Don't Look Now ( en italiano : A Venezia... un Dicembre rosso impactante , lit. 'En Venecia... un diciembre rojo impactante') es una película de suspenso en inglés de 1973dirigida por Nicolas Roeg , adaptada del cuento de 1971 de Daphne du Maurier . Julie Christie y Donald Sutherland interpretan a Laura y John Baxter, un matrimonio que viaja a Venecia tras la reciente muerte accidental de su hija, después de que John acepta un encargo para restaurar una iglesia. Se encuentran con dos hermanas, una de las cuales dice ser clarividente y les informa que su hija está tratando de comunicarse con ellas y advertirles del peligro. John al principio rechaza sus afirmaciones, pero comienza a experimentar avistamientos misteriosos él mismo.
Don't Look Now es una exploración de la psicología del duelo y el efecto que la muerte de un hijo puede tener en una relación. La película es famosa por su innovador estilo de montaje, motivos y temas recurrentes y por una controvertida escena de sexo que era explícita para la época. También emplea flashbacks y flashforwards en consonancia con la representación de la precognición, pero algunas escenas se intercalan o fusionan para alterar la percepción del espectador de lo que realmente está sucediendo. Adopta un enfoque impresionista para sus imágenes, a menudo presagiando eventos con objetos, patrones y colores familiares utilizando técnicas de montaje asociativo.
La reputación de la película ha crecido en los años transcurridos desde su estreno y ahora se considera un clásico y una obra influyente en el cine de terror y británico.
Poco después de que su hija Christine se ahogara en un accidente en su casa de campo inglesa, John Baxter y su desconsolada esposa Laura viajan a Venecia, donde John ha aceptado un encargo de un obispo para restaurar una antigua iglesia. Laura se encuentra con dos hermanas mayores, Heather y Wendy, en un restaurante donde ella y John están cenando; Heather afirma ser psíquica y, a pesar de ser ciega, le informa a Laura que puede "ver" a la hija fallecida de los Baxter. Conmocionada, Laura regresa a su mesa y luego se desmaya.
Laura es llevada al hospital, donde más tarde le cuenta a John lo que le dijo Heather. John se muestra escéptico, pero se sorprende gratamente por el cambio positivo en la actitud de Laura. Esa noche, después de regresar del hospital, John y Laura tienen sexo apasionado. Después, salen a cenar y, en el camino, se pierden y se separan brevemente. John vislumbra una pequeña figura que lleva un abrigo rojo similar al que llevaba Christine cuando murió.
Al día siguiente, Laura se reúne con Heather y Wendy, quienes realizan una sesión espiritista para intentar ponerse en contacto con Christine. Cuando regresa al hotel, Laura informa a John de que Christine dijo que está en peligro y debe abandonar Venecia. John discute con Laura, pero esa noche reciben una llamada telefónica que les informa de que su hijo ha resultado herido en un accidente en un internado. Laura se marcha a Inglaterra, mientras que John se queda para completar la restauración. Poco después, John casi muere en un accidente en la iglesia cuando el andamio en el que se encuentra se derrumba, y él interpreta esto como el "peligro" predicho por las hermanas.
Más tarde ese día, suponiendo que Laura está en Inglaterra, John se sorprende cuando la ve en un barco que pasa en un cortejo fúnebre , acompañada por las hermanas. Preocupado por el estado mental de su esposa y con informes de un asesino en serie suelto en Venecia, John informa a la policía de la aparente desaparición de Laura. El inspector que investiga los asesinatos sospecha de John y lo sigue. Después de realizar una búsqueda inútil de Laura y las hermanas, durante la cual vuelve a ver la figura infantil con el abrigo rojo, John se comunica con la escuela de su hijo para preguntar sobre su condición, solo para descubrir que Laura está allí. Después de hablar con ella para confirmar que realmente está en Inglaterra, un desconcertado John regresa a la estación de policía para informar a la policía que ha encontrado a su esposa. Mientras tanto, la policía ha traído a Heather para interrogarla, y un John disculpado se ofrece a escoltarla de regreso al hotel.
Poco después de regresar al hotel, Heather entra en trance . John se va rápidamente. Al salir del trance, Heather le ruega a su hermana que vaya tras John, sintiendo que algo terrible está a punto de suceder, pero Wendy no puede alcanzarlo. Mientras tanto, John vislumbra nuevamente la misteriosa figura de rojo y esta vez la persigue. Acorrala a la figura en un palacio desierto y se acerca, creyendo que es una niña. La figura se gira para mirarlo y revela que es una horrible enana. Cuando John se congela en estado de shock, la enana saca un cuchillo de carnicero y le corta la garganta. Al morir, John se da cuenta demasiado tarde de que los extraños avistamientos que experimentó fueron premoniciones de su propio asesinato y funeral.
