Les Demoiselles d'Avignon ( Las señoritas de Aviñón , originalmente titulada El burdel de Aviñón )[2]es una gran pintura al óleo creada en 1907 por el artista españolPablo Picasso. Parte de la colección permanente delMuseo de Arte Modernode Nueva York, retrata a cincoprostitutasen unburdelen Carrer d'Avinyó, una calle enBarcelona, España. Las figuras son confrontativas y no convencionalmentefemeninas, siendo representadas con formas corporales angulares y descoordinadas, algunas en un grado amenazante. La figura del extremo izquierdo exhibe rasgos faciales y vestimenta de estilo egipcio o del sur de Asia. Las dos figuras adyacentes son deibéricode la España de Picasso, mientras que las dos de la derecha tienensimilares a máscaras africanas.primitivismoétnicoevocado en estas máscaras lo impulsó a "liberar un estilo artístico absolutamente original de una fuerza convincente, incluso salvaje", lo que lo llevó a agregar un aspecto chamánico a su proyecto.[3][4][5]
Inspirándose en el primitivismo tribal, pero evitando los dictados centrales de la perspectiva y la verosimilitud renacentistas en favor de un plano pictórico comprimido utilizando una composición barroca y empleando el enfoque confrontativo de Velázquez visto en Las Meninas , Picasso intentó tomar el liderazgo de la vanguardia de Henri Matisse . John Richardson dijo que Las señoritas convirtió a Picasso en el artista más importante de la pintura occidental desde Giotto y sentó un camino a seguir para Picasso y Georges Braque en su desarrollo conjunto del cubismo , cuyos efectos en el arte moderno fueron profundos e insuperables en el siglo XX.
Las señoritas fue una obra revolucionaria, controvertida y provocó un enfado y un desacuerdo generalizados, incluso entre los colaboradores y amigos más cercanos del pintor. Henri Matisse consideró la obra una especie de broma de mal gusto, pero reaccionó indirectamente a ella en su obra Bañistas con tortuga de 1908. A Georges Braque también le disgustó inicialmente la pintura, pero la estudió en gran detalle. Su posterior amistad y colaboración con Picasso condujo a la revolución cubista. [6] [7] Su parecido con Las bañistas de Cézanne , la estatua Oviri de Paul Gauguin y La apertura del quinto sello de El Greco ha sido ampliamente discutido por los críticos posteriores.
En el momento de su primera exposición en 1916, la pintura fue considerada inmoral. [8] Pintada en el estudio de Picasso en el Bateau-Lavoir en Montmartre , París, fue vista públicamente por primera vez en el Salon d'Antin en julio de 1916, en una exposición organizada por el poeta André Salmon . Fue en esta exposición que Salmon, quien previamente había titulado la pintura en 1912 Le bordel philosophique , la rebautizó con su título actual, menos escandaloso, Les Demoiselles d'Avignon , en lugar del título originalmente elegido por Picasso, Le Bordel d'Avignon . [2] [6] [9] [10] A Picasso, quien siempre se refirió a ella como mon bordel ("mi burdel"), [8] o Le Bordel d'Avignon , [9] nunca le gustó el título de Salmon y en su lugar hubiera preferido la expurgación Las chicas de Avignon ("Las chicas de Avignon"). [2]
Picasso alcanzó su máximo esplendor como artista durante la primera década del siglo XX. Llegó a París procedente de España a finales del siglo XX como un pintor joven y ambicioso que quería hacerse un nombre. Durante varios años vivió y trabajó en Barcelona, Madrid y la campiña española, y viajó con frecuencia a París.
En 1904, ya estaba completamente instalado en París y había establecido varios estudios y relaciones importantes con amigos y colegas. Entre 1901 y 1904, Picasso comenzó a lograr reconocimiento por sus pinturas del Período Azul . En su mayoría, se trataba de estudios de pobreza y desesperación basados en escenas que había visto en España y París a finales del siglo XX. Los temas incluían familias demacradas, figuras ciegas y encuentros personales; otras pinturas representaban a sus amigos, pero la mayoría reflejaban y expresaban una sensación de tristeza y desesperación. [11]
A su éxito le siguió el periodo rosa , de 1904 a 1907, en el que introdujo un fuerte elemento de sensualidad y sexualidad en su obra. Las representaciones del periodo rosa de acróbatas, artistas de circo y personajes teatrales se representan con colores más cálidos y brillantes y son mucho más esperanzadoras y alegres en sus descripciones de la vida bohemia en la vanguardia parisina y sus alrededores. El periodo rosa produjo dos importantes obras maestras de gran tamaño: Familia de saltimbanquis (1905), que recuerda la obra de Gustave Courbet (1819-1877) y Édouard Manet (1832-1883); y Niño guiando un caballo (1905-06), que recuerda a La bañista de Cézanne (1885-1887) y San Martín y el mendigo de El Greco (1597-1599). Aunque ya contaba con un número considerable de seguidores a mediados de 1906, Picasso disfrutó de un mayor éxito con sus pinturas de enormes mujeres desnudas, figuras escultóricas monumentales que recordaban la obra de Paul Gauguin y mostraban su interés por el arte primitivo (africano, micronesio , nativo americano ). Comenzó a exponer su obra en las galerías de Berthe Weill (1865-1951) y Ambroise Vollard (1866-1939), ganando rápidamente una creciente reputación y seguidores entre las comunidades artísticas de Montmartre y Montparnasse . [11]
Picasso se convirtió en el favorito de los coleccionistas de arte estadounidenses Gertrude Stein y su hermano Leo alrededor de 1905. El hermano mayor de los Stein, Michael, y su esposa Sarah también se convirtieron en coleccionistas de su obra. Picasso pintó retratos tanto de Gertrude Stein como de su sobrino Allan Stein . [12]
Gertrude Stein comenzó a adquirir dibujos y pinturas de Picasso y a exponerlas en su salón informal en su casa de París. En una de sus reuniones en 1905 conoció a Henri Matisse (1869-1954), que se convertiría en aquellos días en su principal rival, aunque en años posteriores en un amigo cercano. Los Stein presentaron a Picasso a Claribel Cone (1864-1929) y a su hermana Etta Cone (1870-1949), también coleccionistas de arte estadounidenses, que comenzaron a adquirir pinturas de Picasso y Matisse. Finalmente, Leo Stein se mudó a Italia, y Michael y Sarah Stein se convirtieron en importantes mecenas de Matisse, mientras que Gertrude Stein continuó coleccionando a Picasso. [13]
