Una impresión maestra antigua (también impresión maestra espaciada ) es una obra de arte producida mediante un proceso de impresión dentro de la tradición occidental. El término sigue estando vigente en el comercio del arte , y no existe una alternativa fácil en inglés para distinguir las obras de " bellas artes " producidas en el grabado de la amplia gama de grabados decorativos, utilitarios y populares que crecieron rápidamente junto con el grabado artístico del siglo XV. siglo en adelante. Los grabados del siglo XV son lo suficientemente raros como para clasificarlos como grabados de antiguos maestros, incluso si son de una calidad artística tosca o meramente artesanal. Generalmente se considera que una fecha de alrededor de 1830 marca el final del período cuyas impresiones están cubiertas por este término.
Las principales técnicas utilizadas, por orden de introducción, son la xilografía , el grabado , el aguafuerte , la mezzotinta y el aguatinta , aunque existen otras. A menudo se combinan diferentes técnicas en una sola impresión. Con raras excepciones impresas en textiles, como seda o vitela , las impresiones de antiguos maestros se imprimen en papel . Este artículo se ocupa de los aspectos artísticos, históricos y sociales del tema; El artículo sobre grabado resume las técnicas utilizadas para realizar grabados de antiguos maestros, desde una perspectiva moderna.
Muchos grandes artistas europeos, como Alberto Durero , Rembrandt y Francisco Goya , fueron grabadores dedicados. En su época, su reputación internacional se debió en gran medida a sus grabados, que se difundieron mucho más que sus pinturas. Las influencias entre artistas también se transmitieron principalmente más allá de una sola ciudad a través de grabados (y a veces dibujos), por la misma razón. Por lo tanto, las impresiones aparecen con frecuencia en análisis detallados de pinturas individuales en la historia del arte . Hoy en día, gracias a las reproducciones de fotografías en color y a las galerías públicas, sus pinturas son mucho más conocidas, mientras que sus impresiones rara vez se exponen, por motivos de conservación. Pero algunas salas de grabados de museos permiten a los visitantes ver su colección, a veces sólo con cita previa, y los grandes museos ahora presentan un gran número de grabados en línea en imágenes ampliables de muy alta resolución.
La técnica más antigua es la xilografía o impresión en bloques de madera, que se inventó como método para imprimir sobre tela en China. Este había llegado a Europa a través del mundo islámico antes de 1300, como método para imprimir patrones en textiles. El papel llegó a Europa, también desde China a través de la España islámica , un poco más tarde, y ya se fabricaba en Italia a finales del siglo XIII, y en Borgoña y Alemania a finales del XIV. [1] Está documentado que las imágenes religiosas y los naipes fueron producidos en papel, probablemente impresos, por un alemán en Bolonia en 1395. [2] Sin embargo, las imágenes europeas impresas más impresionantes que han sobrevivido antes de 1400 están impresas en tela, para su uso. como tapices en paredes o muebles, incluidos altares y atriles . Algunos se utilizaron como patrón para bordar. Algunas imágenes religiosas se utilizaban como vendajes para acelerar la curación. [3]
Las primeras imágenes impresas son en su mayoría de alto nivel artístico y fueron claramente diseñadas por artistas con experiencia en pintura (en paredes, paneles o manuscritos). No se sabe si estos artistas cortaron los bloques ellos mismos o simplemente entintaron el diseño en el bloque para que otro lo tallara. Durante el siglo XV, el número de impresiones producidas aumentó considerablemente a medida que el papel se volvió más disponible y más barato, y el nivel artístico promedio cayó, de modo que en la segunda mitad del siglo el grabado en madera típico es una imagen relativamente tosca. La gran mayoría de los grabados del siglo XV que se conservan son religiosos, aunque estos fueron probablemente los que tuvieron más probabilidades de sobrevivir. A sus creadores a veces se les llamaba en los documentos "hacedores de Jesús" o "hacedores de santos". Al igual que con los libros manuscritos, las instituciones monásticas a veces producían, y a menudo vendían, impresiones. Ningún artista puede ser identificado con xilografías específicas hasta finales de siglo. [4]
La poca evidencia que tenemos sugiere que los grabados en madera se volvieron relativamente comunes y baratos durante el siglo XV, y eran asequibles para los trabajadores calificados de las ciudades. Por ejemplo, lo que puede ser el grabado italiano más antiguo que se conserva, la "Madonna del fuego", estaba colgado de un clavo en una pared de una pequeña escuela de Forlì en 1428. La escuela se incendió y la multitud que se reunió para mirar vio la huella fue levantada en el aire por el fuego, antes de caer entre la multitud. Esto se consideró una fuga milagrosa y el grabado fue llevado a la catedral de Forlì, donde permanece, desde 1636, en una capilla especial, expuesta una vez al año. Como la mayoría de las impresiones anteriores a 1460 aproximadamente, sólo ha sobrevivido una única impresión (el término utilizado para una copia de una impresión maestra antigua; "copia" se utiliza para una impresión que copia otra impresión) de esta impresión. [5]
Los bloques grabados en madera se imprimen con una ligera presión y son capaces de imprimir varios miles de impresiones, e incluso en esta época es posible que algunas impresiones se hubieran producido en esa cantidad. Muchas impresiones fueron coloreadas a mano, principalmente en acuarela ; de hecho, el coloreado a mano de las impresiones continuó durante muchos siglos, aunque los marchantes lo han eliminado de muchos ejemplos supervivientes. Italia, Alemania, Francia y Países Bajos fueron las principales zonas de producción; Inglaterra no parece haber producido grabados hasta aproximadamente 1480. Sin embargo, los grabados son muy portátiles y fueron transportados por toda Europa. Un documento veneciano de 1441 ya se queja de que las importaciones baratas de naipes perjudicaban a la industria local. [6]
Los libros en bloques eran una forma muy popular de libro (corto), en el que una página con imágenes y texto se cortaba en un solo grabado en madera. Eran mucho más baratos que los libros manuscritos y se producían principalmente en los Países Bajos; el Arte de Morir ( Ars moriendi ) fue el más famoso; Se conocen trece conjuntos diferentes de bloques. [7] Como técnica de relieve (ver grabado ), el grabado en madera se puede imprimir fácilmente junto con tipos móviles, y después de que esta invención llegó a Europa, alrededor de 1450 impresores rápidamente incluyeron grabados en madera en sus libros. Algunos propietarios de libros también pegaban impresiones, especialmente en libros de oraciones. [8] Los naipes fueron otro uso notable de los grabados, y las versiones francesas son la base de los juegos tradicionales que todavía se utilizan en la actualidad.