Don't Look Now es un thriller de temática ocultista [3] en el que las convenciones de la historia de fantasmas gótica sirven para explorar las mentes de una pareja afligida. [4] El director de la película, Nicolas Roeg, estaba intrigado por la idea de hacer del "dolor el único impulso de la película", señalando que "el dolor puede separar a las personas... Incluso la relación más cercana y saludable puede deshacerse a través del dolor". [5] La presencia de Christine, la hija fallecida de los Baxter, pesa mucho en el estado de ánimo de la película, ya que ella y la naturaleza de su muerte se recuerdan constantemente a través de las imágenes de la película: hay flashbacks regulares de Christine jugando con su abrigo rojo, así como avistamientos de la misteriosa figura infantil que también lleva un abrigo rojo que se parece a ella; la asociación constante del agua con la muerte se mantiene a través de una subtrama de asesino en serie, que ve a las víctimas periódicamente arrastradas de los canales; También hay un momento en el que John saca la muñeca de una niña de un canal tal como hizo con el cuerpo de su hija al principio de la película. [6]
El uso asociativo de motivos recurrentes , combinado con técnicas de edición poco ortodoxas, presagia eventos clave en la película. [7] En la novela de Daphne du Maurier, es Laura la que viste un abrigo rojo, pero en la película el color se usa para establecer una asociación entre Christine y la esquiva figura que John sigue vislumbrando. [8] [9] [10] La historia de Du Maurier en realidad comienza en Venecia después de la muerte de Christine por meningitis , pero se tomó la decisión de cambiar la causa de la muerte a ahogamiento e incluir un prólogo para explotar el motivo del agua. [11] La amenaza de muerte por caída también está siempre presente en toda la película: además de que Christine se cae al lago, Laura es llevada al hospital después de su caída en el restaurante, su hijo Johnny se lesiona en una caída en el internado, el obispo que supervisa la restauración de la iglesia informa a John que su padre murió en una caída, y el propio John casi muere en una caída durante las renovaciones. [12] El vidrio se usa frecuentemente como un presagio de que algo malo está por ocurrir: justo antes de que Christine se ahogue, John tira un vaso de agua y Johnny rompe un panel de vidrio; cuando Laura se desmaya en el restaurante, tira la cristalería de la mesa, y cuando John casi cae y muere en la iglesia, una tabla de madera rompe un panel de vidrio; finalmente, poco antes de enfrentarse a la misteriosa figura vestida de rojo, John les pide a las hermanas un vaso de agua, un artículo con una conexión simbólica con la muerte de Christine. [7]
La trama de la película se centra en la interpretación errónea y la identidad equivocada: cuando John ve a Laura en la barcaza con las hermanas, no se da cuenta de que es una premonición y cree que Laura está en Venecia con ellas. [13] El propio John es confundido con un mirón cuando sigue a Laura a la sesión espiritista, [14] y finalmente confunde a la misteriosa figura de abrigo rojo con un niño. El concepto de doppelgänger y duplicados ocupa un lugar destacado en la película: las reproducciones son un motivo recurrente que abarca desde los reflejos en el agua hasta las fotografías, pasando por los bocetos policiales y las diapositivas fotográficas de la iglesia que John está restaurando. Laura comenta en una carta a su hijo que no puede distinguir entre las vidrieras restauradas de la iglesia y las "reales", y más adelante en la película, John intenta hacer una combinación perfecta entre los azulejos fabricados recientemente y los antiguos al reparar un mosaico antiguo. [7] Roeg describe la premisa básica de la historia como la de que en la vida "nada es lo que parece", [5] e incluso decidió que el personaje de Donald Sutherland pronunciara la frase, una escena que requirió quince tomas. [15]
La comunicación es un tema que recorre gran parte de la obra de Nicolas Roeg y ocupa un lugar destacado en Don't Look Now . [16] Esto se ejemplifica mejor con la mujer psíquica ciega, Heather, que se comunica con los muertos, pero se presenta de otras maneras: las barreras del idioma se realzan a propósito con la decisión de no incluir subtítulos que traduzcan el diálogo italiano al inglés, por lo que el espectador experimenta la misma confusión que John. [17] Las mujeres se presentan como mejores en la comunicación que los hombres: además de que la clarividente es mujer, es Laura quien se mantiene en contacto regular con su hijo, Johnny; [18] cuando los Baxter reciben una llamada telefónica que les informa del accidente de Johnny en el internado, la falta de articulación del director al explicar la situación hace que su esposa la intercepte y explique en su lugar. [12]
Se ha hablado mucho de la edición fragmentada de Don't Look Now y de la obra de Nicolas Roeg en general. El tiempo se presenta como "fluido", donde el pasado, el presente y el futuro pueden existir todos en el mismo marco temporal. [11] Las premoniciones de John se fusionan con el presente, como al principio de la película, donde la misteriosa figura vestida de rojo parece estar representada en una de sus diapositivas fotográficas, y cuando "ve" a Laura en la barcaza funeraria con las hermanas y cree erróneamente que está viendo el presente, pero en realidad es una visión del futuro. [13] Un uso destacado de este enfoque fragmentado del tiempo es durante la escena de amor, en la que las escenas de John y Laura teniendo sexo se intercalan con escenas de ellos vistiéndose después para salir a cenar. [4] [8] Después de que John es atacado por su agresor en los momentos culminantes, los eventos anteriores representados durante el transcurso de la película se recuerdan a través de flashbacks, que pueden percibirse como su vida pasando ante sus ojos. [19] A nivel narrativo, la trama de Don't Look Now puede considerarse como una profecía autocumplida : son las premoniciones de John sobre su muerte las que ponen en marcha los acontecimientos que conducen a su muerte. [13] Según el editor de la película, Graeme Clifford , Nicolas Roeg consideró la película como su "ejercicio de gramática cinematográfica". [20]
