La industria musical se refiere a las personas y organizaciones que ganan dinero escribiendo canciones y composiciones musicales , creando y vendiendo música grabada y partituras , presentando conciertos , así como las organizaciones que ayudan, capacitan, representan y suministran a los creadores de música . Entre las muchas personas y organizaciones que operan en la industria se encuentran: los autores y compositores que escriben canciones y composiciones musicales; los cantantes , músicos , directores y líderes de banda que interpretan la música; los sellos discográficos , editores musicales , estudios de grabación , productores musicales , ingenieros de audio , tiendas minoristas y de música digital y organizaciones de derechos de ejecución que crean y venden música grabada y partituras; y los agentes de reservas , promotores , salas de música , personal de gira e ingenieros de audio que ayudan a organizar y vender conciertos.
La industria también incluye una gama de profesionales que ayudan a cantantes y músicos con sus carreras musicales. Estos incluyen representantes de talentos , representantes de artistas y repertorio , gerentes de negocios , abogados de entretenimiento ; aquellos que transmiten contenido musical de audio o video ( satélite , estaciones de radio por Internet , estaciones de radio y televisión ); periodistas musicales y críticos musicales ; DJ ; educadores y profesores de música ; fabricantes de instrumentos musicales y equipos musicales; así como muchos otros. Además de las empresas y los artistas, hay organizaciones que también desempeñan un papel importante, incluidos los sindicatos de músicos (por ejemplo, la Federación Estadounidense de Músicos ), organizaciones sin fines de lucro de derechos de ejecución (por ejemplo, la Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores ) y otras asociaciones (por ejemplo, la Alianza Internacional para Mujeres en la Música , una organización sin fines de lucro que aboga por las compositoras y músicas ).
La industria musical occidental moderna surgió entre los años 1930 y 1950, cuando los discos reemplazaron a las partituras como el producto más importante en el negocio de la música. En el mundo comercial, "la industria discográfica" (una referencia a la grabación de interpretaciones de canciones y piezas y la venta de las grabaciones) comenzó a usarse como un sinónimo vago de "la industria de la música". En la década de 2000, la mayoría del mercado de la música está controlada por tres grandes sellos corporativos: Universal Music Group , de propiedad francesa, Sony Music Entertainment , de propiedad japonesa , [1] y Warner Music Group , de propiedad estadounidense . Los sellos fuera de estos tres sellos principales se conocen como sellos independientes (o "indies"). La mayor parte del mercado de música en vivo para conciertos y giras está controlada por Live Nation , el mayor promotor y propietario de salas de música . Live Nation es una antigua subsidiaria de iHeartMedia Inc , que es el mayor propietario de estaciones de radio en los Estados Unidos .
En las primeras décadas de la década de 2000, la industria de la música experimentó cambios drásticos con la llegada de la distribución digital generalizada de música a través de Internet (que incluye tanto el intercambio ilegal de archivos de canciones como las compras legales de música en tiendas de música en línea ). Un indicador conspicuo de estos cambios son las ventas totales de música: desde 2000, las ventas de música grabada han disminuido sustancialmente [2] [3] mientras que la música en vivo ha aumentado en importancia. [4] En 2011, el minorista de música grabada más grande del mundo era ahora una plataforma digital basada en Internet operada por una empresa de computadoras: la iTunes Store en línea de Apple Inc. [5] Desde 2011, la industria de la música ha experimentado un crecimiento constante de las ventas y el streaming ahora genera más ingresos por año que las descargas digitales. Spotify , Apple Music y Amazon Music son los servicios de streaming más grandes por número de suscriptores. [6]
Las principales ramas de la industria musical son la industria de la música en vivo , la industria discográfica y todas las empresas que forman, apoyan, abastecen y representan a los músicos.
La industria discográfica produce tres productos distintos: composiciones (canciones, piezas, letras), grabaciones (audio y vídeo) y medios (como CD o MP3 y DVD ). Cada uno de ellos es un tipo de propiedad : normalmente, las composiciones son propiedad de los compositores, las grabaciones de las compañías discográficas y los medios de los consumidores. Puede haber muchas grabaciones de una única composición y una única grabación normalmente se distribuirá a través de muchos medios. Por ejemplo, la canción " My Way " es propiedad de sus compositores, Paul Anka y Claude François , la grabación de "My Way" de Frank Sinatra es propiedad de Capitol Records , la grabación de "My Way" de Sid Vicious es propiedad de Virgin Records , y los millones de CD y discos de vinilo que pueden reproducir estas grabaciones son propiedad de millones de consumidores individuales.
