La música lésbica , gay , bisexual , transgénero y queer + (LGBTQ+) es música que se centra en las experiencias de las minorías sexuales y de género [1] [2] como producto del amplio movimiento de liberación gay .
La música LGBTQ+ abarca todo el espectro de la música popular . [1] [2] Las letras y el contenido de las canciones suelen expresar la frustración, la ansiedad y la esperanza asociadas a las identidades sexuales y de género no normativas, lo que ofrece a los grupos marginados una plataforma vital para la expresión. [3] [4] Recientemente, la música popular ha "proporcionado un espacio donde se pueden escuchar las voces marginadas y se pueden moldear, desafiar y renegociar las identidades sexuales". [2] La música convencional ha comenzado a reflejar la aceptación de la musicalidad LGBTQ+. [5] [6] Algunos íconos queer se identifican abiertamente como queer y han realizado cambios impactantes en el mundo para las personas LGBTQ+. Otros son aliados heterosexuales que han expresado su apoyo a la comunidad.
La música LGBTQ+ también puede referirse a música que no necesariamente aborda temas queer, o es creada por compositores/productores queer, pero que es disfrutada por miembros de la comunidad LGBTQ+ de todos modos. Gran parte de la música creada por íconos queer heterosexuales se disfruta en espacios LGBTQ+, con artistas como Judy Garland , Janet Jackson , Donna Summer , Kylie Minogue , Madonna o Cher , entre otros. Algunos intérpretes, como Elton John y Lady Gaga , son grandes activistas de la comunidad LGBTQ+, ganaron el premio GLAAD Vanguard en 2019 y agradecieron públicamente a la comunidad LGBTQ+ por su desarrollo del género de música house en los Premios Grammy de 2023. [7]
Los sexólogos alemanes de finales del siglo XX revelaron indirectamente que los homosexuales abundaban en el ámbito y la profesión de la música. Los tabúes asociados con la homosexualidad y la gran cantidad de homosexuales en la música en esa época llevaron al desarrollo de la idea de que la música era un método de expresión que trascendía la vida cotidiana. [8]
Los primeros artistas queer negros incluyeron a Ma Rainey [9] y Bessie Smith , [10] quienes grabaron canciones abiertamente lésbicas en la década de 1920, así como Little Richard a fines de la década de 1950, [10] con la exitosa canción " Tutti Frutti " como una referencia homosexual , pero que era lo suficientemente encubierta como para ser negada de manera plausible. [8] Estos artistas no solo eran parte de la comunidad LGBTQ+, sino que también eran negros y, como tales, recibirían opresiones interseccionalizadas de ambas facetas de sus identidades.
En cuanto a la música clásica, el compositor estadounidense Leonard Bernstein tuvo muchas relaciones homosexuales, a menudo con otros músicos y compositores, a pesar de estar en un matrimonio heterosexual. [11] Muchos artistas como Bernstein, Stephen Sondheim , [12] Jerome Robbins , [13] Dimitri Mitropoulos fueron sujetos a ocultar sus identidades sexuales al público. [ cita requerida ] El pianista estadounidense Liberace fue famoso por permanecer en el armario y negar vehementemente las acusaciones de homosexualidad hasta su muerte en 1987, demandando a un columnista del Daily Mirror por insinuar su sexualidad. [14] Si bien la industria del entretenimiento ahora discute más abiertamente el papel de la identidad de género tanto en la prensa como en las composiciones musicales, todavía existe reticencia por parte de muchos en el negocio a abogar por la aceptación LGBTQ+. [15]
Broadway y el teatro musical han sido formas para que grupos de personas se expresen a través de la música, la danza y el teatro. Como afirman Philip Brett y Elizabeth Wood, "el teatro musical ha sido un lugar especial para la identificación y la expresión gay". [8] Muchas personas queer, pero particularmente los hombres gay, no solo disfrutan de Broadway, sino que a menudo participan en la producción y creación del mismo. Entre los hombres gay notables involucrados en la producción de espectáculos de Broadway se incluyen Cole Porter , Lorenz Hart , Noël Coward , Marc Blitzstein , Arthur Laurents , Leonard Bernstein, Jerome Robbins y Stephen Sondheim, por nombrar algunos. Las lesbianas también participan en la producción de Broadway y el teatro, como la productora lesbiana Cheryl Crawford . [8] Con este impacto de los productores homosexuales, el teatro musical estuvo plagado de mensajes codificados para los artistas homosexuales desde el principio, pasando a tener temas abiertamente gay con musicales como Cabaret y A Chorus Line en los años 1960 y 1970. Los musicales comenzaron a centrarse en la crisis del VIH/SIDA en la década de 1990, siendo los más populares Falsettoland y RENT . Otros musicales con personajes abiertamente trans también fueron populares, incluidos The Rocky Horror Picture Show y Hedwig and the Angry Inch . [8] Los musicales centrados en drag o drag queens también son populares hoy en día, como Kinky Boots .