El Salón de Otoño de 1905 trajo notoriedad y atención a las obras de Henri Matisse y el grupo Les Fauves . Estos últimos obtuvieron su nombre después de que el crítico Louis Vauxcelles describiera su trabajo con la frase " Donatello chez les fauves" ("Donatello entre las bestias salvajes"), [15] contrastando las pinturas con una escultura de tipo renacentista que compartía la sala con ellos. [16] Henri Rousseau (1844-1910), un artista a quien Picasso conocía y admiraba y que no era fauve, tenía su gran escena de la jungla El león hambriento se arroja sobre el antílope también colgada cerca de las obras de Matisse y que puede haber tenido una influencia en el término sarcástico particular utilizado en la prensa. [17] El comentario de Vauxcelles fue impreso el 17 de octubre de 1905 en el diario Gil Blas y pasó a ser de uso popular. [16] [18]
Aunque las pinturas fueron ampliamente ridiculizadas —«Un bote de pintura ha sido arrojado a la cara del público», declaró el crítico Camille Mauclair (1872-1945)— también atrajeron cierta atención favorable. [16] La pintura que recibió más ataques fue La mujer con sombrero de Matisse ; la compra de esta obra por parte de Gertrude y Leo Stein tuvo un efecto muy positivo en Matisse, que sufría desmoralización por la mala recepción de su trabajo. [16]
La notoriedad y preeminencia de Matisse como líder del nuevo movimiento en la pintura moderna continuó creciendo a lo largo de 1906 y 1907, y Matisse atrajo a un grupo de seguidores entre los que se encontraban Georges Braque (1880-1963), André Derain (1880-1954) y Maurice de Vlaminck (1876-1958). La obra de Picasso había pasado por su período Azul y su período Rosa y, aunque tenía un número considerable de seguidores, su reputación era moderada en comparación con la de su rival Matisse. El tema más amplio de la influyente obra de Matisse Le bonheur de vivre , una exploración de "La edad de oro", evoca el tema histórico de "Las edades del hombre" y los potenciales de una nueva era provocadora que ofrecía la era del siglo XX. Una pintura igualmente audaz y de temática similar titulada La edad de oro , completada por Derain en 1905, muestra la transferencia de las edades humanas de una manera aún más directa. [19]
Matisse y Derain volvieron a sorprender al público francés en marzo de 1907 en la Société des Artistes Indépendants, cuando Matisse expuso su cuadro Desnudo azul y Derain contribuyó con Las bañistas . Ambos cuadros evocan ideas sobre los orígenes humanos (el comienzo del mundo, la evolución), un tema cada vez más importante en París en esa época. [19] El Desnudo azul fue uno de los cuadros que más tarde crearía sensación internacional en el Armory Show de 1913 en la ciudad de Nueva York. [20]
Desde octubre de 1906, cuando comenzó el trabajo preparatorio para Les Demoiselles d'Avignon , hasta su finalización en marzo de 1907, Picasso compitió con Matisse para ser percibido como el líder de la pintura moderna. Una vez terminada, la conmoción y el impacto de la pintura propulsaron a Picasso al centro de la controversia y prácticamente eliminaron a Matisse y al fauvismo del mapa, terminando virtualmente el movimiento al año siguiente. En 1907, Picasso se unió a la galería de arte que había abierto recientemente en París Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979). Kahnweiler fue un historiador de arte y coleccionista alemán que se convirtió en uno de los principales comerciantes de arte franceses del siglo XX. Se hizo prominente en París a partir de 1907 por ser uno de los primeros defensores de Picasso, y especialmente de su pintura Les Demoiselles d'Avignon . Antes de 1910, Picasso ya estaba siendo reconocido como uno de los líderes importantes del arte moderno junto a Henri Matisse, quien había sido el líder indiscutible del fauvismo y que era más de diez años mayor que él, y sus contemporáneos el fauvista André Derain y el ex fauvista y compañero cubista , Georges Braque. [21]
En su ensayo de 1992 Reflexiones sobre Matisse , el crítico de arte Hilton Kramer escribió:
Sin embargo, después del impacto de Les Demoiselles d'Avignon , Matisse nunca más fue confundido con un incendiario de vanguardia. Con la extraña pintura que horrorizó y electrizó a los entendidos , que entendieron que Les Demoiselles era a la vez una respuesta a Le bonheur de vivre (1905-1906) de Matisse y un ataque a la tradición de la que derivaba, Picasso se apropió efectivamente del papel de bestia salvaje de vanguardia , un papel que, en lo que respecta a la opinión pública, nunca renunciaría. [22]
Kramer continúa diciendo:
Mientras que Matisse se había inspirado en una larga tradición de la pintura europea —desde Giorgione , Poussin y Watteau hasta Ingres , Cézanne y Gauguin— para crear una versión moderna de un paraíso pastoral en Le bonheur de vivre , Picasso había recurrido a una tradición ajena del arte primitivo para crear en Les Demoiselles un inframundo de dioses extraños y emociones violentas. Entre las ninfas mitológicas de Le bonheur de vivre y las efigies grotescas de Les Demoiselles, no había duda de cuál era más chocante o más destinada a ser chocante. Picasso había desatado una vena de sentimiento que tendría inmensas consecuencias para el arte y la cultura de la era moderna, mientras que la ambición de Matisse llegó a parecer, como dijo en sus Notas de un pintor, más limitada —es decir, limitada al reino del placer estético—. Se abrió así, ya en la primera década del siglo y en la obra de sus dos más grandes artistas, el abismo que ha seguido dividiendo el arte de la era moderna hasta nuestros días. [23]
Picasso creó cientos de bocetos y estudios en preparación para la obra final. [9] [24] Durante mucho tiempo reconoció la importancia del arte español y la escultura ibérica como influencias en la pintura. Los críticos creen que la obra está influenciada por las máscaras tribales africanas y el arte de Oceanía , aunque Picasso negó la conexión; muchos historiadores del arte siguen siendo escépticos sobre sus negaciones. Picasso pasó una tarde de octubre de 1906 estudiando de cerca una figura de Teke del Congo que entonces era propiedad de Matisse. Fue más tarde esa noche cuando Picasso creó los primeros estudios para lo que se convertiría en Les Demoiselles d'Avignon . [19] Varios expertos sostienen que, como mínimo, Picasso visitó el Musée d'Ethnographie du Trocadéro (conocido más tarde como Musée de l'Homme ) en la primavera de 1907, donde vio y buscó inspiración en las artes africanas y otras poco antes de completar Les Demoiselles. [25] [26] Había venido a este museo originalmente para estudiar moldes de yeso de esculturas medievales, entonces también consideradas ejemplos de arte "primitivo". [19]