En el último cuarto de siglo hubo una gran demanda de grabados en madera para ilustraciones de libros, y tanto en Alemania como en Italia los estándares en el extremo superior del mercado mejoraron considerablemente. Nuremberg era el mayor centro editorial alemán, y Michael Wolgemut , el maestro del taller más grande de allí, trabajó en muchos proyectos, incluido el gigantesco Nuremberg Chronicle . [9] Alberto Durero fue aprendiz de Wolgemut durante las primeras etapas del proyecto y era ahijado de Anton Koberger, su impresor y editor. La carrera de Durero llevaría el arte de la xilografía a su máximo desarrollo. [10]
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El grabado sobre metal fue parte del oficio de los orfebres durante todo el período medieval, y la idea de imprimir diseños grabados en papel probablemente comenzó como un método para registrar los diseños en las piezas que habían vendido. Algunos artistas formados como pintores se involucraron aproximadamente entre 1450 y 1460, aunque muchos grabadores continuaron teniendo experiencia en orfebrería. Desde el principio, el grabado estuvo en manos de comerciantes de lujo, a diferencia de la xilografía, donde al menos el corte del bloque estaba asociado con los oficios de menor estatus como la carpintería y quizás con la talla escultórica en madera. Los grabados también fueron importantes desde muy temprano como modelos para otros artistas, especialmente pintores y escultores, y sobreviven muchas obras, especialmente de ciudades más pequeñas, que toman sus composiciones directamente de los grabados. Servir de modelo para los artistas puede haber sido el propósito principal para la creación de muchos grabados, especialmente las numerosas series de figuras de apóstoles .
Los grabados supervivientes, aunque la mayoría son religiosos, muestran una mayor proporción de imágenes seculares que otros tipos de arte de la época, incluida la xilografía . Sin duda, esto se debe en parte a las tasas relativas de supervivencia: aunque las casas ricas del siglo XV ciertamente contenían imágenes seculares en las paredes (interiores y exteriores) y tapices de tela, este tipo de imágenes han sobrevivido en cantidades ínfimas. La Iglesia fue mucho mejor conservando sus imágenes. Los grabados eran relativamente caros y se vendían a una clase media urbana que se había vuelto cada vez más rica en el cinturón de ciudades que se extendía desde los Países Bajos a lo largo del Rin hasta el sur de Alemania, Suiza y el norte de Italia. El grabado también se utilizó para el mismo tipo de imágenes que las xilografías , en particular imágenes devocionales y naipes , pero muchas parecen haber sido recopiladas para guardarlas fuera de la vista en un álbum o libro, a juzgar por el excelente estado de conservación de muchas piezas de Papel de más de quinientos años. [11]
Nuevamente, a diferencia de la xilografía, los artistas identificables se encuentran desde el principio. El maestro de los naipes alemán, o posiblemente alemán-suizo, estuvo activo al menos en la década de 1440; era claramente un pintor de formación. [12] El Maestro ES fue un grabador prolífico, con experiencia en orfebrería , activo aproximadamente entre 1450 y 1467, y el primero en firmar sus grabados con un monograma en la plancha. Realizó importantes avances técnicos, que permitieron tomar más impresiones de cada placa. Muchas de sus caras tienen una apariencia bastante parecida a la de un pudín, lo que reduce el impacto de lo que de otro modo serían buenas obras. Gran parte de su obra todavía tiene un gran encanto, y los temas seculares y cómicos que grabó casi nunca se encuentran en las pinturas supervivientes de la época. Al igual que los grabados de Otto en Italia, gran parte de su obra probablemente tenía como objetivo atraer a las mujeres. [13]
El primer artista importante que grabó fue Martin Schongauer (c. 1450-1491), que trabajó en el sur de Alemania y también fue un pintor muy conocido. Su padre y su hermano eran orfebres, por lo que es posible que tuviera experiencia con el buril desde una edad temprana. Sus 116 grabados tienen una clara autoridad y belleza y se hicieron muy conocidos tanto en Italia como en el norte de Europa, además de ser muy copiados por otros grabadores. También desarrolló aún más la técnica del grabado, en particular refinando el rayado cruzado para representar el volumen y la sombra en un medio puramente lineal. [14]
El otro artista notable de este período es conocido como Housebook Master . Fue un artista alemán de gran talento, conocido también por sus dibujos, especialmente por el álbum Housebook del que toma su nombre. Sus impresiones fueron realizadas exclusivamente a punta seca , raspando sus líneas en la plancha para dejar una línea mucho más superficial que la que produciría el buril de un grabador; Es posible que haya inventado esta técnica. En consecuencia, sólo se pudieron producir unas pocas impresiones de cada placa (quizás unas veinte), aunque algunas placas fueron reelaboradas para prolongar su vida. A pesar de esta limitación, sus impresiones claramente circularon ampliamente, ya que existen muchas copias de ellas realizadas por otros grabadores. Esto es muy típico de los grabados admirados en todos los medios hasta al menos 1520; no existía ningún concepto exigible de nada parecido al derecho de autor. Muchas de las composiciones impresas del Housebook Master sólo se conocen a partir de copias, ya que ninguno de los presuntos originales ha sobrevivido; una proporción muy alta de sus impresiones originales sólo se conocen a partir de una única impresión. La colección más grande de sus grabados se encuentra en Ámsterdam; probablemente fueron conservados como una colección, quizás por el propio artista, de la época de su creación. [15]