Las discotecas, que empezaron en Europa y llegaron a Estados Unidos, eran clubes de baile en los que la música pregrabada, en lugar de la música en vivo, era el centro de atención. El concepto y la cultura de la música disco, que se originó en Francia y Alemania durante la Segunda Guerra Mundial, donde los jóvenes se reunían en sótanos para bailar al ritmo de la música swing estadounidense, ya que los nazis habían prohibido el jazz, la música bebop y el baile jitterbug, se abrieron paso en Estados Unidos a finales de los años 60 y principios de los 70. [16] Los afroamericanos, los gays y los latinos que anhelaban algo más que la música rock se reunían en estos clubes, en ciudades como Nueva York, Filadelfia y Miami. En estos clubes, "la música disco se convirtió en el pulso de la liberación gay dentro y fuera de la pista de baile en los años 70 posteriores a Stonewall y anteriores al sida". [8] En años posteriores, la popularidad masiva y la integración de esta contracultura en la cultura dominante reflejaron "otra infusión de la subcultura homosexual en la cultura dominante". [8]
La revolución sexual y las revoluciones asociadas de la década de 1960 comenzaron a llevar la contracultura a la atención general, lo que permitió que las mujeres, las personas negras y las minorías LGBTQ+ fueran reconocidas y tratadas como seres humanos. En estas revoluciones, el género y la sexualidad se volvieron menos rígidos y más fluidos , como lo evidencian las actuaciones de músicos como Freddie Mercury , [9] [10] David Bowie , [10] Grace Jones y Prince . [17]
Las culturas disco , glam rock e industrial ofrecieron una multitud de plataformas de expresión para individuos no conformes con su género y su sexualidad a lo largo de la década de 1970. Para la comunidad queer, la música disco era un puente entre todas las personas de todos los orígenes a través de una expresión del cuerpo. La música disco no era solo musical, sino también cultural, y permitía a las personas formar comunidades. [18] El "pluralismo disco" condujo en parte a la inclusión de diferentes perspectivas en el género, creando así una categoría de música representativa de las identidades interseccionales de los oyentes queer, como la raza o el estatus socioeconómico. [19]
Durante la mayor parte de la década, la música disco se mantuvo prácticamente en exclusiva en los clubes underground hasta que, en 1977, la película Fiebre del sábado noche impulsó la música disco al mainstream. Tras el éxito de la película, la música disco recaudó entre 4.000 y 8.000 millones de dólares y supuso una media de entre el 20 y el 40 por ciento de las interacciones en las carteleras (1979).
Aunque la base de la música disco se basa en la inclusión, tras el éxito de Saturday Night Fever, su éxito comercial hizo que el género pasara de estar integrado predominantemente por personas negras y queer a estar integrado por estadounidenses blancos que se aseguraron un lugar en la esfera del género. La afluencia de estadounidenses blancos de clase media alta que tuvieron éxito en la música disco hizo que varias personas queer mostraran animosidad hacia el género, creyendo que su éxito capitalista alejaba a la música disco de lo que la convertía en culturalmente revolucionaria.