Don't Look Now está particularmente en deuda con Alfred Hitchcock , exhibiendo varias características del trabajo del director. [10] El corte auditivo que sigue a la muerte de Christine desde el grito de Laura hasta el chirrido de un taladro recuerda a un corte en Los 39 escalones , cuando el grito de una mujer corta hasta el silbido de un tren de vapor. [21] Cuando John informa la desaparición de Laura a la policía italiana, inadvertidamente se convierte en sospechoso en el caso de asesinato que están investigando: un hombre inocente acusado injustamente y perseguido por las autoridades es un rasgo común de Hitchcock. [22] La película también adopta un enfoque hitchcockiano en su puesta en escena , al manifestar la psicología de su protagonista en los desarrollos de la trama: al emprender su viaje a Venecia, los Baxter han huido de una tragedia personal y, a menudo, se los representa físicamente corriendo de un lado a otro durante su estadía en Venecia; La geografía laberíntica de Venecia hace que John pierda el rumbo y a menudo se separa de Laura y se le muestra repetidamente buscándola; ambas son realizaciones físicas de lo que está sucediendo en su cabeza. [17]
Nicolas Roeg había empleado el estilo de edición fracturado de Don't Look Now en sus películas anteriores, Performance y Walkabout , pero fue creado por el editor Antony Gibbs en Petulia . Roeg trabajó como director de fotografía en Petulia , que por cierto también protagonizó Julie Christie, y Gibbs pasó a editar Performance y Walkabout para Roeg. [23] El uso del color de Roeg, especialmente el rojo, se remonta a trabajos anteriores: tanto Performance como Walkabout presentan escenas en las que toda la pantalla se vuelve roja, de naturaleza similar a la escena durante el ahogamiento de Christine cuando el agua derramada en el tobogán de la iglesia provoca una reacción que hace que, junto con toda la pantalla, se vuelva completamente roja. [24] La misteriosa figura vestida de rojo y su asociación con la muerte tiene un paralelo directo con una película anterior en la que Roeg trabajó como director de fotografía, The Masque of the Red Death , que mostraba a un personaje de la Parca vestido de rojo . [23] Los fugaces atisbos de la misteriosa figura vestida de rojo posiblemente se inspiran en Proust : en En busca del tiempo perdido , mientras está en Venecia, el narrador ve un vestido rojo a lo lejos que le trae recuerdos dolorosos de su amor perdido. [8]
Además de Proust, otras posibles influencias literarias incluyen a Borges y Nietzsche ; Pauline Kael en su reseña comenta que "Roeg se acerca más a llevar a Borges a la pantalla que aquellos que lo han intentado directamente", [25] mientras que Mark Sanderson en su ensayo BFI Modern Classics sobre la película, encuentra paralelismos con Más allá del bien y del mal de Nietzsche . [13] El escenario y el estado de producción de la película también han generado comparaciones con las películas giallo , debido a su estructura, lenguaje cinematográfico y enfoque en la composición psicológica de sus protagonistas que comparten muchas características con el subgénero italiano, aunque Anya Stanley ha señalado que carece de la representación explotadora de la violencia y la sexualidad típicamente asociada con la forma. [26] En este sentido, Danny Shipka ha señalado que Don't Look Now tiene similitudes con el giallo de Aldo Lado de 1972 ¿Quién la vio morir? , en la que una pareja separada (interpretada por George Lazenby y Anita Strindberg ) investiga la muerte por ahogamiento de su hija. En su opinión, Aldo "elimina gran parte de la sangre y el sexo extremos [asociados con los gialli ], pero aún así logra crear un aura de inquietud con sus escenarios venecianos, tal como lo hizo Roeg un año después". [27]
Don't Look Now fue producida por Casey Productions, con sede en Londres, y Eldorado Films, con sede en Roma, por el productor Peter Katz y el productor ejecutivo Anthony B. Unger . [28] [29] El guion basado en el cuento de Daphne du Maurier fue ofrecido a Nicolas Roeg por el guionista Allan Scott , quien había coescrito el guion con Chris Bryant , [30] mientras que Julie Christie y Donald Sutherland fueron elegidos para los papeles principales. El rodaje comenzó en Inglaterra en diciembre de 1972, se interrumpió para Navidad y se reanudó en enero de 1973 durante siete semanas más en Italia. [31]
Don't Look Now fue la tercera película de Roeg como director, después de Performance (1970) y Walkabout (1971). Aunque se sugirió a la pareja de la vida real Natalie Wood y Robert Wagner para los papeles de Laura y John Baxter, Roeg estaba ansioso por elegir a Julie Christie y Donald Sutherland desde el principio. Inicialmente contratados por otros proyectos, ambos actores estuvieron disponibles inesperadamente. A Christie le gustó el guion y estaba ansioso por trabajar con Roeg, quien había trabajado como director de fotografía en Fahrenheit 451 , Far from the Madding Crowd y Petulia , en la que había actuado. Sutherland también quería hacer la película, pero tenía algunas reservas sobre la representación de la clarividencia en el guion. Sentía que se manejaba de manera demasiado negativa y creía que Don't Look Now debería ser una película más "educativa", y que los "personajes deberían beneficiarse de alguna manera de la percepción extrasensorial y no ser destruidos por ella". Roeg se resistía a cualquier cambio y le dio un ultimátum a Sutherland. [31]
Roeg quería que Julie Christie asistiera a una sesión espiritista antes de filmar. Leslie Flint , una médium de voz directa con base en Notting Hill, los invitó a asistir a una sesión que estaba realizando para algunos parapsicólogos estadounidenses , que venían a observarlo. Roeg y Christie fueron y se sentaron en un círculo en la oscuridad total y se tomaron de las manos. Flint les indicó a sus invitados que "descruzaran" las piernas, lo que Roeg incorporó posteriormente a la película. [15]
