El arte helenístico es el arte del período helenístico que generalmente se considera que comienza con la muerte de Alejandro Magno en el 323 a. C. y termina con la conquista del mundo griego por los romanos , un proceso que ya estaba en marcha en el 146 a. C., cuando se tomó el continente griego, y que esencialmente terminó en el 30 a. C. con la conquista del Egipto ptolemaico después de la batalla de Actium . Varias de las obras más conocidas de la escultura griega pertenecen a este período, entre ellas Laocoonte y sus hijos , Venus de Milo y la Victoria alada de Samotracia . Sigue el período del arte griego clásico , mientras que el arte grecorromano que lo siguió fue en gran medida una continuación de las tendencias helenísticas.
El término helenístico se refiere a la expansión de la influencia griega y la difusión de sus ideas tras la muerte de Alejandro Magno: la "helenización" del mundo, [1] con el griego koiné como lengua común. [2] El término es una invención moderna; el mundo helenístico no solo incluía una enorme área que cubría todo el mar Egeo , en lugar de la Grecia clásica centrada en las polis de Atenas y Esparta , sino también un enorme rango temporal. En términos artísticos, esto significa que existe una gran variedad que a menudo se incluye bajo el encabezado de "arte helenístico" por conveniencia.
Una de las características definitorias del período helenístico fue la división del imperio de Alejandro en imperios dinásticos más pequeños fundados por los diádocos (los generales de Alejandro que se convirtieron en regentes de diferentes regiones): los Ptolomeos en Egipto , los seléucidas en Mesopotamia , Persia y Siria , los atálidas en Pérgamo , etc. Cada una de estas dinastías practicó un mecenazgo real que difería de los de las ciudades-estado. En el séquito de Alejandro había tres artistas: Lisipo el escultor, Apeles el pintor y Pirgoteles el tallador y grabador de gemas. [3] El período posterior a su muerte fue de gran prosperidad y considerable extravagancia para gran parte del mundo griego, al menos para los ricos. La realeza se convirtió en importante mecenas del arte. La escultura, la pintura y la arquitectura prosperaron, pero la pintura de vasos dejó de tener gran importancia. La metalistería y una amplia variedad de artes de lujo produjeron muchas bellas artes. Algunos tipos de arte popular eran cada vez más sofisticados.
En la historia se ha tendido a describir el arte helenístico como un estilo decadente, posterior a la Edad de Oro de la Grecia clásica . Los términos barroco y rococó del siglo XVIII se han aplicado en ocasiones al arte de este período complejo e individual. Un renovado interés por la historiografía , así como algunos descubrimientos recientes, como las tumbas de Vergina , pueden permitir una mejor apreciación de este período.
En el campo arquitectónico, las dinastías posteriores a Héctor dieron lugar a vastos planes urbanos y grandes complejos que habían desaparecido en su mayoría de las ciudades-estado en el siglo V a. C. [5] El templo dórico fue prácticamente abandonado. [6] Esta planificación urbana fue bastante innovadora para el mundo griego; en lugar de manipular el espacio corrigiendo sus fallas, los planes de construcción se ajustaron al entorno natural. Se observa la aparición de muchos lugares de diversión y ocio, en particular la multiplicación de teatros y parques. Las monarquías helenísticas se vieron favorecidas en este sentido porque a menudo tenían vastos espacios donde podían construir grandes ciudades: como Antioquía , Pérgamo y Seleucia en el Tigris .
Era la época del gigantismo: así fue para el segundo templo de Apolo en Dídima , situado a veinte kilómetros de Mileto , en Jonia . Fue diseñado por Dafnis de Mileto y Peonios de Éfeso a finales del siglo IV a.C., pero la construcción, que nunca se completó, se llevó a cabo hasta el siglo II d.C. El santuario es uno de los más grandes jamás construidos en la región mediterránea: dentro de un vasto patio (21,7 metros por 53,6 metros), la cella está rodeada por una doble columnata de 108 columnas jónicas de casi 20 metros de altura, con bases y capiteles ricamente esculpidos . [7]
La Alejandría helenística originó un lenguaje arquitectónico distintivo que a menudo se conoce como barroco debido a su uso liberal de la ornamentación y su reutilización de elementos estructurales como elementos ornamentales. Quizás inspirados en parte por la arquitectura tradicional egipcia , los arquitectos alejandrinos desarrollaron nuevas formas como frontones segmentados, rotos, huecos y en volutas y entablamentos arqueados curvos, cóncavos y rotos. [8] Estas formas barrocas parecen haber existido en Alejandría al menos en el siglo II a. C. [9] Muchas de ellas fueron adoptadas más tarde en todo el Imperio Romano y también influyeron significativamente en las tumbas excavadas en la roca de Petra .
La arquitectura alejandrina también hizo un uso intensivo de capiteles corintios , tanto en exteriores como en interiores. (El ejemplo más antiguo conocido de un exterior corintio en Alejandría es el templo de Sarapis de Ptolomeo III en el Sarapeion , que se construyó en algún momento entre 246 y 221 a. C., aunque el propileno del Santuario de los Grandes Dioses en Samotracia , que fue patrocinado por Ptolomeo II en algún momento entre 285 y 246 a. C., también presentaba columnas corintias en una de sus fachadas). Los capiteles corintios a veces se combinaban con entablamentos dóricos, una combinación que rara vez se veía en otras partes del mundo helenístico. Los capiteles corintios alejandrinos exhibieron una gran variedad de formas y composiciones que los historiadores han dividido en cuatro tipos distintos.
