La importancia de llamarse Ernesto, una comedia trivial para gente seria es una obra de teatro de Oscar Wilde , la última de sus cuatro obras de salón , tras El abanico de Lady Windermere (1892), Una mujer sin importancia (1893) y Un marido ideal (1895). Estrenada el 14 de febrero de 1895 en el St James's Theatre de Londres, es una comedia absurda que retrata los enredados amoríos de dos jóvenes de la ciudad que llevan una doble vida para evadir obligaciones sociales no deseadas, y ambos adoptan el nombre de Ernest mientras cortejan a las dos jóvenes para que les den su afecto.
La obra, celebrada por su ingenio y su ingenio, parodia las normas dramáticas contemporáneas, satiriza delicadamente las costumbres de finales de la época victoriana y presenta, además de las dos parejas de jóvenes amantes, a la formidable Lady Bracknell, a la quisquillosa institutriz Miss Prism y al benigno y erudito Canon Chasuble. Las reseñas contemporáneas en Gran Bretaña y en el extranjero elogiaron el humor de la obra, aunque algunos críticos tenían reservas sobre su falta de mensajes sociales.
El exitoso estreno marcó el clímax de la carrera de Wilde, pero semanas después llegó su caída. El marqués de Queensberry , cuyo hijo Lord Alfred Douglas era amante de Wilde, planeó sin éxito arrojarle un ramo de verduras podridas al dramaturgo al final de la representación. Esta disputa condujo a una serie de juicios legales entre marzo y mayo de 1895 que resultaron en la condena y encarcelamiento de Wilde por actos homosexuales. A pesar del éxito temprano de la obra, la desgracia de Wilde hizo que se cerrara en mayo después de 86 representaciones. Después de su liberación de prisión en 1897, publicó la obra desde el exilio en París, pero no escribió más obras cómicas o dramáticas.
Desde su estreno, la obra ha sido reestrenada con frecuencia en países de habla inglesa y en otros lugares. Después de la primera producción, en la que participaron George Alexander , Allan Aynesworth e Irene Vanbrugh, entre otros, muchos actores han estado asociados con la obra, entre ellos Mabel Terry-Lewis , John Gielgud , Edith Evans , Margaret Rutherford , Martin Jarvis , Nigel Havers y Judi Dench . El papel de la formidable Lady Bracknell ha sido interpretado en ocasiones por hombres. La importancia de llamarse Ernesto ha sido adaptada para la radio desde la década de 1920 en adelante y para la televisión desde la década de 1930, filmada para el cine en tres ocasiones (dirigida por Anthony Asquith en 1952, Kurt Baker en 1992 y Oliver Parker en 2002) y convertida en óperas y musicales.
La obra está ambientada en “El Presente” (1895 en el momento del estreno). [1]
El piso de Algernon Moncrieff en Half Moon Street
Algernon Moncrieff, un joven de ciudad, recibe la visita de un amigo al que conoce por el nombre de Ernest Worthing. Este último ha venido del campo para proponerle matrimonio a la prima de Algernon, Gwendolen Fairfax. Algernon se niega a dar su consentimiento hasta que Ernest le explica por qué su pitillera lleva la inscripción: "De la pequeña Cecily, con su más tierno cariño a su querido tío Jack". Worthing se ve obligado a admitir que lleva una doble vida. En el campo, asume una actitud seria para el beneficio de su joven pupila , la heredera Cecily Cardew, y se hace llamar John o Jack, mientras finge que debe preocuparse por un hermano menor de Londres, un derrochador llamado Ernest. Mientras tanto, asume la identidad del derrochador Ernest cuando está en la ciudad. Algernon confiesa un engaño similar: finge tener un amigo enfermizo llamado Bunbury en el campo, al que puede "visitar" siempre que quiera evitar una obligación social no deseada. Jack se niega a decirle a Algernon la ubicación de su finca. [2]
Gwendolen y su formidable madre, Lady Bracknell, visitan ahora a Algernon, quien distrae a Lady Bracknell en otra habitación mientras Jack le propone matrimonio a Gwendolen. Ella acepta, pero dice que no podría amarlo si su nombre no fuera Ernest. Él decide en secreto que quiere ser rebautizado. Al descubrir a los dos en este intercambio íntimo, Lady Bracknell entrevista a Jack como posible pretendiente para su hija. Horrorizada al enterarse de que fue adoptado (habiéndolo encontrado cuando era un bebé en un bolso depositado en la estación Victoria de Londres), lo rechaza y le prohíbe tener más contacto con su hija. Gwendolen logra prometerle encubiertamente su amor eterno. Mientras Jack le da su dirección en el campo, Algernon la anota subrepticiamente en el puño de su manga: la revelación de Jack sobre su joven y bonita pupila ha motivado a su amigo a conocerla. [3]
El jardín de la mansión de Woolton
Cecily estudia con su institutriz, la señorita Prism, en el pueblo (ficticio) de Woolton, Hertfordshire. Algernon llega, haciéndose pasar por Ernest Worthing, y pronto encanta a Cecily. Fascinada durante mucho tiempo por el hasta entonces ausente hermano disoluto de su tío Jack, está predispuesta a enamorarse de Algernon en su papel de Ernest. Algernon planea que el rector , el Dr. Chasuble, lo rebautice como "Ernest". Jack ha decidido abandonar su doble vida. Llega de luto y anuncia la muerte de su hermano en París, a causa de un fuerte resfriado, una historia socavada por la presencia de Algernon bajo el disfraz de Ernest. Gwendolen entra ahora, habiendo dejado la casa de los Bracknell en Londres sin el conocimiento de su madre. Durante la ausencia temporal de los dos hombres, conoce a Cecily. Al principio se llevan bien, pero cuando se enteran del compromiso del otro, cada uno declara indignado que ella es la comprometida con Ernest. Cuando Jack y Algernon reaparecen juntos, Gwendolen y Cecily se dan cuenta de que han sido engañadas; dejan a los hombres en el jardín y se retiran a la casa. [4]
Sala de estar en Manor House, Woolton
Gwendolen y Cecily perdonan las artimañas de los hombres. Cuando llega en busca de su hija, Lady Bracknell se sorprende al enterarse de que Algernon y Cecily están comprometidos. La revelación de la riqueza de Cecily pronto disipa las dudas iniciales de Lady Bracknell sobre la idoneidad de la joven, pero su tutor , Jack, prohíbe cualquier compromiso: solo consentirá si Lady Bracknell acepta su propia unión con Gwendolen, algo que ella se niega a hacer.
