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Policromo

Reconstrucción de 1883 del esquema de colores del entablamento de un templo dórico

La policromía es la "práctica de decorar elementos arquitectónicos, esculturas, etc., en una variedad de colores". [1] El término se utiliza para referirse a ciertos estilos de arquitectura , cerámica o escultura en múltiples colores.

Al observar las obras de arte y la arquitectura de la Antigüedad y la Edad Media europea , la gente tiende a creer que eran monocromas. En realidad, el pasado prerrenacentista estaba lleno de color, y todas las esculturas grecorromanas y catedrales góticas , que ahora son blancas, beige o grises, fueron pintadas inicialmente en colores brillantes. Como afirmó André Malraux , "Atenas nunca fue blanca, pero sus estatuas, desprovistas de color, han condicionado la sensibilidad artística de Europa... todo el pasado nos ha llegado sin color". [2] La policromía fue y es una práctica que no se limita solo al mundo occidental . Las obras de arte no occidentales, como los templos chinos , las figuras Uli de Oceanía o los jarrones de cerámica maya , también estaban decoradas con colores.

Antiguo Cercano Oriente

Al igual que el arte antiguo de otras regiones, el arte del Antiguo Oriente Próximo era policromado y los colores brillantes a menudo estaban presentes. Muchas esculturas ya no tienen su colorido original en la actualidad, pero todavía hay ejemplos que lo mantienen. Una de las mejores es la Puerta de Ishtar , la octava puerta de la ciudad interior de Babilonia (en el área de la actual Hillah , Gobernación de Babilonia , Irak ). Fue construida en el año 575 a. C. por orden del rey Nabucodonosor II en el lado norte de la ciudad. Formaba parte de una gran vía procesional amurallada que conducía a la ciudad. Sus colores son tan ricos como en su época porque las paredes estaban hechas de ladrillo vidriado.

Muchas esculturas del antiguo Oriente Próximo también estaban pintadas. Aunque hoy son grises, todos los relieves asirios que decoraban los palacios reales estaban pintados con colores muy saturados.

Antiguo Egipto

Gracias al clima seco de Egipto, los colores originales de muchas esculturas antiguas en bulto redondo, relieves, pinturas y diversos objetos se conservaron bien. Algunos de los ejemplos mejor conservados de la arquitectura egipcia antigua fueron las tumbas, cubiertas en su interior con relieves esculpidos pintados en colores brillantes o simplemente frescos . Los artistas egipcios trabajaron principalmente con pigmentos negros, rojos, amarillos, marrones, azules y verdes. Estos colores se derivaban de minerales molidos, materiales sintéticos ( azul egipcio , verde egipcio y fritas utilizadas para hacer esmaltes de vidrio y cerámica) y negros a base de carbono (hollín y carbón vegetal ). La mayoría de los minerales estaban disponibles en suministros locales, como pigmentos de óxido de hierro (ocre rojo, ocre amarillo y sombra); blanco derivado del carbonato de calcio que se encuentra en las extensas colinas de piedra caliza de Egipto; y azul y verde de azurita y malaquita .

Además de su efecto decorativo, los colores también se utilizaban por sus asociaciones simbólicas. Los colores en esculturas, ataúdes y arquitectura tenían cualidades tanto estéticas como simbólicas. Los antiguos egipcios veían el negro como el color del suelo aluvial fértil, por lo que lo asociaban con la fertilidad y la regeneración. El negro también se asociaba con la otra vida, y era el color de las deidades funerarias como Anubis . El blanco era el color de la pureza, mientras que el verde y el azul se asociaban con la vegetación y el rejuvenecimiento. Debido a esto, Osiris a menudo se representaba con la piel verde, y las caras de los ataúdes de la Dinastía XXVI a menudo eran verdes. El rojo, el naranja y el amarillo se asociaban con el sol. El rojo también era el color de los desiertos, y por lo tanto se asociaba con Seth y las fuerzas de la destrucción. [5] [6]

Más tarde, durante el siglo XIX, se llevaron a cabo expediciones que tenían como objetivo catalogar el arte y la cultura del antiguo Egipto. Description de l'Égypte es una serie de publicaciones de principios del siglo XIX repletas de ilustraciones de monumentos y artefactos del Antiguo Egipto. La mayoría son en blanco y negro, pero algunas son coloridas, para poder mostrar la policromía del pasado. En algunos casos, solo quedaron algunos rastros de pintura en las paredes, pilares y esculturas, pero los ilustradores intentaron con éxito mostrar el estado original de los edificios en sus imágenes. [7]

