El arte antiguo se refiere a los muchos tipos de arte producidos por las culturas avanzadas de las sociedades antiguas con diferentes formas de escritura, como las de la antigua China , India , Mesopotamia , Persia , Palestina , Egipto , Grecia y Roma . El arte de las sociedades prealfabetizadas normalmente se conoce como arte prehistórico y no se trata aquí. Aunque algunas culturas precolombinas desarrollaron la escritura durante los siglos anteriores a la llegada de los europeos, por razones de datación se tratan en arte precolombino y artículos como arte maya , arte azteca y arte olmeca . [ cita requerida ]
Mesopotamia ( del griego Μεσοποταμία «[tierra] entre los ríos » , en siríaco llamado ...
Las civilizaciones mesopotámicas de la Edad del Bronce incluían los imperios acadio, babilónico y asirio, y Sumer. En la Edad del Hierro, Mesopotamia estuvo gobernada por los imperios neoasirio y neobabilónico. Los sumerios y acádios indígenas (incluidos asirios y babilonios) dominaron Mesopotamia desde el comienzo de la historia escrita (c. 3100 a. C.) hasta la caída de Babilonia en 539 a. C., cuando fue conquistada por el Imperio aqueménida. Cayó ante Alejandro Magno en 332 a. C. y, después de su muerte, pasó a formar parte del Imperio seléucida griego.
Alrededor del año 150 a. C., Mesopotamia estaba bajo el control de los partos. Mesopotamia se convirtió en un campo de batalla entre los romanos y los partos, y partes de Mesopotamia (en particular Asiria) quedaron bajo el control romano periódicamente. En el año 226 d. C., cayó en manos de los persas sasánidas y permaneció bajo el dominio persa hasta la conquista árabe islámica del Imperio sasánida en el siglo VII. Entre el siglo I a. C. y el siglo III d. C. existieron varios estados nativos mesopotámicos principalmente cristianos, entre ellos Adiabene, Oshroene y Hatra.
La evidencia arqueológica da fe de su existencia durante el quinto milenio a . C. Los sumerios decoraban su cerámica con pinturas de aceite de cedro . Los sumerios también desarrollaron la joyería .
Un ejemplo notable del arte sumerio que ha sobrevivido es el Estandarte de Ur , que data de aproximadamente el año 2500 a. C. El Estandarte es una caja de madera con incrustaciones de conchas y lapislázuli que representa a soldados presentando prisioneros a su rey en un lado y a campesinos presentándole regalos en el otro.
La conquista de Sumer y Acad por Babilonia marca un punto de inflexión en la historia artística y política de la región.
Los babilonios aprovecharon la abundancia de arcilla en Mesopotamia para crear ladrillos . El uso del ladrillo condujo al desarrollo temprano de la pilastra y la columna , así como de los frescos y los azulejos esmaltados. Las paredes estaban coloreadas de manera brillante y, a veces, revestidas de bronce u oro , además de azulejos. También se incrustaban en el yeso conos de terracota pintados.
Los babilonios trabajaban a menudo el metal y creaban herramientas funcionales con cobre . Es posible que Babilonia fuera el hogar original del trabajo del cobre, que luego se extendió hacia el oeste. Además, la falta de piedra en Babilonia hizo que cada piedra fuera preciosa y condujo a una gran perfección en el arte del tallado de gemas . Las artes de Babilonia también incluían tapices , y la civilización babilónica era famosa por sus tapices y alfombras.
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Cuando Babilonia comenzó a declinar, fue conquistada por Asiria , una de sus antiguas colonias, que heredó sus artes y su imperio.
Al principio, los arquitectos y artistas asirios copiaron los estilos y materiales babilónicos. Más tarde, los asirios comenzaron a liberarse de las influencias babilónicas. Las paredes de los palacios asirios estaban revestidas con losas de piedra en lugar de ladrillo y estaban coloreadas en lugar de pintadas como en Caldea . En lugar del bajorrelieve , tenemos figuras esculpidas , siendo los ejemplos más antiguos las estatuas de Girsu .
No se han encontrado ejemplares destacables de arte metalúrgico de la Asiria primitiva, pero en una época posterior se alcanzó una gran excelencia en la fabricación de joyas como pendientes y brazaletes de oro . También tenían trabajos especializados en cobre.