En 1907, cuando Picasso comenzó a trabajar en Las señoritas , uno de los antiguos maestros de la pintura que admiraba mucho era El Greco (1541-1614), que en ese momento era en gran parte desconocido y poco apreciado. El amigo de Picasso, Ignacio Zuloaga (1870-1945), adquirió la obra maestra de El Greco, La apertura del quinto sello , en 1897 por 1000 pesetas . [27] [28] La relación entre Las señoritas de Avignon y La apertura del quinto sello se señaló a principios de la década de 1980, cuando se analizaron las similitudes estilísticas y la relación entre los motivos y las cualidades visualmente identificativas de ambas obras. [29] [30]
La pintura de El Greco, que Picasso estudió repetidamente en la casa de Zuloaga, inspiró no sólo el tamaño, el formato y la composición de Las señoritas de Avignon , sino también su poder apocalíptico. [31] Más tarde, hablando de la obra a Dor de la Souchère en Antibes, Picasso dijo: "En cualquier caso, sólo cuenta la ejecución. Desde este punto de vista, es correcto decir que el cubismo tiene un origen español y que yo inventé el cubismo. Hay que buscar la influencia española en Cézanne. Las cosas mismas lo requieren, la influencia de El Greco, un pintor veneciano, sobre él. Pero su estructura es cubista". [32]
También se ha discutido la relación de la pintura con otros retratos de grupo de la tradición occidental, como Diana y Calisto de Tiziano (1488-1576), y el mismo tema de Rubens (1577-1640), en el Prado . [33]
Paul Gauguin (1848-1903) y Paul Cézanne (1839-1906) recibieron importantes exposiciones retrospectivas póstumas en el Salón de Otoño de París entre 1903 y 1907, y ambos fueron influencias importantes en Picasso y fueron fundamentales para su creación de Las señoritas. Según el historiador de arte inglés, coleccionista y autor de La época cubista , Douglas Cooper , ambos artistas fueron particularmente influyentes en la formación del cubismo y especialmente importantes para las pinturas de Picasso durante 1906 y 1907. [34] Cooper continúa diciendo, sin embargo, que a menudo se hace referencia erróneamente a Las señoritas como la primera pintura cubista. Explica:
Se suele decir que Las señoritas es el primer cuadro cubista, pero es una exageración, porque, aunque fue un gran paso hacia el cubismo, todavía no es cubista. El elemento expresionista y disruptivo que contiene es incluso contrario al espíritu del cubismo, que miraba el mundo con un espíritu realista y distante. Sin embargo, Las señoritas es el cuadro que se debe tomar como punto de partida lógico para el cubismo, porque marca el nacimiento de un nuevo lenguaje pictórico, porque en él Picasso derribó violentamente las convenciones establecidas y porque todo lo que vino después surgió de él. [35]
Aunque no era muy conocido por el público en general antes de 1906, la reputación de Cézanne era muy apreciada en los círculos de vanguardia , como lo demuestra el interés de Ambroise Vollard en mostrar y coleccionar su obra, y el interés de Leo Stein . Picasso estaba familiarizado con gran parte de la obra de Cézanne que vio en la galería de Vollard y en la de Stein. Después de que Cézanne muriera en 1906, sus pinturas se exhibieron en París en una retrospectiva a gran escala similar a un museo en septiembre de 1907. La retrospectiva de Cézanne de 1907 en el Salón de Otoño influyó en gran medida en la dirección que tomó la vanguardia en París, dando credibilidad a su posición como uno de los artistas más influyentes del siglo XIX y al advenimiento del cubismo. La exposición de Cézanne de 1907 fue enormemente influyente en el establecimiento de Cézanne como un pintor importante cuyas ideas fueron particularmente resonantes, especialmente para los artistas jóvenes en París. [11] [36]
Tanto Picasso como Braque encontraron la inspiración para sus obras protocubistas en Paul Cézanne, quien decía que hay que observar y aprender a ver y tratar la naturaleza como si estuviera compuesta de formas básicas como cubos, esferas, cilindros y conos. Las exploraciones de Cézanne de la simplificación geométrica y los fenómenos ópticos inspiraron a Picasso , Braque , Metzinger , Gleizes , Robert Delaunay , Le Fauconnier , Gris y otros a experimentar con múltiples visiones cada vez más complejas del mismo tema y, finalmente, a la fractura de la forma. Cézanne de este modo desencadenó una de las áreas más revolucionarias de investigación artística del siglo XX, que afectaría profundamente el desarrollo del arte moderno . [36]
A finales del siglo XIX y principios del XX, la élite cultural europea estaba descubriendo el arte africano , oceánico y nativo americano . Artistas como Paul Gauguin, Henri Matisse y Picasso se sintieron intrigados e inspirados por el poder y la simplicidad de los estilos de esas culturas. Alrededor de 1906, Picasso, Matisse, Derain y otros artistas de París habían adquirido un interés por el primitivismo, la escultura ibérica , [38] el arte africano y las máscaras tribales , en parte debido a las convincentes obras de Paul Gauguin que de repente habían alcanzado el centro del escenario en los círculos de vanguardia de París. Las poderosas exposiciones retrospectivas póstumas de Gauguin en el Salón de Otoño de París en 1903 [39] y una aún más grande en 1906 [40] tuvieron una influencia sorprendente y poderosa en las pinturas de Picasso. [11]
En el otoño de 1906, Picasso continuó sus éxitos anteriores con pinturas de mujeres desnudas de gran tamaño y figuras escultóricas monumentales que recordaban la obra de Paul Gauguin y mostraban su interés por el arte primitivo. Las pinturas de figuras enormes de Pablo Picasso de 1906 también estuvieron directamente influenciadas por la escultura, la pintura y los escritos de Gauguin. [11]