Mundo clasico

Reliquias de policromía en un capitel jónico de la antigua Grecia , procedente de un edificio no identificado del siglo V a. C. Museo del Ágora de Atenas, Stoa de Átalo

En la Creta minoica se han excavado algunas piezas de cerámica policromada muy antiguas , como en el yacimiento de Festos, de la Edad del Bronce . [9] En la antigua Grecia, las esculturas se pintaban con colores fuertes. La pintura se limitaba con frecuencia a las partes que representaban la ropa, el pelo, etc., dejando la piel con el color natural de la piedra, pero podía cubrir las esculturas en su totalidad. La pintura de la escultura griega no debe verse simplemente como una mejora de su forma esculpida, sino que tiene las características de un estilo artístico distinto. Por ejemplo, se ha demostrado recientemente [ ¿cuándo? ] que las esculturas del frontón del templo de Afaya en Egina estaban pintadas con patrones atrevidos y elaborados, que representaban, entre otros detalles, ropa estampada. La policromía de las estatuas de piedra se correspondía con el uso de materiales para distinguir la piel, la ropa y otros detalles en las esculturas criselefantinas , y con el uso de metales para representar labios, pezones, etc., en bronces de alta calidad como los bronces de Riace . La disponibilidad de métodos y técnicas digitales modernas han permitido la reconstrucción y visualización de la policromía 3D antigua con un método científicamente sólido y muchos proyectos han explorado estas posibilidades en los últimos años. [10]

Un ejemplo temprano de decoración policromada se encontró en el Partenón sobre la Acrópolis de Atenas . Sin embargo, cuando el anticuarismo europeo despegó en el siglo XVIII, la pintura que había estado en los edificios clásicos se había desgastado por completo. Por lo tanto, las primeras impresiones de los anticuarios y arquitectos de estas ruinas fueron que la belleza clásica se expresaba solo a través de la forma y la composición, carente de colores robustos, y fue esa impresión la que inspiró la arquitectura neoclásica . Sin embargo, algunos clasicistas como Jacques Ignace Hittorff notaron rastros de pintura en la arquitectura clásica y esto lentamente llegó a ser aceptado. Dicha aceptación se aceleró más tarde con la observación de diminutos rastros de color por medios microscópicos y de otro tipo, lo que permitió reconstrucciones menos tentativas que las que Hittorff y sus contemporáneos habían podido producir. Un ejemplo de policromía arquitectónica griega clásica puede verse en la réplica de tamaño real del Partenón exhibida en Nashville, Tennessee , EE. UU.

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Asia oriental

El arte chino es conocido por el uso de colores vibrantes. Las vasijas de cerámica chinas neolíticas, como las producidas por la cultura Yangshao , muestran el uso de pigmentos negros y rojos. Más tarde, las esculturas funerarias y religiosas aparecen como consecuencia de la difusión del budismo . Las deidades más comunes en la escultura budista china son formas de Buda y el bodhisattva Guanyin . Los rastros de oro y colores brillantes en los que se pintaron las esculturas aún dan una idea de su efecto. Durante las dinastías Han y Tang , se colocaron figurillas de cerámica policromada de sirvientes, artistas, inquilinos y soldados en las tumbas de personas de clase alta. Estas figurillas se produjeron en masa en moldes. Aunque la porcelana china es más conocida por ser azul y blanca, muchos jarrones y figuras de cerámica coloridas se produjeron durante las dinastías Ming y Qing . Durante las mismas dos dinastías, también se fabricaron vasijas cloisonné que usan alambres de cobre ( cloisons ) y esmalte brillante.