La cerámica y la porcelana asirias eran elegantes. Parece que el vidrio transparente se introdujo por primera vez en el reinado de Sargón II , como el vidrio descubierto en los palacios de Nínive , que derivaba de originales egipcios . La piedra, así como la arcilla y el vidrio, se utilizaban en la fabricación de jarrones. En Tello se han desenterrado jarrones de piedra dura, similares a los del período dinástico temprano de Egipto.
Ashurbanipal promovió el arte y la cultura y tenía una vasta biblioteca de tablillas cuneiformes en Nínive.
El arte hitita fue producido por la civilización hitita en la antigua Anatolia , en la actual Turquía , y también se extendió a Siria durante el segundo milenio a. C., desde el siglo XIX hasta el siglo XII a. C. Este período se enmarca en la Edad del Bronce de Anatolia . Se caracteriza por una larga tradición de imágenes y motivos canonizados reorganizados, aunque todavía sean reconocibles, por los artistas para transmitir un significado a una población en gran parte analfabeta.
"Debido al vocabulario limitado de tipos figurativos [y motivos], la invención para el artista hitita generalmente era una cuestión de combinar y manipular las unidades para formar composiciones más complejas" [1]
Muchas de estas imágenes recurrentes giran en torno a la representación de deidades hititas y prácticas rituales . También hay una prevalencia de escenas de caza en el relieve hitita y formas representativas de animales. Gran parte del arte proviene de asentamientos como Alaca Höyük o la capital hitita de Hattusa cerca de la actual Boğazkale . Los académicos tienen dificultades para datar una gran parte del arte hitita, citando el hecho de que faltan inscripciones y gran parte del material encontrado, especialmente de los lugares de enterramiento, fue trasladado de sus ubicaciones originales y distribuido entre museos durante el siglo XIX.
El Complejo Arqueológico Bactria-Margiana es la designación arqueológica moderna para una civilización de la Edad de Bronce de Asia Central , que data de alrededor de 2300-1700 a. C., en el actual norte de Afganistán , este de Turkmenistán , sur de Uzbekistán y oeste de Tayikistán , centrada en el alto Amu Daria (río Oxus). Sus sitios fueron descubiertos y nombrados por el arqueólogo soviético Viktor Sarianidi (1976). [ cita requerida ] Se descubrieron centros urbanos monumentales, palacios y edificios de culto, en particular en Gonur-depe en Turkmenistán.
Se han encontrado materiales de BMAC en la civilización del valle del Indo , en la meseta iraní y en el golfo Pérsico . [2] Los hallazgos dentro de los sitios de BMAC proporcionan evidencia adicional de contactos comerciales y culturales. Incluyen un sello cilíndrico de tipo elamita y un sello de Harappa estampado con un elefante y escritura del Indo encontrado en Gonur-depe. [3] La relación entre Altyn-Depe y el valle del Indo parece haber sido particularmente fuerte. Entre los hallazgos, hubo dos sellos de Harappa y objetos de marfil. El asentamiento de Harappa de Shortugai en el norte de Afganistán en las orillas del Amu Darya probablemente sirvió como una estación comercial. [4]
Un tipo famoso de arte bactriano son las «princesas bactrianas» ( también conocidas como «damas Oxus»). Con grandes vestidos estilizados con mangas abullonadas, así como tocados que se fusionan con el cabello, encarnan a la diosa jerárquica, un personaje de la mitología centroasiática que desempeña un papel regulador, pacificando las fuerzas indómitas. Estas estatuillas se realizan combinando y ensamblando materiales de colores contrastantes. Los materiales preferidos son la clorita (o piedras similares de color verde oscuro), una piedra caliza blanquecina o alabastro moteado , o conchas marinas del océano Índico . [5] Los diferentes elementos del cuerpo y el traje se tallaban por separado y se unían, como en un rompecabezas, mediante cola de espiga y mortajas.
