Un melodrama moderno es una obra dramática en la que la trama, típicamente sensacionalista y con un fuerte atractivo emocional, tiene prioridad sobre la caracterización detallada. Los melodramas suelen concentrarse en el diálogo, que a menudo es grandilocuente o excesivamente sentimental , en lugar de la acción. Los personajes suelen ser planos y están escritos para cumplir con los arquetipos de personajes establecidos . Los melodramas suelen estar ambientados en la esfera privada del hogar, centrándose en la moralidad y los problemas familiares, el amor y el matrimonio, a menudo con desafíos de una fuente externa, como una "tentadora", un sinvergüenza o un villano aristocrático. Un melodrama en el escenario, filmado o en la televisión suele ir acompañado de música dramática y sugerente que ofrece más pistas a la audiencia sobre los ritmos dramáticos que se presentan.
En contextos musicales académicos e históricos, los melodramas son dramas victorianos en los que se utilizaba música orquestal o canciones para acompañar la acción. El término ahora también se aplica a representaciones teatrales sin música incidental, novelas, películas, programas de televisión y radio. En contextos modernos, el término "melodrama" es generalmente peyorativo, [1] ya que sugiere que la obra en cuestión carece de sutileza, desarrollo de personajes o ambos. Por extensión, el lenguaje o comportamiento que se asemeja al melodrama a menudo se llama melodramático ; este uso es casi siempre peyorativo. [ cita requerida ]
El término se utilizó por primera vez en inglés en 1784 (en 1782 como melo drame ) a partir de la palabra francesa mélodrame ( c. 1772 ), [2] derivada a su vez del griego μέλος ("canción" o "música") y del francés drame ("drama"). [3] [4] [5]
La relación entre el melodrama y el realismo es compleja. Los protagonistas de las obras melodramáticas pueden ser personas comunes (y por lo tanto realistas) que se ven atrapadas en eventos extraordinarios o personajes muy exagerados y poco realistas. Con respecto a sus altas emociones y retórica dramática, el melodrama representa una "victoria sobre la represión". [6] El melodrama de finales de la época victoriana y eduardiana combinaba un enfoque consciente en el realismo en los decorados y la utilería con el "antirrealismo" en los personajes y la trama. El melodrama de este período se esforzaba por lograr una "precisión creíble en la representación de escenas increíbles y extraordinarias". [7] El novelista Wilkie Collins es conocido por su atención a la precisión en los detalles (por ejemplo, de asuntos legales) en sus obras, sin importar cuán sensacionalista fuera la trama.
Los melodramas se centran principalmente en la víctima, en una lucha entre opciones buenas y malas , como cuando un hombre es alentado a abandonar a su familia por una "tentadora malvada". [8] Otros personajes típicos son la "mujer caída", la madre soltera, el huérfano y el hombre que lucha con los impactos del mundo moderno. [8] El melodrama examina cuestiones familiares y sociales en el contexto de un hogar privado, y su público objetivo es la espectadora femenina; en segundo lugar, el espectador masculino puede disfrutar de las tensiones que se resuelven en la pantalla en el hogar. [8] El melodrama generalmente mira hacia épocas ideales y nostálgicas, haciendo hincapié en los "anhelos prohibidos". [8]
El melodrama se asoció con el auge del capitalismo en el siglo XIX. El drama romántico francés y las novelas sentimentales fueron populares tanto en Inglaterra como en Francia. [8] Estos dramas y novelas se centraban en los códigos morales en lo que respecta a la vida familiar, el amor y el matrimonio, y pueden verse como un reflejo de los problemas planteados por la Revolución Francesa , la Revolución Industrial y el cambio hacia la modernización. [8] Muchos melodramas trataban sobre una joven de clase media que experimentaba avances sexuales no deseados por parte de un malhechor aristocrático, siendo la agresión sexual una metáfora del conflicto de clases. [8] El melodrama reflejaba las ansiedades posindustriales de la clase media, que temía tanto a los agentes de poder aristocráticos como a la "turba" de la clase trabajadora empobrecida. [8]