El impasse se resuelve con el regreso de la señorita Prism, a quien Lady Bracknell reconoce como la persona que, 28 años antes, como niñera de la familia, había sacado a un bebé en un cochecito de niño de la casa de Lord Bracknell y nunca regresó. Ante el desafío, la señorita Prism explica que había metido distraídamente en el cochecito de niño el manuscrito de una novela que estaba escribiendo y había metido al bebé en un bolso, que luego dejó en la estación Victoria. Jack muestra el mismo bolso, demostrando que él es el bebé perdido, el hijo mayor de la hermana fallecida de Lady Bracknell y, por lo tanto, el hermano mayor de Algernon. Habiendo adquirido relaciones tan respetables, es aceptable como pretendiente de Gwendolen. [5]
Gwendolen sigue insistiendo en que sólo puede amar a un hombre llamado Ernest. Lady Bracknell le dice a Jack que, como primogénito, habría recibido el nombre de su padre, el general Moncrieff. Jack examina las listas del ejército y descubre que el nombre de su padre (y, por lo tanto, su propio nombre de bautismo original) era, de hecho, Ernest. Mientras las felices parejas se abrazan (Ernest y Gwendolen, Algernon y Cecily, e incluso el doctor Chasuble y la señorita Prism), Lady Bracknell se queja a su nuevo pariente: "Mi sobrino, pareces estar mostrando signos de trivialidad". Él responde: "Al contrario, tía Augusta: ahora me he dado cuenta por primera vez en mi vida de la importancia vital de ser Ernesto". [6]
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La importancia de llamarse Ernesto siguió al éxito de las obras de salón anteriores de Wilde , El abanico de Lady Windermere (1892), Una mujer sin importancia (1893) y Un marido ideal (1895). [7] Pasó el verano de 1894 con su familia en Worthing , en la costa de Sussex , donde comenzó a trabajar en la nueva obra. [8]
Los estudiosos de Wilde generalmente coinciden en que la influencia más importante en la obra fue la farsa Engaged de WS Gilbert de 1877 , [9] de la que Wilde tomó prestados no solo varios incidentes sino también, en palabras de Russell Jackson en su introducción de 1980 a la obra de Wilde, "la gravedad del tono que Gilbert exigía a sus actores". [10] El primer borrador de Wilde era tan largo que llenaba cuatro cuadernos de ejercicios , y durante el verano lo revisó y refinó continuamente, como había hecho con sus obras anteriores. [11] [12] Entre sus muchos cambios, alteró el subtítulo de "una comedia seria para gente trivial" a "una comedia trivial para gente seria", [13] y renombró a los personajes Lady Brancaster y Algernon Montford como Lady Bracknell y Algernon Moncrieff. [14]
Wilde escribió el papel de John Worthing pensando en el actor y director Charles Wyndham . Wilde compartía la opinión de Bernard Shaw de que Wyndham era el actor de comedia ideal y basó el personaje en su personalidad escénica. [7] Wyndham aceptó la obra para su producción en su teatro , pero antes de que comenzaran los ensayos, cambió sus planes para ayudar a un colega asediado, el actor y director George Alexander del St James's Theatre . A principios de 1895, la producción de Alexander de Guy Domville de Henry James fracasó y se cerró después de 31 funciones, lo que dejó a Alexander con la urgente necesidad de una nueva obra para seguirla. [15] [16] Wyndham renunció a sus derechos contractuales y permitió a Alexander poner en escena la obra de Wilde. [16] [17]
Después de trabajar con Wilde en los movimientos escénicos, utilizando un teatro modelo, Alexander le pidió al autor que acortara la obra de cuatro actos a tres. Wilde cumplió y combinó elementos del segundo y tercer acto. [18] El recorte más importante fue la eliminación del personaje del Sr. Gribsby, un abogado que viene de Londres para entregar una orden judicial al pródigo "Ernest" Worthing por facturas de comida impagas en el Hotel Savoy . [11] [19] Wilde no estaba del todo contento con las alteraciones realizadas a instancias de Alexander. Dijo: "Sí, es una obra bastante buena. Recuerdo que escribí una muy parecida yo mismo, pero era incluso más brillante que ésta", [18] pero la versión de tres actos que se suele representar se considera ampliamente más efectiva que el original de cuatro actos de Wilde. [20] [21] [n 1]
La obra se representó por primera vez en el St James's Theatre de Londres el 14 de febrero ( el día de San Valentín ) de 1895, [22] precedida por una comedia corta llamada In the Season , de Langdon E. Mitchell , que precedió al estreno . [23] Durante la mayor parte del período de ensayo, que duró un mes, Wilde estuvo de vacaciones en Argelia con su pareja gay, Lord Alfred Douglas , pero regresó a tiempo para el ensayo general el 12 de febrero. [24] Douglas permaneció en Argel; su padre, el marqués de Queensberry , planeó interrumpir el estreno arrojando un ramo de verduras podridas al dramaturgo cuando hizo su reverencia al final. Wilde se enteró del plan y Alexander canceló la entrada de Queensberry y dispuso que la policía le impidiera la entrada. Wilde le escribió a Douglas: «¡Llegó con un boxeador ! [n. 2] Tenía a todo Scotland Yard para proteger el teatro. Estuvo rondando por allí durante tres horas y luego se fue parloteando como un mono monstruoso». [26] Queensberry dejó el ramo en la entrada del teatro. [25]
Wilde llegó al estreno vestido de "florida sobriedad", luciendo un clavel verde en la solapa. [27] Allan Aynesworth , que interpretó a Algernon Moncrieff, recordó a Hesketh Pearson :
El periódico teatral The Era informó que la obra "recibió una aprobación entusiasta y unánime" y predijo con confianza "una larga y próspera carrera". [23] Aynesworth era "elegante y elegante", y Alexander, que interpretó a Jack Worthing, "recatado"; [29] según The Era , "George Alexander interpretó a Worthing tal como se debe representar un papel de este tipo, es decir, con total seriedad y sin indicación de ironía intencionada". [23] The Morning Post dijo que Irene Vanbrugh y Evelyn Millard no podían ser superadas y captaron el tono gilbertiano requerido. [30] The Observer destacó la "diversión entusiasta" de la audiencia y se hizo eco de la predicción de The Era de una larga carrera. [31]
Según el texto publicado, los personajes, descripciones y reparto estaban compuestos por: [32] [33]