Adelina Poerio fue elegida para el papel de la fugaz figura del abrigo rojo después de que Roeg viera su foto en una sesión de casting en Roma. Con tan solo 1,28 m de altura, tenía una carrera como cantante. [30] Renato Scarpa fue elegido para el papel del inspector Longhi, a pesar de no poder hablar inglés y, por lo tanto, no tenía idea de lo que estaba diciendo en la película. [32]
La escena del ahogamiento y los exteriores de la casa se filmaron en Hertfordshire, en la casa del actor David Tree , que también interpreta al director del internado del hijo. [31] Filmar la secuencia fue particularmente problemático: Sharon Williams, que interpretó a Christine, se puso histérica cuando se sumergió en el estanque, a pesar de que los ensayos en la piscina iban bien. Un granjero de la tierra vecina ofreció voluntariamente a su hija, que era una nadadora consumada, pero que se negó a sumergirse cuando llegó el momento de filmar. Al final, la escena se filmó en un tanque de agua con tres niñas. [30] Nicolas Roeg y el editor Graeme Clifford mostraron la secuencia de apertura a algunos amigos antes de que se reanudara la filmación en el segmento de Venecia, y Clifford recuerda que causó una impresión considerable. [20]
Las localizaciones de Venecia incluyeron el Hotel Gabrielli Sandwirth (el vestíbulo y los exteriores representan el ficticio Hotel Europa de la película, aunque la suite de los Baxter estaba ubicada en el Bauer Grunwald (que acomodaba mejor las cámaras)) y San Nicolò dei Mendicoli (la iglesia de San Nicolás de los Mendigos), ubicada en las afueras de Venecia. Encontrar una iglesia apropiada resultó difícil: después de visitar la mayoría de las iglesias de Venecia, el director de locaciones italiano sugirió construir una en un almacén. El descubrimiento de San Nicolò fue particularmente afortunado porque estaba siendo renovado y el andamiaje ya estaba en su lugar, las circunstancias se prestaban bien a la trama de la película. Roeg decidió no utilizar ubicaciones turísticas tradicionales para evitar deliberadamente un aspecto de documental de viajes. Venecia resultó ser un lugar difícil para filmar, principalmente debido a las mareas, que causaban problemas de continuidad, y el transporte de equipos. [33] [34]
El rodaje de la escena en la que John casi se cae y muere mientras restaura el mosaico de la iglesia de San Nicolò también estuvo plagado de problemas, y la vida de Donald Sutherland corrió peligro. En la escena, parte del andamio se derrumbó y John quedó colgando de una cuerda, pero el especialista se negó a realizar la acrobacia porque el seguro no estaba en regla. Sutherland terminó haciéndolo en su lugar, y fue atado a un alambre de Kirby como precaución en caso de que se cayera. Algún tiempo después de que se estrenara la película, el reconocido coordinador de especialistas Vic Armstrong le comentó a Sutherland que el alambre no estaba diseñado para ese propósito y que el giro causado por sujetarse a la cuerda habría dañado el alambre hasta el punto de que se habría roto si Sutherland se hubiera soltado. [35]
Aunque muchos cambios se debieron a la logística de filmar en Venecia, algunos se debieron a razones creativas, siendo la más destacada la inclusión de la escena de amor. La escena fue, de hecho, una improvisación de último minuto sin guión de Roeg, quien sintió que sin ella habría demasiadas escenas de la pareja discutiendo. [5] La escena ambientada en la iglesia donde Laura enciende una vela por Christine también fue en su mayor parte improvisada. Originalmente destinado a mostrar el abismo entre los estados mentales de John y Laura (la negación de John y la incapacidad de Laura para dejarse llevar), el guión incluyó dos páginas de diálogo para ilustrar el malestar de John ante la marcada muestra de dolor de Laura. Después de una pausa en el rodaje para permitir que el equipo instalara el equipo, Donald Sutherland regresó al set y comentó que no le gustaba la iglesia, a lo que Julie Christie replicó que estaba siendo "tonto" y que la iglesia era "hermosa". Roeg sintió que el intercambio era más fiel a la vida en términos de lo que los personajes realmente se dirían entre sí, y que la versión con guión estaba "sobreescrita", por lo que optó por deshacerse del diálogo con guión e incluyó el intercambio de la vida real en su lugar. [15]
La escena del funeral al final de la película también se interpretó de forma diferente a la prevista originalmente. Se suponía que Julie Christie llevaría un velo para ocultar su rostro, pero antes de filmar, Roeg le sugirió a Christie que la interpretara sin velo y sonriendo durante toda la escena. Christie se mostró inicialmente escéptica, pero Roeg sintió que no tendría sentido que el personaje estuviera desconsolado si creía que su esposo y su hija estaban juntos en el más allá. [20]
La banda sonora fue compuesta por Pino Donaggio , un veneciano nativo que era un cantante popular en ese momento (tuvo un éxito con "Lo Che Non Vivo", que fue versionada por Dusty Springfield en 1966 como " You Don't Have to Say You Love Me "); antes de Don't Look Now , Donaggio nunca había musicalizado una película. Ugo Mariotti, un director de casting de la película, vio a Donaggio en un Vaporetto en el Gran Canal de Venecia y, creyendo que era una "señal", lo contactó para ver si estaría interesado en trabajar en la película. Donaggio se mostró reacio al principio porque no entendía por qué estarían interesados en alguien que no tenía experiencia en la banda sonora de películas. [36]