Las canciones , piezas instrumentales y otras composiciones musicales son creadas por autores o compositores y son originalmente propiedad del compositor, aunque pueden ser vendidas o los derechos pueden ser cedidos de otra manera. Por ejemplo, en el caso de trabajo por encargo , la composición es propiedad inmediata de otra parte. Tradicionalmente, el propietario de los derechos de autor licencia o "cede" algunos de sus derechos a las empresas editoriales , mediante un contrato de publicación . La empresa editorial (o una sociedad de recaudación que opera en nombre de muchos de estos editores, autores y compositores) recauda tarifas (conocidas como " regalías de publicación ") cuando se utiliza la composición. La empresa editorial paga una parte de las regalías al propietario de los derechos de autor, según los términos del contrato. Las partituras proporcionan un flujo de ingresos que se paga exclusivamente a los compositores y su empresa editorial. Por lo general (aunque no universalmente), la empresa editorial proporcionará al propietario un anticipo contra futuras ganancias cuando se firma el contrato de publicación. Una empresa editorial también promocionará las composiciones, por ejemplo, adquiriendo "ubicaciones" de canciones en televisión o en películas .
Las grabaciones son creadas por artistas de grabación , que incluyen cantantes , músicos (incluidos músicos de sesión ) y conjuntos musicales (por ejemplo , bandas de acompañamiento , secciones rítmicas , orquestas , etc.) generalmente con la asistencia y la guía de productores de discos e ingenieros de audio . Tradicionalmente se hacían en estudios de grabación (que se alquilan por una tarifa diaria o por hora) en una sesión de grabación . En el siglo XXI, los avances en la tecnología de grabación digital han permitido a muchos productores y artistas crear " estudios caseros " utilizando computadoras de alta gama y programas de grabación digital como Pro Tools , evitando el papel tradicional del estudio de grabación comercial. El productor de discos supervisa todos los aspectos de la grabación, tomando muchas de las decisiones logísticas, financieras y artísticas en cooperación con los artistas. El productor de discos tiene una variedad de diferentes responsabilidades que incluyen elegir material y/o trabajar con los compositores, contratar músicos de sesión, ayudar a arreglar las canciones, supervisar las actuaciones de los músicos y dirigir al ingeniero de audio durante la grabación y la mezcla para obtener el mejor sonido. Los ingenieros de audio (incluidos los ingenieros de grabación , mezcla y masterización ) son responsables de garantizar una buena calidad de audio durante la grabación. Seleccionan y configuran los micrófonos y utilizan unidades de efectos y consolas de mezcla para ajustar el sonido y el nivel de la música. Una sesión de grabación también puede requerir los servicios de un arreglista , orquestador , músicos de estudio , músicos de sesión , entrenadores vocales o incluso un escritor fantasma contratado discretamente para ayudar con las letras o la composición de las canciones .
Las grabaciones son (tradicionalmente) propiedad de las compañías discográficas . Algunos artistas son dueños de sus propias compañías discográficas (por ejemplo, Ani DiFranco ). Un contrato de grabación especifica la relación comercial entre un artista de grabación y la compañía discográfica. En un contrato tradicional, la compañía proporciona un anticipo al artista que acepta hacer una grabación que será propiedad de la compañía. El departamento de A&R de una compañía discográfica es responsable de encontrar nuevos talentos y supervisar el proceso de grabación. La compañía paga los costos de grabación y el costo de promoción y comercialización del disco. Para los medios físicos (como los CD ), la compañía también paga por fabricar y distribuir las grabaciones físicas. Las compañías discográficas más pequeñas (conocidas como " indies ") establecerán relaciones comerciales con otras compañías para manejar muchas de estas tareas. La compañía discográfica paga al artista de grabación una parte de los ingresos de la venta de las grabaciones, también conocida como "regalía", pero esto es distinto de las regalías de publicación descritas anteriormente. Esta parte es similar a un porcentaje, pero puede estar limitada o ampliada por una serie de factores (como bienes gratuitos, gastos recuperables, bonificaciones, etc.) que se especifican en el contrato discográfico. Los músicos de sesión y los miembros de la orquesta (así como algunos artistas discográficos en mercados especiales) tienen contratos para ofrecer trabajo por encargo ; normalmente solo se les paga una tarifa única o un salario regular por sus servicios, en lugar de regalías continuas.
Los medios físicos (como los CD o los discos de vinilo) son vendidos por minoristas de música y son propiedad de los consumidores después de comprarlos. Los compradores normalmente no tienen derecho a hacer copias digitales de los CD u otros medios que compran, o alquilan o arriendan los CD, porque no son dueños de la grabación en el CD, solo son dueños del CD físico individual. Un distribuidor de música entrega cajas de los medios físicos empaquetados del fabricante al minorista y mantiene relaciones comerciales con los minoristas y las compañías discográficas. El minorista de música paga al distribuidor, quien a su vez paga a la compañía discográfica por las grabaciones. La compañía discográfica paga regalías mecánicas al editor y compositor a través de una sociedad de recaudación. La compañía discográfica luego paga regalías, si está obligada contractualmente, al artista que graba.
Cuando la música se descarga o se transmite digitalmente , no hay ningún medio físico más allá de la memoria de la computadora del consumidor en su reproductor multimedia portátil o computadora portátil. Por esta razón, artistas como Taylor Swift, Paul McCartney, Kings of Leon y otros han pedido cambios legales que nieguen a las redes sociales el derecho a transmitir su música sin pagarles regalías. [7] En el mercado de música digital y en línea de la década de 2000, el distribuidor se vuelve opcional. Las grandes tiendas en línea pueden pagar a las discográficas directamente, pero los distribuidores digitales existen para proporcionar servicios de distribución para vendedores grandes y pequeños. Al comprar descargas digitales o escuchar música en streaming, es posible que se le solicite al consumidor que acepte los términos de licencia de la compañía discográfica y del vendedor más allá de los que son inherentes a los derechos de autor ; por ejemplo, algunos servicios pueden permitir a los consumidores compartir libremente la grabación, pero otros pueden restringir al usuario a almacenar la música en una cantidad específica de discos duros o dispositivos.