Queensberry continuó acosando a Wilde, quien en cuestión de semanas inició una acusación privada contra él por difamación criminal , lo que desencadenó una serie de juicios que revelaron la vida privada homosexual de Wilde y terminaron en su prisión por indecencia grave en mayo de 1895. El público victoriano se volvió contra él después de su arresto, y los ingresos de taquilla disminuyeron rápidamente; [35] [36] Alexander intentó salvar la producción eliminando el nombre del autor de los programas de teatro, [n 4] pero cerró el 8 de mayo después de solo 83 funciones. [24] [38]
La producción original de la obra en Broadway se estrenó en el Empire Theatre el 22 de abril de 1895, pero cerró después de dieciséis funciones. Su elenco incluía a William Faversham como Algernon, Henry Miller como Jack, Viola Allen como Gwendolen e Ida Vernon como Lady Bracknell. [39] El estreno australiano fue en Melbourne el 10 de agosto de 1895, presentado por Robert Brough y Dion Boucicault Jr. , con Cecil Ward como Jack, Boucicault como Algernon y Jenny Watt-Tanner como Lady Bracknell. La producción fue un éxito inmediato. [40] [41] La caída de Wilde en Inglaterra no afectó la popularidad de sus obras en Australia. [42] [n 5] La misma compañía presentó el estreno en Nueva Zelanda en octubre de 1895, cuando la obra fue recibida con entusiasmo. Los críticos dijeron que "en sutileza de pensamiento, brillantez de ingenio y humor chispeante, apenas ha sido superada"; [43] y "su diversión es irresistible... aumentando en intensidad hasta que en el tercer y último acto se vuelve estruendosa". [44]
A diferencia de gran parte del teatro de la época, la trama ligera de La importancia de llamarse Ernesto no aborda cuestiones sociales y políticas serias, y esto preocupó a algunos críticos contemporáneos. Aunque no estaban seguros de la seriedad de Wilde como dramaturgo, reconocieron la inteligencia, el humor y la popularidad de la obra. [45] Shaw encontró la obra "extremadamente divertida" pero "sin corazón", una opinión que mantuvo durante toda su vida. [46] [n 6] Su crítica en la Saturday Review argumentó que la comedia debe conmover tanto como divertir: "Voy al teatro para que me hagan reír, no para que me hagan cosquillas o me empujen a hacerlo". [48]
En The World , William Archer escribió que había disfrutado viendo la obra, pero que la encontró vacía de significado: "¿Qué puede hacer un mal crítico con una obra que no plantea ningún principio, ya sea de arte o moral, crea sus propios cánones y convenciones, y no es más que una expresión absolutamente voluntaria de una personalidad irreprimiblemente ingeniosa?" [49] En The Speaker , A. B. Walkley admiró la obra y fue uno de los pocos que la vio como la culminación de la carrera dramática de Wilde. Negó que el término "farsa" fuera despectivo o incluso carente de seriedad y dijo: "Es un sinsentido compacto, y creo que nuestro escenario no ha visto un sinsentido mejor". [50]
H. G. Wells , en una reseña anónima para The Pall Mall Gazette , calificó la obra como una de las comedias más frescas del año, diciendo: "Es difícil imaginar un tratamiento más humorístico de las convenciones teatrales". [51] También cuestionó si la gente entendería completamente su mensaje: "... aún está por verse cómo la gente seria tomará esta comedia trivial destinada a su aprendizaje. Sin duda, en serio". [51] La obra era tan alegre que algunos críticos la compararon con una ópera cómica en lugar de un drama. WH Auden más tarde (1963) la llamó "una ópera verbal pura", y The Times comentó: "La historia es casi demasiado absurda para prescindir de la música". [29] Mary McCarthy , en Sights and Spectacles (1959), a pesar de pensar que la obra era extremadamente divertida, la llamó "un idilio feroz"; "la depravación es el héroe y el único personaje". [52]
A principios del siglo XX, cuando las obras de Wilde empezaron a leerse y representarse nuevamente, La importancia de llamarse Ernesto fue la que recibió más producciones. [53] El crítico y autor Max Beerbohm calificó la obra como la "mejor de Wilde, innegablemente la más propia", diciendo que las tramas de sus otras comedias ( El abanico de Lady Windermere , Una mujer sin importancia y Un marido ideal ) siguen el estilo de Victorien Sardou , [n. 7] y tampoco están relacionadas con el tema de la obra, mientras que en La importancia de llamarse Ernesto la historia se "disuelve" en la forma de la obra. [55] En el momento de su centenario en 1995, el periodista Mark Lawson describió la pieza como "la segunda obra más conocida y citada en inglés después de Hamlet ". [56]
La importancia de llamarse Ernesto y otras tres obras de teatro de Wilde se representaron en Gran Bretaña durante el encarcelamiento y el exilio del autor por pequeños grupos itinerantes. La compañía de AB Tapping realizó una gira de The Importance entre octubre de 1895 y marzo de 1896, [n 8] y la compañía itinerante de Elsie Lanham la presentó junto con El abanico de Lady Windermere , a partir de noviembre de 1899. [58] La obra tuvo una buena acogida; un crítico local la describió como "brillante con ingenio y epigramas", [59] y otro la llamó "una comedia muy entretenida [con] algunos diálogos brillantes". [60]
La obra no volvió a verse en Londres hasta después de la muerte de Wilde en 1900. Alexander la reestrenó en el pequeño teatro Coronet en Notting Hill , en las afueras del West End, en diciembre del año siguiente, [61] después de llevarla de gira, protagonizada por John Worthing, con un elenco que incluía a la joven Lilian Braithwaite como Cecily. El Manchester Guardian calificó la pieza como "una obra brillante". [62] La importancia de llamarse Ernesto regresó al West End cuando Alexander presentó una reposición en el St James's en 1902. Fue anunciada como "Por el autor de El abanico de Lady Windermere ", y pocas críticas mencionaron el nombre de Wilde, pero su trabajo fue elogiado. El Sporting Times dijo:
La reposición duró 52 representaciones. [64] Para la primera reposición en Broadway, a cargo de la Empire Stock Company de Charles Frohman más tarde en 1902, los programas de mano y las reseñas restauraron el nombre del autor. [65]
