Un manifiesto de arte es una declaración pública de las intenciones, motivos o puntos de vista de un artista o movimiento artístico. Los manifiestos son una característica estándar de los diversos movimientos de la vanguardia modernista y todavía se escriben en la actualidad. Los manifiestos artísticos a veces pretenden en su retórica tener un efecto impactante, lograr un efecto revolucionario. A menudo abordan cuestiones más amplias, como el sistema político. Los temas típicos son la necesidad de revolución, la libertad (de expresión) y la superioridad implícita o abiertamente declarada de los escritores sobre el status quo. [ cita necesaria ] El manifiesto ofrece un medio para expresar, publicitar y registrar ideas para el artista o grupo artístico; incluso si solo una o dos personas escriben las palabras, en su mayoría todavía se atribuye al nombre del grupo.
En 1855, Gustave Courbet escribió un manifiesto realista como introducción al catálogo de su exposición personal e independiente. Y en 1886 se publicó en el periódico francés Le Figaro el Manifiesto Simbolista del poeta y ensayista Jean Moréas .
El primer manifiesto artístico del siglo XX fue presentado con los futuristas en Italia en 1909, [1] seguidos por los cubistas , vorticistas , dadaístas y surrealistas : el período hasta la Segunda Guerra Mundial creó los que siguen siendo los manifiestos más conocidos. Aunque nunca dejaron de emitirse, otros medios como el crecimiento de la radiodifusión tendieron a dejar de lado dichas declaraciones. Gracias a Internet, ha habido un resurgimiento de esta forma y ahora están apareciendo muchos manifiestos nuevos ante una audiencia potencial en todo el mundo. Los Stuckistas han hecho uso particular de esto para iniciar un movimiento mundial de grupos afiliados.
Los manifiestos suelen consistir en una serie de declaraciones, que están numeradas o enumeradas con viñetas y que no necesariamente se siguen lógicamente de una a la siguiente. La explicación de Tristan Tzara sobre el manifiesto ( Feeble Love & Bitter Love, II ) captura el espíritu de muchos:
Un manifiesto es una comunicación hecha al mundo entero, cuya única pretensión es el descubrimiento de una cura instantánea para la sífilis política, astronómica, artística, parlamentaria, agronómica y literaria. Puede ser agradable y bondadoso, siempre tiene razón, es fuerte, vigoroso y lógico. A propósito de lógica, me considero muy simpático.
Antes de principios del siglo XX, el manifiesto era casi exclusivamente una declaración con objetivos políticos. La intención de los artistas que adoptan la forma, por tanto, es indicar que están empleando el arte como herramienta política.
El manifiesto artístico tiene dos objetivos principales. El primero es definir y criticar un paradigma en el arte o la cultura contemporánea; el segundo es definir un conjunto de valores estéticos para contrarrestar este paradigma. A menudo, los manifiestos aspiran a ser obras de arte por derecho propio; por ejemplo, muchos redactores de manifiestos tienen la intención de que sus textos sean interpretados. Otros manifiestos no pueden apreciarse plenamente simplemente como declaraciones escritas porque dependen en gran medida del diseño gráfico para la comunicación, una característica común en los manifiestos dadaístas. Varios artistas han escrito manifiestos sobre medios artísticos que no son los suyos.
Históricamente, ha habido un fuerte paralelo entre el manifiesto artístico y el manifiesto político. No era raro que los redactores de manifiestos de principios del siglo XX también fueran políticamente activos. En Italia, el fundador futurista Filippo Tomasso Marinetti se postuló para un cargo, y tanto los futuristas rusos como los italianos publicaron manifiestos políticos. En Inglaterra, el vorticista Wyndham Lewis apoyó a las sufragistas, mientras que en Francia, el surrealista André Breton apoyó al Partido Comunista. Sin embargo, a menudo estas organizaciones políticas rechazaron la atención de los artistas; en otros casos, los artistas fueron censurados y perseguidos por gobiernos autoritarios europeos, como la Italia fascista y la Rusia comunista, que institucionalmente rechazaron la vanguardia.
Gustave Courbet escribió un manifiesto realista para la introducción del catálogo de su exposición personal independiente de 1855, haciéndose eco del tono de los manifiestos políticos de la época. En él afirma su objetivo como artista "traducir las costumbres, las ideas, el aspecto de mi época según mi propia valoración". [2] [3]
En 1886 se publicó en el periódico francés Le Figaro el Manifiesto Simbolista del poeta y ensayista Jean Moréas . Definió y caracterizó el Simbolismo como un estilo cuyo "objetivo no era el ideal, sino cuyo único propósito era expresarse por el hecho de ser expresado". Nombra a Charles Baudelaire , Stéphane Mallarmé y Paul Verlaine como los tres principales poetas del movimiento. [4]
El Manifiesto futurista, escrito por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti , fue publicado en el periódico italiano Gazzetta dell'Emilia de Bolonia el 5 de febrero de 1909, luego en francés como Manifeste du futurisme en el periódico Le Figaro el 20 de febrero de 1909. inició una filosofía artística , el futurismo , que era un rechazo del pasado, y una celebración de la velocidad, la maquinaria, la violencia, la juventud y la industria; También fue una defensa de la modernización y el rejuvenecimiento cultural de Italia .
