaciones del espíritu romántico de su tiempo. [131]
En la Exposición Universal de 1855, tanto Delacroix como Ingres estuvieron bien representados. Los partidarios de Delacroix y los románticos acribillaron la obra de Ingres. Los hermanos Goncourt describieron así el «talento miserable» de Ingres: «Frente a la historia, el señor Ingres invoca en vano cierta sabiduría, decencia, conveniencia, corrección y una dosis razonable de la elevación espiritual que exige un graduado universitario. Esparce personajes por el centro de la acción... lanza aquí y allá un brazo, una pierna, una cabeza perfectamente dibujada, y cree que su trabajo está hecho...». [132]
Baudelaire , que antes simpatizaba con Ingres, se inclinó también por Delacroix: «Se puede considerar al señor Ingres como un hombre dotado de grandes cualidades, un elocuente evocador de la belleza, pero carente del temperamento enérgico que crea la fatalidad del genio». [133]
El propio Delacroix fue despiadado con Ingres. Al describir la exhibición de obras de Ingres en la Exposición de 1855, la calificó de "ridícula... presentada, como se sabe, de una manera bastante pomposa... Es la expresión completa de una inteligencia incompleta; el esfuerzo y la pretensión están por todas partes; en ninguna parte se encuentra una chispa de lo natural". [134]
Según Paul Chenavard , alumno de Ingres , más adelante en sus carreras, Ingres y Delacroix se encontraron accidentalmente en las escaleras del Instituto Francés ; Ingres extendió su mano y ambos se la estrecharon amistosamente. [135]
Ingres fue un profesor concienzudo y muy admirado por sus alumnos. [136] El más conocido de ellos es Théodore Chassériau , que estudió con él desde 1830, cuando tenía once años, hasta que Ingres cerró su estudio en 1834 para regresar a Roma. Ingres consideraba a Chassériau su discípulo más fiel, llegando incluso a predecir, según un biógrafo temprano, que sería «el Napoleón de la pintura». [137]
Sin embargo, cuando Chassériau visitó a Ingres en Roma en 1840, la creciente lealtad del joven artista hacia el estilo romántico de Delacroix era evidente, lo que llevó a Ingres a repudiar a su alumno favorito, de quien posteriormente habló en raras ocasiones y con censura. Ningún otro artista que estudió con Ingres logró establecer una identidad fuerte; entre ellos, los más notables fueron Jean-Hippolyte Flandrin , Henri Lehmann y Eugène Emmanuel Amaury-Duval . [138]
La influencia de Ingres en generaciones posteriores de artistas fue considerable. Uno de sus herederos fue Degas , que estudió con Louis Lamothe , un discípulo menor de Ingres. En el siglo XX, su influencia fue aún más fuerte. Picasso y Matisse estaban entre los que reconocieron una deuda con Ingres; Matisse lo describió como el primer pintor "en usar colores puros, delineándolos sin distorsionarlos". [139] Los sorprendentes efectos de las pinturas de Ingres (el colapso de la profundidad y la perspectiva tradicionales y la presentación de figuras "como las figuras de una baraja de cartas") fueron criticados en el siglo XIX, pero fueron bien recibidos por la vanguardia en el siglo XX. [140] Una importante retrospectiva de obras de Ingres se realizó en el Salón de Otoño de París en 1905, que fue visitado por Picasso, Matisse y muchos otros artistas. La original y sorprendente composición de "El baño turco", mostrada por primera vez en público, tuvo una influencia visible en la composición y las poses de las figuras de Les Demoiselles d'Avignon de Picasso en 1907. [140] La exhibición también incluyó muchos de sus estudios para el mural inacabado L'Age d'or , incluyendo un llamativo dibujo de mujeres bailando elegantemente en un círculo. Matisse produjo su propia versión de esta composición en su pintura La Danse en 1909. [140] La pose y el colorido particulares del Retrato de Monsieur Bertin de Ingres también reaparecieron en el Retrato de Gertrude Stein (1906) de Picasso. [141]
Barnett Newman atribuyó a Ingres la autoría del expresionismo abstracto , explicando: "Ese tipo era un pintor abstracto... Miraba el lienzo con más frecuencia que al modelo. Kline , de Kooning ... ninguno de nosotros habría existido sin él". [142]
Pierre Barousse, conservador del Museo Ingres, escribió:
...Uno se da cuenta de cuántas maneras una variedad de artistas lo reivindican como su maestro, desde los más claramente convencionales del siglo XIX como Cabanel o Bouguereau , hasta los más revolucionarios de nuestro siglo, desde Matisse hasta Picasso. ¿Un clasicista? Sobre todo, estaba movido por el impulso de penetrar en el secreto de la belleza natural y reinterpretarla por sus propios medios; una actitud fundamentalmente diferente a la de David... de ahí resulta un arte verdaderamente personal y único admirado tanto por los cubistas por su autonomía plástica, como por los surrealistas por sus cualidades visionarias. [143]
Ingres es uno de los artistas más citados en las composiciones interpictóricas del pintor peruano Herman Braun-Vega . [144] [145] Este último le dedicó una exposición completa en 2006 con motivo del año dedicado a Ingres en los museos de Francia. [146]
La conocida pasión de Ingres por tocar el violín dio lugar a una expresión común en el idioma francés, " violon d'Ingres ", que significa una segunda habilidad más allá de aquella por la que una persona es principalmente conocida.
Ingres fue un violinista aficionado desde su juventud, y tocó durante un tiempo como segundo violín de la orquesta de Toulouse. Cuando era director de la Academia Francesa en Roma, tocaba frecuentemente con los estudiantes de música y artistas invitados. Charles Gounod , que fue alumno de Ingres en la Academia, se limitó a señalar que «no era un profesional, y mucho menos un virtuoso». Junto con los músicos estudiantes, interpretó cuartetos de cuerda de Beethoven con Niccolò Paganini . En una carta de 1839, Franz Liszt describió su forma de tocar como «encantadora» y planeó tocar todas las sonatas para violín de Mozart y Beethoven con Ingres. Liszt también dedicó sus transcripciones de las sinfonías 5.ª y 6.ª de Beethoven a Ingres en su publicación original en 1840. [147]
El artista de vanguardia estadounidense Man Ray utilizó esta expresión como título de una famosa fotografía [148] que retrata a Alice Prin (también conocida como Kiki de Montparnasse) en la pose de la bañista de Valpinçon con dos agujeros en forma de ef pintados para que su cuerpo se parezca a un violín.
[Les] références picturales privilégiées [de Braun-Vega sont] Matisse, Ingres, Cézanne, Picasso, Goya, Rembrandt
L'œuvre de Braun-Vega regorge d'allusions ingresques depuis qu'il a découvert les dessins du Montalbanais au Louvre en 1972
À l'occasion de l'année Ingres, Bernard Fauchille, le directeur des musées de Montbéliard, a choisi de présenter « Bonjour Monsieur Ingres » au musée d'art et d'histoire Beurnier-Rossel. Cette exposition se compose de dessins et de peintures réalisés entre 1982 et 2006 par Braun‑Vega à partir des tableaux de jean-Auguste-Dominique Ingres.