La música disco siguió siendo popular en la comunidad queer, a pesar de las crecientes críticas sobre cómo había logrado su éxito. Autores como Richard Dyer, de The Gay Left, pudieron publicar literatura en apoyo de la música disco que la comunidad queer pudo apoyar.
En los estudios sobre la música disco y géneros relacionados, la mayoría de los estudios se centran en los hombres blancos y homosexuales que participaban en ella, y a veces mencionan brevemente a las "divas de la música disco" o a las mujeres negras que participaban en ella. Aunque la música disco fue fundamental para la formación de diferentes formas de ver las identidades marginadas, en concreto la feminidad, la negritud y la homosexualidad, la mayoría de los estudios se centran en los menos marginados de estos grupos cuando realizan sus investigaciones. [18]
La música disco no fue el único elemento popular de la música LGBTQ+ en los años 70; después de Stonewall, surgió el surgimiento de cantautoras lesbianas, feministas y que se identificaban con mujeres. Eventos como festivales de música solo para mujeres y cafeterías solo para mujeres promovieron esta música, y muchos de estos espacios eran espacios de separatismo feminista o separatismo lésbico . [8] Aunque no se celebró en la década de 1970, uno de los festivales de música de mujeres más famosos entró en controversia en la década de 1990, cuando se le pidió a la mujer trans Nancy Jean Burkholder que abandonara el festival. El festival citó su política de "mujeres nacidas mujeres" con respecto a esta decisión, y se encontró con mucha controversia en los años siguientes. [20]
La escena del glam rock incluía a numerosos músicos bisexuales, entre ellos Freddie Mercury de Queen , [9] Elton John y David Bowie . [10] Claudia Perry de Medium sentía que "el glam rock era una especie de paraíso queer. Ver a Mick Ronson y Bowie retozar en el escenario dio esperanza a todos los chicos queer del mundo. La extravagancia de John también fue un gran consuelo. Marc Bolan de T. Rex todavía es objeto de especulación (un amigo que trabajaba en Creem recuerda que se le insinuaba a casi todo el mundo cuando llegó a Detroit, pero esto claramente no es definitivo)". El glam rock también ayudó a normalizar la moda andrógina . [21] Tim Bowers de The New York Times recuerda que "las voces del glam tenían una teatralidad afrutada, apoyando letras que se presentaban como un alarde: "Tu madre no puede saber si eres un niño o una niña". El glam era butch y femme a la vez: bisexualidad en sonido". [22] Jobriath , la primera estrella abiertamente gay de la escena del rock, también fue parte de la escena del glam rock. [23]
En la década de 1980 hubo una mayor exposición a la cultura LGBTQ+ en las bandas, concretamente al cambio de género y al travestismo , en la industria musical con artistas como Culture Club , Soft Cell , Visage , Frankie Goes to Hollywood , Pet Shop Boys , Dead or Alive , Erasure y la drag queen Divine .
Hubo una gran comunidad queer en la música electrónica y de baile durante los años 80. Estos géneros musicales a menudo se tocaban en clubes queer underground en muchas ciudades, como Los Ángeles y Nueva York, y en el movimiento subcultural New Romantic de finales de los años 1970 y principios de los años 1980, que generó a los Blitz Kids en Londres.