Otras características típicas de la arquitectura alejandrina helenística eran las bases de las columnas hechas de hojas de acanto , que a veces se insertaban entre la base de la columna ática estándar y el fuste de una columna corintia, y las cornisas que presentaban los distintivos modillones alejandrinos cuadrados huecos y/o planos ranurados.
Se cree que los frescos del segundo estilo romano están inspirados en la arquitectura alejandrina. [8]
La antigua ciudad de Olinto fue una de las piedras angulares arquitectónicas y artísticas para establecer una conexión entre los mundos clásico y helenístico.
En el yacimiento de la ciudad de Olinto se encontraron más de 100 viviendas. Curiosamente, las viviendas y el resto de la arquitectura estaban increíblemente bien conservadas, lo que nos permite entender mejor las actividades que se llevaban a cabo en ellas y cómo se organizaba y utilizaba el espacio en su interior.
Las casas de Olinto solían tener una forma más cuadrada. La casa deseada no era necesariamente grande o extravagante, sino más bien cómoda y práctica. Esta era una señal de civilización que era muy importante en la cultura griega durante el período helenístico y más allá. Vivir una vida civilizada implicaba mantener un espacio habitable resistente, por lo que se utilizaban muchos materiales similares al ladrillo en la construcción de las casas. Piedra, madera, adobe y otros materiales se utilizaban comúnmente para construir estas viviendas.
Otro elemento que fue ganando popularidad durante el período helenístico fue la incorporación de un patio a la casa. Los patios servían como fuente de luz para la casa, ya que las casas griegas estaban cerradas desde el exterior para mantener un nivel de privacidad. Se han encontrado ventanas en algunas viviendas, pero normalmente están a gran altura y son pequeñas. Debido a la cuestión de la privacidad, muchas personas se vieron obligadas a hacer concesiones en cuanto a la luz en el hogar. Los espacios bien iluminados se utilizaban para el entretenimiento o para actividades más públicas, mientras que los sectores privados de la casa estaban oscuros y cerrados, lo que complicaba las tareas domésticas.
Los patios eran, por lo general, el centro de atención de la casa, ya que proporcionaban un espacio para el entretenimiento y una fuente de luz desde el interior de la misma. La mayoría de las veces estaban pavimentados con adoquines o guijarros, pero se han descubierto patios con mosaicos. Los mosaicos eran una forma maravillosa para que la familia expresara sus intereses y creencias, así como una forma de añadir decoración a la casa y hacerla visualmente más atractiva. Este toque artístico a las casas de Olinto introduce otro elemento de vida civilizada en esta sociedad helenística. [10]
Pérgamo, en particular, es un ejemplo característico de la arquitectura helenística. Partiendo de una sencilla fortaleza situada en la Acrópolis , los distintos reyes atálidas erigieron un conjunto arquitectónico colosal. Los edificios se distribuyen en abanico alrededor de la Acrópolis para tener en cuenta la naturaleza del terreno. El ágora , situada al sur en la terraza más baja, está bordeada por galerías con columnatas (columnas) o stoai . Es el comienzo de una calle que atraviesa toda la Acrópolis: separa los edificios administrativos, políticos y militares al este y en la cima de la roca de los santuarios al oeste, a media altura, entre los que destaca el que alberga el monumental Altar de Pérgamo , conocido como "de los doce dioses" o "de los dioses y de los gigantes", una de las obras maestras de la escultura griega. Un teatro colosal, capaz de contener a casi 10.000 espectadores, tiene bancos incrustados en los flancos de la colina. [11]
Plinio el Viejo , después de haber descrito la escultura del período clásico, señala: Cessavit deinde ars ("entonces el arte desapareció"). [12] Según la evaluación de Plinio, la escultura decayó significativamente después de la 121.ª Olimpiada (296-293 a. C.). Siguió un período de estancamiento, con un breve resurgimiento después de la 156.ª (156-153 a. C.), pero sin nada que se asemejara al nivel de las épocas anteriores. [13]
Durante este período, la escultura se volvió más naturalista y expresiva; existe un interés por representar emociones extremas. Además del realismo anatómico, el artista helenístico busca representar el carácter de su modelo, incluidos temas como el sufrimiento, el sueño o la vejez. Los temas de género de gente común, mujeres, niños, animales y escenas domésticas se convirtieron en temas aceptables para la escultura, que fue encargada por familias adineradas para el adorno de sus casas y jardines; el Niño con espinas es un ejemplo.