Donaggio no tenía interés en hacer bandas sonoras para películas en ese momento, pero conoció a Nicolas Roeg, quien decidió probarlo y le pidió que escribiera algo para el comienzo de la película. Roeg estaba entusiasmado con el resultado, pero los productores con sede en Londres se resistieron a contratar a alguien que no tuviera experiencia en películas. Los financistas de la película estaban contentos con el trabajo de Donaggio y desestimaron a los productores. Además de componer la banda sonora, Donaggio interpretó una parte sustancial de ella él mismo. Las piezas para piano fueron interpretadas por Donaggio, a pesar de que no era muy hábil tocando el piano. Las piezas para piano generalmente se asocian con Christine en la película, y Roeg quería que tuvieran un sonido inocente que recordara a una niña aprendiendo a tocar el piano. Donaggio afirma que, dado que no era muy bueno tocando el piano, las piezas tenían un estilo inseguro, perfecto para el efecto que intentaban capturar. [36]
El único desacuerdo sobre la dirección musical de la película fue por la banda sonora que acompaña a la escena de amor. Donaggio compuso una gran pieza orquestal , pero Roeg pensó que el efecto era excesivo y quería que se atenuara. Al final, la escena solo utilizó una combinación de piano, flauta , guitarra acústica y bajo acústico . El piano lo tocó nuevamente Donaggio, quien también tocaba la flauta; en contraste con su habilidad como pianista, Donaggio era un flautista consumado. Donaggio admitió que el tema más discreto funcionaba mejor en la secuencia y abandonó la pieza orquestal de cuerdas agudas, reelaborándola para la escena del funeral al final de la película. [36]
Donaggio ganó un premio a la "mejor banda sonora del año" por su trabajo en la película, lo que le dio la confianza para dejar su exitosa carrera como cantante y embarcarse en una carrera musicalizando películas. Donaggio se convirtió en un compositor habitual de Brian De Palma , y le da crédito a Nicolas Roeg por haberle dado su primera lección en la escritura de bandas sonoras para películas, y expresó su deseo de trabajar con él nuevamente. [36] La banda sonora de Donaggio luego alcanzó un nuevo reconocimiento por su inclusión en el cuarto episodio de la serie de HBO Euphoria ; la supervisora musical Jen Malone señaló que las pistas utilizadas fueron las más difíciles de obtener de toda la música utilizada en la serie. [37]
La escena de sexo de Don't Look Now entre Julie Christie y Donald Sutherland causó una considerable controversia antes de su estreno en 1973. El periódico sensacionalista británico Daily Mail observó en ese momento que "una de las escenas de amor más francas jamás filmadas es probable que hunda a la encantadora Julie Christie en la mayor polémica por censura desde El último tango en París ". La escena era inusualmente gráfica para la época, incluida una representación poco común del cunnilingus en una película convencional. [4]
Christie comentó que "en aquella época no se hacían escenas así", y que le resultó difícil filmarlas: "No había ejemplos disponibles, ni modelos a seguir... Me quedé en blanco y Nic [Roeg] gritó instrucciones". La escena causó problemas con los censores de ambos lados del Atlántico. El censor estadounidense avisó explícitamente a Nicolas Roeg, diciendo: "No podemos ver el jorobado. No podemos ver el ascenso y descenso entre los muslos". El estilo fragmentado tan celebrado de la escena, en el que se intercalan escenas de la pareja teniendo relaciones sexuales con escenas de la pareja vistiéndose para salir a cenar después del coito, se produjo en parte gracias al intento de Roeg de adaptarse a las preocupaciones de los censores: "La examinaron y no encontraron absolutamente nada a lo que pudieran objetar. Si alguien sube, cortas y la próxima vez que lo ves en una posición diferente, obviamente rellenas los huecos tú mismo. Pero, técnicamente hablando, no había 'jorobado' en esa escena". Al final, Roeg sólo cortó nueve fotogramas de la secuencia, y la película recibió una clasificación R en Estados Unidos. En Gran Bretaña, la Junta Británica de Censores Cinematográficos consideró que la versión sin cortes era "de buen gusto y parte integral de la trama", y se permitió una escena en la que se puede ver claramente al personaje de Donald Sutherland practicando sexo oral al personaje de Christie; se le dio una clasificación X (solo para adultos). [4] [38]
La escena de sexo siguió siendo controvertida durante algunos años después del estreno de la película. La BBC la cortó por completo cuando Don't Look Now se estrenó en la televisión del Reino Unido, lo que provocó una avalancha de quejas de los espectadores. [15] [39] La intimidad de la escena dio lugar a rumores de que Christie y Sutherland habían tenido sexo no simulado que han persistido durante años y que tomas descartadas de la escena estaban circulando en las salas de proyección. [10] [40] [41] Michael Deeley , que supervisó la distribución de la película en el Reino Unido, afirmó en Desert Island Discs de BBC Radio 4 que Warren Beatty había volado a Londres y exigió que la escena de sexo, con su entonces novia Julie Christie, fuera eliminada de la película. [42] Los rumores fueron aparentemente confirmados en 2011 por el ex editor de Variety Peter Bart , que era un ejecutivo de Paramount en ese momento. En su libro Infamous Players: A Tale of Movies, the Mob, (and Sex) (Los actores infames: una historia de películas, la mafia (y el sexo) , Bart dice que estaba en el set el día que se filmó la escena y que podía ver claramente el pene de Sutherland "entrando y saliendo" de Christie. Bart reiteró el descontento de Warren Beatty, señalando que Beatty se había puesto en contacto con él para quejarse de lo que percibía como una explotación de Christie por parte de Roeg, e insistiendo en que se le permitiera ayudar a editar la película. [43] [44] Posteriormente, Sutherland emitió una declaración a través de su publicista en la que afirmaba que las afirmaciones no eran ciertas y que Bart no presenció la filmación de la escena. Peter Katz, el productor de la película, corroboró el relato de Sutherland de que el sexo fue completamente simulado. [45]