Los videos musicales comenzaron a aludir a las relaciones LGBTQ+, incluidos " Smalltown Boy " de Bronski Beat , " Domino Dancing " de Pet Shop Boys y " Vogue " de Madonna. [10]
Los íconos gay durante esta década incluyeron a Cyndi Lauper , George Michael , Loleatta Holloway , Gloria Gaynor , Bob Mould , Melissa Etheridge y el líder de Judas Priest, Rob Halford . [9]
La cultura disco de los años 70 y 80 está directamente asociada con los músicos queer. La fluidez sexual y de género se había vuelto cada vez más visible, lo que llevó a artistas como David Bowie , [10] Freddie Mercury , [9] [10] y Prince a existir de formas únicas que empujan los límites del género y la sexualidad. El video musical de Bowie de 1979 para " Boys Keep Swinging " ofrece un ejemplo influyente de androginia en la música. En este video, Bowie usa atuendos tradicionalmente masculinos, representándose a sí mismo como excepcionalmente macho mientras se retrata a sí mismo como inexpresivo. Continúa con un tono inexpresivo en el video al cantar monótonamente sobre las ventajas que experimentan los hombres derivadas del patriarcado ("puedes usar un uniforme", "aprende a conducir y todo", y "La vida es un estallido de cereza cuando eres un niño"). El tono aburrido constante del video crea una sensación de ironía, reforzada por el corte de cámara a Bowie vestido de drag queen, lo que confunde aún más al espectador sobre la identidad de género de Bowie. Al final del video, Bowie camina por una pasarela vestido de drag en tres ocasiones y, al final, se limpia el lápiz labial rojo brillante del brazo, lo que representa su incomodidad con la identidad femenina junto con su contraparte masculina. La ambigüedad y la fluidez de estos artistas ayudaron a crear un espacio seguro para las personas queer.
También fue popular dentro de la comunidad LGBTQ+ la música de baile post-disco , como el eurodisco , el italodisco , la música house , el hi-nrg y el freestyle . Durante la década de 1980, esta música se hizo más frecuente en los Estados Unidos y los artistas LGBTQ+ ganaron prominencia. El DJ Larry Levan comenzó su carrera como DJ en la discoteca gay Paradise Garage .
En Argentina, la banda de new wave Virus , liderada por el cantante Federico Moura , hizo referencias a la cultura gay de los años 1980 , como el cruising para sexo , la prostitución masculina y las fiestas underground; y Moura mostró una personalidad escénica extravagante y sexualizada que provocó una reacción homofóbica en gran parte de la cultura del rock argentino en ese momento. En la década, la carrera de varias mujeres no heterosexuales también despegó, incluidas Marilina Ross , Sandra Mihanovich y Celeste Carballo . Ross escribió el himno lésbico " Puerto Pollensa ", que fue popularizado por Mihanovich en 1981-1982. En 1984, Mihanovich grabó una versión en español de " I Am What I Am " titulada "Soy lo que soy", que también se convirtió en un himno gay popular en Argentina. Mihanovich y Carballo luego se unieron como un dúo pop y lanzaron el álbum Somos mucho más que dos en 1988.
El sencillo de Blur de 1994, « Girls & Boys », fue un éxito que exploró temas de androginia y pansexualidad . [24] La música lesbiana Melissa Etheridge utilizó el éxito de su canción « Come to My Window », popular entre las multitudes lesbianas, para hacer campaña por las uniones entre personas del mismo sexo y los derechos parentales LGBTQ+. [25]
Celeste Carballo y Sandra Mihanovich en la altamente polémica imagen utilizada para la tapa de su álbum Mujer contra mujer (1990), celebrado por la comunidad lésbica argentina.
En 1990, las cantantes argentinas Sandra Mihanovich y Celeste Carballo (que también fueron pareja sentimental) lanzaron su segundo y último álbum de estudio como dúo pop , Mujer contra mujer . El disco es celebrado como un hito en la visibilidad lésbica en Argentina y se ha convertido en un símbolo para la comunidad LGBT local .
Un aumento en las leyes pro-LGBT y artistas que condenaban la homofobia en su música poblaron gran parte de la década de 1990. Grupos como Placebo , Alcazar , Right Said Fred , Maná y más se unieron a las filas de aliados y músicos LGBT. Bandas como Pansy Division y Tribe 8 lideraron la rama queercore del hardcore punk que ayudó a solidificar las artes LGBT en la década. [26] Robby Reverb, miembro de la banda de punk gay mOral SeX, también grabó rock y música country, incluida "Accept It", escrita por el poeta gay Drew Blood.