Cuando se transmite una grabación (ya sea por radio o por un servicio de música ambiental como Muzak ), las organizaciones de derechos de ejecución (como ASCAP y BMI en los EE. UU., SOCAN en Canadá o MCPS y PRS en el Reino Unido) recaudan un tercer tipo de regalías conocidas como regalías de ejecución, que se pagan a los autores de canciones, compositores y artistas de grabación. Esta regalía suele ser mucho menor que las regalías de edición o mecánicas . En la última década, más del "15 al 30 por ciento" de las pistas en los servicios de transmisión no están identificadas con un artista específico. Jeff Price dice "Audiam, un servicio de streaming de música en línea, ha ganado más de varios cientos de miles de dólares el año pasado recaudando regalías por streaming en línea. [8] Según Ken Levitan, manager de Kings of Leon, Cheap Trick y otros, "Youtube se ha convertido en radio para niños". Debido al uso excesivo de YouTube y el streaming fuera de línea, las ventas de álbumes han caído un 60 por ciento en los últimos años. [7] Cuando las grabaciones se utilizan en televisión y cine , el compositor y su compañía editorial normalmente reciben el pago a través de una licencia de sincronización . En la década de 2000, los servicios de suscripción en línea (como Rhapsody ) también proporcionan un flujo de ingresos directamente a las compañías discográficas y, a través de ellas, a los artistas, si los contratos lo permiten.
Un promotor reúne a un artista intérprete o ejecutante y al propietario de un local y organiza los contratos. Una agencia de reservas representa al artista ante los promotores, hace tratos y reserva actuaciones. Los consumidores suelen comprar entradas en el local o en un servicio de distribución de entradas como Ticketmaster . En los EE. UU., Live Nation es la empresa dominante en todas estas funciones: posee la mayoría de los grandes locales de los EE. UU., es el promotor más grande y es dueño de Ticketmaster . Las decisiones sobre dónde y cuándo hacer una gira las deciden el representante del artista y el artista, a veces en consulta con la compañía discográfica . Las compañías discográficas pueden financiar una gira con la esperanza de que ayude a promover la venta de grabaciones. Sin embargo, en el siglo XXI, se ha vuelto más común lanzar grabaciones para promover la venta de entradas para espectáculos en vivo, en lugar de reservar giras para promover las ventas de grabaciones.
Los artistas importantes y exitosos generalmente emplean un equipo de gira : una organización de gira semipermanente que viaja con el artista durante la serie de conciertos. El equipo de gira está encabezado por un gerente de gira . Los miembros del equipo proporcionan iluminación del escenario , refuerzo de sonido en vivo , mantenimiento de instrumentos musicales y transporte . En grandes giras, el equipo de gira también puede incluir un contador, director de escenario, guardaespaldas, peluqueros, maquilladores y personal de catering . Por lo general, se contratan equipos locales para ayudar a mover el equipo dentro y fuera del escenario. En una gira pequeña con menos respaldo financiero, todos estos trabajos pueden ser manejados por solo unos pocos roadies o por los propios músicos. Las bandas firmadas con pequeños sellos "indie" y bandas de géneros como el hardcore punk tienen más probabilidades de hacer giras sin un equipo de gira, o con un apoyo mínimo.
Los artistas, como cantantes y músicos, pueden contratar a varias personas de otros campos para que les ayuden con su carrera. El representante del artista supervisa todos los aspectos de la carrera de un artista a cambio de un porcentaje de los ingresos del artista. Un abogado de entretenimiento les ayuda con los detalles de sus contratos con las compañías discográficas y otros acuerdos. Un gerente comercial se encarga de las transacciones financieras, los impuestos y la contabilidad. Los sindicatos, como AFTRA y la Federación Estadounidense de Músicos en los EE. UU., proporcionan seguro médico y seguro de instrumentos para músicos. Un artista exitoso funciona en el mercado como una marca y, como tal, puede obtener ingresos de muchas otras fuentes, como productos , patrocinios personales, apariciones (sin actuar) en eventos o servicios basados en Internet. [9] Estos suelen estar supervisados por el representante del artista y toman la forma de relaciones entre el artista y las empresas que se especializan en estos productos. Los cantantes también pueden contratar a un entrenador vocal , un instructor de baile , un entrenador de actuación , un entrenador personal o un entrenador de vida para que los ayude.