El arte aqueménida incluye relieves de frisos , trabajos en metal, decoración de palacios, mampostería de ladrillos vidriados, artesanía fina (mampostería, carpintería, etc.) y jardinería. La mayor parte de los vestigios del arte cortesano son esculturas monumentales, sobre todo los relieves , los capiteles de columnas persas con cabezas de animales dobles y otras esculturas de Persépolis . [6]
Aunque los persas tomaron artistas, con sus estilos y técnicas, de todos los rincones de su imperio, no produjeron simplemente una combinación de estilos, sino una síntesis de un nuevo estilo persa único. [7] De hecho, Ciro el Grande tenía una extensa herencia iraní antigua a sus espaldas; la rica orfebrería aqueménida, que las inscripciones sugieren que pudo haber sido una especialidad de los medos, estaba, por ejemplo, en la tradición de sitios anteriores.
Hay una gran cantidad de piezas de joyería o incrustaciones de metales preciosos, en su mayoría con animales, y el Tesoro del Oxus tiene una amplia selección de tipos. La élite cosía piezas pequeñas, generalmente de oro, a la ropa, y han sobrevivido varios torques de oro . [6]
El arte fenicio carece de características únicas que lo diferencien de sus contemporáneos. Esto se debe a que estuvo muy influenciado por culturas artísticas extranjeras: principalmente Egipto , Grecia y Asiria . Los fenicios que se educaron en las orillas del Nilo y el Éufrates adquirieron una amplia experiencia artística y finalmente llegaron a crear su propio arte, que era una amalgama de modelos y perspectivas extranjeras. [8] En un artículo de The New York Times publicado el 5 de enero de 1879, el arte fenicio se describía de la siguiente manera:
Entró en las labores de otros hombres y se aprovechó de la mayor parte de su herencia. La esfinge de Egipto se convirtió en asiática y su nueva forma se trasplantó a Nínive por un lado y a Grecia por el otro. Las rosetas y otros patrones de los cilindros babilónicos se introdujeron en la artesanía de Fenicia y así pasaron a Occidente, mientras que el héroe de la antigua epopeya caldea se convirtió primero en el Melkarth tirio y luego en el Heracles de Hellas.
El arte de la Arabia preislámica está relacionado con el de las culturas vecinas. El Yemen preislámico produjo cabezas estilizadas de alabastro de gran encanto estético e histórico. La mayoría de las esculturas preislámicas están hechas de alabastro .
La arqueología ha revelado algunas civilizaciones tempranas asentadas en Arabia Saudita : la civilización Dilmun en el este de la Península Arábiga, Thamud al norte del Hiyaz y las civilizaciones Kinda y Al-Magar en el centro de la Península Arábiga. Los primeros eventos conocidos en la historia árabe son migraciones desde la península a áreas vecinas. [9] En la antigüedad, el papel de las sociedades del sur de Arabia como Saba ( Sheba ) en la producción y comercio de aromáticos no solo trajo riqueza a dichos reinos, sino que también unió a la Península Arábiga a las redes comerciales, lo que resultó en influencias artísticas de largo alcance.
Parece probable que antes de alrededor de 4000 a. C. el clima árabe fuera algo más húmedo que hoy, beneficiándose de un sistema monzónico que desde entonces se ha desplazado hacia el sur. [ cita requerida ] Durante finales del cuarto milenio a. C. comenzaron a aparecer asentamientos permanentes y los habitantes se adaptaron a las condiciones más secas emergentes. En el suroeste de Arabia (actual Yemen ) un clima más húmedo sustentó a varios reinos durante el segundo y primer milenio a. C. El más famoso de ellos es Sheba , el reino de la bíblica reina de Saba . Estas sociedades utilizaron una combinación de comercio de especias y los recursos naturales de la región, incluidos aromáticos como el incienso y la mirra, para construir reinos ricos. Mārib , la capital sabea , estaba bien posicionada para aprovechar el comercio del Mediterráneo y del Cercano Oriente, y en los reinos del este, en lo que hoy es Omán , eran posibles vínculos comerciales con Mesopotamia , Persia e incluso la India. La zona nunca formó parte de los imperios asirio o persa , e incluso el control babilónico del noroeste de Arabia parece haber sido relativamente efímero. Los intentos posteriores de Roma de controlar el lucrativo comercio de la región fracasaron. Esta impenetrabilidad para los ejércitos extranjeros sin duda aumentó el poder de negociación de los antiguos gobernantes en el comercio de especias e incienso.
Aunque sujeta a influencias externas, la Arabia del Sur conservó características que le son propias. La figura humana se basa típicamente en formas cuadradas y fuertes, en las que el modelado fino de los detalles contrasta con una simplicidad estilizada de las formas.