Dado que el manifiesto fundacional no contenía un programa artístico positivo, los futuristas intentaron crear uno en su posterior Manifiesto Técnico de la Pintura Futurista (1914). [5] Esto los comprometió a un "dinamismo universal", que debía ser representado directamente en la pintura y la escultura. En realidad, los objetos no estaban separados unos de otros ni de su entorno: "Las dieciséis personas que te rodean en un autobús rodante son a su vez y al mismo tiempo una, diez cuatro tres; están inmóviles y cambian de lugar... El autobús se precipita contra las casas por las que pasa, y a su vez las casas se lanzan sobre el autobús y se mezclan con él. [6]
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Du "Cubisme", escrito en 1912 por Albert Gleizes y Jean Metzinger , fue el primer texto teórico importante sobre el cubismo . El libro fue ilustrado con obras de Gleizes, Metzinger, Paul Cézanne , Fernand Léger , Juan Gris , Francis Picabia , Marcel Duchamp , Pablo Picasso , Georges Braque , André Derain y Marie Laurencin . En este tratado de gran influencia, Gleizes y Metzinger relacionaron explícitamente el concepto de "perspectiva múltiple" con el sentido bergsoniano del tiempo. El tratamiento facetado de los objetos físicos y el espacio desdibujó las distinciones entre sujeto y abstracción, entre representación y no objetividad. Se utilizaron efectos de la geometría no euclidiana para transmitir una sensación psicofísica de fluidez de la conciencia. [7] Du "Cubisme" introdujo el concepto de "simultaneidad" en el marco teórico del cubismo. Fue en parte un concepto nacido de una convicción basada en la comprensión de los autores de Henri Poincaré y Bergson de que la separación o distinción entre espacio y tiempo debería cuestionarse de manera integral. Se basó tanto en ideas filosóficas como científicas, en la geometría riemanniana y la relatividad del conocimiento , contradiciendo nociones de verdad absoluta . Estas ideas fueron difundidas y debatidas en la publicación ampliamente disponible, y leídas por escritores y artistas asociados con el advenimiento del modernismo . [7] [8]
Publicado en Les Homme du jour en 1913, nunca ha quedado claro si se trataba de un manifiesto sincero de la nueva escuela del amorfismo o de una parodia. [9] [10]
Se publicaron extractos del manifiesto BLAST de los vorticistas en su revista Blast , número 1, el 20 de junio de 1914, y luego en Blast , número 2, en julio de 1915.
En 1915, Kazimir Malevich sentó las bases del suprematismo cuando publicó su manifiesto Del cubismo al suprematismo .
Hugo Ball recitó el primer manifiesto dadaísta en el Cabaret Voltaire el 14 de julio de 1916.
El segundo manifiesto dadaísta fue recitado por Tristan Tzara en la Salle Meise el 23 de marzo de 1918 y publicado en Dada, núm. 3 (Zúrich, diciembre de 1918). [11] [12]
Firmado por Theo van Doesburg , Robt. van 't Hoff, Vilmos Huszar , Antony Kok, Piet Mondrian , Georges Vantongerloo , Jan Wils
Manifiesto I de "El Estilo" ( De Stijl ), de De Stijl , vol. II, no. 1 (noviembre de 1918), pág. 4.
El Manifiesto Realista (publicado el 5 de agosto de 1920) fue escrito por el escultor ruso Naum Gabo y firmado conjuntamente por su hermano Antoine Pevsner , y es el texto clave del constructivismo .
Los fundadores del purismo , Amédée Ozenfant y Charles-Edouard Jeanneret (más conocido como Le Corbusier ), titularon su manifiesto Après le Cubisme (Después del cubismo).
El primer manifiesto surrealista fue escrito por el escritor francés André Breton en 1924 y hecho público en 1925. El documento define el surrealismo como:
Base de la peinture concrète , fue escrita por Otto G. Carlsund , Theo van Doesburg , Jean Hélion , Marcel Wantz y Léon Arthur Tutundjian , publicada en Revue Art Concret , núm. 1 (abril de 1930).
Mario Sironi estaba motivado por los ideales políticos del fascismo italiano más que por cualquier movimiento artístico específico. Trabajando en arte para el periódico del régimen, Il Popolo d'Italia , Sironi finalmente contribuyó creando murales para la Exposición de la Revolución Fascista de 1932. Posteriormente, Sironi firmó el Manifiesto de la pintura mural en 1933. Sironi continuó trabajando exclusivamente en murales hasta después de la Segunda Guerra Mundial. [13]
Hacia un arte revolucionario libre fue escrito por el surrealista André Breton y el marxista León Trotsky como reacción contra el arte obligatorio de la Unión Soviética.
Manifiesto Blanco es un texto de 1946 escrito por Lucio Fontana .
Manifiesto de CoBrA , titulado La cause était entendue , escrito por Christian Dotremont y firmado por Karel Appel , Constant , Corneille , Asger Jorn y Joseph Noiret en 1948. [14]
El Refus global (o Rechazo total ) fue un manifiesto antisistema y antirreligioso publicado el 9 de agosto de 1948 en Montreal por un grupo de dieciséis jóvenes artistas e intelectuales quebequenses conocidos como les Automatistes , liderados por Paul-Émile Borduas .