De manera similar a lo que estaba sucediendo en China, la introducción del budismo en Japón en el año 538 (o quizás 552 d. C.) condujo a la producción de esculturas budistas japonesas policromadas. Hasta entonces, la imaginería religiosa japonesa había consistido en figuras de arcilla desechables que se utilizaban para transmitir oraciones al mundo espiritual. [19]

Medieval

En toda la Europa medieval, las esculturas religiosas en madera y otros medios solían estar pintadas o coloreadas con colores brillantes, al igual que los interiores de los edificios de las iglesias. Estas esculturas solían ser destruidas o encaladas durante las fases iconoclastas de la Reforma protestante o en otros disturbios como la Revolución Francesa , aunque algunas han sobrevivido en museos como el Victoria & Albert , el Museo de Cluny y el Louvre . Los exteriores de las iglesias también se pintaban, pero poco ha sobrevivido. La exposición a los elementos y los gustos cambiantes y la aprobación religiosa a lo largo del tiempo actuaron en contra de su conservación. El "Portal de la Majestad" de la Colegiata de Toro es el ejemplo restante más extenso, debido a la construcción de una capilla que lo encerraba y lo protegía de los elementos solo un siglo después de su finalización. [23]

Siglos XVII y XVIII

Biblioteca de la Abadía de Wiblingen , Ulm , Alemania, por Christian Wiedemann  [sv] , 1737-1744. [31] Todos los elementos que parecen estar hechos de mármol en realidad están hechos de estuco policromado.

Mientras que las esculturas de piedra y metal normalmente permanecieron incoloras, como las supervivencias clásicas, las esculturas de madera policromada fueron producidas por artistas españoles: Juan Martínez Montañés , Gregorio Fernández (siglo XVII); alemán: Ignaz Günther , Philipp Jakob Straub (siglo XVIII); o brasileño: Aleijadinho (siglo XIX).

En el barroco tardío y dinámico también se diseñaron soluciones cromáticas monocromáticas de órdenes arquitectónicos, inspiradas en las ideas de Borromini y Guarini. Se utilizaron revestimientos de piedra de un solo color: arenisca clara, como en el caso de la fachada de la iglesia jesuita de Bamberg (Gunzelmann 2016) diseñada por Georg y Leonhard Dientzenhofer (1686-1693), la fachada de la iglesia del monasterio en Michelsberg de Leonard Dientzenhofer (1696) y la iglesia de la abadía en Neresheim de JB Neumann (1747-1792). [32]

En el espacio de la actual Alemania, durante el siglo XVIII, los hermanos Asam ( Egid Quirin Asam y Cosmas Damian Asam ) diseñaron iglesias con paredes onduladas, frontones curvos de borken y policromía. [33] En el espacio de habla alemana se construyeron múltiples iglesias y bibliotecas rococó con estucos y columnas policromadas en tonos pastel. Allí, las columnas de falso mármol se hacen a partir de pilares de madera que se cubren con una capa de estuco policromado, una mezcla de yeso , cal y pigmento . Cuando se mezclan estos ingredientes, se crea una pasta de color homogéneo. Para lograr el aspecto de mármol, se hacen tandas más delgadas de pasta más oscura y más clara, de modo que comienzan a aparecer vetas. Todo se mezcla toscamente a mano. Cuando el material se endurece se pule frotando con papel de lija fino, y así esta capa de estuco policromado se vuelve brillante e imita de manera realmente realista al mármol. Un buen ejemplo de ello es la biblioteca de la abadía de Wiblingen en Ulm , Alemania. El mármol falso hecho de estuco se siguió utilizando también durante el siglo XIX y principios del XX. Se utiliza únicamente en interiores, ya que el estuco se disuelve en el exterior al entrar en contacto con el agua.

En Valaquia , a finales del siglo XVII y principios del XVIII, el estilo brancovenesc fue popular en la arquitectura y las artes decorativas. Recibe su nombre del príncipe Constantin Brâncoveanu , durante cuyo reinado se desarrolló. Algunas de las iglesias de este estilo tienen fachadas policromadas, decoradas con murales, como la iglesia del Monasterio de Stavropoleos en Bucarest , Rumania .

La segunda mitad del siglo XVIII fue el auge del neoclasicismo , un movimiento que intenta revivir los estilos de la Antigua Grecia , Roma , la civilización etrusca y, a veces, incluso Egipto . Durante el reinado de Luis XVI (1760-1789), los interiores de estilo Luis XVI comienzan a decorarse con arabescos , inspirados en los descubiertos en las casas antiguas de Pompeya y Herculano . Están pintados en colores pastel, pintados de blanco con las partes ornamentadas doradas o policromadas. El Comedor de Estado del Castillo de Inveraray en Escocia , decorado por dos pintores franceses, es un buen ejemplo de un interior de estilo Luis XVI policromado.