Israhel van Meckenam fue un grabador de las fronteras de Alemania y los Países Bajos, que probablemente se formó con el Maestro ES y dirigió el taller de grabado más productivo del siglo entre 1465 y 1503 aproximadamente. Produjo más de 600 planchas, la mayoría de ellas copias de otras impresiones. , y fue más sofisticado en la autopresentación, firmando impresiones posteriores con su nombre y ciudad, y produciendo el primer autorretrato impreso de él y su esposa. Algunas planchas parecen haber sido reelaboradas más de una vez en su taller, o producidas en más de una versión, y muchas impresiones han sobrevivido, por lo que su capacidad para distribuir y vender sus impresiones era evidentemente sofisticada. Sus propias composiciones son a menudo muy animadas y muestran un gran interés en la vida secular de su época. [dieciséis]
El grabado en xilografía y el grabado aparecieron en el norte de Italia unas pocas décadas después de su invención al norte de los Alpes, y tenían usos y caracteres similares, aunque dentro de estilos artísticos significativamente diferentes, y con desde el principio una proporción mucho mayor de temas seculares. El grabado en madera italiano más antiguo conocido se ha mencionado anteriormente. El grabado probablemente llegó por primera vez a Florencia en la década de 1440; Vasari solía afirmar que su colega florentino, el orfebre y nielista Maso Finiguerra (1426-1464) inventó la técnica. Ahora está claro que esto es incorrecto, y ahora no se considera que haya impresiones como tales que puedan atribuirse a él de otra manera que no sea una base especulativa. Es posible que nunca haya realizado grabados impresos a partir de planchas, a diferencia de tomar impresiones de trabajos destinados a ser nielados. Hay una serie de escenas religiosas complejas en niel que probablemente ejecutó, y que pudo o no haber diseñado, que influyeron en el estilo florentino en el grabado. De estos sobreviven algunas impresiones en papel y moldes de azufre. Se trata de una serie de visitas en el Bargello de Florencia, más una en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, que representan escenas con grandes y bien organizadas multitudes de pequeñas figuras. También hay dibujos en los Uffizi de Florencia que pueden ser de él. [17]
Mientras que el grabado alemán llegó a un mundo artístico todavía gótico , el grabado italiano atrapó el Renacimiento temprano y, desde el principio, las impresiones son en su mayoría más grandes, de atmósfera más abierta y presentan temas clásicos y exóticos. Están menos trabajados y, por lo general, no utilizan rayado cruzado. Aproximadamente entre 1460 y 1490 se desarrollaron dos estilos en Florencia, que siguió siendo el mayor centro de grabado italiano. Estos se llaman (aunque los términos se usan con menos frecuencia ahora) "Manera fina" y "Manera amplia", en referencia al grosor típico de las líneas utilizadas. Los artistas más destacados en el estilo Fine son Baccio Baldini y el "Maestro de la Pasión vienesa", y en el estilo Amplio, Francesco Rosselli y Antonio del Pollaiuolo , cuya única estampa fue la Batalla de los Hombres Desnudos (derecha), obra maestra de Grabado florentino del siglo XV. [18] Este utiliza un nuevo "trazo de retorno" en zigzag para modelar, que probablemente inventó. [19]
Una supervivencia casual es una colección de grabados florentinos, en su mayoría ejecutados de manera bastante tosca, que ahora se encuentra en el Museo Británico , conocidos como Otto Prints en honor al propietario anterior de la mayoría de ellos. Probablemente se trataba del conjunto de estampas de referencia del propio taller, en su mayoría redondas u ovaladas, que se utilizaban para decorar las tapas interiores de cajas, principalmente de uso femenino. Se ha sugerido que las cajas así decoradas podrían haberse regalado en bodas. El tema y la ejecución de este grupo sugieren que estaban destinados a atraer el gusto femenino de clase media; Abundan los amantes y los cupidos, y una alegoría muestra a un joven casi desnudo atado a una estaca y siendo golpeado por varias mujeres. [20]
El otro centro temprano notable fue Ferrara , de la década de 1460, que probablemente produjo ambos juegos de cartas llamadas " Mantegna Tarocchi ", que no son naipes, sino una especie de herramienta educativa para jóvenes humanistas con cincuenta cartas, protagonizadas por los Planetas. y Esferas, Apolo y las Musas , personificaciones de las Siete artes liberales y las cuatro Virtudes, así como "las Condiciones del Hombre" desde Papa hasta campesino. [21]
Andrea Mantegna , que se formó en Padua y luego se estableció en Mantua , fue la figura más influyente del grabado italiano del siglo, aunque todavía se debate si realmente grabó alguna plancha él mismo (un debate reavivado en los últimos años por Suzanne Boorsch ). Durante mucho tiempo se han atribuido varios grabados a su escuela o taller, aunque normalmente sólo siete se le entregaron personalmente. Todo el grupo forma un grupo estilístico coherente y refleja muy claramente su estilo en pintura y dibujo, o copia obras suyas supervivientes. Parecen datar de finales de la década de 1460 en adelante. [23]