El Refus global estuvo muy influenciado por el poeta francés André Breton y ensalzó la fuerza creativa del subconsciente .
El Manifiesto del Eaismo es de Voltolino Fontani .
El Primer Manifiesto de los Escultores es de René Iché .
El Manifiesto Místico ( Manifiesto Místico en francés) fue escrito en 1951 por Salvador Dalí . [15] "Dalí confirmó que es un ex- surrealista y partidario de las pinturas religiosas. Dalí dijo que su papel en el arte del misticismo nuclear era 'explicar y acelerar el proceso'". [16] La preferencia de Dalí durante este período se desplazó hacia el arte representacional , a pesar del auge del abstraccionismo . [17]
Escrito fue por Enrico Baj .
Les Spatialistes, un grupo italiano afincado en Milán, redactó un manifiesto para la televisión. [18]
Esta obra de Michel Tapié definió el movimiento del arte informal .
Este manifiesto de Jirô Yoshihara definió los objetivos artísticos del grupo japonés Gutai .
Escrito por Gustav Metzger en 1964, fue pronunciado como conferencia en el Colegio de Arquitectos y asumido por los estudiantes como un "happening" artístico. Uno de los estudiantes de Metzger en Ealing College fue Pete Townshend , quien más tarde citó los conceptos de Metzger como una influencia para sus famosos golpes de guitarra durante las actuaciones de The Who .
Manifiesto Neoconcreto, de Ferreira Gullar , [19] comienza:
"Manifiesto de la Pintura Industrial: Por un arte aplicado unitario", escrito por Giuseppe Pinot-Gallizio , [20] en agosto de 1959, fue publicado originalmente en italiano en Notizie Arti Figurative n° 9 (1959). Poco después se publicó en Internationale Situationniste nº3 en traducción francesa. Fue traducido al inglés en 1997 por Molly Klein. Tiene sólo 70 puntos y está escrito con una gran retórica utópica, con declaraciones como: "Una nueva y voraz fuerza de dominación empujará a los hombres hacia una poesía épica inimaginable". Uno de sus temas es la reconciliación de la industria y la naturaleza:
Los manifiestos de la década de 1960 reflejaban las actitudes sociales y políticas cambiantes de la época: el fermento general de la revolución " contracultural " para derrocar el orden existente y el auge particular del feminismo y el Black Power , así como el inicio de nuevas formas de arte como el arte corporal. arte y artes escénicas .
La Internacional Situacionista [21] fue fundada en Cosio d'Arroscia el 27 de abril de 1957, por ocho miembros, que querían un arte revolucionario en un estado de constante transformación y, por tanto, de novedad, además de abolir la brecha entre el arte y la vida. El manifiesto que propugna esto fue publicado el 17 de mayo de 1960 y reimpreso en Internationale Situationniste número 4 en junio de 1960. Abogaba por la "nueva fuerza humana" contra la tecnología y la "insatisfacción de sus posibles usos en nuestra vida social sin sentido", afirmando "Nosotros inaugurará lo que históricamente será el último de los oficios. El papel del situacionista profesional aficionado -de antiespecialista- es nuevamente una especialización hasta el punto de la abundancia económica y mental, cuando todos se convierten en 'artistas'". Su frase final es: "Éstos son nuestros objetivos y éstos serán los objetivos futuros de la humanidad".
Este manifiesto, escrito por Yves Klein , [22] tiene derechos de autor desde 1989 de la Galería Gagosian . Comienza con las indicaciones de las declaraciones posteriores del manifiesto, siendo la primera línea: "Debido a que he pintado monocromos durante quince años". Se trata de una meditación del artista sobre su obra y su vida:
Se apropia del cielo:
Termina afirmando que está "listo para lanzarse al vacío".
Claes Oldenburg , artista pop, reaccionando contra el expresionismo abstracto , junto a otros artistas jóvenes. [23] El Manifiesto 'Yo soy por un Arte' fue elaborado originalmente para ser incluido en el catálogo de la exposición 'Ambientes, Situaciones y Espacios'. Cada una de las afirmaciones comienza con 'Estoy por un arte...'.
La siguiente cita es de las dos primeras declaraciones de su manifiesto poético:
"Estoy a favor de un arte que es político-erótico-místico, que hace algo más que sentarse sobre su trasero en un museo.
Estoy a favor de un arte que crece no sabiendo que es arte en absoluto, un arte al que se le da la posibilidad de tener un punto de partida cero... " [24]
Escrito por George Maciunas , [25] este breve documento impreso a mano consta de tres párrafos intercalados con elementos de collage de definiciones de diccionario relacionadas con "flujo". Está escrito en minúsculas, con mayúsculas para ciertas frases clave, algunas subrayadas. Su primer párrafo es:
Aboga por la revolución, el "arte vivo, el antiarte" y la "realidad no artística que debe ser captada por todos los pueblos, no sólo por los críticos, diletantes y profesionales".