Según el biógrafo de Gauguin , David Sweetman , Pablo Picasso ya en 1902 se convirtió en un aficionado a la obra de Gauguin cuando conoció y se hizo amigo del escultor y ceramista español expatriado Paco Durrio , en París. Durrio tenía varias obras de Gauguin a mano porque era amigo de Gauguin y un agente no remunerado de su trabajo. Durrio intentó ayudar a su amigo pobre en Tahití promocionando su obra en París. Después de que se conocieron, Durrio le presentó a Picasso la cerámica de Gauguin, lo ayudó a hacer algunas piezas de cerámica y le regaló una primera edición de La Plume de Noa Noa: The Tahiti Journal of Paul Gauguin. [41]
Respecto del impacto de Gauguin en Picasso, el historiador del arte John Richardson escribió:
La exposición de 1906 de la obra de Gauguin dejó a Picasso más cautivado que nunca por este artista. Gauguin demostró que los tipos de arte más dispares (por no hablar de elementos de la metafísica, la etnología, el simbolismo, la Biblia, los mitos clásicos y mucho más) podían combinarse en una síntesis que era de su tiempo pero atemporal. Un artista también podía confundir las nociones convencionales de belleza, demostró, al unir sus demonios a los dioses oscuros (no necesariamente los tahitianos) y aprovechar una nueva fuente de energía divina. Si en años posteriores Picasso minimizó su deuda con Gauguin, no hay duda de que entre 1905 y 1907 sintió un parentesco muy cercano con este otro Paul, que se enorgullecía de los genes españoles heredados de su abuela peruana. ¿No habría firmado Picasso "Paul" en honor a Gauguin? [42]
Tanto David Sweetman como John Richardson señalan el Oviri (que literalmente significa "salvaje") de Gauguin, una representación fálica macabra de la diosa tahitiana de la vida y la muerte destinada a la tumba de Gauguin. Exhibida por primera vez en la retrospectiva de 1906, probablemente fue una influencia directa en Las señoritas. Sweetman escribe:
La estatua de Gauguin Oviri , que se exhibió en un lugar destacado en 1906, estimuló el interés de Picasso por la escultura y la cerámica, mientras que las xilografías reforzaron su interés por la estampación, aunque fue el elemento primitivo presente en todas ellas lo que más condicionó la dirección que tomaría el arte de Picasso. Este interés culminaría en la obra fundamental Les Demoiselles d'Avignon . [43]
Según Richardson,
El interés de Picasso por la cerámica se vio estimulado aún más por los ejemplos que vio en la retrospectiva de Gauguin de 1906 en el Salón de Otoño. La más inquietante de esas cerámicas (una que Picasso podría haber visto ya en Vollard's) fue la macabra Oviri. Hasta 1987, cuando el Museo de Orsay adquirió esta obra poco conocida (expuesta sólo una vez desde 1906), nunca había sido reconocida como la obra maestra que es, y mucho menos reconocida por su relevancia para las obras que antecedieron a Las señoritas. Aunque mide poco menos de 30 pulgadas de alto, Oviri tiene una presencia imponente, como corresponde a un monumento destinado a la tumba de Gauguin. Picasso quedó muy impresionado por Oviri. Cincuenta años después se alegró mucho cuando [Douglas] Cooper y yo le dijimos que habíamos encontrado esta escultura en una colección que también incluía el yeso original de su cabeza cubista. ¿Ha sido una revelación, como la escultura ibérica? El encogimiento de hombros de Picasso fue afirmativo a regañadientes. Siempre se mostró reacio a admitir el papel de Gauguin en ponerlo en el camino del primitivismo. [44]
Durante los siglos XIX y XX, la colonización europea de África dio lugar a numerosos encuentros económicos, sociales, políticos e incluso artísticos. A partir de estos encuentros, los artistas visuales occidentales se interesaron cada vez más por las formas únicas del arte africano, en particular las máscaras de la región de Níger-Congo. En un ensayo de Dennis Duerden, autor de Arte africano (1968), El presente invisible (1972), y ex director del Servicio Mundial de la BBC , la máscara se define como "muy a menudo un tocado completo y no solo la parte que oculta el rostro". [45] Esta forma de arte visual y de imagen atrajo a los artistas visuales occidentales, lo que llevó a lo que Duerden llama el "descubrimiento" del arte africano por parte de los profesionales occidentales, incluido Picasso.
Las fuentes estilísticas de las cabezas de las mujeres y su grado de influencia han sido muy discutidas y debatidas, en particular la influencia de las máscaras tribales africanas , el arte de Oceanía , [46] y las esculturas ibéricas prerromanas . Los contornos redondeados de los rasgos de las tres mujeres de la izquierda pueden relacionarse con la escultura ibérica, pero no obviamente los planos fragmentados de las dos de la derecha, que de hecho parecen influenciados por las máscaras africanas. [47] Lawrence Weschler dice que,
En muchos sentidos, gran parte de la decadente efervescencia cultural e incluso científica que caracterizó la primera década y media del siglo XX y que sentó las bases de gran parte de lo que hoy consideramos moderno se remonta a las formas en que Europa ya luchaba con su conocimiento de mala fe, a menudo enérgicamente reprimido, de lo que había estado haciendo en África. El ejemplo de Picasso, que prácticamente lanzó el cubismo con su obra de 1907 Desmoiselles d'Avignon , en respuesta a los tipos de máscaras africanas y otros botines coloniales que encontraba en el Musée de l'Homme de París, es obvio. [5]
Las colecciones privadas y los libros ilustrados que presentaban arte africano en este período también fueron importantes. Si bien Picasso negó enfáticamente la influencia de las máscaras africanas en la pintura: "¿Arte africano? ¡Nunca había oído hablar de él!" ( L'art nègre? Connais pas! ), [9] [48] esto se desmiente por su profundo interés en las esculturas africanas propiedad de Matisse y su amigo cercano Guiliaume Apollinaire . [19] Dado que ninguna de las máscaras africanas que alguna vez se pensó que influyeron en Picasso en esta pintura estaba disponible en París en el momento en que pintó la obra, ahora se cree que estudió formas de máscaras africanas en un volumen ilustrado por el antropólogo Leo Frobenius . [19] El primitivismo continúa en su obra durante, antes y después de la pintura de Les Demoiselles d'Avignon, desde la primavera de 1906 hasta la primavera de 1907. Las influencias de la escultura ibérica antigua también son importantes. [11] [49] Algunos relieves ibéricos de Osuna , excavados entonces recientemente, estuvieron expuestos en el Louvre desde 1904. También se ha reivindicado la influencia de la escultura griega arcaica .