Debido a la naturaleza altamente religiosa de la antigua civilización egipcia , muchas de las grandes obras del antiguo Egipto representan dioses, diosas y faraones , que también eran considerados divinos. La idea del orden caracteriza el arte egipcio antiguo. Las líneas claras y simples combinadas con formas simples y áreas planas de color ayudaron a crear una sensación de orden y equilibrio en el arte del antiguo Egipto. Los artistas del Antiguo Egipto usaban líneas de referencia verticales y horizontales para mantener las proporciones correctas en su trabajo. El orden político y religioso, así como el artístico, también se mantenían en el arte egipcio. Para definir claramente la jerarquía social de una situación, las figuras se dibujaban en tamaños que no se basaban en su distancia desde la perspectiva del pintor, sino en su importancia relativa. Por ejemplo, el faraón se dibujaba como la figura más grande de una pintura sin importar dónde estuviera situado, y un dios mayor se dibujaba más grande que un dios menor.
El simbolismo también desempeñó un papel importante en el establecimiento de un sentido de orden. El simbolismo, que abarcaba desde las insignias del faraón (que simbolizaban su poder para mantener el orden) hasta los símbolos individuales de los dioses y diosas egipcios, estaba omnipresente en el arte egipcio. Los animales también solían ser figuras altamente simbólicas en el arte egipcio. El color también tenía un significado amplio: el azul y el verde representaban el Nilo y la vida; el amarillo representaba al dios del sol; y el rojo representaba el poder y la vitalidad. Los colores de los artefactos egipcios han sobrevivido muy bien a lo largo de los siglos debido al clima seco de Egipto.
A pesar de la forma forzada causada por la falta de perspectiva, el arte egipcio antiguo es a menudo muy realista. Los artistas egipcios antiguos a menudo muestran un conocimiento sofisticado de la anatomía y una gran atención al detalle, especialmente en sus representaciones de animales. Durante la XVIII Dinastía de Egipto, un faraón llamado Akenatón tomó el trono y abolió el politeísmo tradicional . Formó una religión monoteísta basada en el culto a Atón, un dios del sol. El cambio artístico siguió a la agitación política. Se introdujo un nuevo estilo de arte que era más naturalista que el friso estilizado favorecido en el arte egipcio durante los 1700 años anteriores. Sin embargo, después de la muerte de Akenatón, los artistas egipcios volvieron a sus viejos estilos.
La loza que se producía en la antigüedad egipcia ya en el año 3500 a. C. era de hecho superior a la loza vidriada con estaño del siglo XV europeo. [10] La loza del antiguo Egipto no estaba hecha de arcilla , sino de una cerámica compuesta principalmente de cuarzo .
La mayor civilización de la Edad del Bronce fue la de los minoicos , un pueblo mercantilista que construyó un imperio comercial desde su tierra natal de Creta y desde otras islas del Egeo. La civilización minoica era conocida por su hermosa cerámica , pero también por sus frescos , paisajes y tallas de piedra. En el período minoico temprano, la cerámica se caracterizaba por espirales, triángulos, líneas curvas, cruces y motivos de espinas de pescado. En el período minoico medio, los diseños naturalistas como peces, calamares, pájaros y lirios eran comunes. En el período minoico tardío, las flores y los animales seguían siendo los más característicos, pero la variabilidad había aumentado. El "estilo palaciego" de la región alrededor de Cnosos se caracteriza por una fuerte simplificación geométrica de formas naturalistas y por la pintura monocromática . El palacio de Cnosos estaba decorado con frescos que mostraban aspectos de la vida cotidiana, incluidos los rituales de la corte y el entretenimiento como el salto del toro y el boxeo . Los minoicos eran hábiles orfebres que creaban hermosos colgantes y máscaras. El famoso " Colgante Malia " de la época minoica, encontrado en Chryssolakkos y ahora expuesto en el Museo Arqueológico de Heraklion, es un ejemplo de orfebrería de alta calidad. [11]
![Copas de Vaphio; 1675-1410 a. C.; oro; altura: 7,8 cm, diámetro: 10,7 cm; de Vaphio (Laconia, Grecia); Museo Arqueológico Nacional (Atenas)[13]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/39/Gold_in_NAMA_32.JPG/1280px-Gold_in_NAMA_32.JPG)
![Diosa serpiente; 1460-1410 a. C. (del período neopalacial minoico); loza; altura: 29,5 cm; del depósito del templo de Cnosos; Museo Arqueológico de Heraklion[14]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/%CE%98%CE%B5%CE%AC_%CF%84%CF%89%CE%BD_%CE%8C%CF%86%CE%B5%CF%89%CE%BD_6393_(cropped).JPG/1280px-%CE%98%CE%B5%CE%AC_%CF%84%CF%89%CE%BD_%CE%8C%CF%86%CE%B5%CF%89%CE%BD_6393_(cropped).JPG)
El arte micénico está próximo al minoico e incluye numerosos hallazgos espléndidos de tumbas reales, el más famoso de los cuales es la Máscara de Agamenón , una máscara funeraria de oro. Como se puede ver en este objeto, los micénicos se especializaron en el trabajo del oro. Sus obras de arte son conocidas por la plétora de motivos decorativos empleados. En algún momento de su historia cultural, los micénicos adoptaron a las diosas minoicas y las asociaron con su dios del cielo; los estudiosos creen que el panteón griego de deidades no refleja la religión micénica, excepto las diosas y Zeus. Estas diosas, sin embargo, son de origen minoico.