SCUM, de Valerie Solanas , [26] es un acrónimo de "Sociedad para Cortar Hombres" y el manifiesto no trataba específicamente de arte. Sin embargo, ha pasado a formar parte de la historia del arte, porque se publicó en 1968, el mismo año en que Solanas, que había pasado un tiempo en la "Fábrica" de Andy Warhol , le disparó y casi lo mata. También tiene secciones que abordan ideas artísticas. Solanas pasó sus últimos años como prostituta callejera y murió en 1988.
Es un documento de poco más de 11.000 palabras. Su tono y tema básico son evidentes en el título, pero no es tan claro como parece y se admite que algunas mujeres son tan malas como los hombres (las artistas, por ejemplo). SCUM quiere "destruir todos los objetos inútiles y dañinos: automóviles, escaparates, "Gran Arte", etc." En una sección sobre "'Gran Arte' y 'Cultura'" se afirma:
El título completo del manifiesto es "Arte de mantenimiento: propuesta para una exposición"; se considera un documento fundamental del arte feminista. Mierle Laderman Ukeles estaba entonces embarazada y decidió reinterpretar las tareas del hogar convirtiéndose en una "artista de mantenimiento", donde las "realizaba". A través de esto, tal "mantenimiento" se reveló como una condición importante para la libertad y el funcionamiento social y extendió la idea más allá del feminismo a proyectos como Touch Sanitation de 11 meses , en el que participaron 8.500 trabajadores de Nueva York. [27] Más recientemente se ha dirigido a un vertedero en Staten Island . [28]
El manifiesto fue seguido por un cuestionario (1973-1976) y se ocupaba de hacer arte de lo que normalmente se consideraría tareas rutinarias y mundanas. Ella escribió: "Después de la revolución, ¿quién recogerá la basura el lunes por la mañana?". Siguió esto con un "¡Manifiesto de Saneamiento!" (1984) [29] El Manifiesto de Mantenimiento declaró:
El Manifiesto Romántico es una colección de ensayos de la filósofa y novelista Ayn Rand , publicada con un solo título en 1969. Se publicó una edición revisada en 1975. [31] Los ensayos explican la perspectiva objetivista sobre el arte, originada por Ayn Rand. El término "romántico" no se refiere al concepto de amor y es más bien una referencia a la Era Romántica , un movimiento artístico prominente a finales del siglo XVIII y principios y mediados del siglo XIX. Rand buscó despertar este movimiento en la cultura contemporánea, afirmando que no existió en su vida, al tiempo que rechazaba los elementos del mismo que eran anatema para la filosofía objetivista:
ESTE MANIFIESTO NO SE PUEDE EMITIR EN NOMBRE DE UNA ORGANIZACIÓN O MOVIMIENTO. HABLO SÓLO POR MÍ. HOY NO HAY MOVIMIENTO ROMÁNTICO. SI HAY UNO EN EL ARTE DEL FUTURO, ESTE LIBRO HABRÁ AYUDADO A QUE NACE. [32]
Afri-Cobra era un colectivo de artistas negros fundado a finales de la década de 1960 por Jeff Donaldson y con sede en Chicago. Ayudó a organizar espectáculos internacionales de artistas negros y escribió manifiestos influyentes. [33] AfriCobra es un acrónimo de "Comuna Africana de Artistas Mal Relevantes". Esto se derivó de combinar el término para África con "Cobra", la "Coalición de Artistas Revolucionarios Negros". El manifiesto establecía que los objetivos del grupo eran el desarrollo de un nuevo arte afroamericano, que involucrara responsabilidad social, participación artística comunitaria y promoción del orgullo por la identidad negra. Había paralelismos con las innovaciones musicales afroamericanas y la defensa de una estética complementaria que involucraba imágenes sublimes y colores llamativos. [34]
WAR es un acrónimo de "Mujeres Artistas en Revolución" del cual Nancy Spero era miembro. Antes de esto, entre 1966 y 1970, había creado una serie de "manifiestos" contra la guerra de Vietnam , que eran imágenes creadas con pinturas al agua y tintas sobre papel. Luego asistió a las reuniones de la AWC (Art Workers Coalition), que contaba con miembros hombres y mujeres, y pasó a formar parte de WAR, que era una rama. Ella dijo: "Me encantó. Estaba muy enojada en ese momento por tantas cosas, especialmente por no poder sacar mi arte a la luz, para que la gente lo viera. Pensé: "GUERRA", eso es todo. Empezamos a Organicé algunas acciones y protestas y escribí manifiestos. Por ejemplo, algunas de nosotras marchamos hacia el Museo de Arte Moderno y exigimos igualdad para las mujeres artistas. Luego, me uní a otro, el Comité Ad Hoc de Mujeres Artistas. Todo fue muy rápido en esos días." [35]
Valie Export es una artista de performance vienesa que trabajó con los Actionists y catalogó sus eventos. Hizo su propio arte corporal confrontativo, con una filosofía de "accionismo feminista", invitando a la gente a tocarla en la calle. Emitió "manifiestos escritos prediciendo con venganza el futuro del arte femenino" e "hizo importantes contribuciones teóricas para comunicar un feminismo personal en la performance. Sintió que era políticamente importante crear arte. "Sabía que si lo hacía desnuda, Realmente cambiaría la forma en que me miraría la audiencia (en su mayoría masculina)'". [36]