El melodrama surgió en la segunda mitad del siglo XVIII como un género intermedio entre el teatro y la ópera. Combinaba la recitación hablada con breves fragmentos de música de acompañamiento. La música y el diálogo hablado se alternaban típicamente en estas obras, aunque la música a veces también se utilizaba para acompañar a la pantomima . Con un actor, se puede utilizar el término monodrama ; con dos, duodrama . [9] También aparecía a veces como una escena dentro de una obra de teatro o una ópera. Fue solo más tarde, en el siglo XIX, cuando el término perdió su asociación con la música y comenzó a utilizarse para obras con tramas sentimentales y sensacionalistas típicas del drama popular victoriano . [10]
Los primeros ejemplos conocidos de melodrama son escenas de la obra escolar en latín Sigismundus (1753) de JE Eberlin. [9] El primer melodrama completo fue el monodrama Pigmalión de Jean-Jacques Rousseau , [9] cuyo texto fue escrito en 1762 pero se representó por primera vez en Lyon en 1770. Rousseau compuso la obertura y un Andante, pero la mayor parte de la música fue compuesta por Horace Coignet . [10] [11]
En 1772 se interpretó en Weimar una versión musical diferente del Pigmalión de Rousseau, obra de Anton Schweitzer , y Goethe escribió sobre ella con aprobación en Dichtung und Wahrheit . [12]
En el cuarto cuarto del siglo XVIII se produjeron en Alemania unos 30 monodramas más. [13] Georg Benda tuvo un éxito especial con sus duodramas Ariadne auf Naxos (1775) y Medea (1775). El éxito sensacional de los melodramas de Benda llevó a otros a componer obras similares, incluido Mozart, que habló con aprobación de la música de Benda y más tarde utilizó él mismo dos largos monólogos melodramáticos en su ópera Zaide (1780). [9]
Otros ejemplos posteriores y más conocidos del estilo melodramático en las óperas son la escena de la tumba en Fidelio (1805) de Beethoven y la escena del encantamiento en Der Freischütz (1821) de Weber. [9] [12]
Después de la Restauración inglesa de Carlos II en 1660, que levantó la prohibición puritana del teatro, a la mayoría de los teatros británicos se les prohibió representar dramas "serios", pero se les permitió mostrar comedias u obras con música. [14] Carlos II emitió cartas patentes para permitir que solo dos compañías de teatro de Londres representaran dramas "serios". Se trataba del Theatre Royal, Drury Lane y el Lisle's Tennis Court en Lincoln's Inn Fields , el último de los cuales se trasladó al Theatre Royal, Covent Garden en 1720 (hoy Royal Opera House ). Los dos teatros patentados cerraban en los meses de verano. Para llenar el vacío, el Theatre Royal, Haymarket se convirtió en el tercer teatro patentado de Londres en 1766.
Finalmente, se concedieron más patentes a un teatro en cada una de las otras ciudades y pueblos ingleses. Otros teatros presentaban obras teatrales amenizadas con música y, tomando prestado el término francés, las llamaban melodramas para eludir la restricción. La Ley de Teatros de 1843 finalmente permitió que todos los teatros representaran obras teatrales. [15]
A principios del siglo XIX, la influencia de la ópera dio lugar a oberturas musicales y música incidental para muchas obras. En 1820, Franz Schubert escribió un melodrama, Die Zauberharfe ("El arpa mágica"), en el que se musicalizaba la obra escrita por G. von Hofmann. No tuvo éxito, como todas las aventuras teatrales de Schubert, pero el género del melodrama era popular en ese momento. En una época en la que los músicos estaban mal pagados, muchas obras del siglo XIX en Londres tenían una orquesta en el foso. En 1826, Felix Mendelssohn escribió su famosa obertura para El sueño de una noche de verano de Shakespeare , y más tarde proporcionó música incidental a la obra.
En La Traviata de Verdi , Violetta recibe una carta del padre de Alfredo en la que le escribe que Alfredo ya sabe por qué se separó de él y que la perdona ("Teneste la promessa..."). Con su voz hablada, entona las palabras de lo escrito, mientras la orquesta recapitula la música de su primer amor del Acto I: técnicamente se trata de un melodrama. En unos momentos, Violetta estalla en una aria apasionada y desesperada ("Addio, del passato"): esto es ópera otra vez.