Las controversias sobre la influencia de la escultura africana se avivaron en 1939 cuando Alfred Barr dijo que el primitivismo de Las señoritas derivaba del arte de Costa de Marfil y el Congo francés. [50] Posteriormente, Picasso insistió en que el editor de su catálogo razonado, Christian Zervos, publicara una exención de responsabilidad en la que Picasso certificaba que no conocía el arte africano hasta después de que Las señoritas se completara, sino que se había inspirado en el arte ibérico que había visto un año antes aproximadamente, en particular en los relieves de Osuna del Louvre. [51] [52] Contradictoriamente, en 1944 Picasso contó haber visto arte africano y haberse sentido muy conmovido por él durante la creación de Las señoritas , añadiendo que la experiencia fue reveladora y un momento crucial en la formulación de la pintura. A André Malraux le dijo que las revelaciones de la escultura africana le llegaron al visitar el Museo Etnográfico del Trocadero . Como recuerda Picasso: "Cuando fui al Trocadero, fue repugnante. El mercadillo, el olor. Estaba solo. Quería irme, pero no me fui. Me quedé, me quedé. Comprendí que era muy importante. Algo me estaba pasando, ¿no? Las máscaras no eran como otras piezas de escultura, en absoluto. Eran cosas mágicas". [9] [53] [54] A menudo se le atribuye a Maurice de Vlaminck el haber introducido a Picasso a la escultura africana de origen fang en 1904. [55]
El biógrafo de Picasso, John Richardson, relata en A Life of Picasso, The Cubist Rebel 1907–1916 los recuerdos del marchante de arte Daniel-Henry Kahnweiler sobre su primera visita al estudio de Picasso en julio de 1907. Kahnweiler recuerda haber visto "pilas polvorientas de lienzos" en el estudio de Picasso y "esculturas africanas de majestuosa severidad". Richardson comenta: "Tanto por la historia de Picasso que aún no era consciente del arte tribal ". [56] Una fotografía de Picasso en su estudio rodeado de esculturas africanas alrededor de 1908 se encuentra en la página 27 de ese mismo volumen. [57]
Suzanne Preston Blier afirma que, al igual que Gauguin y otros artistas de su época, Picasso utilizó libros ilustrados para muchos de sus estudios preliminares para esta pintura. Además del libro de Frobenius, sus fuentes incluyeron una publicación de 1906 de un manuscrito de arte medieval del siglo XII sobre escultura arquitectónica de Villiard de Honnecourt y un libro de Carl Heinrich Stratz de pseudopornografía que mostraba fotos y dibujos de mujeres de todo el mundo organizados para evocar ideas sobre los orígenes y la evolución humana. Blier sugiere que esto ayuda a explicar la diversidad de estilos que empleó Picasso en sus cuadernos de bocetos llenos de imágenes para esta pintura. Estos libros, y otras fuentes como las caricaturas, escribe Blier, también ofrecen pistas sobre el significado más amplio de esta pintura. [19]
Maurice Princet , [58] matemático y actuario francés , jugó un papel en el nacimiento del cubismo como colaborador de Pablo Picasso, Guillaume Apollinaire , Max Jacob , Jean Metzinger , Robert Delaunay , Juan Gris y más tarde Marcel Duchamp . Princet llegó a ser conocido como "le mathématicien du cubisme" ("el matemático del cubismo"). [59] [60]
Se le atribuye a Princet la introducción de la obra de Henri Poincaré y el concepto de la " cuarta dimensión " a los artistas del Bateau-Lavoir . [61] Princet presentó a Picasso, Metzinger y otros un libro de Esprit Jouffret , Traité élémentaire de géométrie à quatre dimensions ( Tratado elemental de geometría de cuatro dimensiones , 1903), [62] una popularización de Ciencia e hipótesis de Poincaré en la que Jouffret describía hipercubos y otros poliedros complejos en cuatro dimensiones y los proyectaba sobre la superficie bidimensional. Los cuadernos de bocetos de Picasso para Les Demoiselles d'Avignon ilustran la influencia de Jouffret en la obra del artista. [63]
Aunque Les Demoiselles tuvo una enorme y profunda influencia en el arte moderno , su impacto no fue inmediato y la pintura permaneció en el estudio de Picasso durante muchos años. Al principio, solo el círculo íntimo de artistas, comerciantes, coleccionistas y amigos de Picasso conocían la obra. Poco después de finales del verano de 1907, Picasso y su amante de muchos años, Fernande Olivier (1881-1966), se separaron. La nueva pintura de las dos cabezas en el extremo derecho de Les Demoiselles alimentó la especulación de que era una indicación de la ruptura entre Picasso y Olivier. Aunque más tarde se reunieron durante un período, la relación terminó en 1912. [64]
Una fotografía de Les Demoiselles fue publicada por primera vez en un artículo de Gelett Burgess titulado "Los hombres salvajes de París, Matisse, Picasso y Les Fauves", The Architectural Record , mayo de 1910. [65]
Las señoritas no se exhibirían hasta 1916 y no se las reconocería ampliamente como un logro revolucionario hasta principios de la década de 1920, cuando André Breton (1896-1966) publicó la obra. [24] La pintura fue reproducida nuevamente en Cahiers d'art (1927), dentro de un artículo dedicado al arte africano. [66]
Richardson continúa diciendo que Matisse se enfureció al ver Las señoritas en el estudio de Picasso. Dejó en claro que consideraba la pintura como un intento de ridiculizar el movimiento moderno; se indignó al ver que su sensacional Desnudo azul , por no hablar de Bonheur de vivre , había sido superado por las "horribles" prostitutas de Picasso. Juró vengarse y hacer que Picasso suplicara clemencia. Así como Las señoritas había alimentado la competitividad de Picasso, ahora lo hacían con la de Matisse. [67]
Entre el círculo cerrado de amigos y colegas de Picasso había una mezcla de opiniones sobre Les Demoiselles . Georges Braque y André Derain se mostraron inicialmente preocupados por la pintura, aunque apoyaban a Picasso. Según William Rubin , dos amigos de Picasso, el crítico de arte André Salmon y el pintor Ardengo Soffici (1879-1964), se mostraron entusiasmados con ella, mientras que Guillaume Apollinaire (1880-1918) no lo estuvo. Sin embargo, tanto el comerciante de arte y coleccionista Wilhelm Uhde (1874-1947) como Kahnweiler se mostraron más entusiasmados con la pintura. [68]
Según Kahnweiler, Las señoritas fue el comienzo del cubismo. Escribe:
A principios de 1907, Picasso comenzó un extraño cuadro de grandes dimensiones en el que se representan mujeres, frutas y ropajes, que dejó inacabado. No se puede decir que no esté terminado, a pesar de que representa un largo período de trabajo. Comenzado en el espíritu de las obras de 1906, contiene en una sección los esfuerzos de 1907 y, por lo tanto, nunca constituye un todo unificado.
Los desnudos, de ojos grandes y serenos, se mantienen rígidos como maniquíes. Sus cuerpos rígidos y redondos son de color carne, en blanco y negro. Ese es el estilo de 1906.
En primer plano, sin embargo, y de forma ajena al estilo del resto del cuadro, aparecen una figura agachada y un cuenco de fruta. Estas formas están dibujadas de forma angular, no modeladas de forma redonda en claroscuro. Los colores son un azul intenso, un amarillo estridente, junto a un blanco y un negro puros. Éste es el comienzo del cubismo, el primer resurgimiento, un choque desesperado y titánico con todos los problemas a la vez.