[37] El Colectivo de Arte Sociológico Francés fue fundado por Fred Forest , Jean-Paul Thénot y Hervé Fischer y su manifiesto fue publicado en el periódico Le Monde . Su objetivo principal era utilizar la sociología para sustentar acciones artísticas, o utilizar acciones artísticas para dilucidar fenómenos sociológicos. Una de esas acciones fue la subasta de un "metro cuadrado artístico" en 1976 para simular la inflación de los precios en los mercados inmobiliario y artístico. [38] El colectivo hizo un uso intensivo de los medios de comunicación y presentaciones en vivo utilizando video, teléfonos, etc. El grupo se disolvió en 1981, aunque algunos de sus principios fueron aportados por Fred Forest y Mario Costa con el movimiento de estética de la comunicación de 1983. [ 18]
En 1975 François Pluchart promovió la primera muestra de Body Art en la Galerie Stadler de París, con obras de 21 artistas, entre ellos Marcel Duchamp , Chris Burden y Katharina Sieverding . Se publicó el primer manifiesto Body Art. [18]
por Paul Hartal
Se trata de un documento de cuatro páginas ilustrado con nueve imágenes en blanco y negro de las pinturas, collages y multimedia del artista, publicado en Montreal en 1975. "Mi arte es una metáfora pintada; la máquina del pasado de un segundo perpetuo, la emoción fósil de un El anhelo infinito, el deseo mágico que evoluciona sobre el eje roto del espacio comprimido, se refleja en forma de paisajes interiores y personales", escribe Hartal en el manifiesto. "El arte debe ser total", sugiere. "Lo biótico separado de lo geométrico es arbitrario e ignora la naturaleza humana." La idea del "conceptualismo lírico se basa en la totalidad de la coordenada psicológica", dice. "deriva del ello, del yo y del superyó"; un "arte en el que el carácter principalmente doble de la visión del artista evoluciona hacia una tríada lírica, intuitiva y conceptual". En The Brush and the Compass: The Interface Dynamics of Art and Science (Lanham: University Press of America, 1988, 341 pp), Hartal analiza con más detalle la teoría del Conceptualismo Lírico o Lyco art , [39] [40] [41 ] [42] [43] [44]
El ascenso del movimiento punk con su actitud básica y agresiva de bricolaje tuvo un aporte significativo en los manifiestos artísticos, y esto se refleja incluso en los títulos. Algunos de los artistas se identificaron abiertamente con el punk a través de la música, las publicaciones o la poesía. También existe una interpretación "impactante" equivalente del feminismo que contradice la no cosificación defendida en los años sesenta. Luego, la creciente presencia de la era informática comenzó a imponerse en las proclamaciones artísticas y en la sociedad.
El artista Charles Thomson promovió el Manifiesto de Arte Crudo de 1978. [45]
Esto fue publicado en Maidstone Art College por Charles Thomson, entonces estudiante de la universidad. 21 años después coescribió los manifiestos Stuckist con Billy Childish . Thomson también fue miembro de The Medway Poets , de base punk . El manifiesto rechaza el arte de los "grandes almacenes" y el arte de galería "elitista", así como la sofisticación y la habilidad que son "fácilmente obtenibles... y se utilizan tanto industrial como artísticamente para ocultar una pobreza de contenido". Se afirma que la prioridad es "la exploración y expresión del espíritu humano".
por Stewart Home
En ese momento, Stewart Home operaba como un movimiento unipersonal "Generation Positive", fundando una banda de punk llamada White Colors y publicando un fanzine de arte Smile , que contenía principalmente manifiestos de arte para "Generation Positive". La retórica de estos se parecía a los manifiestos dadaístas de Berlín de los años veinte. Su idea era que otras bandas alrededor del mundo también se llamaran White Colors y otras revistas se titularan Smile . La primera parte del libro Neoist Manifestos/The Art Strike Papers presentó versiones abreviadas de sus escritos estilo manifiesto de Smile . [46]
por el Teatro Pan y Marionetas [47]
El título completo es "¿El manifiesto por qué el arte barato?". Se trata de una sola hoja, emitida por el Bread and Puppet Theatre "en respuesta directa al negocio del arte y su creciente apropiación por parte del sector empresarial". Hay diecisiete declaraciones, la mayoría de las cuales comienzan con "El arte es" y terminan con un signo de exclamación, escritas principalmente en mayúsculas, a veces mezcladas con minúsculas, en diferentes tipos de letra que se vuelven más negritas a lo largo del folleto hasta la declaración final de un gran HURRA. Comienza:
Destaca la naturaleza positiva del arte, que es beneficioso para todos y debería estar disponible para todos, utilizando imágenes poéticas como "El arte es como árboles verdes" e instando: "¡El arte lucha contra la guerra y la estupidez!... ¡El arte es barato!