En los últimos cinco años del siglo XV, Durero, entonces de veintitantos años y con taller propio en Nuremberg, comenzó a producir xilografías y grabados de la más alta calidad que se difundieron muy rápidamente por los centros artísticos de Europa. Alrededor de 1505, la mayoría de los jóvenes grabadores italianos pasaron por una fase de copia directa de impresiones completas o de grandes partes de los fondos paisajísticos de Durero, antes de adaptar sus avances técnicos a su propio estilo. La copia de grabados ya era una parte importante y aceptada de la cultura del grabado, pero ningún grabado se copiaba con tanta frecuencia como el de Durero. [24]
Durero también fue pintor, pero pocas de sus pinturas podían ser vistas excepto por aquellos con buen acceso a casas privadas en el área de Nuremberg. La lección de cómo él, siguiendo de manera más espectacular los pasos de Schongauer y Mantegna, pudo desarrollar tan rápidamente una reputación en todo el continente, en gran parte a través de sus grabados, no pasó desapercibida para otros pintores, que comenzaron a interesarse mucho más por el grabado. [25]
Durante un breve período, varios artistas que comenzaron copiando a Durero hicieron impresiones muy finas en una variedad de estilos individuales. Entre ellos se encontraba Giulio Campagnola , quien logró traducir al grabado el nuevo estilo que Giorgione y Tiziano habían llevado a la pintura veneciana . Marcantonio Raimondi y Agostino Veneziano pasaron algunos años en Venecia antes de trasladarse a Roma , pero incluso sus primeros grabados muestran tendencias clasicistas así como influencia del Norte. [26] Los estilos del florentino Cristofano Robetta y Benedetto Montagna de Vicenza todavía se basan en la pintura italiana de la época, y también están influenciados posteriormente por Giulio Campagnola . [27]
Giovanni Battista Palumba , alguna vez conocido como "Maestro IB con el pájaro" por su monograma, fue el principal artista italiano en xilografía de estos años, así como un grabador de encantadoras escenas mitológicas, a menudo con un tema erótico. [28]
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Las copias de impresiones ya eran comunes, y muchas impresiones del siglo XV debieron ser copias de pinturas, pero no destinadas a ser vistas como tales, sino como imágenes por derecho propio. El taller de Mantegna produjo una serie de grabados copiando su Triunfo de César (ahora Palacio de Hampton Court ), o dibujos del mismo, que fueron quizás las primeras impresiones destinadas a ser entendidas como pinturas, llamadas impresiones reproductivas . Con un ritmo cada vez mayor de innovación en el arte y un interés crítico entre un público no profesional, las representaciones confiables de pinturas cubrieron una necesidad obvia. Con el tiempo, esta demanda estuvo a punto de sofocar la antigua imprenta maestra. [29]
Durero nunca copió ninguno de sus cuadros directamente en estampa, aunque algunos de sus retratos basan una pintura y una estampa en el mismo dibujo, que es muy similar. La siguiente etapa comenzó cuando Tiziano en Venecia y Rafael en Roma comenzaron a colaborar casi simultáneamente con grabadores para realizar impresiones de sus diseños. En esta etapa, Tiziano trabajó con Domenico Campagnola y otros en grabados en madera, mientras que Rafael trabajó con Raimondi en grabados, de los cuales muchos de los dibujos de Rafael sobreviven. [30] Más tarde, las pinturas realizadas por la Escuela de Fontainebleau fueron copiadas en grabados, aparentemente en un breve programa organizado que incluía a muchos de los propios pintores. [31]
Las asociaciones italianas tuvieron éxito artístico y comercial e inevitablemente atrajeron a otros grabadores que simplemente copiaban pinturas de forma independiente para realizar impresiones totalmente reproductivas. Especialmente en Italia, estos grabados, de calidad muy variable, llegaron a dominar el mercado y tendieron a desplazar al grabado original, que declinó notablemente entre 1530 y 1540 aproximadamente en Italia. Para entonces, algunos editores/distribuidores se habían vuelto importantes, especialmente operadores holandeses y flamencos como Philippe Galle y Hieronymus Cock , desarrollando redes de distribución que se estaban volviendo internacionales, y muchos trabajos fueron encargados por ellos. El efecto del desarrollo del comercio de venta de grabados es un tema de controversia entre los académicos, pero no hay duda de que a mediados de siglo el ritmo de producción de grabados originales en Italia había disminuido considerablemente respecto al de una generación anterior, si no tan precipitadamente. como en Alemania. [32]
Aunque ningún artista entre 1500 y 1550 pudo ignorar a Durero, varios artistas posteriores no tuvieron dificultades para mantener estilos muy distintivos, a menudo con poca influencia de él. Lucas Cranach el Viejo era sólo un año menor que Durero, pero tenía unos treinta años cuando empezó a realizar grabados en madera, en un intenso estilo nórdico que recuerda a Matthias Grünewald . También fue uno de los primeros en experimentar con la técnica del grabado en madera de claroscuro . Su estilo se suavizó más tarde y adoptó la influencia de Durero, pero concentró sus esfuerzos en la pintura, en la que se volvió dominante en la Alemania protestante, con sede en Sajonia , y entregó su muy productivo estudio a su hijo a una edad relativamente temprana. [33]