Se produjeron retratos realistas de hombres y mujeres de todas las edades, y los escultores ya no se sintieron obligados a representar a las personas como ideales de belleza o perfección física. [14] El mundo de Dioniso , un idilio pastoral poblado por sátiros , ménades , ninfas y silenos , había sido representado a menudo en pinturas de vasos y figurillas anteriores, pero rara vez en esculturas de tamaño natural. El viejo borracho en Munich retrata sin reservas a una anciana, delgada, demacrada, agarrando contra sí misma su jarra de vino. [15]
El período es, por tanto, notable por sus retratos : uno de ellos es el Fauno Barberini de Munich , que representa a un sátiro dormido con postura relajada y rostro ansioso, tal vez presa de pesadillas. El Torso de Belvedere , el Sátiro en reposo , los Centauros Furietti y el Hermafrodito durmiente reflejan ideas similares. [16]
Otro famoso retrato helenístico es el de Demóstenes realizado por Polieuco, que presenta un rostro bien trabajado y las manos entrelazadas. [13]
Otro fenómeno de la época helenística aparece en su escultura: la privatización, [17] [18] que se ve en la recuperación de patrones públicos más antiguos en la escultura decorativa. [19] El retrato está teñido de naturalismo, bajo la influencia del arte romano . [20] Nuevas ciudades helenísticas estaban surgiendo en todo Egipto , Siria y Anatolia , que requerían estatuas que representaran a los dioses y héroes de Grecia para sus templos y lugares públicos. Esto convirtió la escultura, como la cerámica, en una industria, con la consiguiente estandarización y cierta disminución de la calidad. Por estas razones, han sobrevivido muchas más estatuas helenísticas que en el caso del período clásico.
La escultura helenística repite las innovaciones del llamado "segundo clasicismo": escultura desnuda -de bulto redondo- , que permite admirar la estatua desde todos los ángulos; estudio de los drapeados y de los efectos de transparencia de las ropas, y de la flexibilidad de las poses. [21] Así, la Venus de Milo , aun haciéndose eco de un modelo clásico, se distingue por la torsión de sus caderas.
El grupo de estatuas de múltiples figuras fue una innovación helenística, probablemente del siglo III, que quitó las batallas épicas de los relieves de los frontones de los templos anteriores de sus paredes y las colocó como grupos de estatuas de tamaño natural. Su estilo a menudo se llama " barroco ", con poses corporales extravagantemente contorsionadas y expresiones intensas en los rostros. El grupo del Laocoonte , detallado a continuación, se considera uno de los ejemplos prototípicos del estilo barroco helenístico. [22]
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Pérgamo no sólo se distinguió por su arquitectura: también fue sede de una brillante escuela de escultura conocida como el Barroco de Pérgamo. [23] Los escultores, imitando a los siglos anteriores, representan momentos dolorosos que se vuelven expresivos con composiciones tridimensionales, a menudo en forma de V, y un hiperrealismo anatómico. El Fauno de Barberini es un ejemplo.
Atalo I (269-197 a. C.), para conmemorar su victoria en Caico contra los galos (llamados gálatas por los griegos), mandó esculpir dos series de grupos votivos: el primero, consagrado en la Acrópolis de Pérgamo, incluye al famoso galo suicidándose y matando a su esposa , del que se ha perdido el original; el segundo grupo, ofrecido a Atenas, está compuesto por pequeños bronces de griegos, amazonas, dioses y gigantes, persas y galos. [24] Artemis Rospigliosi, en el Louvre, es probablemente una copia de uno de ellos; en cuanto a las copias del Galo moribundo , eran muy numerosas en la época romana. La expresión de sentimientos, la contundencia de los detalles (aquí, cabello y bigotes tupidos) y la violencia de los movimientos son características del estilo pergaminos. [25]
Estas características se llevan a su máxima expresión en los frisos del Gran Altar de Pérgamo , decorado por orden de Eumenes II (197-159 a. C.) con una gigantomaquia de 110 metros de longitud que ilustra en la piedra un poema compuesto especialmente para la corte. En ella, los olímpicos triunfan, cada uno por su lado, sobre gigantes, la mayoría de los cuales se transforman en bestias salvajes: serpientes, aves de rapiña, leones o toros. Su madre Gea acude en su ayuda, pero no puede hacer nada y debe verlos retorcerse de dolor bajo los golpes de los dioses. [26]
Una de las pocas ciudades-estado que logró mantener una independencia total del control de cualquier reino helenístico fue Rodas . Después de resistir durante un año bajo el asedio de Demetrio Poliorcetes (305-304 a. C.), los rodios construyeron el Coloso de Rodas para conmemorar su victoria. [27] Con una altura de 32 metros, fue una de las Siete Maravillas del Mundo Antiguo . El progreso en la fundición de bronce hizo posible que los griegos crearan obras de gran tamaño. Muchas de las grandes estatuas de bronce se perdieron, y la mayoría se fundieron para recuperar el material.
Descubierto en Roma en 1506 y visto inmediatamente por Miguel Ángel , [28] comenzando su enorme influencia en el arte renacentista y barroco. Laocoonte , estrangulado por serpientes, intenta desesperadamente soltarse de su agarre sin mirar a sus hijos moribundos. El grupo es una de las pocas esculturas antiguas no arquitectónicas que se pueden identificar con las mencionadas por los escritores antiguos. Plinio el Viejo lo atribuye a los escultores rodios Agesandro , Atenodoro y Polidoro. [28]
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Johann Joachim Winckelmann , quien articuló por primera vez la diferencia entre el arte griego, grecorromano y romano, se inspiró en el Laocoonte . Gotthold Ephraim Lessing basó muchas de las ideas de su Laocoonte (1766) en las opiniones de Winckelmann sobre la armonía y la expresión en las artes visuales. [29]
Las esculturas fragmentarias de Sperlonga son otra serie de esculturas "barrocas" de estilo helenístico, tal vez realizadas para el emperador Tiberio , quien seguramente estuvo presente en el derrumbe de la gruta costera del sur de Italia que decoraban. [28] Las inscripciones sugieren que las hicieron los mismos escultores que hicieron el grupo del Laocoonte, [30] o posiblemente sus parientes.