—Kahnweiler , 1920 [69]
Del 16 al 31 de julio de 1916, Les Demoiselles se exhibió al público por primera vez en el Salon d'Antin , una exposición organizada por André Salmon titulada L'Art moderne en France . El espacio de exposición en el 26 de la rue d'Antin fue prestado por el famoso modisto y coleccionista de arte Paul Poiret . El Salon d'Automne y el Salon des Indépendants, más grandes , habían estado cerrados debido a la Primera Guerra Mundial, lo que convirtió a esta en la única exposición de cubistas en Francia desde 1914. [70] El 23 de julio de 1916 se publicó una reseña en Le Cri de Paris : [71]
Los cubistas no esperan a que termine la guerra para reanudar las hostilidades contra el buen sentido. En la Galería Poiret exponen mujeres desnudas, cuyas partes están representadas dispersas en los cuatro ángulos del lienzo: aquí un ojo, allí una oreja, allá una mano, un pie arriba, una boca abajo. M. Picasso, su líder, es posiblemente el menos desaliñado de todos. Ha pintado, o más bien embadurnado, cinco mujeres que, a decir verdad, están todas descuartizadas, pero que, sin embargo, de algún modo logran mantenerse unidas. Tienen, además, caras porcinas con ojos que se mueven negligentemente por encima de las orejas. Un entusiasta amante del arte le ofreció al artista 20.000 francos por esta obra maestra. M. Picasso quería más. El amante del arte no insistió. [70] [71]
Picasso se refirió a su única entrada en el Salon d'Antin como su pintura Burdel llamándola Le Bordel d'Avignon pero André Salmon que originalmente había etiquetado la obra, Le Bordel Philosophique, la retituló Les Demoiselles d'Avignon para disminuir su impacto escandaloso en el público. Sin embargo, a Picasso nunca le gustó el título, prefiriendo "las chicas de Avignon", pero el título de Salmon se mantuvo. [2] Leo Steinberg etiqueta sus ensayos sobre la pintura después de su título original. Según Suzanne Preston Blier, la palabra burdel en el título de la pintura, en lugar de evocar una casa de prostitución ( une maison close ) hace referencia con mayor precisión en francés a una situación compleja o desorden. Esta pintura, dice Blier, explora no la prostitución per se, sino el sexo y la maternidad de manera más general, junto con las complejidades de la evolución en el mundo colonial multirracial. El nombre Avignon , argumentan los académicos, [¿ quién? ] no sólo hace referencia a la calle donde Picasso alguna vez compró sus suministros de pintura (que tenía algunos burdeles), sino también a la casa de la abuela de Max Jacob, a quien Picasso identifica jocosamente como uno de los diversos sujetos modernos de la pintura. [19]
La única otra ocasión en la que la pintura pudo haber sido exhibida al público antes de una muestra en Nueva York en 1937 fue en 1918, en una exposición dedicada a Picasso y Matisse en la Galerie Paul Guillaume en París, aunque existe muy poca información sobre esta exposición o la presencia (si es que existe) de Les Demoiselles . [70]
Posteriormente, el cuadro fue enrollado y permaneció con Picasso hasta 1924, cuando, con la insistencia y ayuda de Breton y Louis Aragon (1897-1982), lo vendió al diseñador Jacques Doucet (1853-1929) por 25.000 francos. [72] [73]
Entre septiembre de 1984 y enero de 1985, Les Demoiselles se exhibió en una exposición titulada "Primitivismo" en el arte del siglo XX: afinidad de lo tribal y lo moderno en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York. [74] La exposición mostró piezas modernas de artistas como Henri Matisse, Paul Gauguin y Pablo Picasso junto con artefactos de grupos tribales de África, Oceanía y América del Norte con el fin de revelar cómo los artistas modernos han interpretado el arte tribal. La exhibición de esta pintura entre máscaras tribales africanas tenía la intención de correlacionar las máscaras como la inspiración para los rasgos que Picasso pintó en las mujeres en Les Demoiselles . [75]
El catálogo de la exposición afirma que las connotaciones etnográficas y políticas peyorativas del "primitivismo" no fueron el objetivo de la curaduría de la exposición. Sin embargo, la exposición fue controvertida, ya que algunos críticos creyeron que ejemplificaba la intriga occidental con lo "diferente" y la noción dañina de que la cultura occidental es el futuro moderno e "ideal". [75] El intento del museo de eliminar la implicación del vocabulario del título fue criticado como una falsa inocencia por los críticos que dijeron que la exposición enmarcaba la cultura tribal como un simbolismo extranjero y "diferente" y trataba los objetos tribales únicamente como una parte de la historia cuyo único propósito moderno es servir a la interpretación artística. [76] [75]
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Picasso dibujó cada una de las figuras de Les Demoiselles de manera diferente. La mujer que tira de la cortina en la parte superior derecha está representada con pintura espesa. Compuesta por formas geométricas nítidas , su cabeza es la más estrictamente cubista de las cinco. [77] La cortina parece fundirse parcialmente con su cuerpo. La cabeza cubista de la figura agachada (abajo a la derecha) sufrió al menos dos revisiones desde una figura ibérica hasta su estado actual. También parece haber sido dibujada desde dos perspectivas diferentes a la vez, creando una figura confusa y retorcida. La mujer sobre ella es más bien varonil, con un rostro oscuro y un pecho cuadrado. Todo el cuadro tiene un estilo bidimensional, con una perspectiva abandonada.
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Gran parte del debate crítico que ha tenido lugar a lo largo de los años se centra en intentar explicar esta multiplicidad de estilos dentro de la obra. La interpretación dominante durante más de cinco décadas, defendida sobre todo por Alfred Barr , el primer director del Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York y organizador de importantes retrospectivas de la carrera del artista, ha sido que puede interpretarse como evidencia de un período de transición en el arte de Picasso, un esfuerzo por conectar su obra anterior con el cubismo, el estilo que ayudaría a inventar y desarrollar durante los siguientes cinco o seis años. [1] Suzanne Preston Blier dice que los estilos divergentes de la pintura se agregaron intencionalmente para transmitir a cada mujer los atributos de "estilo" artístico de las cinco áreas geográficas que cada mujer representa. [19]
El crítico de arte John Berger , en su controvertida biografía de 1965 El éxito y el fracaso de Picasso , [78] interpreta Las señoritas de Avignon como la provocación que condujo al cubismo:
Embotados por la insolencia de tanto arte reciente, probablemente tendemos a subestimar la brutalidad de Las señoritas de Avignon. Todos sus amigos que la vieron en su estudio se quedaron al principio impactados por ella. Y era su intención impactar...
Un burdel puede no ser chocante en sí mismo, pero unas mujeres pintadas sin encanto ni tristeza, sin ironía ni comentario social, mujeres pintadas como las empalizadas de una empalizada a través de unos ojos que miran hacia fuera como si estuvieran muertos, eso sí es chocante. Y lo mismo ocurre con el método de pintar. El propio Picasso ha dicho que en su época le influyó la escultura arcaica española (ibérica). También le influyeron –sobre todo en las dos cabezas de la derecha– las máscaras africanas… Aquí parece que las citas de Picasso son sencillas, directas y emotivas. No le preocupan en lo más mínimo los problemas formales. Las dislocaciones de este cuadro son el resultado de la agresión, no de la estética; es lo más cercano que se puede llegar a un ultraje en una pintura…
Subrayo el aspecto violento e iconoclasta de este cuadro porque suele considerarse el gran ejercicio formal que fue el punto de partida del cubismo. Fue el punto de partida del cubismo, en la medida en que impulsó a Braque a empezar a pintar a finales de año su propia respuesta mucho más formal a Las señoritas de Avignon… pero si hubiera estado solo, este cuadro nunca habría llevado a Picasso al cubismo ni a ninguna forma de pintura remotamente parecida… No tiene nada que ver con esa visión del futuro del siglo XX que era la esencia del cubismo.