El arte de la Antigua Grecia incluye mucha cerámica y escultura, así como arquitectura. La escultura griega es conocida por la posición de contrapposto de las figuras. El arte de la Antigua Grecia suele dividirse estilísticamente en tres períodos: el Arcaico, el Clásico y el Helenístico. La historia de la cerámica de la Antigua Grecia se divide estilísticamente en períodos: el Protogeométrico, el Geométrico, el Geométrico Tardío o Arcaico, el de Figuras Negras y el de Figuras Rojas. El arte de la Antigua Grecia ha sobrevivido con más éxito en las formas de escultura y arquitectura, así como en artes menores como el diseño de monedas, la cerámica y el grabado de gemas.
La forma más prestigiosa de la pintura griega antigua era la pintura sobre tabla , hoy conocida solo por descripciones literarias; desaparecieron rápidamente después del siglo IV d. C., cuando ya no se las protegió activamente. Hoy en día no sobrevive mucho de la pintura griega, a excepción de las pinturas tardías de momias y unas pocas pinturas en las paredes de las tumbas, principalmente en Macedonia e Italia. La pintura sobre cerámica, de la que sobrevive una gran parte, da una idea de la estética de la pintura griega. Sin embargo, las técnicas involucradas eran muy diferentes de las utilizadas en la pintura de gran formato. Era principalmente en negro y dorado y se pintaba con pinturas diferentes a las que se usaban en las paredes o la madera, porque era una superficie diferente.
El arte etrusco fue producido por la civilización etrusca en Italia central entre los siglos IX y II a. C. Desde alrededor del 600 a. C. estuvo fuertemente influenciado por el arte griego , que fue importado por los etruscos, pero siempre conservó características distintivas. Particularmente fuertes en esta tradición fueron la escultura figurativa en terracota (especialmente de tamaño natural en sarcófagos o templos), la pintura mural y la metalistería , especialmente en bronce. Se produjeron joyas y gemas grabadas de alta calidad. [21]
La escultura etrusca en bronce fundido era famosa y se exportaba ampliamente, pero han sobrevivido relativamente pocos ejemplos de gran tamaño (el material era demasiado valioso y se recicló más tarde). A diferencia de la terracota y el bronce, había relativamente poca escultura etrusca en piedra, a pesar de que los etruscos controlaban excelentes fuentes de mármol, incluido el mármol de Carrara , que parece que no se explotó hasta los romanos.
La gran mayoría de los restos que se han conservado proceden de tumbas, que normalmente estaban repletas de sarcófagos y objetos funerarios , y de fragmentos de terracota de esculturas arquitectónicas, sobre todo alrededor de los templos. Las tumbas han producido todas las pinturas murales al fresco , que muestran escenas de festejos y algunos temas mitológicos narrativos.