Porcelana

Con la llegada de la porcelana europea en el siglo XVIII, las figuras de cerámica de colores brillantes con una amplia gama de colores se hicieron muy populares. La porcelana se desarrolló en China en el siglo IX. Su receta se mantuvo en secreto para otras naciones y solo fue copiada con éxito en el siglo XV por los japoneses y vietnamitas. Durante el siglo XVIII, los hornos alemanes finalmente descubrieron cómo hacer porcelana, comenzando con el alquimista Johann Friedrich Böttger y el físico Ehrenfried Walther von Tschirnhaus , quienes fabricaron la primera variedad europea en 1709. La Fábrica de Porcelana de Meissen se fundó al año siguiente y se convirtió en el principal fabricante europeo de porcelana. Más tarde, otros hornos robaron la receta o idearon su propia tecnología de porcelana. Otra fábrica realmente famosa fue la de Sèvres , que produjo porcelana impresionante para la élite francesa durante los siglos XVIII, XIX y XX. [45]

Siglo XIX

En comparación con el siglo XVIII, la policromía estaba algo más extendida en el siglo XIX. Sin embargo, las fachadas de la mayoría de los edificios permanecieron blancas, la mayoría de las esculturas no estaban pintadas y la mayoría de los muebles tenían los tonos de sus materiales. Los colores se añadían normalmente a través de cerámica vidriada en los edificios, diferentes tipos de piedra en las esculturas y, con mayor frecuencia, mediante pintura o taracea en los muebles. Al igual que en el siglo XVIII, la porcelana siguió siendo bastante colorida y muchas figuras parecían reales. En contraste con sus exteriores, los interiores de muchas casas de los ricos a menudo estaban decorados con boiserie , estuco y/o pintados. Al igual que en la segunda mitad del siglo XVIII, varios relojes de bronce y objetos decorativos tienen dos tonos a través del dorado y la pátina . También se añadieron elementos de porcelana para darle más color.

Neoclasicismo

A pesar de que se han descubierto pruebas de policromía en la arquitectura y las esculturas de la Antigua Grecia , la mayoría de los edificios neoclásicos tienen fachadas blancas o beige y herrajes negros. Alrededor de 1840, el arquitecto francés Jacques Ignace Hittorff publicó estudios sobre la arquitectura siciliana , en los que documentaba una amplia evidencia de color. La "controversia de la policromía" duró más de una década y resultó ser un desafío para los arquitectos neoclásicos de toda Europa. [18]

Debido al descubrimiento de frescos en las ciudades romanas de Pompeya y Herculano durante el siglo XVIII, varias casas neoclásicas de los siglos XVIII y XIX tienen sus interiores decorados con coloridos frescos de estilo pompeyano. A menudo presentan un rojo brillante, conocido como "rojo pompeyano". La moda de los estilos de pintura pompeyanos dio como resultado habitaciones terminadas en vívidos bloques de color. Los ejemplos incluyen la Sala Pompeyana del Hinxton Hall en Cambridgeshire , el Pompejanum en Aschaffenburg , el Dormitorio de la Emperatriz Josefina del Château de Malmaison y el baño de Napoleón del Château de Rambouillet . A principios del siglo XIX, los pintores también pudieron crear efectos de jaspeado y veteado para imitar la madera.

Maximalismo del siglo XIX

El principio estético que se siguió en la época victoriana fue el de “más es más”. El maximalismo está presente en muchos tipos de diseños de la época victoriana, como la cerámica, el mobiliario, la cubertería, la vajilla, la moda, la arquitectura, la ilustración de libros, los relojes, etc. A pesar del afán por la ornamentación, muchos de ellos siguen estando decorados con pocos colores, sobre todo los muebles. La cerámica fue el campo en el que se extendió la policromía. Además de los objetos, la cerámica policromada también estuvo presente en la arquitectura y en algunas piezas de mobiliario y en la arquitectura a través de los azulejos.