Sin embargo, provocó el inicio de un gran período de excepción en la vida de Picasso. Nadie puede saber exactamente cómo comenzó el cambio en el interior de Picasso. Sólo podemos observar los resultados. Las señoritas de Avignon, a diferencia de cualquier cuadro anterior de Picasso, no ofrece evidencia de habilidad. Por el contrario, es torpe, trabajada en exceso, inacabada. Es como si su furia al pintarla fuera tan grande que destruyó sus dotes...
Con Las señoritas de Avignon, Picasso provocó el cubismo. Fue la insurrección espontánea y, como siempre, primitiva, de la que, por buenas razones históricas, surgió la revolución del cubismo. [78]
La historiadora del arte y profesora Anna C. Chave coincide con Berger en que Les Demoiselles d'Avignon puede considerarse el catalizador del estilo del cubismo en su artículo de 1994, New Encounters with Les Desmoiselles d'Avignon: Gender, Race, and the Origins of Cubism (Nuevos encuentros con Les Desmoiselles d'Avignon: género, raza y los orígenes del cubismo) . Chave también ofrece una perspectiva nueva e interesante sobre la pieza en su artículo, la de una mujer, que contrasta marcadamente con las numerosas otras reseñas de la pintura proporcionadas por hombres. Además, su artículo se centra no solo en la obra en sí, sino también en las críticas y valoraciones que han surgido en las décadas transcurridas desde que se exhibió inicialmente, lo que incita a los lectores a pensar profundamente sobre lo que las reacciones a la pintura dicen sobre los espectadores y la sociedad en general. [79]
En 1972, el crítico de arte Leo Steinberg, en su ensayo The Philosophical Brothel, propuso una explicación completamente diferente para la amplia gama de atributos estilísticos. Basándose en los bocetos anteriores (que habían sido ignorados por la mayoría de los críticos), sostuvo que, lejos de ser una prueba de que un artista estuviera atravesando una rápida metamorfosis estilística, la variedad de estilos puede interpretarse como un intento deliberado, un plan cuidadoso, de capturar la mirada del espectador. Señala que las cinco mujeres parecen extrañamente desconectadas, de hecho, completamente inconscientes unas de otras. Más bien, se centran únicamente en el espectador, y sus estilos divergentes no hacen más que acentuar la intensidad de su mirada. [1]
Los primeros bocetos presentan a dos hombres dentro del burdel: un marinero y un estudiante de medicina (que a menudo se representaba sosteniendo un libro o una calavera, lo que hizo que Barr y otros interpretaran la pintura como un memento mori , un recordatorio de la muerte). Queda un rastro de su presencia en una mesa en el centro: el borde saliente de una mesa cerca de la parte inferior del lienzo. El espectador, dice Steinberg, ha venido a reemplazar a los hombres sentados, obligado a enfrentarse a la mirada de las prostitutas de frente, invocando lecturas mucho más complejas que una simple alegoría o la lectura autobiográfica que intenta comprender la obra en relación con la propia historia de Picasso con las mujeres. Entonces se hace posible un mundo de significados, lo que sugiere la obra como una meditación sobre el peligro del sexo, el "trauma de la mirada" (para usar una frase inventada por Rosalind Krauss ) y la amenaza de violencia inherente a la escena y las relaciones sexuales en general. [1]
Según Steinberg, la mirada invertida, es decir, el hecho de que las figuras miren directamente al espectador, así como la idea de la mujer dueña de sí misma, que ya no está allí únicamente para el placer de la mirada masculina, se remontan a la Olympia de Manet de 1863. [1] William Rubin (1927-2006), ex director del Departamento de Pintura y Escultura del MoMA, escribió que "Steinberg fue el primer escritor en abordar el tema sexual de Las señoritas". [80]
Unos años después de escribir El burdel filosófico , Steinberg escribió más sobre la naturaleza revolucionaria de Las señoritas :
Picasso estaba decidido a deshacer las continuidades de forma y campo que el arte occidental había dado por sentadas durante tanto tiempo. La famosa ruptura estilística de la derecha resultó ser simplemente una consumación. De la noche a la mañana, las coherencias artificiales del arte figurativo -las unidades fingidas de tiempo y lugar, las consistencias estilísticas- fueron declaradas todas ficticias. Las señoritas se confesó como un cuadro concebido en duración y presentado en espasmos. En esta obra, Picasso descubrió que las exigencias de la discontinuidad podían satisfacerse en múltiples niveles: cortando la carne representada; eliyendo miembros y abreviando; cortando la red del espacio de conexión; con cambios abruptos de perspectiva; y con un cambio estilístico repentino en el clímax. Finalmente, se descubrió que el insistente staccato de la presentación intensificaba la interpelación y la carga simbólica del cuadro: el espectador, en lugar de observar una sala llena de prostitutas holgazaneando, es atacado desde todos los lados. Lejos de suprimir al sujeto, el modo de organización intensifica su flagrante erotismo. [81]
Al final del primer volumen de su biografía de Picasso en cuatro volúmenes: A Life Of Picasso. The Prodigy, 1881–1906, John Richardson comenta Les Demoiselles. Richardson dice:
En este punto, a principios de 1907, me propongo poner fin a este primer volumen. Picasso, de 25 años, está a punto de crear un quinteto de señoritas dionisíacas en su enorme lienzo nuevo. La ejecución de esta pintura sería un clímax dramático para estas páginas. Sin embargo, implicaría que la gran obra revolucionaria de Picasso constituye una conclusión de todo lo que ha sucedido hasta ahora. No es así. A pesar de que Las señoritas tiene sus raíces en el pasado de Picasso, por no hablar de precursores como los íberos de la Edad del Hierro , El Greco , Gauguin y Cézanne , es esencialmente un comienzo: la pintura más innovadora desde Giotto . Como veremos en el próximo volumen, estableció una nueva sintaxis pictórica; permitió a la gente percibir las cosas con nuevos ojos, nuevas mentes, nueva conciencia. Las señoritas de Avignon es la primera obra maestra inequívocamente del siglo XX, un detonador principal del movimiento moderno, la piedra angular del arte del siglo XX . Para Picasso también sería un rito de iniciación: lo que él llamaba un «exorcismo». Abrió el camino al cubismo. Asimismo, desterró los demonios del artista. Más tarde, estos demonios regresarían y requerirían un nuevo exorcismo. Sin embargo, durante la década siguiente, Picasso se sentiría tan libre y creativo y «tan sobrecargado de trabajo» como Dios. [82]