Don't Look Now —comercializada como un "thriller psíquico" [46] —se estrenó en el West End de Londres el 16 de octubre de 1973. [28] [3] Se estrenó a nivel nacional unas semanas más tarde como el largometraje principal de un programa doble ; [3] The Wicker Man fue su largometraje B acompañante y, al igual que Don't Look Now , logró un gran reconocimiento. [11] Las dos películas tienen similitudes temáticas, y ambas terminan con sus protagonistas siendo llevados a destinos predeterminados por un "niño" que creen que está ayudando. [3]
La película estuvo entre los títulos británicos más vendidos en la taquilla del Reino Unido en 1974, solo superada por Confesiones de un limpiador de ventanas , y se ubicó entre los veinte primeros del año en general. [47] [48] Michael Deeley, quien era director gerente de British Lion Films en el momento del estreno de la película, dijo que la recepción de la película en los Estados Unidos se vio afectada por Paramount Pictures al apresurar el estreno de la película en los cines demasiado pronto, debido al fracaso inesperado de Jonathan Livingston Seagull ; [49] a pesar de su distribución mal administrada, Peter Bart, de su época en Paramount, recuerda que tuvo un desempeño "bastante bueno" en la taquilla. [43] La película costó £ 566,501 [50] (US $ 1.3 millones) [51] para producir, y recuperó la mayor parte de sus gastos incluso antes de su estreno debido a la venta de los derechos de distribución en Estados Unidos a Paramount. [49]
Don't Look Now fue elegida por el British Film Institute en 2000 como una de las ocho películas clásicas que habían comenzado a deteriorarse para ser restauradas. [52] Una vez finalizada la restauración en 2001, la película se estrenó nuevamente en cines. [53]
Don't Look Now se ha lanzado en VHS , Laserdisc , DVD , Blu-ray y Ultra HD Blu-ray . Los extras incluyen una introducción del periodista de cine Alan Jones, un comentario de audio del director Nicolas Roeg, un documental retrospectivo ("Looking Back"), un extracto de un documental de los años 80 sobre Roeg ("Nothing is as it Seems") y entrevistas con Donald Sutherland, el compositor Pino Donaggio ("Death in Venice"), el guionista Allan Scott, el director de fotografía Anthony Richmond y el director de cine Danny Boyle , así como una versión "comprimida" de la película hecha por Boyle para un homenaje de los BAFTA . [54] [55] [56]
En 2015, la Criterion Collection lanzó una restauración digital en 4K (aprobada por Roeg) en DVD y Blu-ray . Además de los featurettes "Muerte en Venecia" y "Mirando hacia atrás" que acompañaron a las ediciones anteriores, hay una conversación entre el editor Graeme Clifford y el guionista de cine Bobbie O'Steen, un ensayo del crítico de cine David Thomson y una sesión de preguntas y respuestas con Roeg en el Ciné Lumière de Londres de 2003. También se incluyen dos nuevos documentales: el primer documental, "Something Interesting", presenta entrevistas con Anthony Richmond, Donald Sutherland, Julie Christie y Allan Scott sobre la realización de la película; el segundo, "Nicolas Roeg: The Enigma of Film", presenta entrevistas con Danny Boyle y su colega cineasta Steven Soderbergh en las que se habla del estilo cinematográfico de Roeg. [57]
En 2019, StudioCanal lanzó una nueva restauración en 4K, supervisada por el director de fotografía Anthony Richmond, en los formatos estándar y Ultra HD Blu-ray, y tuvo un estreno limitado en cines. El lanzamiento de StudioCanal estuvo acompañado de varios extras nuevos: un featurette sobre el proceso de restauración con el director de fotografía Anthony Richmond; "Pass the Warning: Taking A Look Back at Nic Roeg's Masterpiece", un documental con Brad Bird , Andrew Haigh y Danny Boyle que analizan el trabajo y el estilo visual de Nicolas Roeg; "A Kaleidoscope of Meaning: Color in Don't Look Now", en el que Anthony Richmond, David Cronenberg y Sarah Street analizan el uso del color en Don't Look Now . [58] [59]
En la semana posterior a la muerte de Donald Sutherland en junio de 2024, Don't Look Now fue la octava película más popular en streaming en los Estados Unidos, según la guía de streaming de Reelgood. [60] [61]
En el momento de su estreno inicial, Don't Look Now fue generalmente bien recibida por los críticos, [41] aunque algunos la criticaron por ser "artística y mecánica". [40] Jay Cocks para Time , escribió que "Don't Look Now es una experiencia tan rica, compleja y sutil que exige más de una visualización", [62] mientras que Variety comentó que los adornos visuales de la película la convertían en "mucho más que un simple thriller de terror psicológico bien hecho". [63] Pauline Kael, que escribe para The New Yorker , fue más reservada en sus elogios, considerando que la película era "el enigma más elegante y cuidadosamente ensamblado que se haya puesto en la pantalla hasta ahora", pero que había una "maldita humedad en la imagen", [25] mientras que Gordon Gow de Films and Filming sintió que no estaba a la altura de las aspiraciones de las dos películas anteriores de Nicolas Roeg, Performance y Walkabout , pero que, sin embargo, era un thriller de cierta profundidad. [4] Vincent Canby , crítico de The New York Times , por otro lado, criticó la película por una falta de suspenso que atribuyó a un giro que aparece a mitad de la película en lugar de al final, y en cuyo punto "deja de tener suspenso y se convierte en un elegante diario de viaje que nos invita a hacer turismo por Venecia". Canby también sugirió que la segunda visión no era convincente en la pantalla, ya que parecía simplemente un avance rápido, que es un recurso narrativo estándar en las películas, y concluyó que "No solo probablemente tengas mejores cosas que hacer, sino que también, estoy seguro, la mayoría de las personas relacionadas con la película". [64]