Lucas van Leyden tenía un talento natural prodigioso para el grabado, y sus primeras impresiones tuvieron mucho éxito, con un tratamiento a menudo terrenal y una técnica brillante, por lo que llegó a ser visto como el principal rival de Durero en el Norte. Sin embargo, sus grabados posteriores adolecieron de un esfuerzo por alcanzar la grandeza italiana, lo que dejó sólo la técnica aplicada a composiciones mucho menos dinámicas. Al igual que Durero, tuvo un "coqueteo" con el grabado, pero con cobre en lugar de hierro. Sus sucesores holandeses continuaron durante algún tiempo fuertemente bajo el hechizo de Italia, que les llevó casi todo el siglo asimilar. [34]
Albrecht Altdorfer produjo algunos grabados religiosos de estilo italiano, pero es más famoso por sus paisajes muy nórdicos de alerces y abetos caídos, que son muy innovadores tanto en pintura como en grabados. Fue uno de los primeros usuarios más eficaces de la técnica del grabado , inventada recientemente como técnica de grabado por Daniel Hopfer , un armero de Augsburgo . Ni Hopfer ni los demás miembros de su familia que continuaron su estilo eran artistas formados o naturales, pero muchas de sus imágenes tienen un gran encanto, y sus "impresiones ornamentales", realizadas esencialmente como patrones para artesanos de diversos campos, difundieron ampliamente su influencia. [35]
Hans Burgkmair de Augsburgo , vecino y rival de Nuremberg , era un poco mayor que Durero y tuvo una carrera paralela en algunos aspectos, entrenándose con Martin Schongauer antes aparentemente de visitar Italia, donde formó su propia síntesis de los estilos del norte y del italiano, que aplicado en pintura y xilografía, principalmente para libros, pero con muchas impresiones significativas de "una sola hoja" (es decir, individuales). Ahora se le atribuye generalmente la invención del grabado en madera de claroscuro (coloreado) . [36] Hans Baldung fue alumno de Durero y quedó a cargo del taller de Nuremberg durante el segundo viaje de Durero a Italia. No tuvo dificultad en mantener un estilo muy personal en la xilografía y produjo algunas imágenes muy poderosas. [37] Urs Graf fue un mercenario y grabador suizo que inventó la técnica del grabado en madera de línea blanca , en la que se realizaron sus grabados más distintivos. [38]
Los Pequeños Maestros es un término para un grupo de varios grabadores, que produjeron grabados muy pequeños y finamente detallados para un mercado mayoritariamente burgués, combinando en miniatura elementos de Durero y de Marcantonio Raimondi , y concentrándose en temas seculares, a menudo mitológicos y eróticos, en lugar de sobre temas religiosos. Los más talentosos fueron los hermanos Bartel Beham y el longevo Sebald Beham . Al igual que Georg Pencz , procedían de Nuremberg y fueron expulsados por un tiempo por el consejo por ateísmo . El otro miembro principal del grupo fue Heinrich Aldegrever , un luterano convencido con inclinaciones anabautistas , que tal vez por eso se vio obligado a dedicar gran parte de su tiempo a producir grabados ornamentales. [39]
Otro protestante convencido, Hans Holbein el Joven , pasó la mayor parte de su carrera adulta en Inglaterra, entonces y durante mucho tiempo después, demasiado primitiva como mercado y asistencia técnica para apoyar el grabado fino. Mientras vivía el famoso taquillero Hans Lützelburger, creó a partir de los diseños de Holbein la famosa pequeña serie de grabados en madera de la Danza de la Muerte . Otra serie de Holbein, de noventa y una escenas del Antiguo Testamento, en un estilo mucho más simple, fue el intento más popular de varios artistas de crear imágenes religiosas protestantes. Ambas series fueron publicadas en Lyon en Francia por una editorial alemana, habiendo sido creadas en Suiza . [40]
Después de la muerte de esta brillante generación, tanto la calidad como la cantidad del grabado original alemán sufrieron un extraño colapso; tal vez se hizo imposible mantener un estilo nórdico convincente frente a las abrumadoras producciones italianas en un estilo renacentista "mercantilizado". Los Países Bajos adquirieron ahora más importancia para la producción de grabados, lo que seguiría siendo así hasta finales del siglo XVIII. [41]
Algunos grabadores italianos tomaron una dirección muy diferente a la de Raimondi y sus seguidores o a los alemanes, y utilizaron el medio para la experimentación y el trabajo muy personal. Parmigianino produjo algunos grabados él mismo y también trabajó en estrecha colaboración con Ugo da Carpi en xilografías en claroscuro y otros grabados. [42]
Giorgio Ghisi fue el principal grabador de la escuela de Mantua, que conservó bastante más individualidad que Roma. Gran parte de su trabajo fue reproductivo, pero sus impresiones originales suelen ser muy finas. Visitó Amberes, un reflejo del poder que los editores tenían ahora sobre lo que ahora era un mercado europeo de impresiones. Varios grabadores, principalmente de grabado, continuaron produciendo excelentes impresiones, pero principalmente como complemento a la pintura o al grabado reproductivo. Entre ellos se encuentran Battista Franco , Il Schiavone , Federico Barocci y Ventura Salimbeni , que sólo produjo nueve copias, presumiblemente porque no pagó. Annibale Carracci y su primo Ludovico produjeron algunos grabados influyentes, mientras que el hermano de Annibale, Agostino, grabó. Ambos hermanos influyeron en Guido Reni y otros artistas italianos del pleno período barroco del siglo siguiente. [43]