De manera similar, los victorianos solían añadir "música incidental" debajo del diálogo de una obra preexistente, aunque este estilo de composición ya se practicaba en los días de Ludwig van Beethoven ( Egmont ) y Franz Schubert ( Rosamunde ). (Este tipo de producción, a menudo lujosa, ahora se limita principalmente al cine (ver banda sonora de cine ) debido al costo de contratar una orquesta. La tecnología de grabación moderna está produciendo un cierto renacimiento de la práctica en el teatro, pero no en la escala anterior). Una versión particularmente completa de esta forma, la música incidental de Sullivan para The Foresters de Tennyson , está disponible en línea, [16] completa con varios melodramas, por ejemplo, el n.º 12 que se encuentra aquí. [17] Algunas operetas exhiben melodrama en el sentido de música tocada bajo diálogo hablado, por ejemplo, Ruddigore de Gilbert y Sullivan (en sí misma una parodia de melodramas en el sentido moderno) tiene un "melodrama" corto (reducido a diálogo solamente en muchas producciones) en el segundo acto; [18] Orfeo en los infiernos de Jacques Offenbach comienza con un melodrama interpretado por el personaje de "Opinión pública"; y otras piezas de operetas y musicales pueden considerarse melodramas, como el "Recit and Minuet" [19] en El brujo de Gilbert y Sullivan . Como ejemplo del musical estadounidense, varios discursos largos en Brigadoon de Lerner y Loewe se interpretan sobre un acompañamiento de música evocadora. La técnica también se utiliza con frecuencia en la zarzuela española , tanto en los siglos XIX como XX, y siguió utilizándose también como "efecto especial" en la ópera, por ejemplo en Die Frau ohne Schatten de Richard Strauss .
En París, el siglo XIX fue testigo de un florecimiento del melodrama en los numerosos teatros que se ubicaban en el popular Boulevard du Crime , especialmente en la Gaîté . Sin embargo, todo esto llegó a su fin cuando la mayoría de estos teatros fueron demolidos durante la reconstrucción de París llevada a cabo por el barón Haussmann en 1862. [20]
A finales del siglo XIX, el término melodrama se había reducido casi exclusivamente a un género específico de entretenimiento de salón: palabras habladas más o menos rítmicamente (a menudo poesía), no cantadas, a veces más o menos representadas, al menos con alguna estructura o trama dramática , sincronizadas con el acompañamiento de música (generalmente piano). Fue menospreciado como un género para autores y compositores de menor estatura (probablemente también por eso prácticamente no se recuerdan todavía realizaciones del género) - aunque hay ejemplos de Robert Schumann ( Ballads for Statement , década de 1850) [21] y Richard Strauss para narrador y piano ( Enoch Arden (1897). El compositor inglés Stanley Hawley hizo muchas de esas configuraciones, algunas de las cuales se interpretaron en la primera temporada de los Henry Wood Proms en Londres. Probablemente también fue en esta época cuando la connotación de sobreactuación barata se asoció por primera vez con el término. Como género que mezclaba narración y música de cámara, fue eclipsado casi de la noche a la mañana por una sola composición: Pierrot Lunaire de Schoenberg (1912), donde se utilizó Sprechgesang en lugar de palabras habladas rítmicamente, y que tomó un curso más libre e imaginativo con respecto a la prerrogativa de la trama .
En el contexto del Renacimiento Nacional Checo , el melodrama adquirió un significado específicamente nacionalista para los artistas checos, comenzando aproximadamente en la década de 1870 y continuando durante la Primera República Checoslovaca del período de entreguerras. Esta nueva comprensión del melodrama surgió principalmente de académicos y críticos del siglo XIX como Otakar Hostinský , quien consideraba que el género era una contribución exclusivamente "checa" a la historia de la música (basándose en los orígenes nacionales de Georg Benda , cuyos melodramas, sin embargo, habían sido en alemán). Tales sentimientos provocaron que un gran número de compositores checos produjeran melodramas basados en la poesía romántica checa, como Kytice de Karel Jaromír Erben .
El compositor romántico Zdeněk Fibich , en particular, defendió el género como un medio para establecer correctamente la declamación checa: sus melodramas Štědrý den (1874) y Vodník (1883) utilizan duraciones rítmicas para especificar la alineación de la palabra hablada y el acompañamiento. El principal logro de Fibich fue Hippodamie (1888-1891), una trilogía de melodramas escenificados durante toda la noche sobre los textos de Jaroslav Vrchlický con múltiples actores y orquesta, compuestos en un estilo musical wagneriano avanzado. Las principales contribuciones de Josef Suk a finales del siglo incluyen melodramas para obras de dos escenas de Julius Zeyer : Radúz a Mahulena (1898) y Pod Jabloní (1901), ambos con una larga historia de representación.