En la década de 2000, la música LGBT se diversificó en su propio género y nuevos artistas como Lady Gaga , Christina Aguilera , Will Young , Scissor Sisters , The Gossip , RuPaul , Mika , Dario , Adam Lambert , Lauren Jauregui , Sakima , Dawnstar , Neon Trees y Miley Cyrus apoyaron una industria en crecimiento, difundiendo el mensaje de igualdad y positividad. [27] [28] [29]
La cantante de country Chely Wright enfrentó amenazas de muerte y una disminución en las ventas de sus discos después de salir del armario en 2010. [30] Hizo Wish Me Away , un documental sobre su experiencia, y ganó varios premios importantes en 2012, incluidos trofeos del Festival de Cine de Los Ángeles , el Festival LGBT de Seattle y el Festival de Cine de Tallgrass . [31] En 2012, una cantante y guitarrista del grupo Against Me! se declaró transgénero y cambió su nombre a Laura Jane Grace . [31] Artistas abiertamente homosexuales como Tegan y Sara ganaron popularidad; el dúo produjo un jingle publicitario a favor de la tolerancia para Oreo en 2014. [32]
Las plataformas de redes sociales como YouTube , Tumblr e Instagram establecieron nuevas formas para que los artistas queer compartan su música. Estos sitios permiten a los artistas subir la música por su cuenta sin la necesidad de un sello musical. Los sellos musicales a veces pueden impedir que los artistas publiquen música que detalle su experiencia queer. [33] En 2013, un año antes de lanzar su EP debut TRXYE , Troye Sivan lanzó un video de salida del armario en su canal de YouTube . [34] Este video le permitió a Sivan compartir su identidad sin arriesgar su incipiente carrera musical. Desde entonces, Sivan ha logrado un gran éxito y se ha establecido como un artista destacado en la música queer. Durante muchas décadas, a los artistas queer se les ha dicho que si salen del armario, sus carreras terminarán. Las funciones de autopublicación de las redes sociales han permitido a los artistas queer compartir su música y, al mismo tiempo, ser abiertos sobre sus identidades sin tener que arriesgar sus carreras. [33]
En los últimos años ha habido un aumento de músicos country que viven sus identidades queer públicamente. Algunos pueden ver esto como el mayor cambio en la industria de la música, debido al hecho de que los artistas country en el pasado han sido en su mayoría hombres blancos y heterosexuales. [35] A día de hoy, algunos de los mejores artistas son músicos country abiertamente queer. Por ejemplo, Lil Nas X se convirtió en una sensación cuando lanzó su rap country " Old Town Road " que se volvió viral en la aplicación de videos de formato corto TikTok . [36] Desde su salto a la fama, Lil Nas X ha utilizado su plataforma para elevar la representación gay y se ha hecho un espacio en la industria de la música como un mesías sin complejos para la generación joven y queer de hoy. [10] [37] Este aumento de la representación en la industria de la música country ha traído otros nombres a la escena. La música country ahora tiene a Trixie Mattel , drag queen y músico estadounidense , así como a Orville Peck , músico country sudafricano como artistas innovadores en este género musical que quizás no los hubieran aceptado anteriormente. Junto a estos músicos country abiertamente queer, también ha habido un mayor número de artistas country que apoyan a la comunidad LGBT. Artistas como Garth Brooks , Carrie Underwood , Tim McGraw , Kacey Musgraves y Maren Morris , por nombrar algunos, se han presentado como aliados de esta comunidad. [38]
En los últimos años, el panorama político en muchos países ha cambiado con respecto a las identidades queer. Un factor impulsor de este cambio son los artistas queer que usan su música y plataformas para seguir defendiendo los derechos queer. Muchos artistas exitosos han logrado un gran éxito al alterar las normas de género y sexuales. [39] Artistas como Prince , David Bowie , [10] Cher y Madonna han incorporado la ambigüedad de género en su música y actuaciones para difuminar las líneas entre lo masculino y lo femenino, lo gay y lo heterosexual. [40] [41]
La música LGBT se está extendiendo a medida que más artistas queer lanzan música que detalla la experiencia queer. Los artistas queer comparten sus historias personales sobre ser queer a través de su música, lo que está ayudando a crear un espacio en la industria musical con el que los oyentes queer pueden identificarse. [33]
La música popular siempre ha incluido artistas LGBT y la creciente tolerancia social de finales del siglo XX y principios del XXI ha permitido que más artistas de este tipo salgan del armario públicamente. [42] [43] Los primeros ejemplos de esto surgieron con el movimiento de liberación sexual , con artistas como Sylvester , [44] Tom Robinson , [44] Janis Ian , [44] Boy George , [44] y otros.