En la década de 2000, las líneas tradicionales que alguna vez dividieron a cantantes, instrumentistas, editores, compañías discográficas, distribuidores, minoristas y productos electrónicos de consumo se han desdibujado o borrado. Los artistas pueden grabar en un estudio casero utilizando una computadora portátil de alta gama y un programa de grabación digital como Pro Tools o usar Kickstarter para recaudar dinero para una costosa sesión de grabación en estudio sin involucrar a una compañía discográfica. Los artistas pueden optar por promocionarse y comercializarse exclusivamente utilizando solo servicios gratuitos para compartir videos en línea como YouTube o utilizando sitios web de redes sociales , evitando la promoción y el marketing tradicionales de una compañía discográfica. En la década de 2000, las empresas de electrónica de consumo y computadoras como Apple Computer se han convertido en minoristas de música digital . Las nuevas tecnologías de distribución de música digital y las tendencias hacia el uso de muestreo de canciones antiguas en nuevas canciones o la mezcla de diferentes canciones para crear grabaciones "mashup" también han obligado tanto a los gobiernos como a la industria de la música a reexaminar las definiciones de propiedad intelectual y los derechos de todas las partes involucradas. Otro factor que agrava la cuestión de definir los límites del derecho de autor es el hecho de que la definición de "regalías" y "derecho de autor" varía de un país a otro y de una región a otra, lo que cambia los términos de algunas de estas relaciones comerciales.
Después de 15 años de economía de Internet, las plataformas de la industria de la música digital como iTunes , Spotify y Google Play han supuesto mejoras importantes con respecto a los primeros días del intercambio ilegal de archivos. Sin embargo, la multitud de ofertas de servicios y modelos de ingresos dificultan la comprensión del verdadero valor de cada uno y lo que pueden ofrecer a los músicos y las compañías musicales. Además, existen importantes problemas de transparencia en toda la industria de la música causados por una tecnología obsoleta. Con el surgimiento de nuevos modelos de negocio como las plataformas de streaming y los servicios de música en línea, se procesa una gran cantidad de datos. [10] El acceso a los macrodatos puede aumentar la transparencia en la industria. [11]
La publicación musical con partituras impresas a máquina se desarrolló durante la era de la música renacentista a mediados del siglo XV. El desarrollo de la publicación musical siguió la evolución de las tecnologías de impresión que se desarrollaron primero para imprimir libros regulares . Después de mediados del siglo XV, se desarrollaron las primeras técnicas mecánicas para imprimir partituras. El ejemplo más antiguo, un conjunto de cantos litúrgicos, data de alrededor de 1465, poco después de que se imprimiera la Biblia de Gutenberg . Antes de esta época, la música tenía que copiarse a mano. Copiar la notación musical a mano era un proceso muy costoso, laborioso y que consumía mucho tiempo, por lo que generalmente solo lo realizaban monjes y sacerdotes que buscaban preservar la música sacra para la iglesia. Las pocas colecciones de música secular (no religiosa) que existen fueron encargadas y poseídas por aristócratas adinerados. Los ejemplos incluyen el Códice Squarcialupi de música italiana del Trecento y el Códice Chantilly de música francesa del Ars subtilior .
El uso de la imprenta permitió reproducir partituras con mucha más rapidez y a un coste mucho menor que la copia manual de la notación musical. Esto ayudó a que los estilos musicales se extendieran a otras ciudades y países con mayor rapidez, y también permitió que la música se extendiera a zonas más distantes. Antes de la invención de la imprenta musical, la música de un compositor podía ser conocida solo en la ciudad en la que vivía y en las localidades circundantes, porque solo los aristócratas ricos podían permitirse el lujo de tener copias manuales de su música. Sin embargo, con la imprenta musical, la música de un compositor podía imprimirse y venderse a un coste relativamente bajo a compradores de una amplia zona geográfica. A medida que las partituras de las piezas y canciones de los principales compositores comenzaron a imprimirse y distribuirse en un área más amplia, esto permitió a los compositores y a los oyentes escuchar nuevos estilos y formas de música. Un compositor alemán podía comprar canciones escritas por un compositor italiano o inglés, y un compositor italiano podía comprar piezas escritas por compositores holandeses y aprender cómo escribían música. Esto llevó a una mayor mezcla de estilos musicales de diferentes países y regiones.
El pionero de la impresión musical moderna fue Ottaviano Petrucci (nacido en Fossombrone en 1466 - fallecido en 1539 en Venecia), impresor y editor que logró asegurar un monopolio de veinte años sobre la música impresa en Venecia durante el siglo XVI. Venecia fue uno de los principales centros comerciales y musicales durante este período. Su Harmonice Musices Odhecaton , una colección de chansons impresa en 1501, se identifica comúnmente erróneamente como el primer libro de partituras impresas con tipos móviles. Esa distinción pertenece al Missale Romanum del impresor romano Ulrich Han de 1476. Sin embargo, el trabajo posterior de Petrucci fue extraordinario por la complejidad de su notación mensural blanca y la pequeñez de su fuente. Imprimió el primer libro de polifonía (música con dos o más líneas melódicas independientes) utilizando tipos móviles. También publicó numerosas obras de los compositores más respetados del Renacimiento, incluidos Josquin des Prez y Antoine Brumel . Prosperó centrándose en obras flamencas, en lugar de italianas, ya que eran muy populares en toda Europa durante la era de la música renacentista . Su imprenta utilizaba el método de triple impresión, en el que se prensaba una hoja de papel tres veces. La primera impresión eran las líneas del pentagrama, la segunda las palabras y la tercera las notas. Este método producía resultados muy limpios y legibles, aunque requería mucho tiempo y era costoso.