Los rasgos "barrocos" en el arte helenístico, predominantemente la escultura, se han contrastado con una tendencia contemporánea que se ha descrito como "rococó". El concepto de un "rococó" helenístico fue acuñado por Wilhelm Klein a principios del siglo XX. [31] A diferencia de las dramáticas esculturas "barrocas", la tendencia "rococó" enfatizó motivos lúdicos, como sátiros y ninfas . Wilhelm Klein consideró que el grupo escultórico "La invitación a la danza" era un excelente ejemplo de la tendencia. [32] [33] También se consideraron típicas las representaciones alegres de Afrodita , la diosa del amor, y Eros (como se ve, por ejemplo, en el llamado Grupo de los Zapatero que se muestra a continuación). Más tarde se ha argumentado que la preferencia por los motivos "rococó" en la escultura helenística puede estar vinculada a un uso modificado de la escultura en general. El coleccionismo privado de esculturas se hizo más común durante el período helenístico tardío, y en dichas colecciones parece haber habido una preferencia por los tipos de motivos caracterizados como "rococó". [34]
A partir del siglo II, el estilo neoático o neoclásico es visto por diferentes estudiosos como una reacción a los excesos barrocos, volviendo a una versión del estilo clásico, o como una continuación del estilo tradicional para las estatuas de culto. [35] Los talleres de este estilo se convirtieron principalmente en productores de copias para el mercado romano, que prefería copias de piezas clásicas en lugar de helenísticas. [36]
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Las pinturas y los mosaicos eran medios importantes en el arte, pero no han sobrevivido ejemplos de pinturas sobre paneles a la caída de los romanos. Es posible hacerse una idea de cómo eran a partir de medios relacionados y de lo que parecen ser copias o derivaciones sueltas de pinturas en una gama más amplia de materiales.
Tal vez el elemento más llamativo de las pinturas y mosaicos helenísticos es el uso cada vez mayor del paisaje. [37] Los paisajes en estas obras de arte son representativos de figuras naturalistas familiares, al mismo tiempo que muestran elementos mitológicos y sacroidílicos. [38] Los frisos y mosaicos de paisajes se usaban comúnmente para mostrar escenas de la poesía helenística, como la de Herondas y Teócrito. Estos paisajes que expresaban las historias de los escritores helenísticos se utilizaban en el hogar para enfatizar la educación y el conocimiento de la familia sobre el mundo literario. [39]
Sacro-idílico significa que los elementos más destacados de la obra de arte son aquellos relacionados con temas sagrados y pastorales. [40] Este estilo que surgió con mayor prevalencia en el arte helenístico combina elementos sagrados y profanos, creando un entorno onírico. [41] Las influencias sacro-idílicas se transmiten en el mosaico romano " Mosaico del Nilo de Palestrina ", que muestra narrativas fantásticas con un esquema de color y componentes comunes que ilustran el Nilo en su paso desde Etiopía hasta el Mediterráneo. La inclusión de fondos helenísticos también se puede ver en obras en Pompeya, Cirene, Alejandría. Además, específicamente en el sur de Rusia, se pueden encontrar características florales y ramas en paredes y techos esparcidos de manera desordenada pero convencional, reflejando un estilo griego tardío. [42] Además, las pinturas "Cubiculum" encontradas en Villa Boscoreale incluyen vegetación y un entorno rocoso en el fondo de pinturas detalladas de gran arquitectura.