Siguiendo los ejemplos de Fibich y Suk, muchos otros compositores checos pusieron melodramas como obras independientes basadas en la poesía del Renacimiento nacional, entre ellos Karel Kovařovic , Otakar Ostrčil , Ladislav Vycpálek , Otakar Jeremiáš , Emil Axman y Jan Zelinka. Vítězslav Novák incluyó partes de melodrama en su ópera de 1923 Lucerna , y Jaroslav Ježek compuso escenas clave para las obras de teatro de Osvobozené divadlo como melodrama (más notablemente el prólogo de apertura de la farsa antifascista Osel a stín (1933), interpretada por el personaje de Dioniso en ritmo de bolero ). La práctica de los melodramas checos disminuyó después del Protectorado nazi .
El melodrama teatral victoriano presentaba seis personajes estereotipados : el héroe, el villano, la heroína, un padre anciano, un compinche y un sirviente del padre anciano, todos ellos envueltos en una trama sensacionalista que incluía temas de amor y asesinato. A menudo, el héroe bueno, pero no muy astuto, es engañado por un villano intrigante, que tiene los ojos puestos en la damisela en apuros hasta que el destino interviene al final para asegurar el triunfo del bien sobre el mal. [22] Dos características centrales eran el coup de théàtre, o reverso de la fortuna, y el disparate: un discurso del héroe contra la pared que obliga al público a aplaudir. [23]
El melodrama inglés evolucionó a partir de la tradición del drama populista establecido durante la Edad Media por las obras de misterio y moralidad , bajo influencias de la commedia dell'arte italiana , así como del drama alemán Sturm und Drang y el melodrama parisino del período posrevolucionario. [24] Un notable melodramaturgo francés fue Pixérécourt, cuya obra La Femme à deux maris fue muy popular. [25]
La primera obra inglesa que se denominó melodrama fue A Tale of Mystery (1802) de Thomas Holcroft . Se trata de un ejemplo del género gótico , del que un ejemplo teatral anterior fue The Castle Spectre (1797) de Matthew Gregory Lewis . Otros melodramas góticos incluyen The Miller and his Men (1813) de Isaac Pocock , The Woodsman's Hut (1814) de Samuel Arnold y The Broken Sword (1816) de William Dimond .
El siguiente subgénero popular, que sustituyó al gótico, fue el melodrama náutico, iniciado por Douglas Jerrold en su obra Black-Eyed Susan (1829). Otros melodramas náuticos fueron The Mutiny at the Nore (1830) de Jerrold y The Red Rover (1829) de Edward Fitzball (Rowell 1953). [22] Los melodramas basados en situaciones urbanas se hicieron populares a mediados del siglo XIX, entre ellos The Streets of London (1864) de Dion Boucicault y Lost in London (1867) de Watts Phillips, mientras que también aparecieron el melodrama carcelario, el melodrama de la templanza y el melodrama imperialista, este último típicamente presentando las tres categorías del nativo "bueno", el nativo valiente pero malvado y el nativo traicionero. [26]
Las novelas sensacionalistas de las décadas de 1860 y 1870 no sólo proporcionaron material fértil para adaptaciones melodramáticas, sino que son melodramáticas por derecho propio. Un ejemplo notable de este género es El secreto de Lady Audley , de Elizabeth Braddon, adaptada, en dos versiones diferentes, por George Roberts y C. H. Hazlewood. Las novelas de Wilkie Collins tienen características de melodrama; su obra más conocida, La mujer de blanco, es considerada por algunos críticos modernos como "el melodrama más brillante de la época". [27]
El villano es a menudo el personaje central del melodrama, y el crimen era un tema favorito. Esto incluía dramatizaciones de las carreras asesinas de Burke y Hare , Sweeney Todd (apareció por primera vez en El collar de perlas (1847) de George Dibdin Pitt ), el asesinato de Maria Marten en el Granero Rojo y las extrañas hazañas de Spring Heeled Jack . Las desgracias de un prisionero liberado son el tema de la sensacional The Ticket-of-Leave Man (1863) de Tom Taylor .
Las primeras películas mudas, como Los peligros de Pauline , tenían temas similares. Más tarde, cuando las películas mudas fueron reemplazadas por las "películas sonoras", el actor de teatro Tod Slaughter , a la edad de 50 años, trasladó a la pantalla los melodramas victorianos en los que había interpretado a un villano en su anterior carrera teatral. Estas películas, que incluyen Maria Marten o Murder in the Red Barn (1935), Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (1936) y The Ticket of Leave Man (1937) son un registro único de una forma de arte del pasado.