por Donna J. Haraway [48]
Tiene el título completo de "Un manifiesto cyborg: ciencia, tecnología y feminismo socialista a finales del siglo XX". Donna Haraway es historiadora cultural. Ella aboga por el desarrollo de cyborgs ("organismos cibernéticos") como el camino a seguir para una sociedad post-género. Esto tuvo un efecto significativo inicialmente entre los académicos. VNS Matrix, un grupo de mujeres artistas australianas y la historiadora cultural británica Sadie Plant , fundó un movimiento ciberfeminista en 1994. Desde 1997, Old Boys Network (OBN) ha organizado "Internacionales ciberfeministas". [49]
por Gilbert y George [50]
El manifiesto consta de cinco párrafos, cada uno con un subtítulo, el primero de los cuales es "Arte para todos", que resume la intención popularista de su manifiesto:
También existe la intención de cambiar a las personas, pero "el material artístico debe estar subordinado al significado y propósito de la imagen". Afirma:
La conclusión es una afirmación de "nuestra vida: búsqueda de nuevos significados y propósitos para darle a la vida".
por Verónica Vera [51]
El manifiesto fue firmado por Veronica Vera y Candida Royalle (ambas ex estrellas porno que luego habían dirigido sus propias películas porno), Annie Sprinkle (que ofrece espectáculos sexuales explícitos de una sola mujer) y el artista de performance Frank Moore , entre otros artistas importantes que utilizan el sexo en su trabajo. [52] En 7 puntos breves, funda un movimiento artístico que "celebra el sexo como la fuerza nutritiva y dadora de vida. Aceptamos nuestros genitales como parte, no separados, de nuestro espíritu". Defiende la "actitud del positivismo sexual" y desea "comunicar nuestras ideas y emociones... para divertirnos, sanar el mundo y perdurar". [53]
por VNS Matrix [54]
VNS Matrix fue un colectivo de arte ciberfeminista fundado en Adelaida, Australia, en 1991. Su manifiesto, escrito en 1991, fue traducido a lo largo de los años a muchos idiomas, incluidos italiano, francés, español, ruso, japonés y finlandés. Comienza:
En 1996 escribieron el Manifiesto Bitch Mutant. [55]
por Michael Betancourt [56] [57]
El Manifiesto ____________ propuso una visión interactiva, llena de espacios en blanco, de las prohibiciones y afirmaciones que se deben hacer sobre el arte y los movimientos artísticos. Fue una de las primeras obras interactivas de net art que apareció en revistas web y grupos de noticias, invitando a la participación. Comienza:
El manifiesto termina con un botón de Reinicio . El texto está tomado de los manifiestos dadaístas de Tristian Tzara, pero se han omitido piezas clave del texto original y se han reemplazado con espacios en blanco para completar.
Es uno de los primeros manifiestos publicados tanto en Internet como en forma impresa. [58]
La pintura con tinta europea moderna [59] es la contribución europea/occidental al movimiento (principalmente asiático) del New Ink Art. Combina / fusiona el expresionismo , el informalismo , el minimalismo, el trabajo al aire libre, el arte abstracto (etc.) con técnicas reductivas formales típicamente del este de Asia ( pintura con lavado de tinta ), filosofía, materiales y conceptos.
El original y completo en forma de declaración o agenda del artista fue escrito en 1996 y enviado a Tokio en 1997 a través del Ministerio de Cultura de Croacia, luego a Viena, a la Embajada de Japón y luego al Gobierno japonés en Tokio. Sobre la base de eso (y otros elementos como las calificaciones universitarias), a Alfred Krupa se le concedió una beca para investigaciones de posgrado en Japón en 1998. Croacia y Japón establecieron relaciones diplomáticas en 1993 y él fue el primer pintor croata en recibir una beca del Gobierno de Japón. . Después de que la solicitud de Krupa fuera enviada formalmente, lo único que le quedaba era el primer borrador, un esbozo de su proclamación y su agenda. Durante varios años estuvo perdido, entre otras cosas, en su apartamento familiar. Como se sabe, la familia Krupa fue desalojada en 2010 y él pensó que se había perdido para siempre, como estaba escrito en dos hojas de papel normal. Pero se conservó, junto con otros objetos de su casa, en un almacén en muy malas condiciones. En 2017, la familia pudo recuperar parte de sus pertenencias personales que en ese momento estaban guardadas en su garaje. Recientemente, el pintor estaba cavando en su garaje y por casualidad encontró esos escritos originales de 1996. Fue escaneado y reescrito con gramática inglesa corregida. Es el manifiesto que Alfred Krupa [60] siguió y amplió durante más de 20 años. [61] También es un documento de la historia del movimiento internacional New Ink Art.
El movimiento New Ink Art fue considerado durante mucho tiempo un fenómeno artístico local (Hong Kong) o regional o nacional chino fundado por Lui Shou-Kwan /1919-1975/ [62] (algunos todavía lo piensan de esa manera). Con estas (y probablemente también las de otros artistas) actividades relacionadas con Croacia-Japón en la última década del siglo XX, se ha convertido en un movimiento internacional. [63] Lui Shou-Kwan y sus seguidores (hasta la actualidad) reinterpretan el arte de la tinta china en forma de modernismo occidental. Krupa está haciendo algo esencialmente opuesto/diferente de Shou-Kwan y su grupo: reinterpreta el modernismo occidental en forma de arte con tinta china. En la actualidad no se sabe si existe algún otro manifiesto sobre el movimiento internacional New Ink Art; en Occidente no hay ninguno, al menos no creado en ese período (mediados de la década de 1990).