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Las pinturas murales empezaron a aparecer de forma más destacada en el período pompeyano. Estas pinturas murales no solo se exhibían en lugares de culto o en tumbas. [43] A menudo, las pinturas murales se utilizaban para decorar el hogar. Las pinturas murales eran comunes en las casas privadas de Delos, Priene, Thera, Pantikapaion, Olbia y Alejandría. [43]
Son pocos los ejemplos de pinturas murales griegas que han sobrevivido a lo largo de los siglos. Las más impresionantes, en términos de mostrar cómo era la pintura griega de alta calidad, son las que se encuentran en las tumbas reales macedonias en Vergina . Aunque se rinde homenaje a los pintores griegos por haber traído formas fundamentales de representación al mundo occidental a través de su arte, tres cualidades principales exclusivas del estilo de pintura helenística eran la perspectiva tridimensional, el uso de la luz y la sombra para representar la forma y el realismo trampantojo . [44] Muy pocas formas de pintura griega helenística sobreviven, excepto los paneles de madera de pinakes y las pintadas sobre piedra. Las pinturas en piedra más famosas se encuentran en la tumba macedonia de Agios Athanasios. [44]
Los investigadores se han limitado a estudiar las influencias helenísticas en los frescos romanos , por ejemplo los de Pompeya o Herculano . Además, algunas de las pinturas de Villa Boscoreale reflejan claramente las pinturas reales helenísticas macedonias perdidas. [45]
Las recientes excavaciones en el Mediterráneo han revelado la tecnología utilizada en la pintura helenística. [46] El arte mural de este período utilizó dos técnicas: la técnica secco y la técnica del fresco . [46] La técnica del fresco requería capas de yeso rico en cal para luego decorar las paredes y los soportes de piedra. [46] Por otro lado, no era necesaria ninguna base para la técnica secco, que utilizaba goma arábiga y témpera al huevo para pintar los detalles finales sobre mármol u otra piedra. [46] Esta técnica se ejemplifica en los frisos de mampostería encontrados en Delos. [46] Ambas técnicas utilizaban medios que eran accesibles localmente, como agregados de terracota en las capas de base y pigmentos inorgánicos naturales, pigmentos inorgánicos sintéticos y sustancias orgánicas como colorantes. [46]
Entre los descubrimientos más recientes se encuentran los de las tumbas de cámara de Vergina (1987) en el antiguo reino de Macedonia , donde se han desenterrado numerosos frisos. [37] Por ejemplo, en la Tumba II los arqueólogos encontraron un friso de estilo helenístico que representa una cacería de leones. [47] Este friso encontrado en la tumba supuestamente de Filipo II es notable por su composición, la disposición de las figuras en el espacio y su representación realista de la naturaleza. [48] Otros frisos mantienen una narrativa realista, como un simposio y banquete o una escolta militar, y posiblemente vuelvan a contar eventos históricos. [47]
También están los frescos del techo nabateo del siglo I recientemente restaurados en la Casa Pintada de la Pequeña Petra en Jordania. [49] Como los nabateos comerciaban con los romanos, egipcios y griegos, los insectos y otros animales observados en las pinturas reflejan el helenismo, mientras que varios tipos de vides están asociados con el dios griego, Dioniso . [49]
Recientes descubrimientos arqueológicos en el cementerio de Pagasae (cerca de la actual Volos ), en el borde del golfo Pagasético, han sacado a la luz algunas obras originales. Las excavaciones de este sitio dirigidas por el Dr. Arvanitopoulos pueden estar relacionadas con varios pintores griegos de los siglos III y IV y representan escenas que aluden al reinado de Alejandro Magno . [50] [51]
En la década de 1960, se encontró un grupo de pinturas murales en Delos . [52] Es evidente que los fragmentos de frisos encontrados fueron creados por una comunidad de pintores que vivieron durante el período helenístico tardío. [53] Los murales enfatizaban la decoración doméstica, transmitiendo la creencia de estas personas de que el establecimiento de Delos permanecería lo suficientemente estable y seguro para que los propietarios de las viviendas pudieran disfrutar de esta obra de arte durante muchos años. [53]
Sin embargo, algunos mosaicos dan una idea bastante precisa de la “gran pintura” de la época: se trata de copias de frescos. Esta forma de arte se ha utilizado para decorar principalmente paredes, suelos y columnas. [54]
El desarrollo del arte del mosaico durante el período helenístico comenzó con los mosaicos de guijarros, mejor representados en el yacimiento de Olinto del siglo V a. C. La técnica de los mosaicos de guijarros consistía en colocar pequeños guijarros blancos y negros sin forma específica, en un panel circular o rectangular para ilustrar escenas de la mitología. Los guijarros blancos -en tonos ligeramente diferentes- se colocaban sobre un fondo negro o azul para crear la imagen. Los guijarros negros servían para delinear la imagen. [54]
En los mosaicos del yacimiento de Pella , del siglo IV a. C., es posible ver una forma más evolucionada del arte. Los mosaicos de este yacimiento muestran el uso de guijarros que se sombreaban en una gama más amplia de colores y tonos. También muestran el uso temprano de terracota y alambre de plomo para crear una mayor definición de contornos y detalles en las imágenes de los mosaicos. [54]
Siguiendo este ejemplo, se fueron añadiendo gradualmente más materiales. Entre los ejemplos de este uso extendido de materiales en los mosaicos del siglo III a. C. se incluyen piedras finamente talladas, guijarros, vidrio y arcilla cocida, conocida como teselas . Esto mejoró la técnica de los mosaicos al ayudar a los artistas a crear más definición, mayor detalle, un mejor ajuste y una gama aún más amplia de colores y tonos. [54]
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A pesar del orden cronológico de aparición de estas técnicas, no hay evidencia real que sugiera que los mosaicos teselados se desarrollaron necesariamente a partir de los mosaicos de guijarros. [55]
Opus vermiculatum y opus tessellatum fueron dos técnicas diferentes utilizadas durante este período de elaboración de mosaicos. Opus tessellatum se refiere al tamaño de una tesela ( un pequeño bloque de piedra, azulejo, vidrio u otro material utilizado en la construcción de un mosaico) redactada seguida de una mayor variedad en forma, color y material, así como en andamento (o el patrón en el que se colocó la tesela). Opus vermiculatum se asocia a menudo con esta técnica, pero difiere en complejidad y se sabe que tiene el mayor impacto visual. [54]
La mayoría de los mosaicos fueron producidos y colocados en el lugar. Sin embargo, varios mosaicos de piso muestran el uso de la técnica emblemata , en la que los paneles de la imagen se crean fuera del lugar en bandejas de terracota o piedra. Estas bandejas se colocaron más tarde en el lecho de engaste en el lugar. [54]
En Delos se utilizaban lechadas de colores en los mosaicos de opus vermiculatum, pero en otras regiones esto no es habitual. Hay un ejemplo de lechada de colores utilizada en Alejandría en el mosaico de Dog y Askos. En Samos, tanto las lechadas como las teselas son de colores.