Los artistas italianos conocidos como la Escuela de Fontainebleau fueron contratados en la década de 1530 por el rey Francisco I de Francia para decorar su obra maestra Chateau en Fontainebleau. En el transcurso del largo proyecto, se produjeron grabados, en circunstancias desconocidas, pero aparentemente en el propio Fontainebleau y principalmente en la década de 1540, en su mayoría registrando pinturas murales y yeserías en el castillo (muchas de las cuales ahora están destruidas). Técnicamente, en su mayoría son bastante pobres, secos y desiguales, pero los mejores evocan poderosamente la atmósfera extraña y sofisticada de la época. Muchos de los mejores son de León Davent y diseños de Primaticcio o Antonio Fantuzzi . Varios de los artistas, incluido Davent, fueron más tarde a París y continuaron produciendo grabados allí. [44]
Anteriormente, el único grabador de talla constante en Francia había sido Jean Quilt , un orfebre cuyo estilo muy personal parece a medio camino entre Durero y William Blake . Sus láminas están extremadamente abarrotadas, no convencionalmente bien dibujadas, pero llenas de intensidad; lo opuesto a la lánguida elegancia de los grabados de Fontainebleau, que tendrían mayor efecto en el grabado francés. Sus estampas datan de 1520 a 1555, cuando tenía setenta años y completó su obra maestra, las veintitrés estampas del Apocalipsis. [45]
Cornelius Cort fue un grabador de Amberes, formado en la editorial Cock, con un estilo controlado pero vigoroso y excelente para representar efectos de iluminación dramáticos. Fue a Italia y en 1565 fue contratado por Tiziano para producir impresiones de sus pinturas (Tiziano se había asegurado sus "privilegios" o derechos para reproducir exclusivamente sus propias obras). Tiziano se tomó muchas molestias para conseguir el efecto que quería; Dijo que Cort no podía trabajar solo con la pintura, por lo que produjo dibujos especiales para que los usara. Finalmente, los resultados fueron muy efectivos y exitosos, y después de la muerte de Tiziano, Cort se mudó a Roma, donde enseñó a varios de los grabadores más exitosos de la siguiente generación, en particular a Hendrik Goltzius , Francesco Villamena y Agostino Carracci , el último artista italiano importante en resistir la propagación del grabado. [46]
Goltzius, posiblemente el último gran grabador, llevó el estilo de Cort al extremo. Debido a un accidente infantil, dibujó con todo el brazo, y su uso de la línea hinchada, alterando el perfil del buril para engrosar o disminuir la línea a medida que se movía, es incomparable. Fue extraordinariamente prolífico y la calidad artística, si no técnica, de su obra es muy variable, pero sus mejores impresiones esperan la energía de Rubens y son tan sensuales en el uso de la línea como él en la pintura. [47]
Al mismo tiempo , Pieter Brueghel el Viejo , otro artista formado en Cort, que se escapó para pintar, producía grabados en un estilo totalmente diferente; bellamente dibujado pero simplemente grabado. Él solo grabó una placa, un paisaje magnífico, Los cazadores de conejos , pero produjo muchos dibujos para que los especialistas de Amberes los elaboraran, sobre la vida campesina, sátiras y acontecimientos de interés periodístico. [48]
Mientras tanto, muchos otros grabadores de los Países Bajos continuaron produciendo una gran cantidad de impresiones reproductivas e ilustrativas de muy diversos grados de calidad y atractivo; ambas cosas no siempre van juntas. Las dinastías notables, a menudo tanto editores como artistas, incluyen a la familia Wierix , los Saenredam y Aegidius Sadeler y varios de sus parientes. Philippe Galle fundó otra empresa familiar de larga trayectoria. Theodor de Bry se especializó en ilustrar libros sobre las nuevas zonas coloniales. [49]
El siglo XVII vio un aumento continuo en el volumen de grabado comercial y reproductivo; Rubens , como Tiziano antes que él, se esforzó mucho en adaptar a los grabadores entrenados de su taller al estilo particular que quería, aunque varios consideraron que sus exigencias eran demasiado y se marcharon. [50] La generación posterior a él produjo una serie de grabadores muy dispersos con estilos muy individuales y personales; A estas alturas, el grabado se había convertido en el medio normal para estos artistas.