Hasta el siglo XVIII, los procesos de composición formal y de impresión de música se llevaban a cabo en su mayor parte con el apoyo del mecenazgo de las aristocracias y las iglesias . A mediados y finales del siglo XVIII, intérpretes y compositores como Wolfgang Amadeus Mozart comenzaron a buscar oportunidades más comerciales para comercializar su música e interpretaciones al público en general. Tras la muerte de Mozart, su esposa ( Constanze Weber ) continuó el proceso de comercialización de su música a través de una serie sin precedentes de conciertos conmemorativos, vendiendo sus manuscritos y colaborando con su segundo marido, Georg Nissen , en una biografía de Mozart. [12]
En el siglo XIX, los editores de partituras dominaban la industria musical. Antes de la invención de las tecnologías de grabación de sonido , la principal forma de que los amantes de la música escucharan nuevas sinfonías y arias de ópera (canciones) era comprar las partituras (a menudo arregladas para piano o para un pequeño grupo de música de cámara) e interpretar la música en una sala de estar, con la ayuda de amigos que eran músicos y cantantes aficionados. En los Estados Unidos, la industria musical surgió a la par del auge de los minstrels de " black face " . El blackface es una forma de maquillaje teatral utilizado predominantemente por intérpretes no negros para representar a una persona negra . La práctica ganó popularidad durante el siglo XIX y contribuyó a la difusión de estereotipos raciales negativos sobre los afroamericanos. [13]
A finales de siglo, el grupo de editores musicales y compositores que dominaba la música popular en los Estados Unidos pasó a conocerse como Tin Pan Alley . El nombre originalmente se refería a un lugar específico: West 28th Street entre la Quinta y la Sexta Avenida en Manhattan , y una placa (ver abajo) en la acera de la Calle 28 entre Broadway y la Sexta lo conmemora. El comienzo de Tin Pan Alley suele fecharse alrededor de 1885, cuando varios editores musicales se establecieron en el mismo distrito de Manhattan . El final de Tin Pan Alley es menos claro. Algunos lo datan al comienzo de la Gran Depresión en la década de 1930, cuando el fonógrafo y la radio suplantaron a las partituras como fuerza impulsora de la música popular estadounidense, mientras que otros consideran que Tin Pan Alley continuó hasta la década de 1950, cuando los estilos anteriores de música popular estadounidense fueron eclipsados por el auge del rock & roll .
A principios del siglo XX, el desarrollo de la grabación de sonido comenzó a funcionar como una tecnología disruptiva para los intereses comerciales que publicaban partituras. Durante la era de las partituras, si una persona normal quería escuchar nuevas canciones populares, compraba la partitura y la tocaba en casa en un piano, o aprendía la canción en casa mientras tocaba la parte de acompañamiento en el piano o la guitarra. Los discos fonográficos de interpretaciones musicales lanzados comercialmente , que estuvieron disponibles a partir de fines de la década de 1880, y más tarde el inicio de la transmisión radial generalizada , a partir de la década de 1920, cambiaron para siempre la forma en que se escuchaba y se escuchaba la música. Los teatros de ópera, las salas de conciertos y los clubes continuaron produciendo música y los músicos y cantantes continuaron actuando en vivo, pero el poder de la radio permitió que bandas, conjuntos y cantantes que anteriormente habían actuado solo en una región se volvieran populares a escala nacional e incluso a escala mundial. Además, mientras que en el pasado, en un mundo anterior a la radio, la asistencia a los principales conciertos de orquestas sinfónicas y óperas estaba restringida a las personas de altos ingresos, con la radiodifusión , un grupo mucho más amplio de personas, incluidas las de ingresos bajos y medios, podían escuchar las mejores orquestas , grandes bandas , cantantes populares y espectáculos de ópera.
La "industria discográfica" acabó sustituyendo a las editoriales de partituras como la mayor fuerza de la industria musical. Una multitud de sellos discográficos aparecieron y desaparecieron. Algunos sellos notables de las décadas anteriores incluyen Columbia Records , Crystalate, Decca Records , Edison Bell, The Gramophone Company , Invicta, Kalliope, Pathé , Victor Talking Machine Company y muchos otros. [14] Muchas compañías discográficas desaparecieron tan rápido como se habían formado, y para finales de los años 1980, las "seis grandes" -EMI , CBS , BMG , PolyGram , WEA y MCA- dominaban la industria. Sony compró CBS Records en 1987 y cambió su nombre a Sony Music en 1991. A mediados de 1998, PolyGram Music Group se fusionó con MCA Music Entertainment creando lo que hoy conocemos como Universal Music Group . Desde entonces, Sony y BMG se fusionaron en 2004, [15] y Universal se hizo cargo de la mayoría de los intereses de música grabada de EMI en 2012. [16] EMI Music Publishing , también parte del ahora desaparecido conglomerado británico, ahora es copropiedad de Sony como subsidiaria de Sony/ATV Music Publishing . [17] Al igual que en otras industrias, la industria discográfica se caracteriza por muchas fusiones y/o adquisiciones, tanto para las grandes empresas como para las medianas (un ejemplo reciente lo dan el grupo belga PIAS y el grupo francés Harmonia Mundi ). [18]
En cuanto a géneros musicales, los empresarios musicales expandieron sus modelos industriales a áreas como la música folk , en la que la composición y la interpretación habían continuado durante siglos de manera autosuficiente . Formar un sello discográfico independiente , o un sello "indie", o firmar con un sello de este tipo sigue siendo una opción popular para los músicos emergentes, especialmente en géneros como el hardcore punk y el metal extremo , a pesar de que los indies no pueden ofrecer el mismo respaldo financiero de los sellos principales. Algunas bandas prefieren firmar con un sello independiente, porque estos sellos suelen dar a los intérpretes más libertad artística.