Estudiar el color aquí es difícil porque las lechadas son extremadamente frágiles y vulnerables.
La investigación científica ha sido una fuente de información interesante en relación con las lechadas y teselas utilizadas en los mosaicos helenísticos. Se descubrieron tiras de plomo en los mosaicos como una característica definitoria de la técnica de la superficie. Las tiras de plomo están ausentes en los mosaicos de aquí. En Delos, las tiras de plomo eran comunes en los mosaicos del estilo opus tessellatum. Estas tiras se usaban para delinear bordes decorativos y motivos decorativos geométricos. Las tiras eran extremadamente comunes en los mosaicos opus vermiculatum de Alejandría. Debido a que las tiras de plomo estaban presentes en ambos estilos de tipos de superficie, no pueden ser la única característica de un tipo o del otro. [56]
Un raro ejemplo de mosaico pictórico de estilo helenístico virtuoso encontrado en la costa del Levante. A través de un análisis técnico del mosaico, los investigadores sugieren que este mosaico fue creado por artesanos itinerantes que trabajaban in situ . Desde el año 2000, se han descubierto más de 200 fragmentos del mosaico en la cabecera de Tel Dor, sin embargo, se desconoce la destrucción del mosaico original. [57] Los excavadores sugieren que un terremoto o una renovación urbana es la causa. Se desconoce el contexto arquitectónico original, pero las comparaciones estilísticas y técnicas sugieren una fecha del período helenístico tardío, estimándose alrededor de la segunda mitad del siglo II a. C. Al analizar los fragmentos encontrados en el sitio original, los investigadores han descubierto que el mosaico original contenía un rectángulo centralizado con iconografía desconocida rodeado por una serie de bordes decorativos que consistían en un meandro en perspectiva seguido de un borde de máscaras y guirnaldas. [57] Este mosaico consta de dos técnicas diferentes de fabricación de mosaicos, opus vermiculatum y opus tessellatum . [57]
Un ejemplo es el Mosaico de Alejandro , que muestra el enfrentamiento del joven conquistador y el gran rey Darío III en la batalla de Issos , un mosaico procedente de un suelo de la Casa del Fauno de Pompeya (hoy en Nápoles ). Se cree que es una copia de un cuadro descrito por Plinio que había sido pintado por Filoxeno de Eretria para el rey Casandro de Macedonia a finales del siglo IV a. C., [58] o incluso de un cuadro de Apeles contemporáneo del propio Alejandro. [59] El mosaico permite admirar la elección de los colores junto con la composición del conjunto utilizando el movimiento giratorio y la expresión facial.
El mosaico de la caza del ciervo de Gnosis es un mosaico procedente de una casa adinerada de finales del siglo IV a. C., la llamada "Casa del Rapto de Helena " (o "Casa de la Violación de Helena"), en Pella . La firma ("Gnosis epoesen", es decir, Gnosis creada) es la primera firma conocida de un mosaiquista . [60]
El emblema está bordeado por un intrincado patrón floral , que a su vez está bordeado por representaciones estilizadas de olas . [62] El mosaico es un mosaico de guijarros con piedras recolectadas de playas y riberas de ríos que se colocaron en cemento. [62] Como quizás fue a menudo el caso, [63] el mosaico hace mucho para reflejar estilos de pintura. [64] Las figuras claras contra un fondo más oscuro pueden aludir a la pintura de figuras rojas . [64] El mosaico también usa sombreado , conocido por los griegos como skiagraphia , en sus representaciones de la musculatura y las capas de las figuras. [64] Esto, junto con su uso de figuras superpuestas para crear profundidad , hace que la imagen sea tridimensional .