El melodrama clásico es menos común de lo que solía ser en la televisión y en las películas del mundo occidental. Sin embargo, sigue siendo muy popular en otras regiones, particularmente en Asia y en los países hispanos. El melodrama es uno de los principales géneros (junto con el romance, la comedia y la fantasía) utilizados en los dramas televisivos latinoamericanos (telenovelas), particularmente en Venezuela , México , Colombia , Argentina y Brasil , y en los dramas televisivos asiáticos, Corea del Sur , Japón , Taiwán , China , Pakistán , Tailandia , India , Turquía y (en una fusión de las culturas hispana y asiática) Filipinas . Las comunidades de expatriados en la diáspora de estos países le dan a la audiencia un mercado global.
Las películas de melodrama son un subgénero de películas dramáticas que se caracterizan por tramas que apelan a las emociones intensas de la audiencia . Las películas melodramáticas suelen utilizar tramas que involucran crisis de emociones humanas, romances o amistades fallidas , situaciones familiares tensas, tragedias , enfermedades , neurosis o dificultades emocionales y físicas. Los personajes típicos presentes en las películas de melodrama incluyen víctimas, parejas, personajes virtuosos y heroicos y protagonistas sufrientes (generalmente heroínas ). Estos personajes se enfrentan a tremendas presiones sociales, amenazas, represión, miedos, eventos improbables o dificultades con amigos, comunidad , trabajo , amantes o familia. Siguiendo el formato melodramático típico, los personajes superan sus dificultades y superan los problemas.
Un punto común de tensión en la trama es que los personajes se sienten atrapados en los escenarios melodramáticos típicos de la esfera doméstica del hogar o de la pequeña ciudad. Los cineastas suelen añadir flashbacks para ampliar los escenarios que, de otro modo, serían constantes en las películas melodramáticas.
Las feministas han señalado cuatro categorías de temas en el melodrama cinematográfico: aquellos con una paciente femenina, una figura maternal, un "amor imposible" y el melodrama paranoico. [8]
La mayoría de los melodramas cinematográficos de las décadas de 1930 y 1940, conocidos en ese momento como "weepies" o "tearjerkers", eran adaptaciones de ficción femenina, como novelas románticas y romances históricos. [8] Partiendo de una historia compartida con la ficción femenina, las películas melodramáticas a menudo se concentran en las perspectivas y los deseos femeninos. Desde la década de 1930 hasta finales de la década de 1960, las restricciones del Código Hays sobre la inclusión de contenido "licencioso" en las películas restringirían la representación del deseo femenino en el melodrama cinematográfico estadounidense. [8]
Durante la década de 1940, los melodramas británicos de Gainsborough tuvieron éxito entre el público. [ cita requerida ]
En la década de 1950, las películas del director Douglas Sirk , como Todo lo que el cielo permite (1955) y Escrito en el viento (1956), son representativas del género. Muchos cineastas melodramáticos posteriores citan a Sirk y sus obras como influencias significativas.
En la década de 1970, Rainer Werner Fassbinder , quien fue influenciado por Sirk, contribuyó al género al abordar cuestiones dentro del subconsciente cultural, abordando la clase en El mercader de las cuatro estaciones (1971) y Madre Küsters va al cielo (1975), la orientación sexual y la codependencia en Las amargas lágrimas de Petra von Kant (1972) y el racismo, la xenofobia y el edadismo en El miedo devora el alma (1974).
En la década de 1980 resurgieron los melodramas estadounidenses "para mujeres", como Terms of Endearment (1983), Beaches (1988) y Steel Magnolias (1989). En televisión, las miniseries fueron un formato popular para melodramas suntuosos centrados en mujeres, como Scruples (1980), Lace (1984) y Sins (1986). [31]
Los melodramas como las películas de televisión Moment of Truth de los años 90 estaban dirigidos a un público femenino estadounidense al retratar los efectos del alcoholismo , la violencia doméstica , la violación y similares. Un ejemplo típico del melodrama de los años 90 es la película Agnes Browne de Anjelica Huston de 1999. [32]
Las películas de Todd Haynes Far from Heaven (2002), Carol (2015) y May December (2023) son versiones más recientes del melodrama. [33] El director contemporáneo Pedro Almodóvar también se ha inspirado mucho en el género melodramático y en directores como Sirk. [34]
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