Suzanne Preston Blier aborda la historia y el significado de Les Demoiselles d'Avignon en un libro de 2019 de una manera diferente, que se basa en su experiencia en arte africano y una variedad de fuentes recién descubiertas que desenterró. Blier aborda la pintura no como una simple escena de burdel, sino como la interpretación de Picasso de la diversidad de mujeres de todo el mundo que Picasso conoció en parte a través de fotografías y esculturas vistas en libros ilustrados. Estas representaciones, sostiene Blier, son fundamentales para comprender la creación de la pintura y ayudan a identificar a las demoiselles como figuras globales: madres, abuelas, amantes y hermanas, que vivieron el mundo colonial que habitó Picasso. Ella dice que Picasso ha reunido a estas diversas mujeres en este extraño entorno similar a una cueva (y a un útero) como una especie de "máquina del tiempo" global: cada mujer hace referencia a una era diferente, lugar de origen y estilo artístico concomitante, como parte del tema más amplio de las "edades del hombre", importante para el nuevo siglo, en el que los temas centrales de la evolución adquirieron un papel cada vez más importante. Blier sugiere que los dos hombres (un marinero y un médico) representados en algunos de los primeros dibujos preparatorios de la pintura probablemente representan a los autores masculinos de dos de los libros ilustrados que empleó Picasso: el antropólogo Leo Frobenius como marinero, uno de los cuales viaja por el mundo para explorar varios puertos de escala, y el médico vienés Karl Heinrich Stratz, que sostiene un cráneo humano o un libro en consonancia con los detallados estudios anatómicos que proporciona. [19]
Blier puede fechar la pintura a finales de marzo de 1907, justo después de la inauguración del Salón de los Independientes, donde Matisse y Derain habían exhibido sus propios cuadros atrevidos y cargados de emoción con el tema de los "orígenes". La gran escala del lienzo, dice Blier, complementa el importante tema científico e histórico. La reunión de las madres de cada "raza" dentro de este marco evolutivo humano, sostiene Blier, también constituye la "filosofía" más amplia detrás del título original de la pintura , le bordel philosophique , que evoca el potente "lío" y la "situación compleja" ( le bordel ) que Picasso estaba explorando en esta obra. A diferencia de Leo Steinberg y William Rubin, que afirmaban que Picasso había borrado las dos señoritas de la derecha para repintarles los rostros con máscaras africanas en respuesta a una crisis derivada de temores más amplios a la muerte o a las mujeres, Blier muestra una fotografía temprana del cuadro en el estudio de Picasso que indica que el artista había retratado máscaras africanas en estas mujeres desde el principio, en consonancia con sus identidades como progenitoras de estas razas. Blier sostiene que el cuadro se completó en gran parte en una sola noche después de un debate sobre filosofía con amigos en una brasserie local de París. [19]
Jacques Doucet había visto el cuadro en el Salon d'Antin, pero sorprendentemente parece haber comprado Les Demoiselles sin pedirle a Picasso que lo desenrollara en su estudio para poder verlo de nuevo. [70] André Breton describió más tarde la transacción:
Recuerdo el día en que compró el cuadro a Picasso, quien, por extraño que parezca, pareció intimidado por Doucet e incluso no ofreció resistencia cuando se fijó el precio en 25.000 francos: «Está bien, señor Picasso, está acordado». Doucet le dijo entonces: «Recibirá usted 2.000 francos por mes, a partir del mes próximo, hasta alcanzar la suma de 25.000 francos.» [70]
John Richardson cita a Breton en una carta a Doucet sobre la escritura de Les Demoiselles :
A través de ella se penetra directamente en el núcleo del laboratorio de Picasso y porque es el quid del drama, el centro de todos los conflictos que Picasso ha suscitado y que durarán para siempre... Es una obra que para mí transciende la pintura; es el teatro de todo lo que ha sucedido en los últimos 50 años. [83]
Al final, parece que Doucet pagó 30.000 francos en lugar del precio acordado. [70] Unos meses después de la compra, Doucet hizo tasar el cuadro entre 250.000 y 300.000 francos. Richardson especula que Picasso, que en 1924 estaba en la cima del mundo del arte y no necesitaba vender el cuadro a Doucet, lo hizo y a ese bajo precio porque Doucet prometió en su testamento que Las señoritas iría al Louvre . Sin embargo, después de que Doucet muriera en 1929, no dejó el cuadro al Louvre en su testamento, y se vendió como la mayor parte de la colección de Doucet a través de comerciantes privados. [70]
En noviembre de 1937, la galería de arte Jacques Seligman & Co. de la ciudad de Nueva York celebró una exposición titulada «20 años de evolución de Picasso, 1903-1923», que incluía Les Demoiselles. El Museo de Arte Moderno adquirió la pintura por 24.000 dólares. El museo recaudó 18.000 dólares para el precio de compra vendiendo un cuadro de Degas y el resto provino de donaciones de los copropietarios de la galería, Germain Seligman y Cesar de Hauke. [84]
El Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York organizó una importante exposición de Picasso el 15 de noviembre de 1939 que permaneció abierta hasta el 7 de enero de 1940. La exposición, titulada Picasso: 40 Years of His Art , fue organizada por Alfred H. Barr (1902-1981), en colaboración con el Art Institute of Chicago . La exposición contenía 344 obras, entre ellas la importante pintura de 1937 Guernica y sus estudios, así como Las señoritas. [85]
En julio de 2007, Newsweek publicó un artículo de dos páginas sobre Les Demoiselles d'Avignon, describiéndola como la "obra de arte más influyente de los últimos 100 años". [86] El crítico de arte Holland Cotter sostuvo que Picasso "cambió la historia con esta obra. Había reemplazado el ideal benigno del desnudo clásico con una nueva raza de seres peligrosos y sexualmente armados". [87]
La pintura aparece de forma destacada en la obra de Steve Martin de 1993 Picasso en el Lapin Agile , sobre un encuentro ficticio del joven Picasso y Albert Einstein en un café de París, y en la temporada 2018 de la serie de televisión Genius , que se centra en la vida y la obra de Picasso.
En 2003, un examen de la pintura mediante espectroscopia de fluorescencia de rayos X realizado por conservadores del Museo de Arte Moderno confirmó la presencia de los siguientes pigmentos: blanco de plomo , negro de hueso , bermellón , amarillo de cadmio , azul cobalto , verde esmeralda y pigmentos de tierra nativos (como el ocre marrón ) que contienen hierro. [88] [89]