Alexander presentó la obra nuevamente en el St James's en 1909, cuando él y Aynesworth repitieron sus papeles originales; [66] esa reposición duró 316 representaciones. [37] Max Beerbohm dijo que la obra seguramente se convertiría en un clásico del repertorio inglés y que su humor era tan fresco entonces como cuando había sido escrita, añadiendo que los actores habían "desgastado tan bien como la obra". [67]
La obra fue reestrenada en Broadway en 1910 con un elenco que incluía a Hamilton Revelle , AE Matthews y Jane Oaker . El New York Times comentó que la obra "no ha perdido nada de su humor... nadie con sentido del humor puede darse el lujo de perdérsela". [68] Para una reestreno en 1913 en el St James's, los jóvenes actores Gerald Ames y AE Matthews sucedieron a los creadores como Jack y Algernon. [69]
Leslie Faber como Jack, John Deverell como Algernon y Margaret Scudamore como Lady Bracknell encabezaron el reparto en una producción de 1923 en el Teatro Haymarket . [70] Las reposiciones de las primeras décadas del siglo XX trataron "el presente" como el año en curso. No fue hasta la década de 1920 que se estableció el caso de los trajes de la década de 1890; como dijo un crítico en The Manchester Guardian , "Treinta años después, uno comienza a sentir que Wilde debería ser representado con el vestuario de su época, que su ingenio hoy necesita el respaldo de la atmósfera que le dio vida y verdad... Las brillantes y complejas felicitaciones verbales de Wilde combinan mal con la teja y la falda corta ". [71]
En la producción de 1930 de Nigel Playfair en el Lyric , Hammersmith , John Gielgud interpretó a Jack para la Lady Bracknell de su tía, Mabel Terry-Lewis . [72] Una producción del Old Vic en 1934 presentó al equipo de marido y mujer de Charles Laughton y Elsa Lanchester como Chasuble y Miss Prism; otros en el elenco fueron Roger Livesey (Jack), George Curzon (Algernon), Athene Seyler (Lady Bracknell), Flora Robson (Gwendolen) y Ursula Jeans (Cecily). [73] En Broadway, Estelle Winwood coprotagonizó con Clifton Webb y Hope Williams en una reposición de 1939. [74]
Gielgud produjo y protagonizó una producción en el Globe Theatre (ahora Gielgud) en 1939, en un elenco que incluía a Edith Evans como Lady Bracknell, Joyce Carey como Gwendolen, Angela Baddeley como Cecily y Margaret Rutherford como Miss Prism. The Times consideró que la producción era la mejor desde la original y la elogió por su fidelidad a la concepción de Wilde y su "calidad de juego de pelota ligero y receptivo". [75] Más tarde, ese mismo año, Gielgud presentó la obra nuevamente, con Jack Hawkins como Algernon, Gwen Ffrangcon-Davies como Gwendolen y Peggy Ashcroft como Cecily, con Evans y Rutherford en sus papeles anteriores. [76] La producción se presentó en varias temporadas durante y después de la Segunda Guerra Mundial, con la mayoría de los mismos actores principales. [22] Durante una temporada de 1946 en el Haymarket, el Rey y la Reina asistieron a una representación, [77] que, como lo expresó el periodista Geoffrey Wheatcroft , le dio a la obra "un último galardón de respetabilidad". [78] [n 9] La producción londinense de Gielgud realizó una gira por América del Norte y se representó con éxito en Broadway en 1947. [80] [n 10]
En 1975, Jonathan Miller , a quien el año anterior se le había impedido por razones financieras representar la obra en el Teatro Nacional con un elenco exclusivamente masculino, dirigió una producción en la que Lady Bracknell, interpretada por Irene Handl , tenía acento alemán. [82] [83] Para la producción de Peter Hall de 1982 en el Teatro Nacional, el elenco incluyó a Judi Dench como Lady Bracknell, [n 11] Martin Jarvis como Jack, Nigel Havers como Algernon, Zoë Wanamaker como Gwendolen y Anna Massey como Miss Prism. [85] En 1987 se presentó una versión de la obra en el Teatro Whitehall protagonizada por Hinge y Bracket como Miss Prism y Lady Bracknell respectivamente. [86] La producción de Nicholas Hytner de 1993 en el Teatro Aldwych , protagonizada por Maggie Smith , tuvo referencias ocasionales a un subtexto gay conjetural. [87]
La obra fue presentada en Singapur en 2004 por la British Theatre Playhouse , [88] y la misma compañía llevó la producción al Greenwich Theatre , Londres, en 2005. [89] En 2007, Peter Gill dirigió la obra en el Theatre Royal, Bath . La producción realizó una breve gira por el Reino Unido antes de presentarse en el West End en 2008. [90]
Desde la versión de Whitehall de 1987, algunas otras producciones han elegido a un actor masculino para el papel de Lady Bracknell. En 2005, el Abbey Theatre de Dublín presentó la obra con un elenco exclusivamente masculino; también contó con Wilde como personaje: la obra se iniciaba con él bebiendo en un café parisino, soñando con su obra. [91] La Melbourne Theatre Company montó una producción en 2011 con Geoffrey Rush como Lady Bracknell. [92] En el mismo año, la Roundabout Theatre Company presentó una reposición en Broadway basada en la producción del Stratford Shakespeare Festival de 2009 con su director, Brian Bedford , como Lady Bracknell. [93] En el Vaudeville Theatre de Londres, en 2015, David Suchet asumió el papel en una producción dirigida por Adrian Noble . [86]
En 2014, en el Harold Pinter Theatre de Londres, Lucy Bailey dirigió una producción que siguió una tendencia al casting "ciego a la edad": [94] [95] la edad promedio del elenco era de casi setenta años, y Jarvis y Havers repitieron los papeles que habían interpretado en el National en 1982. [94] En 2024, el Royal Exchange Theatre de Manchester presentó una versión actualizada, descrita por The Guardian como "un intento convincente de renovación del siglo XXI". [96]
Las dos últimas comedias de Wilde, Un marido ideal y La importancia de llamarse Ernesto , todavía se estaban representando en Londres en el momento de su procesamiento en 1895, y pronto se cerraron cuando se hicieron públicos los detalles de su caso. Después de dos años en prisión con trabajos forzados, Wilde se exilió en París, enfermo y deprimido, con su reputación destruida en Inglaterra. En 1898, Leonard Smithers acordó con Wilde publicar las dos últimas obras. [97]