El manuscrito original del New Ink Art Manifesto de Krupa de 1996 es propiedad del archivo, registros y documentos de la documenta (exposición) de Kassel (número de acceso docA-97). [64] [65]
por Billy infantil [66]
Group Hangman fue fundado por Billy Childish , Tracey Emin y otros dos en Medway , Kent en 1983 por un corto tiempo. Catorce años más tarde se reformó con más miembros (casi todos los cuales se unieron más tarde al grupo artístico Stuckists), pero sin Emin. En este punto, Childish escribió 6 manifiestos breves, cada uno de los cuales contenía entre 7 y 12 declaraciones. "Eran anárquicos y contradictorios, ¡mi favorito!", dice. [67] Algunas de las ideas resurgieron en los manifiestos Stuckistas escritos dos años después. El punto 9 de la Comunicación 0001 establece:
Hay que destruir el estilo ("El talento artístico es el único obstáculo") y aceptar lo inaceptable. La última comunicación, de sólo dos breves frases, fue escrita en 2000 y recomienda: "Es hora de que el arte crezca".
por Guy Bleus
Con la participación de 34 networking artísticos (como Anna Banana , Sarah Jackson, Madelyn 'Honoria' Starbuck, Judith Hoffberg , Vittore Baroni , Ken Friedman , John Held Jr. , Ruud Janssen , György Galántai , Rod Summers , Andrej Tisma ) de 13 países Guy Bleus (alias 42.292) escribió el RE: E-Mail-Art & Internet-Art Manifesto . Fue publicado en 1997 en la revista de arte electrónico de Bleus "E-Pêle-Mêle". [68]
por Natasha Vita-More [69] (anteriormente Nancie Clark)
(Un género del movimiento artístico transhumanista cuyo manifiesto fue escrito en 1982)
Esto fue escrito el 1 de enero de 1997 y aparentemente estaba "a bordo de la nave espacial Cassini Huygens en su misión a Saturno". Después de la afirmación "Somos transhumanos", está la explicación: "El arte transhumanista refleja una apreciación extrópica de la estética en un mundo tecnológicamente mejorado". Después del manifiesto hay una "Pregunta frecuente" que dice: "Las artes transhumanistas incluyen obras creativas de científicos, ingenieros, técnicos, filósofos, atletas, educadores, matemáticos, etc., que pueden no ser artistas en el sentido tradicional, pero cuya visión y La creatividad es parte integral de la transhumanidad". El Manifiesto se basa en una Declaración de Arte Transhumanista escrita en 1982. Se citan como influencias específicas el "arte abstracto, el arte escénico, el arte cinético, el cubismo, el tecnoarte, la ciencia ficción y el arte de la comunicación". Algunos colaboradores de Vita-More son nombrados como Timothy Leary , Bill Viola y Francis Ford Coppola .
El acceso generalizado a Internet ha creado un nuevo incentivo para que los artistas publiquen manifiestos, sabiendo que existe una audiencia potencial instantánea en todo el mundo. Se ha descrito el efecto de Internet en los manifiestos artísticos: "Casi se podría decir que estamos viviendo una nueva época de auge para los manifiestos. La Web permite a casi cualquier persona clavar un periódico en la pared virtual para que todos lo vean". [70] Algunos de los manifiestos también aparecen impresos; otros sólo existen como texto virtual. También ha dado lugar a una gran diversidad de enfoques, así como a una notable tendencia a mirar hacia atrás en tradiciones anteriores del Modernismo o el Renacimiento para crear un paradigma presente y futuro. El manifiesto de los Stuckistas se ha vuelto muy conocido, aunque la mayoría de los demás han logrado poca reputación o impacto individual.
por Billy Childish y Charles Thomson [71]
Los Stuckistas han crecido en once años de 13 artistas en Londres a 209 grupos en 48 países, y afirman: "El Stuckismo es el primer movimiento artístico importante que se difunde a través de Internet" [72] Los primeros 3 puntos de su manifiesto homónimo numerado proclaman " una búsqueda de la autenticidad ", "la pintura es un medio de autodescubrimiento" y "un modelo de arte holístico". El cuarto punto dice: "Los artistas que no pintan no son artistas"; el quinto es: "El arte que tiene que estar en una galería para ser arte no es arte". Se critican el arte conceptual , el Britart , Charles Saatchi , los trucos artísticos y las galerías de paredes blancas, mientras se aplaude al aficionado. El último punto es:
Este manifiesto está disponible en su sitio web en 7 idiomas. Han publicado al menos otros ocho manifiestos, incluido el Manifiesto Remodernista (2000), que inaugura "una nueva espiritualidad en el arte" (para reemplazar el "materialismo científico, el nihilismo y la bancarrota espiritual" del posmodernismo ), el Manifiesto del Premio Turner , entregado en sus manifestaciones en la Tate Britain y en una crítica a Damien Hirst. [73] La galería Tate alberga tres de los manifiestos. [74] Los productos derivados de otros Stuckistas incluyen un manifiesto de estudiantes de Stuckismo de Camberwell College of Arts (2000) [75] y un Manifiesto de Stuckistas menores de edad para adolescentes (2006). [76] En 2006, Allen Herndon publicó El Manifiesto de los Stuckists estadounidenses , cuyo contenido fue cuestionado por el grupo Stuckists de Los Ángeles. [77] También ha habido un manifiesto anti-Stuckista publicado en 2005 por el London Surrealist Group.