Muchos músicos abiertamente LGBT han tenido éxito. Elton John , por ejemplo, logró el sencillo más vendido en Billboard de la década de 1990 (" Candle in the Wind 1997 "), manteniéndose en el puesto número 1 durante 14 semanas. [45] Will Young lanzó " Anything is Possible "/" Evergreen ", y esta canción fue el sencillo más vendido de la década en la década de 2000. [46] El cantante de country Ty Herndon se declaró gay en 2014, después de tres éxitos número uno en Billboard Hot Country Songs . [47] En las décadas de 2010 y 2020, innumerables otros músicos de diversos géneros, como Lil Nas X [10] [48] con la música country, Lady Gaga , [49] Troye Sivan , [50] y Hayley Kiyoko [51] [10] con la música pop, y girl in red [52] y Dodie [53] con la música indie , alcanzaron la fama y sus canciones alcanzaron nuevas alturas en Billboard.
Uno de los primeros sencillos del top 40 de Estados Unidos que presenta una representación positiva de la comunidad LGBT fue la canción de 1972 del rockero bisexual Lou Reed " Walk on the Wild Side ", que detallaba las vidas de los miembros homosexuales, bisexuales y trans del círculo social de Andy Warhol . [54] Otros éxitos, como " Lola " de The Kinks y " Rebel Rebel " de David Bowie también llamaron la atención sobre situaciones no heteronormativas en el mundo del rock. [55] El éxito de 1978 de Tom Robinson " Glad to Be Gay " se convirtió en un himno punk al denunciar el maltrato del Reino Unido a sus ciudadanos homosexuales. [56]
En el pasado, los videos musicales se habían utilizado como una forma de representar las relaciones LGBT. El video de Elton's Song de Elton John , aunque líricamente no tiene género, muestra a un colegial enamorado de un chico mayor. Elton John le dijo a Rolling Stone que era "la primera canción gay que realmente grabé como una canción homosexual". [57] El tema del amor gay de un colegial gay causó una controversia, inspirando titulares sensacionalistas como "El impactante video gay de Elton". Otros incluso cuando la letra de la música no los menciona explícitamente, como en Physical de Olivia Newton-John, Newton-John presenta a Newton-John con un leotardo ajustado tratando de hacer que varios hombres con sobrepeso pierdan peso. Los hombres fracasan cómicamente y Newton-John sale de la habitación para ducharse. Cuando los hombres hacen ejercicio solos, de repente se transforman en hombres musculosos y atractivos. Newton-John se sorprende cuando ella regresa y comienza a coquetear con ellos. Dos de los hombres salen en secreto, tomados de la mano, lo que implica que son homosexuales . Esto sorprende a Newton-John, al igual que la vista de dos hombres más saliendo con sus brazos alrededor del otro y el video musical de Madonna para su canción " Vogue " . [58] Desde entonces se han utilizado para expresar la sexualidad de los artistas. En 2016, el video musical de FLETCHER para su canción "Wasted Youth" la presenta con un interés amoroso femenino. [59] En abril de 2018, Janelle Monáe [60] se declaró pansexual [10] con su álbum Dirty Computer , [61] y lanzó la canción " Make Me Feel "; el video musical detalla la atracción de una mujer por dos asistentes al club. Las relaciones LGBT también se han representado en los videos musicales de músicos heterosexuales, lo que solidifica aún más sus posiciones como aliados queer. El video musical de Carly Rae Jepsen para " Call Me Maybe " presenta personajes masculinos homosexuales. [58]