Los objetos y edificios del siglo XIX que se muestran en las galerías de esta página son, sin duda, impresionantes. Hoy en día, nos deleitan sus ornamentos, colores y estilos. Sin embargo, hasta la década de 1960, con el auge del posmodernismo , cuando la gente empezó a cuestionar el modernismo y a apreciar las cosas del pasado premoderno, el veredicto sobre los diseños victorianos no era bueno. A principios del siglo XX e incluso cuando se hicieron, algunos describieron la era victoriana como la que nos ha proporcionado algunos de los objetos más feos que se hayan hecho nunca. Descripciones como "monstruosidades estéticas" o "abominaciones ornamentales" estaban presentes en esa época, y la cosa solo empeoró. A finales del siglo XIX, Marc-Louis Solon (1835-1913), un diseñador de cerámica muy conocido que trabajaba para Minton and Company, no era raro que comentara que el período "lleva el sello de un mal gusto absoluto". [51] Con el paso del tiempo, las opiniones negativas no hicieron más que empeorar. Los arquitectos pioneros modernos Adolf Loos y Le Corbusier consideraban que obras como ésta no eran simplemente malas, sino que eran una afrenta tal que deberían haber sido ilegalizadas. [52]

Ladrillo policromado

El ladrillo policromado es un estilo arquitectónico de ladrillo que surgió en la década de 1860 y que utilizaba ladrillos de diferentes colores (marrón, crema, amarillo, rojo, azul y negro) en combinaciones estampadas para resaltar las características arquitectónicas. Estos patrones se hacían alrededor de los arcos de las ventanas o simplemente se aplicaban en las paredes. A menudo se utilizaba para reproducir el efecto de las esquinas . Los primeros ejemplos presentaban bandas, y los ejemplos posteriores exhibían complejos patrones diagonales, entrecruzados y escalonados, en algunos casos incluso escritura con ladrillos. [55] También se utilizaron elementos de cerámica vidriada con detalles para adornos más complejos.

Estilo renacentista rumano

En el Reino de Rumania , el estilo neorrenacentista rumano apareció a finales del siglo XIX. Es el equivalente rumano del estilo romántico nacional que era popular al mismo tiempo en el norte de Europa . El movimiento está fuertemente inspirado en la arquitectura brancovenesca , un estilo que fue popular en Valaquia a finales del siglo XVII y principios del XVIII. Los interiores de las casas de este estilo construidas antes de la Primera Guerra Mundial suelen estar decoradas con una variedad de colores brillantes. En el caso de algunos edificios, la policromía se extiende también al exterior, mediante el uso de azulejos de cerámica vidriada de colores. El estilo se hizo más popular en el siglo XX. Una casa de estilo neorrenacentista rumano que destaca por su variedad de colores es la Casa Gheorghe Petrașcu ( Piața Romană no. 5) en Bucarest , de Spiru Cegăneanu, 1912 [59]

Siglo XX

En el siglo XX hubo períodos notables de policromía en la arquitectura, desde las expresiones del Art Nouveau en toda Europa, hasta el florecimiento internacional del Art Decó o Art Moderne, hasta el desarrollo del posmodernismo en las últimas décadas del siglo. Durante estos períodos, se diseñaron fachadas de ladrillo, piedra, azulejos, estuco y metal con un enfoque en el uso de nuevos colores y patrones, mientras que los arquitectos a menudo buscaban inspiración en ejemplos históricos que iban desde los azulejos islámicos hasta el ladrillo victoriano inglés.

Antes de la Primera Guerra Mundial

A principios del siglo XX, antes de las guerras mundiales, el revivalismo (que incluía el neoclasicismo y el neogótico ) y el eclecticismo de los estilos históricos eran muy populares en el diseño y la arquitectura. Muchas de las cosas que se dicen del siglo XIX siguen vigentes en este período. Muchos de los edificios de este período tienen sus interiores decorados con colores, a través de azulejos, mosaicos, estucos o murales. En cuanto a los exteriores, la mayoría de las fachadas policromadas están decoradas con azulejos de cerámica.