Se dice comúnmente que el arte romano deriva del arte griego y etrusco . De hecho, las villas de los romanos ricos desenterradas en Pompeya y Herculano muestran una fuerte predilección por todo lo griego. Muchas de las obras de arte griegas más importantes sobreviven en virtud de su interpretación e imitación romana. Los artistas romanos buscaban conmemorar grandes eventos en la vida de su estado y glorificar a sus emperadores, así como registrar la vida interior de las personas y expresar ideas de belleza y nobleza. Sus bustos, y especialmente las imágenes de individuos en las lápidas, son muy expresivos y realistas, terminados con habilidad y estilo.
En Grecia y Roma, la pintura mural no se consideraba arte elevado. La forma de arte más prestigiosa, además de la escultura, era la pintura sobre tabla, es decir, la pintura al temple o encáustica sobre paneles de madera. Desafortunadamente, dado que la madera es un material perecedero, solo han sobrevivido unos pocos ejemplos de este tipo de pinturas, a saber, el Tondo Severo de alrededor del año 200 d. C., un retrato oficial muy rutinario de alguna oficina del gobierno provincial, y los famosos retratos de momias de Fayum, todos del Egipto romano y casi con certeza no de la más alta calidad contemporánea. Los retratos se adjuntaban a las momias funerarias por la cara, de las que ahora se han desprendido casi todos. Por lo general, representan a una sola persona, mostrando la cabeza, o la cabeza y la parte superior del pecho vistas de frente. El fondo siempre es monocromo, a veces con elementos decorativos. En términos de tradición artística, las imágenes derivan claramente más de las tradiciones grecorromanas que de las egipcias. Son notablemente realistas, aunque de calidad artística variable, y pueden indicar la existencia de un arte similar que se extendió por otros lugares pero que no sobrevivió. Del Imperio tardío se conservan algunos retratos pintados sobre vidrio y medallas, así como retratos en monedas, algunos de los cuales se consideran también muy realistas. Plinio el Joven se quejaba del estado de decadencia del arte del retrato romano: "La pintura de retratos, que solía transmitir a través de los siglos la imagen exacta de las personas, ha desaparecido por completo [...] La indolencia ha destruido las artes".
Las primeras esculturas de la India se remontan a la civilización del valle del Indo, hace unos 5.000 años, cuando se descubrieron pequeñas tallas de piedra y piezas de bronce. Más tarde, a medida que el hinduismo , el budismo y el jainismo se fueron desarrollando, la India produjo algunos de los bronces más intrincados del mundo, así como tallas de templos sin igual, algunas en enormes santuarios, como el de Ellora .
Las cuevas de Ajanta en Maharashtra , India, son monumentos rupestres excavados en la roca que datan del siglo II a. C. y contienen pinturas y esculturas consideradas obras maestras tanto del arte religioso budista como del arte pictórico universal. [22]
Prehistoric artwork such as painted pottery in Neolithic China can be traced back to the Yangshao culture and Longshan culture of the Yellow River valley. During China's Bronze Age, Chinese of the ancient Shang dynasty and Zhou dynasty produced multitudes of artistic bronzeware vessels for practical purposes, but also for religious ritual and geomancy. The earliest (surviving) Chinese paintings date to the Warring States period, and they were on silk as well as lacquerwares.
One of ancient China's most famous artistic relics remains the Terracotta warriors, an assembly of 8,099 individual and life-size terracotta figures (such as infantry, horses with chariots and cavalry, archers, and military officers), buried in the tomb of Qin Shi Huang, the First Qin Emperor, in 210 BC. This tradition was carried into the subsequent Han dynasty, although their tombs contained miniature versions of the soldiers in addition to domestic servants to serve rulers and nobility in the afterlife. Chinese art arguably shows more continuity between ancient and modern periods than that of any other civilization, as even when foreign dynasties took the Imperial throne they did not impose new cultural or religious habits and were relatively quickly assimilated.
The eras of Japanese art correspond to the locations of various governments. The earliest known Japanese artifacts are attributable to the Aniu tribe, who influenced the Jōmon people, and these eras came to be known as the Jōmon and Yayoi time periods. Before the Yayoi invaded Japan, Jimmu in 660 B.C. was the crowned emperor. Later came the Haniwa of the Kofun era, then the Asuka when Buddhism reached Japan from China. Religion influenced Japanese art significantly for centuries thereafter.[23]
The ancient Olmec "Bird Vessel" and bowl, both ceramic and dating to circa 1000 BC as well as other ceramics are produced in kilns capable of exceeding approximately 900 °C. The only other prehistoric culture known to have achieved such high temperatures is that of Ancient Egypt.[10]
Much Olmec art is highly stylized and uses iconography reflective of the religious meaning of the artworks. Some Olmec art, however, is surprisingly naturalistic, displaying an accuracy of the depiction of human anatomy perhaps equaled in the pre-Columbian New World only by the best Maya Classic era art. Olmec art forms emphasize monumental statuary and small jade carvings. A common theme is to be found in representations of a divine jaguar. Olmec figurines were also found abundantly through their period.