Las letras de las canciones también han sido utilizadas por los artistas LGBT como una herramienta para expresar su identificación. El álbum de 2012 de Frank Ocean , Channel Orange, tiene canciones románticas que usan pronombres masculinos al describir su interés amoroso. [61] [10] Hayley Kiyoko , apodada "Jesús lesbiana" por sus fanáticos, dejó en claro su orientación sexual al público con el lanzamiento de su canción de 2015 " Girls Like Girls ". [10] [62] En 2017, la YouTuber y cantautora Dodie Clark lanzó su canción "I'm Bisexual - A Coming Out Song" para anunciar a su base de fanáticos que era bi. [63]
Los aliados heterosexuales y cisgénero también han producido música orientada a la comunidad LGBT. El artista country Phil Vassar lanzó la canción " Bobbi with an I " en 2009, que utiliza una narrativa humorística para alentar la aceptación de las personas transgénero . El cantautor Hozier lanzó la canción " Take Me to Church ", cuyo video musical se centró parcialmente en la homofobia basada en la religión. [64] " 1-800-273-8255 ", una canción interpretada por Logic y Alessia Cara , trató sobre la homofobia y el dolor que provoca. [65] Macklemore & Ryan Lewis se unieron a Mary Lambert para hacer " Same Love ", una canción sobre el matrimonio entre personas del mismo sexo que se centró en el mensaje de que el amor lo conquista todo. [10] [66] El video musical del sencillo " Siluetas " de Avicii muestra a una persona que se somete a una cirugía de reasignación de sexo . [67]
Algunos artistas que fueron percibidos como heterosexuales cuando lanzaron canciones que representaban la bisexualidad femenina han sido criticados por artistas abiertamente LGBT por su representación de mujeres bisexuales. La canción de 2008 de Katy Perry " I Kissed a Girl " y la canción de 2018 de Rita Ora " Girls " exploran las relaciones entre mujeres del mismo sexo, pero han sido acusadas de ser "sordas" a las necesidades de la comunidad LGBT. [61] La canción de Perry fue criticada por su uso de queerbaiting . La canción ha sido criticada por sugerir que la homosexualidad es una "fase experimental", lo cual es inexacto para la mayoría de las personas LGBT. [39] El video musical de "I Kissed a Girl" emplea la fetichización de las mujeres bisexuales a través del comportamiento atrevido de Perry a lo largo del video, lo que conduce a la cosificación de las mujeres queer. [39] Ambas canciones han sido reevaluadas en los últimos años, ya que Rita Ora y Katy Perry no se identificaron como heterosexuales; Sin embargo, Perry ha sido abiertamente aceptada por muchos en la comunidad LGBTQ+ , y posteriormente se identificó como sexualmente fluida . [68] [69] [70] Ora ha reconocido y entendido que "la gente lo miró, porque no sabían sobre [su] experiencia, como si [ella] estuviera usando la cultura", y dijo que el período posterior a la crítica fue "bastante oscuro". [70] Perry ha dicho que su representación de la bisexualidad en la canción está anticuada y que porque siente que "realmente hemos cambiado, conversacionalmente, en los últimos 10 años" y que "la bisexualidad no era tan comentada en ese entonces, o cualquier tipo de fluidez". [71] Sin embargo, no cree que la canción tenga un lugar en el panorama pop actual y ha dicho: "Si [ella] tuviera que escribir esa canción de nuevo, [ella] probablemente haría una edición", porque, "Líricamente, tiene un par de estereotipos en ella". [71]