Rembrandt compró una imprenta para su casa en los días de su temprana prosperidad y continuó produciendo grabados (siempre llamados así colectivamente, aunque Rembrandt mezcló técnicas añadiendo grabado y punta seca a algunos de sus grabados) hasta su quiebra, cuando perdió. tanto en la casa como en la prensa. Afortunadamente, sus impresiones siempre han sido cuidadosamente coleccionadas y lo que parece ser una alta proporción de sus estados intermedios ha sobrevivido, a menudo en sólo una o dos impresiones. Es evidente que él mismo participó muy directamente en el proceso de impresión y probablemente limpió selectivamente la plancha de tinta para producir efectos de tono superficial en muchas impresiones. También experimentó continuamente con los efectos de diferentes papeles. Produjo grabados sobre una gama más amplia de temas que sus pinturas, con varios paisajes puros, muchos autorretratos que a menudo son más extravagantemente fantasiosos que los que pintó, algunos temas eróticos (en cualquier caso obscenos) y un gran número de grabados religiosos. . Se interesó cada vez más por los efectos de iluminación intensos y los fondos muy oscuros. Su reputación como el mayor grabador en la historia del medio se estableció durante su vida y nunca más se cuestionó desde entonces. Pocas de sus pinturas salieron de Holanda mientras vivió, pero sus impresiones circularon por toda Europa y su reputación más amplia se basó inicialmente únicamente en ellas. [51]
Varios otros artistas holandeses del siglo produjeron grabados originales de calidad, en su mayoría ateniéndose a las mismas categorías de género que pintaron. Los excéntricos Hercules Seghers y Jacob van Ruisdael produjeron paisajes en muy pequeñas cantidades, Nicolaes Berchem y Karel Dujardin paisajes italianos con animales y figuras, y Adriaen van Ostade escenas campesinas. Ninguno fue muy prolífico, pero el paisaje italiano fue el tipo de tema más popular; Berchem obtuvo mayores ingresos por sus grabados que por sus pinturas. [52]
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Giovanni Benedetto Castiglione creció en Génova y estuvo muy influenciado por las estancias allí de Rubens y van Dyck cuando era un joven artista. Su técnica de grabado era extremadamente fluida y, en todos los medios, a menudo repite los mismos temas en una gran cantidad de composiciones totalmente diferentes. Sus primeros grabados incluyen una serie de tratamientos valientes de temas clásicos y pastorales, mientras que predominan los temas religiosos posteriores. También produjo una gran serie de pequeñas cabezas de hombres vestidos exóticamente, que fueron utilizadas a menudo por otros artistas. Fue técnicamente innovador, inventó el monotipo y también el boceto al óleo destinado a ser un producto final. Él, al igual que Rembrandt, estaba interesado en los efectos de claroscuro (contrastes de luz y oscuridad), utilizando varios enfoques muy diferentes. [53]
Es posible que Jusepe de Ribera haya aprendido a grabar en Roma, pero sus menos de treinta grabados fueron realizados en Nápoles durante la década de 1620, cuando su carrera como pintor parece haber estado de capa caída. Cuando los encargos de pintura comenzaron a fluir nuevamente, prácticamente abandonó el grabado. Sus planchas se vendieron después de su muerte a un editor de Roma, que hizo un mejor trabajo comercializándolas que el propio Ribera. Su estilo poderoso y directo se desarrolló casi de inmediato, y sus temas y estilo permanecen cercanos a los de sus pinturas. [54]
Jacques Bellange fue un pintor de la corte de Lorena , un mundo que desaparecería abruptamente en la Guerra de los Treinta Años, poco después de su muerte. Ninguna de sus pinturas supervivientes puede identificarse con seguridad, y la mayoría de las que a veces se le atribuyen no son impresionantes. Sus grabados, en su mayoría religiosos, son extravagancias barrocas que muchos críticos del siglo XIX miraron con horror, pero que han vuelto con fuerza a estar de moda: el estilo barroco muy diferente de otro artista de Lorena, Georges de La Tour , ha disfrutado de un renacimiento comparable. Fue el primer grabador (o artista) de talla de Lorena, y debe haber influido en el joven Jacques Callot , que permaneció en Lorena pero publicó en París , donde influyó mucho en el grabado francés. [55]
Las innovaciones técnicas de Callot para mejorar las recetas de la base de grabado fueron cruciales para permitir que el grabado rivalizara con el detalle del grabado y, a largo plazo, supusieron el fin del grabado artístico. Anteriormente, la naturaleza poco fiable de los fondos utilizados significaba que los artistas no podían arriesgarse a invertir demasiado esfuerzo en una placa grabada, ya que la obra podría arruinarse por filtraciones en el suelo. Del mismo modo, las múltiples paradas, que permitían grabar líneas a diferentes profundidades mediante diferentes duraciones de exposición al ácido, habían sido demasiado arriesgadas. [56] Callot abrió el camino en la explotación de las nuevas posibilidades; la mayoría de sus grabados son pequeños pero llenos de pequeños detalles, y desarrolló una sensación de recesión en los fondos de paisajes al grabar con múltiples mordiscos para grabar el fondo más ligeramente que el primer plano. También usó una aguja de grabado especial llamada échoppe para producir líneas hinchadas como las creadas por el buril en un grabado, y también reforzó las líneas grabadas con un buril después de morder; que pronto se convirtió en una práctica común entre los grabadores. Callot grabó una gran variedad de temas en más de 1400 grabados, desde grotescos hasta su pequeña pero extremadamente poderosa serie Les Grandes Misères de la guerre . [57] Abraham Bosse , un grabador ilustrativo parisino, popularizó los métodos de Callot en un manual de gran éxito para estudiantes. Su propia obra logra su objetivo declarado de hacer que los aguafuertes parezcan grabados y evoca mucho la vida francesa de mediados de siglo.