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![El colgante de Malia, una joya minoica emblemática; 1700-1600 a. C.; oro; ancho: 4,6 cm; del complejo Chrysolakkos (mina de oro) en Malia; Museo Arqueológico de Heraklion[12]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a9/Bee_pendant,_gold_ornament,_Chrysolakos_necropolis_near_Malia,_1800-1700_BC,_AMH,_144879.jpg/1280px-Bee_pendant,_gold_ornament,_Chrysolakos_necropolis_near_Malia,_1800-1700_BC,_AMH,_144879.jpg)
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![Sarcófago de Hagia Triada; 1370-1315 a. C.; piedra caliza; longitud: 1,4 m, altura: 0,9 m; de la tumba de cámara 4 en Hagia Triada, cerca de Festos (Creta); Museo Arqueológico de Heraklion[15]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/49/Sarcophagus_archmus_Heraklion.jpg/1280px-Sarcophagus_archmus_Heraklion.jpg)
![Daga con incrustaciones; 1550-1500 a. C.; bronce, plata, oro y niel; longitud: 16 cm; Museo Arqueológico Nacional (Atenas)[16]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e2/02_2020_Grecia_photo_Paolo_Villa_FO190049_(Museo_archeologico_di_Atene_)_Pugnale_da_Micene,_con_agemina_in_argento_e_oro._Papiri,_pantera,_uccelli,_pesci_in_un_fiume._Bronzo_miceneo_del_XVIsec_a.C._circa_NAMA_765,_senza_gimp_(cropped).jpg/1280px-thumbnail.jpg)
![Dos mujeres y un niño; 1400-1300 a. C.; marfil; altura: 7,8 cm; Museo Arqueológico Nacional (Atenas)[16]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d8/Ivory_tvo_women_and_child_Myenaean,_NAMA_7711_080853_(cropped).jpg/1280px-Ivory_tvo_women_and_child_Myenaean,_NAMA_7711_080853_(cropped).jpg)
![Cabeza de guerrero; 1300-1200 a. C.; marfil; altura: 8 cm; Museo Arqueológico Nacional (Atenas)[16]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/15/Boar's_tisk_helmet_(cropped).jpg/1280px-Boar's_tisk_helmet_(cropped).jpg)
![El Partenón de la Acrópolis de Atenas, el templo dórico griego más emblemático, construido en mármol y piedra caliza entre los años 460 y 406 a. C., dedicado a la diosa Atenea[17]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a4/Parthenon_(30276156187).jpg/1280px-Parthenon_(30276156187).jpg)
![Hermes y el niño Dioniso; de Praxíteles; 330-320 a. C.; mármol; altura: 2,15 m; Museo Arqueológico de Olimpia (Olimpia, Grecia)[18]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/26/Hermes_and_the_infant_Dionysus_by_Praxiteles.jpg/1280px-Hermes_and_the_infant_Dionysus_by_Praxiteles.jpg)
![Sarcófago de Alejandro; 320–310 a. C.; mármol; longitud: 3,18 m; Museo Arqueológico de Estambul (Turquía)[19]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/31/Alexander_Sarcophagus,_Istanbul_Archaeological_Museums_2024_(1).jpg/1280px-Alexander_Sarcophagus,_Istanbul_Archaeological_Museums_2024_(1).jpg)
![Grupo de Afrodita, Pan y Eros; alrededor del año 100 a. C.; mármol; altura (sin base): 1,32 m; Museo Arqueológico Nacional (Atenas)[20]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Aphrodite_Pan_Eros_NAMA_3335_Athens_Greece.jpg/1280px-Aphrodite_Pan_Eros_NAMA_3335_Athens_Greece.jpg)
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{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link); Cotterell, 162Sources