En la primera década de los años 2000, la música descargada y transmitida digitalmente se volvió más popular que la compra de grabaciones físicas (por ejemplo, CD , discos y cintas ). Esto dio a los consumidores un acceso casi "sin fricciones" a una variedad más amplia de música que nunca antes, a través de múltiples dispositivos. Al mismo tiempo, los consumidores gastaron menos dinero en música grabada (tanto física como distribuida digitalmente) de lo que habían gastado en la década de 1990. [19] Los ingresos totales del "negocio de la música" en los EE. UU. cayeron a la mitad, de un máximo de $ 14.6 mil millones en 1999 a $ 6.3 mil millones en 2009, según Forrester Research . [20] Los ingresos mundiales por CD, vinilo , casetes y descargas digitales cayeron de $ 36.9 mil millones en 2000 [21] a $ 15.9 mil millones en 2010 [22] según la IFPI. The Economist y The New York Times informaron que se esperaba que la tendencia a la baja continuara en el futuro previsible. [23] [24] Esta dramática disminución de los ingresos ha provocado despidos a gran escala dentro de la industria, ha llevado a algunos minoristas más venerables (como Tower Records ) a la quiebra y ha obligado a las compañías discográficas, productores de discos, estudios, ingenieros de grabación y músicos a buscar nuevos modelos de negocio . [7]
En respuesta al aumento de la difusión de la compartición ilegal de archivos de grabaciones musicales digitales, la industria discográfica emprendió acciones legales agresivas. En 2001 logró cerrar el popular sitio web de música Napster y amenazó con emprender acciones legales contra miles de personas que participaban en el intercambio de archivos de sonido de canciones musicales. [7] Sin embargo, esto no logró frenar la caída de los ingresos por grabaciones musicales y resultó ser un desastre de relaciones públicas para la industria musical. [7] Algunos estudios académicos incluso han sugerido que las descargas no causaron la caída de las ventas de grabaciones. [25] La encuesta British Music Rights de 2008 [26] mostró que el 80% de las personas en Gran Bretaña querían un servicio legal de intercambio de archivos peer-to-peer (P2P), sin embargo, solo la mitad de los encuestados pensaba que se debería pagar a los creadores de la música. La encuesta fue consistente con los resultados de una investigación anterior realizada en los Estados Unidos, en la que se basó el Modelo de Música Abierta . [27]
Las descargas digitales legales se hicieron ampliamente disponibles con el debut de la tienda iTunes de Apple en 2003. [28] La popularidad de la distribución de música a través de Internet ha aumentado, [29] y para 2011 las ventas de música digital superaron las ventas físicas de música. [30] En 2008, Atlantic Records informa que las ventas digitales han superado las ventas físicas. [23] Sin embargo, como informó The Economist , "las descargas digitales pagas crecieron rápidamente, pero no comenzaron a compensar la pérdida de ingresos de los CD". [24]
Después de 2010, los servicios basados en Internet como Deezer , Pandora , Spotify y iTunes Radio de Apple comenzaron a ofrecer servicios de " pago por streaming " basados en suscripción a través de Internet. Con los servicios de streaming, el usuario paga una suscripción a una empresa por el derecho a escuchar canciones y otros medios de una biblioteca. Mientras que con los servicios de descarga digital legales, el comprador posee una copia digital de la canción (que puede mantener en su computadora o en un reproductor de medios digitales), con los servicios de streaming, el usuario nunca descarga el archivo de la canción ni es propietario del archivo de la canción. El suscriptor solo puede escuchar la canción mientras continúe pagando la suscripción de streaming. Una vez que el usuario deja de pagar la suscripción, ya no puede escuchar audio de los repositorios de la empresa. Los servicios de streaming comenzaron a tener un impacto serio en la industria en 2014.