Los críticos británicos se mostraron especialmente entusiasmados con la dirección de Nicolas Roeg. En opinión de Tom Milne , de Monthly Film Bulletin , el trabajo combinado de Roeg en Performance , Walkabout y Don't Look Now lo colocó "en lo más alto como cineasta". [4] George Melly escribió de manera similar en The Observer que Roeg se había unido a "ese puñado de nombres cuya aparición al final de los títulos de crédito crea automáticamente una sensación de anticipación". [3] Penelope Houston para Sight & Sound también encontró mucho que apreciar en la dirección de Roeg: "Roeg despliega sutiles poderes de dirección y una distracción hitchcockiana". [4] Los críticos estadounidenses quedaron igualmente impresionados con el trabajo de Roeg en la película. Jay Cocks consideró que Don't Look Now era el mejor trabajo de Roeg con diferencia y que Roeg era uno de "esos raros talentos que pueden generar una nueva forma de ver". Cocks también consideró que la película era una mejora notable con respecto a la novela, y señaló que una lectura "hace que uno aprecie a Roeg y a los guionistas [Allan] Scott y [Chris] Bryant aún más. La película y la historia comparten ciertos elementos básicos de la trama y un final de sorpresa cruel. La historia es distante, casi superficial. Roeg y sus colaboradores han construido una especulación intrincada e intensa sobre los niveles de percepción y realidad". [62] Roger Ebert en su reseña para el Chicago Sun-Times comentó que Roeg es "un genio en llenar su marco con formas y composiciones amenazantes", [46] mientras que Pauline Kael lo etiquetó de "escalofriantemente elegante" en la suya. [25] Incluso Vincent Canby, cuya opinión de la película fue negativa en general, elogió a Roeg por ser capaz de "mantener una sensación de amenaza mucho después de que el guión tenga derecho a esperarla". [64]
Julie Christie y Donald Sutherland también recibieron elogios por sus actuaciones. Variety consideró que Sutherland estaba en su momento más moderado, pero también en su momento más efectivo, mientras que Christie hace su "mejor trabajo en mucho tiempo". [63] Cocks consideró que gracias a sus magníficas actuaciones, la película tenía una "rigurosa verdad psicológica y un timbre emocional" de los que carecían la mayoría de las demás películas del género sobrenatural. [62] Canby consideró que la "sinceridad de los actores" era uno de los mejores aspectos de la película, [64] mientras que Kael encontró que Christie era especialmente adecuada para el papel, observando que tiene el "rostro ansioso de una musa trágica moderna". [65]
El uso que Roeg hace de Venecia también fue elogiado, y Roger Ebert encontró que "usa Venecia tan bien como nunca antes se la ha usado en una película", [46] y Canby también notó que Venecia se usa con gran efecto: "Obtiene una gran interpretación de Venecia, que es toda grises, azules y negros invernales, el color de las palomas que siempre están bajo los pies". [64] Variety también encontró mucho que admirar en la edición, escribiendo que es "cuidadosa y minuciosa (la escena de hacer el amor clásicamente brillante y erótica es solo uno de varios ejemplos) y juega un papel vital en establecer el estado de ánimo de la película". [63]
Daphne du Maurier se mostró satisfecha con la adaptación de su historia y escribió a Nicolas Roeg para felicitarlo por capturar la esencia de la relación entre John y Laura. [21] La película no fue bien recibida por los venecianos, particularmente por los concejales que temían que ahuyentara a los turistas. [36]
En la 27.ª edición de los Premios de Cine de la Academia Británica , Anthony B. Richmond ganó el premio a la Mejor Fotografía, y Don't Look Now recibió otras nominaciones en las categorías de Mejor Película, Dirección, Actor, Actriz, Banda Sonora y Montaje. [ 66] También fue nominada en la categoría de Mejor Película en los Premios Edgar Allan Poe de 1974. [67]
La reputación de Don't Look Now ha crecido desde su estreno y ahora se considera una obra clave en el cine de terror. [11] Ocupó el puesto 127 y 114, respectivamente, en las ediciones de 2012 y 2022 de la encuesta de críticos decenal de Sight & Sound . [68] [69]
Algunos críticos que reseñaron la película en su estreno original han ofrecido reevaluaciones. Roger Ebert, casi treinta años después de su reseña original, agregó Don't Look Now a su lista de las mejores películas , aumentando la calificación de tres estrellas a su rango máximo de cuatro estrellas. Ebert afirmó que había llegado a un "acuerdo" con sus reservas sobre lo que denominó la "debilidad admitida del desenlace". Después de haber visto la película plano por plano, llegó a la conclusión de que es una "obra maestra de la realización física del cine, en la forma en que la fotografía evoca el estado de ánimo y la edición lo subraya con incertidumbre". Si bien la trama descrita en un breve resumen parecería rutinaria, es el "estilo visual, la actuación y el estado de ánimo de la película lo que evoca su poder sobrenatural [... Don't Look Now ] funciona a través de la aprehensión, no de la trama o la acción". [70]
Don't Look Now también está bien considerada por muchos profesionales de la industria cinematográfica. Una encuesta a 1.000 personas que trabajan en la industria del cine y la televisión, realizada por el British Film Institute en 1999, vio a la película clasificada octava en su lista de las 100 mejores películas británicas del siglo XX. [71] También encabezó una lista similar organizada por Time Out London en 2011, en la que se encuestó a 150 profesionales de la industria cinematográfica. [72] En 2012, Time Out también realizó una encuesta de la industria del terror, en la que más de 100 profesionales que trabajan dentro o tienen conexiones con el género seleccionaron sus películas de terror favoritas, en la que Don't Look Now terminó en la duodécima posición. [73] También apareció en la encuesta de directores de Sight & Sound , realizada en conjunto con su encuesta de críticos, ubicándose entre las 100 mejores en 2012 y entre las 50 mejores en 2022. [68] [69]
Me pareció una película muy bien filmada, una mirada muy adulta a historias de terror de la vida real, y había un alto grado de sexualidad en ella, que, cuando la vi de niño, recuerdo que me sorprendió mucho. Me pareció muy valiente y creo que todavía se mantiene. Nick Roeg es un director brillante.