Wilde demostró ser un revisor diligente, enviando instrucciones detalladas sobre las direcciones de escena, las listas de personajes y la presentación del libro e insistiendo en que se reprodujera en el interior un programa de la primera representación. Ellmann sostiene que las pruebas muestran a un hombre "muy en control de sí mismo y de la obra". [97] El nombre de Wilde no aparecía en la portada, que decía: "Por el autor de El abanico de Lady Windermere ". [98] Su regreso al trabajo fue breve, ya que se negó a escribir nada más: "Puedo escribir, pero he perdido la alegría de escribir". [97]
La popularidad de La importancia de llamarse Ernesto ha hecho que se haya traducido a muchos idiomas, pero el juego de palabras en el título ("Ernest", un nombre propio masculino, y "earnest", firme y serio) plantea un problema especial para los traductores . El ejemplo más simple de una traducción adecuada del juego de palabras está en alemán, donde ernst (serio) y Ernst (nombre de pila) son lo mismo. [99] [n 12]
Como el juego de palabras suele ser exclusivo del idioma en cuestión, los traductores se enfrentan a la elección de permanecer fieles al original o crear un juego de palabras similar en su propio idioma. [101] Algunos traductores dejan todos los nombres de los personajes sin cambios y con su ortografía original: a los lectores se les recuerda el entorno cultural original, pero se pierde la vivacidad del juego de palabras. [102] Otros, favoreciendo la comprensibilidad sobre la fidelidad al original, han reemplazado a Ernest con un nombre que también representa una virtud en el idioma de destino. [99] Por ejemplo, las versiones italianas llaman a la obra L'importanza di essere Franco/Severo/Fedele , siendo los nombres de pila los valores de honestidad, propiedad y fidelidad respectivamente. [103] Los traductores difieren en su enfoque de los títulos honoríficos originales en inglés; algunos los cambian todos o ninguno, pero la mayoría deja una mezcla, en parte como compensación por la pérdida de la inglesidad. [104]
El francés ofrece un juego de palabras más cercano. Según Les Archives du spectacle en su lista de producciones en francés desde 1954, el título de la obra suele aparecer como L'Importance d'être Constant , [n. 13], pero también se ha traducido como L'Importance d'être. sérieux , Il est important d'être aimé , Il est important d'être Désiré y Il est important d'être Fidèle . [106] [n.14]
El novelista y crítico Arthur Ransome sostuvo que Wilde se liberó al abandonar el melodrama de sus primeras obras de salón y basar la historia enteramente en el concepto verbal de Earnest/Ernest. Liberado de "estar a la altura de cualquier drama más serio que la conversación", Wilde ahora podía divertirse en mayor medida con "bromas, bons mots , epigramas y réplicas que realmente no tenían nada que ver con el asunto en cuestión". [107] El académico Sos Eltis comenta que aunque los primeros y más largos borradores manuscritos de Wilde de la obra están llenos de "accidentes ridículos, juegos de palabras amplios y una serie de recursos cómicos familiares", [108] en sus revisiones "Wilde transformó el sinsentido estándar en la ilogicidad más sistemática y desconcertante que caracteriza el diálogo de Earnest ". [109]
El género de La importancia de llamarse Ernesto ha sido debatido por académicos y críticos, que lo han categorizado de diversas formas como alta comedia , farsa, parodia y sátira. En una crítica de 1956, Richard Foster sostiene que la obra crea "un mundo 'como si' en el que los valores 'reales' se invierten, la razón y la sinrazón se intercambian y lo probable se define por la improbabilidad". [110] Los colaboradores de The Cambridge Companion to Oscar Wilde (1997) se refieren a la obra de diversas formas como "alta farsa", [111] "una farsa ostensible", [112] "farsa con bromas agresivas, acción de ritmo rápido y evasión de la responsabilidad moral", [113] y "alta comedia". [114]
Ransome describió La importancia de llamarse Ernesto como la más trivial de las obras de sociedad de Wilde, y la única que produce "esa peculiar euforia del espíritu por la que reconocemos lo bello... Es precisamente porque es consistentemente trivial que no es fea". [115] Salomé , Un marido ideal y El retrato de Dorian Gray se habían centrado en delitos más graves, pero el vicio en La importancia de llamarse Ernesto está representado por el consumo codicioso de sándwiches de pepino por parte de Algernon . [115] [n 15] Wilde le dijo a su amigo Robbie Ross que el tema de la obra era "Que deberíamos tratar todas las cosas triviales de la vida muy en serio, y todas las cosas serias de la vida con una trivialidad sincera y estudiada". [117] El tema se menciona en el título de la obra, y se alude repetidamente a la seriedad en el diálogo; [118] Algernon dice en el Acto II, "uno debe ser serio acerca de algo si uno quiere tener alguna diversión en la vida", pero continúa reprochando a Jack por ser serio acerca de todo y por lo tanto revelar una naturaleza trivial. [119] El chantaje y la corrupción habían perseguido las dobles vidas de Dorian Gray y Sir Robert Chiltern (en Un marido ideal ), pero en Ernesto la duplicidad de los protagonistas (el "Bunburying" de Algernon y la doble vida de Worthing como Jack y Ernest) tiene propósitos más inocentes -en gran medida para evadir obligaciones sociales no deseadas. [120] Mientras que gran parte del teatro de la época abordaba serios problemas sociales y políticos, la escritura de Wilde en esta obra es la antítesis de la de escritores didácticos como Shaw que usaban sus personajes para presentar al público grandes ideales y apelaciones a la justicia social. [45]
La obra se burla repetidamente de las tradiciones y costumbres sociales victorianas, en particular del matrimonio y la búsqueda del amor. [121] En la época victoriana, la seriedad era considerada por algunos como el valor social primordial; se originó en los intentos religiosos de reformar a las clases bajas y se extendió a las clases medias y altas durante mediados del siglo XIX. [100] El subtítulo de la obra introduce el tema, que continúa en la discusión entre Jack y Algernon en el Acto I: "Sí, pero debes tomártelo en serio. Odio a las personas que no se toman en serio las comidas. Es muy superficial de su parte". [122]
La inversión de valores de Wilde continúa: cuando Algernon llega a Woolton haciéndose pasar por Ernest, le dice a Cecily que en realidad no es malvado en absoluto.