El periodo helenístico es igualmente el tiempo de desarrollo del mosaico como tal, en particular con las obras de Sosos de Pérgamo , activo en el siglo II a.C. y el único artista de mosaicos citado por Plinio. [65] Su gusto por el trampantojo (ilusión óptica) y los efectos del medio se encuentran en varias obras que se le atribuyen como el "Piso sin barrer" del museo Vaticano, [66] que representa los restos de una comida (espinas de pescado, huesos, conchas vacías, etc.) y la "Pileta de las palomas" (realizada con pequeñas teselas de opus vermiculatum ) [67] del Museo Capitolino , conocida por medio de una reproducción descubierta en la Villa Adriana . [68] En ella se ven cuatro palomas posadas en el borde de una palangana de bronce dorado llena de agua. Una de ellas se está regando mientras las otras parecen estar descansando, lo que crea efectos de reflejos y sombras perfectamente estudiados por el artista. El panel de mosaico "La cuenca de la paloma" es un emblema, diseñado para ser el punto central de un piso de mosaico por lo demás sencillo. El emblema fue originalmente una importación del Mediterráneo oriental helenístico, donde, en ciudades como Pérgamo , Éfeso y Alejandría , había artistas especializados en mosaicos. [67] Uno de ellos fue Sosos de Pérgamo, el mosaiquista más célebre de la antigüedad, que trabajó en el siglo II a. C. [67]
Según el arqueólogo francés François Chamoux , los mosaicos de Delos en las Cícladas representan el cenit del arte del mosaico del período helenístico que emplea el uso de teselas para formar escenas complejas y coloridas. [69] Este estilo de mosaico continuó hasta el final de la Antigüedad y puede haber tenido un impacto en el uso generalizado de mosaicos en el mundo occidental durante la Edad Media . [69]
La época helenística llega inmediatamente después de la gran época de la cerámica griega antigua pintada , tal vez porque la creciente prosperidad condujo a un mayor uso de objetos de metal fino (muy pocos sobreviven ahora) y al declive del "jarrón" pintado fino (el término utilizado para todas las formas de vasos en cerámica). La mayoría de los vasos de la época son negros y uniformes, con un aspecto brillante que se acerca al del barniz, decorados con motivos simples de flores o festones . Las formas de los vasos se basan a menudo en formas de metalistería: así ocurre con el lagynos , un tarro de vino típico de la época. Los tipos de vasos pintados que continuaron produciéndose en el período helenístico incluyen los vasos de Hadra y el ánfora Panatenea .
También es el período de la llamada cerámica megárica: [72] aparecieron vasos moldeados con decoración en relieve, sin duda imitando vasos de metales preciosos. Sobre el cuerpo del vaso se aplicaban coronas en relieve. También se encuentran relieves más complejos, basados en animales o criaturas legendarias .
La pintura de figuras rojas había desaparecido en Atenas a finales del siglo IV a. C. y fue reemplazada por lo que se conoce como cerámica de la ladera oeste , llamada así por los hallazgos en la ladera oeste de la Acrópolis ateniense . Consistía en pintura con un engobe de color tostado y pintura blanca sobre un fondo de engobe negro cocido con algunos detalles incisos. [73]
Las representaciones de personas disminuyeron, sustituidas por motivos más simples como coronas, delfines, rosetas, etc. Variaciones de este estilo se extendieron por todo el mundo griego con centros notables en Creta y Apulia , donde las escenas figurativas continuaron siendo demandadas.
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Los vasos de Gnathia , sin embargo, todavía se producían no sólo en la pintura de vasos de Apulia , sino también en Campania , Pastena y Sicilia .
En Canosa di Puglia , en el sur de Italia, en los enterramientos del siglo III a. C. se pueden encontrar vasos con accesorios totalmente tridimensionales. [74] La característica distintiva de los vasos de Canosa son las pinturas solubles en agua. Se aplicaron pinturas de color azul, rojo, amarillo, violeta claro y marrón sobre un fondo blanco.
La cerámica Centuripe de Sicilia, que ha sido llamada "el último suspiro de la pintura de vasos griegos", [1] tenía pintura al temple completamente coloreada que incluía grupos de figuras aplicadas después de la cocción, contrariamente a la práctica tradicional. La fragilidad de los pigmentos impidió el uso frecuente de estos vasos; se reservaban para su uso en funerales, y muchos eran puramente para exhibición, por ejemplo con tapas que no se levantaban. La práctica tal vez continuó hasta el siglo II a. C., lo que la convierte posiblemente en la última pintura de vasos con figuras significativas. [75] Un taller estuvo activo hasta al menos el siglo III a. C. Estos vasos se caracterizan por una base pintada de rosa. Las figuras, a menudo femeninas, están representadas con ropa de colores: quitón azul violeta , himation amarillo , velo blanco. El estilo recuerda a Pompeya y se inspira más en las grandes pinturas contemporáneas que en la herencia de la cerámica de figuras rojas.
Los ladrillos y las tejas se utilizaban con fines arquitectónicos y de otro tipo. La producción de figurillas de terracota griegas adquirió cada vez mayor importancia. Las figurillas de terracota representaban divinidades y personajes de la vida contemporánea. Anteriormente reservada al uso religioso, en la Grecia helenística la terracota se utilizaba con más frecuencia con fines funerarios y puramente decorativos. El refinamiento de las técnicas de moldeado permitió crear auténticas estatuas en miniatura, con un alto nivel de detalle, normalmente pintadas.
Varios estilos griegos continuaron durante el período romano, y la influencia griega, transmitida en parte a través de los antiguos etruscos , en la cerámica romana antigua fue considerable, especialmente en las figurillas.
Las figurillas de Tanagra , procedentes de Tanagra en Beocia y otros centros, llenas de colores vivos, representan con mayor frecuencia mujeres elegantes en escenas llenas de encanto. [76] En Esmirna , en Asia Menor, coexistieron dos estilos principales: en primer lugar, copias de obras maestras de la gran escultura, como el Hércules Farnesio en terracota dorada.
En un género completamente distinto, están los "grotescos", que contrastan violentamente con los cánones de la "belleza griega": el koroplathos (fabricante de figurillas) modela cuerpos deformes en poses tortuosas: jorobados , epilépticos , hidrocéfalos , mujeres obesas , etc. Uno podría preguntarse, por tanto, si se trata de modelos médicos, ya que la ciudad de Esmirna es famosa por su escuela de medicina . O podrían ser simplemente caricaturas, diseñadas para provocar la risa. Los "grotescos" son igualmente comunes en Tarso y también en Alejandría .