Spotify , junto con la industria de transmisión de música en general, enfrenta algunas críticas de los artistas que afirman que no están siendo compensados de manera justa por su trabajo a medida que las ventas de música descargada disminuyen y aumenta la transmisión de música. A diferencia de las ventas físicas o de descarga, que pagan un precio fijo por canción o álbum, Spotify paga a los artistas en función de su "cuota de mercado" (la cantidad de reproducciones de sus canciones como proporción del total de canciones transmitidas en el servicio). [31] Spotify distribuye aproximadamente el 70% a los titulares de derechos, quienes luego pagarán a los artistas en función de sus acuerdos. La naturaleza variable y (algunos dicen) inadecuada de esta compensación, [32] ha generado críticas. Spotify informa que paga en promedio entre US$0,006 y US$0,008 por reproducción. En respuesta a las preocupaciones, Spotify afirma que están beneficiando al negocio de la música al migrarlos "lejos de la piratería y las plataformas menos monetizadas y permitirles generar regalías mucho mayores que antes" al alentar a los usuarios a usar su servicio pago. [33] [34]
La Recording Industry Association of America (RIAA) reveló en su informe de ganancias de 2015 que los servicios de streaming fueron responsables del 34,3 por ciento de los ingresos de la industria musical estadounidense en ese año, creciendo un 29 por ciento respecto del año anterior y convirtiéndose en la mayor fuente de ingresos, recaudando alrededor de 2.400 millones de dólares. [35] [36] Los ingresos por streaming en Estados Unidos crecieron un 57 por ciento hasta los 1.600 millones de dólares en el primer semestre de 2016 y representaron casi la mitad de las ventas de la industria. [37] Esto contrasta con los 14.600 millones de dólares en ingresos que recibió en 1999 la industria musical estadounidense por la venta de CD.
La agitación que se produjo en la industria de la música grabada en la década de 2000 alteró el equilibrio del siglo XX entre artistas, compañías discográficas, promotores, tiendas minoristas de música y consumidores. A partir de 2010 [actualizar], las grandes superficies comerciales como Wal-Mart y Best Buy venden más discos que las tiendas de CD exclusivamente de música, que han dejado de funcionar como un actor importante en la industria musical. Los artistas que interpretan música dependen ahora de las actuaciones en directo y de las ventas de productos (camisetas, sudaderas, etc.) para la mayor parte de sus ingresos, lo que a su vez los ha hecho más dependientes -como los músicos de antes del siglo XX- de los mecenas, ejemplificados ahora por promotores musicales como Live Nation (que domina la promoción de giras y posee o gestiona una gran cantidad de salas de música ). [4] Para beneficiarse de todos los flujos de ingresos de un artista, las compañías discográficas recurren cada vez más al " acuerdo 360 ", una nueva relación comercial iniciada por Robbie Williams y EMI en 2007. [38] En el otro extremo, las compañías discográficas pueden ofrecer un simple acuerdo de fabricación y distribución , que otorga un porcentaje más alto al artista, pero no cubre los gastos de marketing y promoción.
Empresas como Kickstarter ayudan a los músicos independientes a producir sus álbumes a través de fans que financian a las bandas que quieren escuchar. [39] Muchos artistas nuevos ya no ven un contrato discográfico como una parte integral de su plan de negocios . El hardware y el software de grabación baratos hacen posible grabar música de calidad razonable en un portátil en un dormitorio y distribuirla por Internet a una audiencia mundial. [40] Esto, a su vez, ha causado problemas para los estudios de grabación, los productores de discos y los ingenieros de audio : el Los Angeles Times informa que hasta la mitad de las instalaciones de grabación en esa ciudad han fracasado. [41] Los cambios en la industria de la música han dado a los consumidores acceso a una variedad de música más amplia que nunca, a un precio que gradualmente se acerca a cero. [7] Sin embargo, el gasto de los consumidores en software y hardware relacionados con la música aumentó drásticamente durante la última década, [ aclaración necesaria ] proporcionando una nueva y valiosa fuente de ingresos para empresas de tecnología como Apple Inc. y Pandora Radio .
Según la IFPI, [42] las ventas mundiales de álbumes digitales crecieron un 6,9% en 2014.
Fuente: Nielsen SoundScan, Official Charts Company/BPI, estimación de GfK y IFPI.