En la escena final, Jack le pregunta a Gwendolen si puede perdonarlo por no haber sido engañoso después de todo:
A su vez, Gwendolen y Cecily tienen la idea de casarse con un hombre llamado Ernest. Gwendolen ignora el metódico análisis de su madre sobre la idoneidad de Jack Worthing como marido y deposita toda su fe en un nombre de pila, declarando en el primer acto: "El único nombre realmente seguro es Ernest". [125] Esta es una opinión compartida por Cecily en el segundo acto: "Me compadezco de cualquier pobre mujer casada cuyo marido no se llame Ernest". [126] Wilde retrató las reglas y rituales de la sociedad en la figura de Lady Bracknell: según el estudioso de Wilde Peter Raby, la minuciosa atención a los detalles de su estilo creó un efecto cómico de afirmación por moderación. [127] Rechaza la dirección de Londres de Jack como si estuviera en el lado pasado de moda de Belgrave Square y no se conmueve ante la explicación de Jack de que el bolso en el que fue encontrado cuando era un bebé fue depositado en el guardarropa de la mitad socialmente superior de la estación Victoria. [128] [n 16]
Wilde parodia el melodrama del siglo XIX, introduciendo situaciones exageradamente incongruentes como la llegada de Jack completamente de luto por su hermano que acaba de entrar en su casa, y el cambio repentino del afecto efusivo entre Cecily y Gwendolen a una profunda hostilidad al descubrir que supuestamente ambas están comprometidas con el mismo hombre. [130]
En la teoría queer, los temas de duplicidad y ambivalencia de la obra están inextricablemente ligados a la homosexualidad de Wilde, de modo que la obra exhibe lo que un crítico llama una "presencia-ausencia parpadeante de ... deseo homosexual". [131] Después de su liberación de prisión, Wilde le escribió a Reginald Turner : "Fue extraordinario leer la obra de nuevo. ¡Cómo solía jugar con ese tigre de la vida!". [132] En un estudio de 2014, William Eaton escribe: " La importancia de llamarse Ernesto es lo que obviamente es, una obra sobre el disimulo, y ese disimulo -no parecer ser quien uno era- era extremadamente importante para los homosexuales de la época y el lugar de Wilde, y por lo tanto era un asunto extremadamente no trivial para Wilde". [133]
Los enfoques deconstruccionistas de la obra han interpretado la prominencia de la desestabilización lingüística, particularmente los juegos de palabras, como un reflejo de la desestabilización del mundo social en el que la heterosexualidad se asume, se establece por defecto y es dominante. [134] Eve Kosofsky Sedgwick , una defensora de la teoría queer , sostiene que la obra socava continuamente la idea de que existe una correspondencia "natural" entre cómo se llaman las cosas o las personas y lo que son (con especial referencia a la importancia de los padres y los nombres de los padres). [135] Ella coincide con Christopher Craft en que la subversión persistente de Wilde del significado normal de las palabras socava las normas de la sociedad, incluida la suposición de que todos los hombres deben ser heterosexuales y convencionalmente masculinos, y que existe un camino natural para la historia de un hombre que termina en una vida familiar heterosexual. [135] [136]
Sedgwick interpreta los aspectos lingüísticos de la obra como alusiones a la cultura y los estereotipos gay, como referencias al idioma alemán y al compositor Richard Wagner , ambos, dice, asociados con la homosexualidad masculina en la época de Wilde. [137] "Tía" y "tío", ambos parientes destacados dentro de la obra, se usaban como términos de jerga para los roles en las relaciones homosexuales. [137] En 1990, Noel Annan sugirió que el uso del nombre Ernest pudo haber sido una broma homosexual. [138] En 1892, dos años antes de que Wilde comenzara a escribir la obra, John Gambril Nicholson había publicado un libro de poesía pederasta , Love in Earnest . El soneto "Of Boys' Names" incluía el verso:
Aunque Frank suene como una campana de plata
y Cecil su música más suave afirmen
que no pueden obrar el milagro
, es Ernest el que enciende mi corazón. [139]
Annan especuló que "earnest" también podría haber sido una palabra clave privada entre los hombres homosexuales, como en: "¿Es él serio?" de la misma manera que se cree que se utilizó "¿Es él musical?". [138] Eaton encuentra esta teoría poco convincente, [133] y en 2001 Sir Donald Sinden , un actor que había conocido a Lord Alfred Douglas y a dos del elenco original de la obra (Irene Vanbrugh y Allan Aynesworth), escribió a The Times para refutar las sugerencias de que "earnest" tenía alguna connotación sexual: [140] [141]
Bunbury es un pueblo en Cheshire . [142] Se han propuesto varias teorías para explicar el uso que Wilde hizo del nombre para implicar una doble vida secreta. Puede haber derivado de Henry Shirley Bunbury, un conocido hipocondríaco de la juventud de Wilde. [143] Otra teoría es que Wilde vio los nombres de un capitán Bunbury y un magistrado, el Sr. Bunbury, en The Worthing Gazette en agosto y septiembre de 1894, encontró el apellido agradable y lo tomó prestado. [144]