Un tema que emergió fue el "negro", particularmente en el Egipto ptolemaico : estas estatuillas de adolescentes negros tuvieron éxito hasta el período romano. [77] A veces, se redujeron a hacer eco de una forma de las grandes esculturas: así se encuentran numerosas copias en miniatura de la Tyche (Fortuna o Azar) de Antioquía , cuyo original data de principios del siglo III a. C.
Se pueden encontrar diseños de cerámica helenística en la ciudad de Taxila , en el actual Pakistán , que fue colonizada por artesanos y alfareros griegos después de que Alejandro la conquistara.
Debido a la gran cantidad de estatuas de bronce fundidas, solo se conservan las piezas más pequeñas. En la Grecia helenística, las materias primas eran abundantes tras las conquistas orientales.
El trabajo sobre vasos de metal adquirió una nueva plenitud: los artistas competían entre sí con gran virtuosismo. El tesoro tracio de Panagyurishte (de la actual Bulgaria ) incluye objetos griegos como un ánfora de oro con dos centauros encabritados formando las asas.
La crátera de Derveni , procedente de las cercanías de Tesalónica , es una gran crátera de bronce con voluta de alrededor del 320 a. C., que pesa 40 kilogramos y está finamente decorada con un friso de 32 centímetros de alto con figuras en relieve que representan a Dioniso rodeado de Ariadna y su procesión de sátiros y ménades . [78] El cuello está decorado con motivos ornamentales, mientras que cuatro sátiros en alto relieve están sentados casualmente sobre los hombros del jarrón.
La evolución es similar en el arte de la joyería. Los joyeros de la época se destacaban por el cuidado de los detalles y las filigranas: así, las coronas funerarias presentan hojas de árboles o tallos de trigo muy realistas. En este período floreció la incrustación de piedras preciosas.
Fue en el periodo helenístico cuando los griegos, que hasta entonces sólo conocían el vidrio moldeado, descubrieron la técnica del soplado del vidrio , lo que permitió la aparición de nuevas formas . El arte del vidrio, que comenzó en Siria , [79] se desarrolló especialmente en Italia. El vidrio moldeado continuó utilizándose, sobre todo en la creación de joyas de intaglio .
El arte del grabado de gemas apenas avanzó, limitándose a piezas producidas en serie y carentes de originalidad. Como compensación, apareció el camafeo , que consiste en cortar en relieve una piedra compuesta por varias capas de color, lo que permite presentar el objeto en relieve con más de un color. El periodo helenístico produjo algunas obras maestras como el camafeo de los Gonzaga , hoy en el Museo del Hermitage , y espectaculares tallas en piedra dura como la Copa de los Ptolomeos en París. [80]
En las monedas del período helenístico se utilizaban cada vez más retratos. [81]
Incentivados por las adquisiciones romanas, el consumo de las élites y la demanda de arte griego, tanto los artistas griegos como los romanos, en particular después del establecimiento de la Grecia romana , buscaron reproducir las obras de arte en mármol y bronce de los períodos clásico y helenístico. Lo hicieron creando moldes de esculturas originales, produciendo vaciados de yeso que podían enviarse a cualquier taller de escultores del Mediterráneo donde estas obras de arte podían duplicarse. A menudo se trataba de reproducciones fieles de los originales, pero otras veces fusionaban varios elementos de varias obras de arte en un grupo, o simplemente añadían cabezas de retratos romanos a cuerpos griegos atléticos preexistentes. [82]
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![El tapiz Sampul, un tapiz de lana que cuelga de la pared del condado de Lop, prefectura de Hotan, Xinjiang, China, muestra a un posible soldado griego del reino grecobactriano (250-125 a. C.), con ojos azules, empuñando una lanza y luciendo lo que parece ser una diadema; sobre él se representa un centauro, de la mitología griega, un motivo común en el arte helenístico;[70] Museo de la Región de Xinjiang.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0b/UrumqiWarrior.jpg/1280px-UrumqiWarrior.jpg)
![Un mosaico de Thmuis (Mendes), Egipto, creado por el artista helenístico Sophilos (firma) alrededor del año 200 a. C., ahora en el Museo Grecorromano de Alejandría, Egipto; la mujer representada es la reina ptolemaica Berenice II (que gobernó conjuntamente con su esposo Ptolomeo III) como la personificación de Alejandría.[71]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/27/Mosaic_of_Berenice_II,_Ptolemaic_Queen_and_joint_ruler_with_Ptolemy_III_of_Egypt,_Thmuis,_Egypt.jpg/1280px-Mosaic_of_Berenice_II,_Ptolemaic_Queen_and_joint_ruler_with_Ptolemy_III_of_Egypt,_Thmuis,_Egypt.jpg)
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![Estatua de Marte del Foro de Nerva, siglo II d. C., basada en un original de época augustea que a su vez utilizó un modelo griego helenístico del siglo IV a. C., Museos Capitolinos[83]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/42/Pirro_-_Marte.jpg/1280px-Pirro_-_Marte.jpg)
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