Por Mark Miremont . [78] [79]
El manifiesto Resurrección de la Belleza fue publicado por primera vez en 2010 por la Galerie Provocatrice de Ámsterdam para una exposición relacionada y el estreno de una película. [80] Su propósito es inspirar resistencia a las pretensiones en el arte conceptual que buscan eliminar la Belleza como una preocupación central en el futuro del Arte. [81] [82] Dos líneas centrales del manifiesto son: "La belleza es el propósito del arte, así como un edificio es el propósito de la arquitectura" y "La utilidad del arte es informarnos sobre la Belleza, así como la utilidad de La ciencia es para informarnos de la verdad." [83]
por Jesse Richards [84]
Un manifiesto sobre el cine escrito por el ex pintor, fotógrafo y cineasta Stuckista Jesse Richards que, al igual que el manifiesto del Remodernismo , estrechamente relacionado , pide una "nueva espiritualidad", pero en este caso, en relación con el cine. El manifiesto proclama que una película espiritual "no trata sobre religión. Es cine preocupado por la humanidad y por la comprensión de las verdades y momentos simples de la humanidad. La película espiritual realmente trata TODO sobre estos momentos". El punto 4 del manifiesto analiza la estética japonesa en relación con la idea del cine modernista : "Las ideas japonesas de wabi-sabi (la belleza de la imperfección) y mono no consciente (la conciencia de la fugacidad de las cosas y de los sentimientos agridulces que acompañan su pasando), tienen la capacidad de mostrar la verdad de la existencia, y siempre deben ser considerados al hacer la película remodernista". El manifiesto también critica a los cineastas que filman en vídeo, argumentando que el cine, en particular el de Super-8, "tiene una crudeza y una capacidad para capturar la esencia poética de la vida que el vídeo nunca ha podido lograr" y también critica a Stanley Kubrick . s, por ser "deshonesto y aburrido", así como el "pretencioso control" de las reglas del Dogma 95 . En cambio, la filosofía cinematográfica remodernista parece ser algo anti-ego, y Richards señala que "este manifiesto debe verse sólo como una colección de ideas y sugerencias de cuyo autor se puede burlar e insultar a voluntad". El manifiesto fue recientemente traducido al turco y publicado por el sitio web cinematográfico Bakiniz, y está siendo traducido al polaco y publicado por la revista polaca de arte y cultura underground RED.
por Luke Turner [85]
El Manifiesto Metamodernista fue escrito por el artista Luke Turner como "un ejercicio para definir y encarnar simultáneamente elespíritu metamoderno ". [86] El manifiesto reconocía que "la oscilación es el orden natural del mundo" y pedía el fin de "la inercia resultante de un siglo de ingenuidad ideológica modernista y la cínica falta de sinceridad de su antónimo hijo bastardo". [87] En cambio, Turner propuso el metamodernismo como "la condición voluble entre y más allá de la ironía y la sinceridad, la ingenuidad y el conocimiento, el relativismo y la verdad, el optimismo y la duda, en la búsqueda de una pluralidad de horizontes dispares y esquivos", y concluyó con un llamado a "¡Avanza y oscila!" [88] [89] El manifiesto formó la base de la práctica artística colaborativa de LaBeouf, Rönkkö y Turner , después de que el actor Shia LaBeouf se acercara a Turner a principios de 2014 después de leer el texto. [90] [91]
por Kaloust Guedel [92]
El Manifiesto fue escrito en 2014 y publicado en el semanario Los Angeles Downtown News el 28 de septiembre de 2015 (página 10). Comienza de un modo típicamente denso: "Uso excesivo de recursos en estado magnificado, mediante los cuales se expresa: mediante creaciones visuales bidimensionales o tridimensionales, escritas, o pronunciadas palabras, o de cualquier otra manera. A modo de reflexión". , examen o investigación del sistema capitalista, exento de consideraciones estéticas, jurídicas, comerciales, éticas o morales." [92] [93] Es ir más allá del límite o grado habitual, necesario o propio. Tener una cierta necesidad de “adquirir bienes materiales más allá de las necesidades y, a menudo, de los medios”. El excesivismo , como nuevo movimiento artístico global, tiende a ser un comentario sobre el materialismo económico. [94] [92]
por Menotti Lerro y Antonello Pelliccia [95]
Escrito en 2018 y publicado en revistas en 2019, [96] el Nuevo Manifiesto de las Artes fue publicado oficialmente en italiano e inglés en 2020 por la editorial Zona. Se considera la base principal del movimiento de la Escuela Empática ( Empatismo ) surgido en Italia en 2020. Este Manifiesto sitúa la Empatía en medio de una visión de uno mismo, en oposición a las visiones anteriores de los artistas como confinados de la sociedad. [97] [98] [99] [100]
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