El Art Nouveau también estuvo de moda durante la década de 1900 en todo el mundo occidental . Sin embargo, se fragmentó en 1911 y desde entonces se desvaneció de manera constante, hasta que desapareció con la Primera Guerra Mundial. Algunos edificios regulares de Art Nouveau tienen sus fachadas decoradas con coloridos adornos de cerámica vidriada. Los colores utilizados son a menudo más terrosos y descoloridos en comparación con los intensos utilizados por el neoclasicismo. En comparación con otros movimientos en diseño y arquitectura, el Art Nouveau fue uno con diferentes versiones en múltiples países. La forma belga y francesa se caracteriza por formas orgánicas, adornos tomados del mundo vegetal, líneas sinuosas, asimetría (especialmente cuando se trata del diseño de objetos), el motivo del latigazo , la mujer fatal y otros elementos de la naturaleza. En Austria, Alemania y el Reino Unido, adoptó una forma geométrica más estilizada, como una forma de protesta contra el revivalismo y el eclecticismo. Los ornamentos geométricos que se encuentran en las pinturas de Gustav Klimt y en los muebles de Koloman Moser son representativos de la Secesión vienesa (Art Nouveau austríaco). En algunos países, los artistas encontraron inspiración en la tradición y el folclore nacionales. En el Reino Unido, por ejemplo, numerosos plateros utilizaron entrelazados tomados del arte celta . De manera similar, los arquitectos húngaros, rusos y ucranianos utilizaron motivos folclóricos policromados en sus edificios, generalmente a través de coloridos adornos cerámicos.

Modernism

During the interwar period and the middle of the 20th century, Modernism was in fashion. To Modernists, form was more important than ornament, so solid blocks of strong colour were often used to emphasize shape and create contrast. Primary colours and black and white were preferred. This is really the case of the Dutch De Stijl movement, which began in 1917. The style involved reducing an object (whether a painting or a design) to its essentials, using only black, white and primary colours, and a simple geometry of straight lines and planes. Gerrit Rietveld's Red and Blue Chair (1917-1918) and Rietveld Schröder House in Utrecht (1924) show this use of colour. Polychromy in Modernist design was not limited to De Stijl. The Unité d'habitation, a residential housing typology developed by Le Corbusier, has some flat colourful parts.

Some Art Deco objects, buildings and interiors stand out through their polychromy and use of intense colours. Fauvism, with its highly saturated colours, like the paintings of Henri Matisse, was an influence for some Art Deco designers. Another influence for polychromy were the Ballets Russes. Leon Bakst's stage designs filled Parisian artistic circles with enthusiasm for bright colours.[72]

Despite their lack of ornamentation, multiple Mid-century modern designs, like Lucienne Day's textiles, Charles and Ray Eames's Hang-It-All coat hanger (1953), or Irving Harper's Marshmallow sofa (1956), are decorated with colours. Aside from individual objects, mid-century modern interiors were also quite colourful. This was also caused by the fact that after WW2, plastics became increasingly popular as a material for kitchenware and kitchen units, light fixtures, electrical appliances and toys, and by the fact that plastic could be produced in a wide range of colours, from jade green to red.[73]

Postmodernism

The use of vivid colours continued with Postmodernism, in the 1970s, 1980s and 1990s. Compared to Mid-century modern objects, which often had intense colours but were monochrome, Postmodern design and architecture stand out through the use of a variety of colours on single objects or buildings. Postmodern architects working with bold colors included Robert Venturi (Allen Memorial Art Museum addition; Best Company Warehouse), Michael Graves (Snyderman House; Humana Building), and James Stirling (Neue Staatsgalerie; Arthur M. Sackler Museum), among others. In the UK, John Outram created numerous bright and colourful buildings throughout the 1980s and 90s, including the "Temple of Storms" pumping station. Aside from architecture, bright colours were present on everything, from furniture to textiles and posters. Neon greens and yellows were popular in product design, as were fluorescent tones of scarlet, pink, and orange used together. Injection-moulded plastics gave designers new creative freedom, making it possible to mass produce almost any shape (and colour) quickly and cheaply.[82]

An artist well known for her polychrome artworks is Niki de Saint Phalle, who produced many sculptures painted in bold colours. She devoted the later decades of her life to building a live-in sculpture park in Tuscany, the Tarot Garden, with artworks covered in vibrant colourful mosaics.[83]

United States

Polychrome building facades later rose in popularity as a way of highlighting certain trim features in Victorian and Queen Anne architecture in the United States. The rise of the modern paint industry following the American Civil War also helped to fuel the (sometimes extravagant) use of multiple colors.