Una sugerencia presentada por Aleister Crowley , que conocía a Wilde, fue que Bunbury era una palabra compuesta , acuñada después de que Wilde tomara un tren a Banbury , conociera a un chico allí y organizara un segundo encuentro en Sunbury . [145] Joel Fineman, en 1980, escribió que "Bunbury" era una jerga británica para un burdel masculino, y una alusión al eufemismo "bury in the bun", que significa sexo anal entre hombres. [146] Carolyn Williams, en un estudio de 2010, escribe que para la palabra "Bunburying", Wilde "trenza el mal de ojo 'Belvawneying' de Engaged de Gilbert " con Bunthorne de la ópera cómica de Gilbert (y Sullivan ) de 1881 Patience . [147] [n 17]
Aunque Wilde había sido famoso durante varios años por el diálogo y su uso del lenguaje, Raby ha argumentado que en esta obra el autor logró una unidad y maestría sin igual en sus otras obras, con la posible excepción de Salomé . [149] Raby comenta que aunque las comedias anteriores sufren de una desigualdad resultante del choque temático entre lo trivial y lo serio, La importancia de llamarse Ernesto logra "un estilo perfecto" que permite que estos choques se disuelvan. [149] Raby identifica tres registros diferentes en la obra: el intercambio de Algernon con su sirviente transmite una unidad subyacente a pesar de sus diferentes actitudes. Los pronunciamientos imperiosos de Lady Bracknell son tan sorprendentes por su uso de la hipérbole y la extravagancia retórica como por sus opiniones desconcertantes. [149] En contraste, el discurso del Dr. Chasuble y la señorita Prism se distingue por el "precepto pedante" y la "diversión idiosincrásica". [149] La obra está llena de epigramas y paradojas. Max Beerbohm la describió como abundante en "apotegmas cincelados, frases ingeniosas que no tienen relación con la acción o el personaje, pero que son tan buenas en sí mismas que tienen la cualidad de una sorpresa dramática". [150]
Aunque Wilde utilizó personajes que ya nos resultaban familiares –el dandi de clase alta, la matriarca autoritaria, la mujer con pasado, la joven puritana– su tratamiento es más sutil que en sus comedias anteriores. Lady Bracknell, por ejemplo, encarna a la sociedad respetable de clase alta, pero Eltis señala cómo su evolución “de la duquesa autoritaria familiar a un personaje más peculiar y perturbador” se puede rastrear a través de las revisiones de la obra que hizo Wilde. [109] Para los dos jóvenes, Wilde no presenta “tipos” estereotipados de teatro, sino seres inteligentes que, como dice Russell Jackson, “hablan como su creador en oraciones completas bien formadas y rara vez usan jerga o palabras de moda”. [151] El Dr. Chasuble y la señorita Prism se caracterizan, en opinión de Jackson, por “unos pocos toques ligeros de detalle”, sus entusiasmos anticuados y la pedantería fastidiosa del canónigo, que Wilde redujo durante sus muchas revisiones del texto. [151]
La importancia de llamarse Ernesto ha sido adaptada al cine en lengua inglesa al menos tres veces, la primera en 1952 por Anthony Asquith , quien adaptó el guion y lo dirigió. El reparto incluía a Michael Denison (Algernon), Michael Redgrave (Jack), Edith Evans (Lady Bracknell), Dorothy Tutin (Cecily), Joan Greenwood (Gwendolen), Margaret Rutherford (Miss Prism) y Miles Malleson (Dr. Chasuble). [152]
En 1992, Kurt Baker dirigió una versión con un reparto totalmente negro: Daryl Keith Roach como Jack, Wren T. Brown como Algernon, Ann Weldon como Lady Bracknell, Lanei Chapman como Cecily, Chris Calloway como Gwendolen, CCH Pounder como Miss Prism y Brock Peters como el Dr. Chasuble, ambientada en Estados Unidos. [153]
En 2002, Oliver Parker , un director que había adaptado previamente Un marido ideal , hizo otra película. Está protagonizada por Colin Firth (Jack), Rupert Everett (Algernon), Judi Dench (Lady Bracknell), Reese Witherspoon (Cecily), Frances O'Connor (Gwendolen), Anna Massey (Miss Prism) y Tom Wilkinson (Canon Chasuble). [154] Parker interpoló unas veinte líneas propias en el guion y restauró el episodio cortado por Wilde antes del estreno de la obra, en el que un abogado intenta entregar una orden judicial al supuesto Ernest. [87]
Una película de comedia romántica en idioma telugu de 2008, titulada Ashta Chamma , es una adaptación de la obra. [155]
En 1963 Erik Chisholm compuso una ópera a partir de la obra, basando el libreto en el texto de Wilde. [156] Gerald Barry creó la ópera de 2011 La importancia de llamarse Ernesto , encargada por la Filarmónica de Los Ángeles y el Barbican Centre de Londres. Se estrenó en Los Ángeles en 2011. El papel de Lady Bracknell es cantado por un bajo . [157] El estreno en el escenario fue realizado por la Ópera Nacional de Lorena en Nancy en 2013. [158] La BBC grabó en vivo una presentación en vivo en el Barbican en 2012 y se lanzó comercialmente en 2014. [157] En 2017, la Odyssey Opera de Boston presentó la ópera de Mario Castelnuovo-Tedesco La importancia de llamarse Ernesto como parte de una serie de "Noches de ópera de Wilde", una exploración de una temporada de obras operísticas inspiradas en los escritos y el mundo de Wilde. [159]