Lady Gaga , que se identifica como bisexual, ha logrado un éxito significativo en el mainstream y ha influido en la industria musical al aumentar la conciencia sobre la homosexualidad en la música pop. [33] La canción de Gaga de 2011, « Born This Way », ha sido llamada un himno gay por su mensaje de amor propio . [10] [72] Con «Born This Way», Gaga pudo promover la inclusión y la autoaceptación al celebrar la comunidad queer. [10] La canción ha ayudado a muchas personas queer a abrazar y celebrar sus sexualidades. [33] El cantante y actor Christian Chavez usó su canción «Libertad» para tomar postura a favor de los derechos de los homosexuales y la libertad sexual . [31] La música de Troye Sivan ha sido muy aclamada por su auténtica sensación de música gay millennial que experimenta con el pop relajado y el activismo como « Heaven », « Bloom » y « My My My! ». [73]
Jess Young lleva su pansexualidad a su música. Su single debut, "Champagne & Caviar", trata precisamente de eso. El segundo verso se escribió originalmente "the only fire's in her darkness, the way it flickes when she goes down on me" ("el único fuego está en su oscuridad, la forma en que parpadea cuando ella me hace sexo oral"), y ahora se escribe "he" ("él") porque a su novia de entonces le gustaba que se refirieran a ella con pronombres masculinos, y había estado saliendo con un chico cuando volvió a grabar. [74]
Los tres miembros del supergrupo boygenius son lesbianas o bisexuales.
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Un himno gay es una canción popular que se ha vuelto muy popular entre la comunidad gay o que se ha identificado con ella . No todas las canciones etiquetadas como "himnos gay" fueron escritas intencionalmente para convertirse en himnos gay, pero las que lo hacen suelen estar marcadas por temas de perseverancia, fuerza interior, aceptación, orgullo y unidad. [76] Una investigación realizada en 2007 sugirió que la canción más comúnmente identificada como un himno gay es " I Will Survive " de Gloria Gaynor , y describió la canción como "un emblema clásico de la cultura gay en las eras posteriores a Stonewall y al SIDA". [77] [78]
Otros himnos gays clásicos incluyen " YMCA " de Village People , [79] [80] " It's Raining Men " de The Weather Girls , [81] [82] " I'm Coming Out " de Diana Ross , [78] y " Dancing Queen " de ABBA . [76]
Aunque cada canción es individual, los criterios que rigen la constitución de un himno gay han mostrado una tendencia a lo largo de los años. En el libro Queer de 2002 , se enumeraron los siguientes diez temas principales que son comunes a muchos himnos gay, si no a todos: [81] [76]
Durante la primera década del siglo XXI, las canciones populares que encabezaban las listas se convirtieron en un "refugio de apoyo inequívoco a los derechos de los homosexuales" en una época en la que el apoyo legal a los derechos LGBT en los EE. UU. estaba rezagado ( la ley Don't Ask, Don't Tell se derogaría en 2011, y el matrimonio entre personas del mismo sexo recién se legalizaría por completo en 2015). Incluso antes de su lanzamiento como sencillo, Elton John predijo que " Born This Way " de Lady Gaga reemplazaría al clásico himno gay de Gloria Gaynor " I Will Survive ". [78] [76] La organización benéfica de derechos LGBT del Reino Unido Stonewall nombró a " Beautiful " de Christina Aguilera como la canción más empoderadora de la década de 2000 para las personas LGBT. [83] [84]
Desde 2001, el programa estadounidense de premios OUTMusic Awards funciona como una ceremonia anual de premios LGBT similar a los Grammy . OUTMusic Inc., una organización 501(c)(3) fundada en 1990 por Michael Biello y Dan Martin , fue refundada como la Academia LGBT de Artes de la Grabación por Diedra Meredith en 2007. [85] Los premios tienen como objetivo reconocer a algunos de los artistas LGBT que han hecho contribuciones significativas a la industria de la música. [86] [87]