Cuota de ventas del mercado mundial de música, según la IFPI (2005)
Antes de diciembre de 1998, la industria estaba dominada por las "seis grandes": Sony Music y BMG aún no se habían fusionado, y PolyGram aún no había sido absorbida por Universal Music Group. Después de la fusión PolyGram-Universal, las cuotas de mercado de 1998 reflejaban unas "cinco grandes", que controlaban el 77,4% del mercado, como se muestra a continuación, según el Informe Mundial MEI 2000:
En 2004, la empresa conjunta de Sony y BMG creó las «Cuatro Grandes» en un momento en que se estimaba que el mercado mundial valía entre 30.000 y 40.000 millones de dólares. [43] Las ventas unitarias anuales totales (CD, vídeos musicales, MP3 ) en 2004 fueron de 3.000 millones. Además, según un informe de la IFPI publicado en agosto de 2005, [44] las cuatro grandes representaban el 71,7% de las ventas minoristas de música:
Cuotas de mercado de la música en Estados Unidos, según Nielsen SoundScan (2011)
Nielsen SoundScan en su informe de 2011 señaló que los "cuatro grandes" controlaban alrededor del 88% del mercado: [45]
Tras la absorción de EMI por parte de Sony Music Entertainment y Universal Music Group en diciembre de 2011 se crearon los "tres grandes" y el 8 de enero de 2013, tras la fusión, se produjeron despidos de cuarenta trabajadores de EMI. Los reguladores europeos obligaron a Universal Music a escindir los activos de EMI, que se convirtieron en Parlophone Label Group, que fue adquirido por Warner Music Group. [46] Nielsen SoundScan publicó un informe en 2012, señalando que estos sellos controlaban el 88,5% del mercado, y señaló además: [47]
Nota: la IFPI y Nielsen Soundscan utilizan metodologías diferentes, lo que hace que sus cifras sean difíciles de comparar casualmente e imposibles de comparar científicamente. [48]
Las cuotas de mercado a septiembre de 2018 son las siguientes: [49]
Los principales actores de esta industria poseen más de 100 sellos discográficos subsidiarios o subsellos, cada uno especializado en un determinado nicho de mercado. Sólo los artistas más populares de la industria tienen contratos directos con el sello principal. Estas compañías representan más de la mitad de la cuota de mercado de Estados Unidos. Sin embargo, esta cuota ha disminuido un poco en los últimos años, ya que el nuevo entorno digital permite a los sellos más pequeños competir de forma más eficaz. [49]
Las ventas totales de álbumes han disminuido en las primeras décadas del siglo XXI, lo que llevó a algunos críticos musicales a declarar la muerte del álbum . (Por ejemplo, los únicos álbumes que obtuvieron platino en los EE. UU. en 2014 fueron la banda sonora de la película animada de Disney Frozen y 1989 de Taylor Swift , mientras que varios artistas lo hicieron en 2013) . [50] [51] La siguiente tabla muestra las ventas de álbumes y el valor de mercado en el mundo en 2014.
Fuente: Informe anual de la IFPI 2014. [52]
En su informe anual del 30 de junio de 2000 presentado ante la Comisión de Bolsa y Valores de Estados Unidos , Seagram informó que Universal Music Group realizó el 40% de las ventas mundiales de música clásica durante el año anterior. [53]
Ventas físicas minoristas provisionales en 2005. Todas las cifras en millones.
Aproximadamente el 21% de los ingresos brutos de CD en 2003 se pueden atribuir a las ventas de CD usados. [ cita requerida ] Este número aumentó a aproximadamente el 27% en 2007. [ cita requerida ] El crecimiento se atribuye al aumento de las ventas en línea de productos usados por puntos de venta como Amazon.com, se espera que el crecimiento de los medios de música usados siga creciendo a medida que el costo de las descargas digitales sigue aumentando. [ cita requerida ] La venta de bienes usados beneficia económicamente a los vendedores y mercados en línea, pero en los Estados Unidos, la doctrina de la primera venta impide a los propietarios de derechos de autor (sellos discográficos y editores, en general) "doble inmersión" a través de un impuesto sobre la venta de música usada.
A mediados de 2011, la RIAA anunció un aumento de ventas del 5% respecto de 2010, afirmando que "probablemente no haya una única razón" para dicho aumento. [54]
El informe de la industria de 2012 de The Nielsen Company y Billboard muestra que las ventas generales de música aumentaron un 3,1% con respecto a 2011. Las ventas digitales provocaron este aumento, con un crecimiento de las ventas de álbumes digitales del 14,1% y un crecimiento de las ventas de pistas digitales del 5,1%, mientras que las ventas de música física disminuyeron un 12,8% en comparación con 2011. A pesar de la disminución, los álbumes físicos siguieron siendo el formato de álbum dominante. Las ventas de discos de vinilo aumentaron un 17,7% y las ventas de álbumes de temporada navideña disminuyeron un 7,1%. [47]
Ingresos del comercio mundial según la IFPI .
La lista de asociaciones y organizaciones musicales incluye ejemplos de todo el mundo, desde grandes organismos internacionales hasta organismos más pequeños a nivel nacional.
Amazon es ahora el mayor minorista de libros del mundo. Apple, el mayor minorista de música del mundo.
{{cite web}}: CS1 maint: nombres numéricos: lista de autores ( enlace )Los ingresos de la industria han estado disminuyendo durante los últimos 10 años.
Pero a finales del año pasado, el negocio de la música valía la mitad de lo que valía hace diez años y no parece que el declive vaya a frenarse en un futuro próximo. [...] Los ingresos totales por ventas y licencias de música en Estados Unidos se desplomaron a 6.300 millones de dólares en 2009, según Forrester Research. En 1999, esa cifra de ingresos superó los 14.600 millones de dólares.
Según un informe de Nielsen y Billboard, las compras de música digital representaron el 50,3% de las ventas de música en 2011.
Combinando todas las categorías de música en streaming (suscripción, bajo demanda con publicidad y distribuciones SoundExchange), los ingresos crecieron un 29% hasta los 2400 millones de dólares.
Probablemente no haya una única razón, pero nos gustaría pensar que los esfuerzos de marketing mejorados (como la venta de música en puntos de venta no tradicionales) y los éxitos en la lucha contra la piratería, como el cierre de LimeWire, han ayudado.
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