Ryan Murphy en No mires ahora . [74]
Don't Look Now ha sido muy admirada y ha sido una influencia para los cineastas posteriores. Danny Boyle cita a Nicolas Roeg como una influencia clave en su trabajo y la cuenta entre sus películas favoritas, [75] [76] considerándola como "una de las obras maestras del siglo pasado". [77] Mark Gatiss , Steve Pemberton , Reece Shearsmith y Jeremy Dyson se basaron en Don't Look Now considerablemente para su serie de televisión The League of Gentlemen ; Pemberton la clasifica entre las tres mejores películas de terror británicas de los años 1960 y 1970, y dice que quiere que las cosas que ha escrito hagan que el público se sienta como él se sintió cuando vio The Wicker Man y Don't Look Now . [78] [79] [80] De manera similar, Ryan Murphy considera que su serie de televisión American Horror Story es un retroceso al terror psicológico de los años 60 y 70, citando Don't Look Now , Rosemary's Baby y El resplandor como ejemplos particulares. [81] También se han observado similitudes temáticas y narrativas con Anticristo de Lars von Trier , [82] con el director de fotografía de Anticristo , Anthony Dod Mantle , comentando que ha visto Don't Look Now más veces que cualquier otra película. [83] Fabrice Du Welz , cuya película Vinyan a menudo ha sido comparada con Don't Look Now , ha declarado que es una película con la que está "obsesionado", y una de sus favoritas, [84] mientras que Lynne Ramsay la citó como una influencia en Tenemos que hablar de Kevin , que por cierto también es producida por el hijo de Roeg, Luc. [85] Ami Canaan Mann también ha reconocido que estuvo influenciada por thrillers atmosféricos como Picnic at Hanging Rock y Don't Look Now mientras dirigía su primer largometraje, Texas Killing Fields , [86] y Ari Aster reconoció que fue una influencia clave en Hereditary . [87]
Su imaginería ha sido referenciada directamente en varias obras. La película de James Bond de 2006 , Casino Royale, contiene un pequeño homenaje en el que James Bond persigue a un personaje femenino por Venecia, vislumbrándola entre la multitud con un vestido rojo. [88] El thriller ambientado en Bélgica, In Bruges , protagonizado por Colin Farrell , incluye varias referencias explícitas; [89] el director Martin McDonagh dijo que la "Venecia de Don't Look Now " fue la plantilla para la representación de Brujas en su película, [90] y la película incluye numerosas similitudes temáticas, incluido un personaje que afirma que la película en la que está trabajando es un " pastiche de Don't Look Now ". Flatliners , un thriller sobrenatural de 1990 dirigido por Joel Schumacher , también se basa explícitamente en la figura infantil con abrigo rojo al tener un personaje aterrorizado por un niño que viste un abrigo rojo; [91] Casualmente, el personaje que está siendo atormentado es interpretado por Kiefer Sutherland , el hijo de Donald Sutherland. En la obra de teatro de 2007 Don't Look Now , escrita por Nell Leyshon y dirigida por Lucy Bailey , la obra hizo un esfuerzo consciente por pasar por alto la película y ser una adaptación fiel del cuento de Du Maurier, pero sin embargo conservó el icónico impermeable rojo de la película tal como lo usa la esquiva figura infantil. [92] [93]
Su influencia es menos obvia pero aún evidente en Out of Sight , una película de 1998 dirigida por Steven Soderbergh . La técnica de intercalado utilizada en la escena de sexo se utilizó con un efecto similar en una escena de sexo con George Clooney y Jennifer Lopez . [10] [94] Las imágenes y técnicas estilísticas de la película han servido de inspiración para películas como La lista de Schindler dirigida por Steven Spielberg , [95] Memento de Christopher Nolan , [96] [97] [98] The Dark de John Fawcett , [99] Frozen de Juliet McKoen, [100] Submarine de Richard Ayoade , [101] y Blancanieves y el cazador de Rupert Sanders . [102] David Cronenberg la considera la película más aterradora que ha visto, [103] y su influencia se ha detectado en The Brood de Cronenberg . [104] El investigador paranormal, Danny Robins , presentador de la serie de radio Uncanny , es un gran admirador y la describe como "una película realmente hermosa, increíblemente filmada y artística, y aún así, logra ser realmente sangrienta y aterradora". Robins usa un abrigo rojo en el spin-off televisivo de su programa como homenaje. [105]
Roeg recurrió con frecuencia al mundo de la música pop para su trabajo, eligiendo a Mick Jagger para Performance , a David Bowie para The Man Who Fell to Earth y a Art Garfunkel para Bad Timing , y a su vez sus películas han servido de inspiración para los músicos. Big Audio Dynamite escribió una canción de homenaje a Roeg, llamada « E=MC 2 », que incluía referencias líricas a Don't Look Now —entre otras películas de Roeg— junto con fragmentos de la misma en el vídeo, dirigido por Luc Roeg, [106] mientras que Sophie Ellis-Bextor realizó un «homenaje de sintetizador pop» a Don't Look Now con su canción, « Catch You », [107] y partes de la película fueron sampleadas en la canción de M83 «America». [108]
Presupuesto: $1,332,657.