Wenzel Hollar fue un artista bohemio ( checo ) que huyó de su país en la Guerra de los Treinta Años, estableciéndose principalmente en Inglaterra (fue asediado en Basing House durante la Guerra Civil Inglesa , y luego siguió a su mecenas realista a un nuevo exilio en Amberes, donde trabajó con varias de las grandes editoriales allí). Produjo una gran cantidad de grabados en un estilo realista sencillo, muchos de ellos topográficos, incluidas grandes vistas aéreas , retratos y otros que muestran trajes, ocupaciones y pasatiempos. [58] Stefano della Bella fue una especie de homólogo italiano de Callot, produciendo muchos pequeños grabados muy detallados, pero también obras más grandes y más libres, más cercanas a la tradición del dibujo italiano. [59] Anthony van Dyck produjo sólo una gran serie de retratos de notables contemporáneos, la Iconographia para la cual él mismo solo grabó algunas de las cabezas, pero en un estilo brillante, que tuvo una gran influencia en el grabado del siglo XIX. [60] Ludwig von Siegen fue un soldado y cortesano alemán que inventó la técnica de la mezzotinta , que en manos de mejores artistas que él se convertiría en una técnica importante, principalmente reproductiva, en el siglo XVIII. [61]
El último tercio del siglo produjo relativamente pocos grabados originales de gran interés, aunque el grabado ilustrativo alcanzó un alto nivel de calidad. Los retratos franceses, en su mayoría copiados de pinturas, eran los mejores de Europa y, a menudo, extremadamente brillantes, y la escuela incluía tanto aguafuerte como grabado, a menudo en la misma obra. Los artistas más importantes fueron Claude Mellan , grabador a partir de la década de 1630, y su contemporáneo Jean Morin , cuya combinación de grabado y aguafuerte influyó en muchos artistas posteriores. Robert Nanteuil fue el retratista oficial de Luis XIV y produjo más de doscientos retratos brillantemente grabados de la corte y otras figuras francesas notables. [62]
Los grabados extremadamente populares de William Hogarth en Inglaterra se preocupaban poco por los efectos técnicos del grabado; en muchos estaba produciendo reproducciones de sus propias pinturas (algo sorprendentemente raro) que sólo pretendían transmitir sus abarrotadas composiciones morales de la forma más clara posible. Sin saberlo, no sería posible distinguirlos de sus grabados originales, que tienen el mismo objetivo. Fijó el precio de sus impresiones para llegar a un mercado de clase trabajadora media e incluso alta, y tuvo un éxito brillante en esto. [63]
Canaletto también fue un pintor de gran éxito y, aunque sus relativamente pocas impresiones son vedute , son bastante diferentes de las pintadas y son plenamente conscientes de las posibilidades del medio del grabado. Piranesi fue principalmente un grabador, un innovador técnico que extendió la vida de sus planchas más allá de lo que antes era posible. Sus Vistas de Roma , más de cien láminas enormes, estaban respaldadas por un conocimiento serio de la arquitectura romana y moderna y explotan brillantemente el dramatismo tanto de las ruinas antiguas como de la Roma barroca. Antes se habían producido muchas impresiones de vistas romanas, pero la visión de Piranesi se ha convertido en el punto de referencia. Gianbattista Tiepolo , cerca del final de su larga carrera, produjo algunos grabados brillantes, caprichos sin tema de un paisaje de ruinas clásicas y pinos, poblado por un elegante grupo de hermosos hombres y mujeres jóvenes, filósofos disfrazados, soldados y sátiros. Los búhos de mal genio miran las escenas con desprecio. Su hijo Domenico produjo muchos más grabados en un estilo similar, pero de temas mucho más convencionales, reproduciendo a menudo las pinturas de su padre. [64]
Los medios técnicos a disposición de los grabadores reproductivos continuaron desarrollándose, y los mezzotinters ingleses (muchos de ellos, de hecho, irlandeses) y los grabadores franceses produjeron muchas impresiones magníficas y solicitadas en una variedad de técnicas. [65] Los intentos franceses de producir impresiones en color de alta calidad tuvieron éxito en la última parte del siglo, aunque las técnicas eran costosas. Ahora se podían producir impresiones que se parecían mucho a dibujos hechos con crayones o acuarelas . Algunas impresiones originales se produjeron con estos métodos, pero pocos artistas importantes las utilizaron. [66]
El auge de la novela generó una demanda de ilustraciones pequeñas y muy expresivas para ellos. Muchos buenos artistas franceses y de otros países se especializaron en estos, pero se destaca claramente del resto el trabajo de Daniel Chodowiecki , un alemán de origen polaco que produjo más de mil pequeños grabados. Principalmente ilustraciones para libros, están maravillosamente dibujadas y siguen el espíritu de la época, pasando por el culto al sentimiento hasta el fervor revolucionario y nacionalista de principios del siglo XIX. [67]
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Las soberbias pero violentas aguatintas de Goya a menudo parecen ilustrar alguna obra de ficción no escrita, pero su significado debe dilucidarse a partir de sus títulos, que a menudo contienen varios significados, y de los breves comentarios registrados por él sobre muchas de ellas. Sus grabados muestran desde el principio el mundo macabro que hasta los últimos años aparece sólo en insinuaciones en las pinturas. Casi todos fueron publicados en varias series, de las cuales las más famosas son: Caprichos (1799), Los desastres de la guerra ( The Disasters of War from after 1810, but inédito hasta cincuenta años después). Después de su muerte se publicaron demasiadas ediciones, cuando su delicado tono de aguatinta se había desgastado o reelaborado. [68]
William Blake era tan poco convencional técnicamente como lo era en el tema y en todo lo demás, siendo pionero en un proceso de grabado en relieve que más tarde se convertiría en la técnica dominante de la ilustración comercial durante un tiempo. Muchas de sus estampas son páginas de sus libros, con texto e imagen en la misma plancha, como en los libros en bloque del siglo XV. [69] El movimiento romántico vio un resurgimiento del grabado original en varios países, con Alemania tomando una vez más un papel importante; Muchos miembros del movimiento nazareno eran grabadores. [70] En Inglaterra, John Sell Cotman grabó muchos paisajes y edificios con un estilo sencillo y eficaz. JMW Turner produjo varias series impresas, incluida una, Liber Studiorum , que constaba de setenta y un grabados con mezzotinta que influyeron en los paisajistas; Según Linda Hults, esta serie de grabados equivale al "manual de tipos de paisajes de Turner y... una declaración de su filosofía del paisaje". [71] Con los relativamente pocos grabados de Delacroix , se puede decir que el período de la impresión antigua maestra llega a su fin. [72]
El grabado reviviría poderosamente más tarde en los siglos XIX y XX, en una gran variedad de técnicas. En particular, el renacimiento del grabado , que duró aproximadamente desde la década de 1850 hasta la crisis de Wall Street de 1929, rejuveneció las técnicas monocromáticas tradicionales, incluida la xilografía, mientras que la litografía se convirtió gradualmente en la técnica de grabado más importante durante el mismo período, especialmente a medida que se volvió más eficaz en el uso de varios. Colores en el mismo estampado. [73]
Los grabadores que firmaban sus obras solían añadir inscripciones que caracterizaban la naturaleza de su contribución.
Una lista con sus definiciones incluye: [74]