Early 20th Century polychrome pediment, Philadelphia Museum of Art (1928)
Water pot, Acoma Pueblo, c. 1889-1903, earthenware decorated with slip - De Young Museum

The polychrome facade style faded with the rise of the 20th century's revival movements, which stressed classical colors applied in restrained fashion and, more importantly, with the birth of modernism, which advocated clean, unornamented facades rendered in white stucco or paint. Polychromy reappeared with the flourishing of the preservation movement and its embrace of (what had previously been seen as) the excesses of the Victorian era and in San Francisco, California in the 1970s to describe its abundant late-nineteenth-century houses. These earned the endearment 'Painted Ladies', a term that in modern times is considered kitsch when it is applied to describe all Victorian houses that have been painted with period colors.

John Joseph Earley (1881–1945) developed a "polychrome" process of concrete slab construction and ornamentation that was admired across America. In the Washington, D.C. metropolitan area, his products graced a variety of buildings — all formed by the staff of the Earley Studio in Rosslyn, Virginia. Earley's Polychrome Historic District houses in Silver Spring, Maryland were built in the mid-1930s. The concrete panels were pre-cast with colorful stones and shipped to the lot for on-site assembly. Earley wanted to develop a higher standard of affordable housing after the Depression, but only a handful of the houses were built before he died; written records of his concrete casting techniques were destroyed in a fire. Less well-known, but just as impressive, is the Dr. Fealy Polychrome House that Earley built atop a hill in Southeast Washington, D.C. overlooking the city. His uniquely designed polychrome houses were outstanding among prefabricated houses in the country, appreciated for their Art Deco ornament and superb craftsmanship.

Native American ceramic artists, in particular those in the Southwest, produced polychrome pottery from the time of the Mogollon cultures and Mimbres peoples to contemporary times.[93]

21st century

In the 2000s, the art of designing art toys was taking off. Multiple monochrome or polychrome vinyl figurines were produced during this period, and are still produced during the 2020s. A few artists who designed vinyl toys include Joe Ledbetter, Takashi Murakami, Flying Förtress, and CoonOne1.

During the 2010s and the early 2020s, a new interest for Postmodern architecture and design appeared. One of the causes were memorial exhibitions that presented the style, the most comprehensive and influential one being held at the Victoria & Albert Museum in London in 2011, called Postmodernism: Style and Subversion, 1975-1990. The Salone del Mobile in Milan since 2014 showcased revivals, reinterpretations, and new postmodern-influenced designs.[94] Because of this, multiple funky polychrome buildings were erected, like the House for Essex, Wrabness, Essex, the UK, by FAT and Grayson Perry, 2014[95] or the Miami Museum Garage, Miami, USA, by WORKac, 2018.[96]

Besides revivals of Postmodernism, another key design movement of the early 2020s is Maximalism. Since its philosophy can be summarized as "more is more", contrasting with the minimalist motto "less is more", it is characterized by a wide use of intense colours and patterns.

Polychromatic light

The term polychromatic means having several colors. It is used to describe light that exhibits more than one color, which also means that it contains radiation of more than one wavelength. The study of polychromatics is particularly useful in the production of diffraction gratings.

See also

Notes

  1. ^ Harris, Cyril M., ed. Illustrated Dictionary of Historic Architecture, Dover Publications, New York, c. 1977, 1983 edition
  2. ^ Vinzenz Brinkmann, Renée Dreyfus, Ulrike Koch-Brinkmann, John Camp, Heinrich Piening, Oliver Primavesi (2017). GODS IN COLOR Polychromy in the Ancient World. Fine Arts Museums of San Francisco and DelMonico Books. p. 65. ISBN 978-3-7913-5707-2.{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)
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  4. ^ Fortenberry 2017, p. 6.
  5. ^ Vinzenz Brinkmann, Renée Dreyfus, Ulrike Koch-Brinkmann, John Camp, Heinrich Piening, Oliver Primavesi (2017). GODS IN COLOR Polychromy in the Ancient World. Fine Arts Museums of San Francisco and DelMonico Books. p. 62 & 63. ISBN 978-3-7913-5707-2.{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)
  6. ^ Wilkinson, Toby (2008). Dictionary of ANCIENT EGYPT. Thames and Hudson. p. 55. ISBN 978-0-500-20396-5.
  7. ^ Rose Marie, Rainer Hagen (2022). EGYPT - People Gods Pharaohs. Taschen. p. 242. ISBN 978-3-8365-2054-6.
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  9. ^ C. Michael Hogan, Knossos Fieldnotes, The Modern Antiquarian (2007)
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References

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