En 1964, Gerd Natschinski compuso un musical, Mein Freund Bunbury , basado en la obra. [160] Según un estudio de Robert Tanitch , en 2002, se habían realizado al menos ocho adaptaciones de la obra como musical, aunque "nunca con un éxito notable". [87] La primera versión de este tipo fue un espectáculo estadounidense de 1927 titulado Oh Earnest . El periodista Mark Bostridge comenta: "El libreto de una adaptación musical de 1957, Half in Earnest , depositado en la Biblioteca Británica , no es mucho más alentador. El telón se levanta y Algernon toca el piano mientras canta "I can play Chopsticks , Lane". Otras canciones incluyen "A Bunburying I Must Go". [87] Desde que Bostridge escribió su artículo, se ha representado al menos otra versión musical de la obra: un espectáculo con un libro de Douglas Livingstone y partitura de Adam McGuinness y Zia Moranne se representó en diciembre de 2011 en Riverside Studios , Hammersmith; el elenco incluía a Susie Blake , Gyles Brandreth y Edward Petherbridge . [161]
La comedia teatral Travesties de Tom Stoppard de 1974 se inspira ampliamente en la obra de Wilde. El personaje central de Stoppard, Henry Carr , fue una figura de la vida real que interpretó a Algernon en una producción de La importancia de llamarse Ernesto producida por James Joyce en Zúrich en 1917. [162] Stoppard lo reimagina como un anciano, recordando la producción y sus días de joven. Los otros personajes incluyen a la hermana de Carr, Gwendolen, y a la bibliotecaria local, Cecily; la acción de la obra, bajo el control errático de la memoria falible del anciano Carr, refleja continuamente la del original de Wilde. [163] Carr tiene un intercambio con Tristan Tzara que recuerda los intercambios de John Worthing con Algernon, [164] Tzara tiene una escena con Joyce que se basa en la entrevista de Jack con Lady Bracknell, [165] y Gwendolen y Cecily tienen una pelea en la línea de la de sus homónimas en la obra de Wilde (aunque con la melodía de " Mister Gallagher and Mister Shean " en lugar de en prosa). [166]
En 2016, los actores/escritores irlandeses Helen Norton y Jonathan White escribieron la obra cómica To Hell in a Handbag , que vuelve a contar la historia de The Importance desde el punto de vista de los personajes Canon Chasuble y Miss Prism, dándoles su propia historia de fondo y mostrando lo que les sucede cuando no están en el escenario en la obra de Wilde. [167]
Ha habido muchas versiones radiofónicas de la obra. En 1925, la BBC transmitió una adaptación con Hesketh Pearson como Jack Worthing. [168] Siguieron transmisiones de la obra durante las décadas de 1920 y 1930, [169] [170] y en noviembre de 1937 la BBC transmitió la primera adaptación televisiva de la obra, en una versión abreviada dirigida por Royston Morley . [171] En 1942, la radio de la BBC transmitió escenas de la obra, con dos miembros del elenco original: el programa fue presentado por Allan Aynesworth y protagonizado por Irene Vanbrugh como Lady Bracknell. [172] Una transmisión de 1951 de la obra completa en tres actos fue protagonizada por Gielgud, Evans y Gwen Ffrangcon-Davies . [173]
Una adaptación televisiva comercial de 1964 fue protagonizada por Ian Carmichael , Patrick Macnee , Susannah York , Fenella Fielding , Pamela Brown e Irene Handl . [174] Una versión televisiva de la BBC en 1974 fue protagonizada por Coral Browne como Lady Bracknell. [175] En 1977, BBC Radio 4 transmitió la versión de cuatro actos de la obra por primera vez, con Fabia Drake como Lady Bracknell, Richard Pasco como Jack, Jeremy Clyde como Algy, Maurice Denham como Canon Chasuble, Sylvia Coleridge como Miss Prism, Barbara Leigh-Hunt como Gwendolen y Prunella Scales como Cecily. En 1988, una producción de la versión de cuatro actos fue transmitida por la televisión de la BBC, protagonizada por Joan Plowright , Paul McGann , Gemma Jones y Alec McCowen . [176]
En 1995, para conmemorar el centenario de la primera representación de la obra, Radio 4 transmitió una nueva adaptación el 13 de febrero; dirigida por Glyn Dearman , contó con Judi Dench como Lady Bracknell, Michael Sheen como Jack, Martin Clunes como Algernon, John Moffatt como el Dr. Chasuble, Miriam Margolyes como Miss Prism, Samantha Bond como Gwendolen y Amanda Root como Cecily. [177] En diciembre de 2000, BBC Radio 3 transmitió una adaptación dirigida por Howard Davies protagonizada por Geraldine McEwan como Lady Bracknell, Simon Russell Beale como Jack Worthing, Julian Wadham como Algernon Moncrieff, Geoffrey Palmer como Canon Chasuble, Celia Imrie como Miss Prism, Victoria Hamilton como Gwendolen y Emma Fielding como Cecily. [178]
La interpretación de Gielgud se conserva en una grabación de audio de EMI que data de 1952, que también captura a Lady Bracknell de Edith Evans. El elenco también incluye a Roland Culver (Algernon), Jean Cadell (Miss Prism), Pamela Brown (Gwendolen) y Celia Johnson (Cecily). [179] [180]
Otras grabaciones de audio incluyen una versión de "Theatre Masterworks" de 1953, dirigida y narrada por Margaret Webster , con un elenco que incluía a Maurice Evans y Lucile Watson ; [181] [182] una grabación de 1968 en el sello Caedmon con Gladys Cooper como Lady Bracknell y Joan Greenwood, Richard Johnson , Alec McCowen , Lynn Redgrave , Irene Handl y Robertson Hare ; [183] una versión de 1989 de California Artists Radio Theatre, con Dan O'Herlihy , Jeanette Nolan , Les Tremayne y Richard Erdman ; [184] y una de LA Theatre Works publicada en 2009, con Charles Busch , James Marsters y Andrea Bowen . [185]
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La importancia de llamarse Ernesto (audiolibro de dominio público) en LibriVox
