El hip hop o hip-hop es un movimiento cultural y artístico creado por afroamericanos [1] [2] pioneros de la cultura callejera afroamericana , [3] [4] que había existido durante años antes de su descubrimiento más generalizado [ 5] para luego llegar a otros grupos como los latinoamericanos y caribeños , comenzando en el Bronx , Nueva York. [a] El hip hop es uno de los movimientos culturales que ha sido moldeado y dominado por hombres afroamericanos [7] aunque las artistas femeninas de hip hop también han contribuido a esta forma de arte y cultura. [8] La cultura hip hop se caracteriza por los elementos clave del rap [b] , el DJ , el turntablismo y el breakdance . [9] [10] Otros elementos incluyen graffiti , beatboxing , emprendimiento callejero , lenguaje hip hop y moda hip hop . [11] [12]
La escena hip hop del Bronx surgió en agosto de 1973 cuando el dúo de hermanos DJ Kool Herc y Cindy Campbell organizaron la primera fiesta de hip hop en el Bronx, lo que provocó el auge del género. [13] La cultura hip hop se ha extendido a comunidades urbanas y suburbanas en todo Estados Unidos y posteriormente en todo el mundo. [14] Estos elementos se adaptaron y desarrollaron considerablemente, particularmente a medida que las formas de arte se extendieron a nuevos continentes y se fusionaron con estilos locales en la década de 1990 y décadas posteriores. Incluso mientras el movimiento continúa expandiéndose globalmente y explora innumerables estilos y formas de arte, incluido el teatro y el cine hip hop, los cuatro elementos fundamentales brindan coherencia y una base sólida para la cultura hip hop. [15]
El hip hop es a la vez un fenómeno nuevo y viejo; La importancia de muestrear pistas, ritmos y líneas de bajo de discos antiguos para esta forma de arte significa que gran parte de la cultura ha girado en torno a la idea de actualizar grabaciones, actitudes y experiencias clásicas para las audiencias modernas. Tomar muestras de una cultura antigua y reutilizarla en un nuevo contexto o formato se llama "voltear" en la cultura hip hop. [16] La música hip hop sigue los pasos de géneros musicales latinos y de raíces afroamericanas anteriores, como blues , jazz , rag-time , funk , salsa y disco , para convertirse en uno de los géneros más practicados en todo el mundo.
En la década de 2000, con el surgimiento de nuevas plataformas de medios como los servicios de transmisión de música en línea, los fanáticos descubrieron y descargaron o transmitieron música hip hop a través de sitios de redes sociales comenzando con Blackplanet y Myspace , así como desde sitios web como YouTube , Worldstarhiphop , SoundCloud y Spotify . [17] [18]
A Keith "Cowboy" Wiggins , miembro de Grandmaster Flash and the Furious Five , se le atribuye haber acuñado el término [19] en 1978 mientras se burlaba de un amigo que acababa de unirse al ejército de los EE. UU . cantando las palabras inventadas "hip/ hop/hip/hop" de una manera que imitaba la cadencia rítmica de los soldados marchando. Más tarde, Cowboy incorporó la cadencia del "hip hop" a su actuación escénica. [20] [21] El grupo actuaba frecuentemente con artistas disco que se referían a este nuevo tipo de música llamándolos "hip hoppers". El nombre originalmente fue pensado como una señal de falta de respeto, pero pronto pasó a identificar esta nueva música y cultura. [22]
La canción " Rapper's Delight " de The Sugarhill Gang , lanzada en 1979, comienza con la frase "Dije un hip, hop, el hippie el hippie al hip hip hop, y no paras". [23] El éxito de 1980 Rapture de Blondie contiene una parte de rap con la frase "Y tú hip-hop, y no te detienes, simplemente despega, tiro seguro". Lovebug Starski , un DJ del Bronx que lanzó un sencillo llamado "The Positive Life" en 1981, y DJ Hollywood comenzaron a usar el término para referirse a esta nueva música disco rap . Bill Alder, un consultor independiente, dijo una vez: "Casi nunca hubo un momento en el que la música rap fuera underground, uno de los primeros discos de rap, fuera un éxito monstruoso ("Rapper's Delight" de Sugar Hill Gang en Sugarhill Records ). " [24]
La pionera del hip hop y líder de la comunidad del sur del Bronx, Afrika Bambaataa , también atribuye a Lovebug Starski el primer uso del término "hip hop" en relación con la cultura. Bambaataa, ex líder de Black Spades , también hizo mucho para popularizar aún más el término. El primer uso impreso del término, refiriéndose específicamente a la cultura y sus elementos, fue en una entrevista de enero de 1982 de Afrika Bambaataa realizada por Michael Holman en el East Village Eye . [25] El término ganó más vigencia en septiembre de ese año en The Village Voice , en un perfil de Bambaataa escrito por Steven Hager , quien también publicó la primera historia completa de la cultura con St. Martins' Press . [20] [26]
En la década de 1970, un movimiento urbano clandestino conocido como "hip hop" comenzó a formarse en el Bronx, Nueva York . Se centró en ser maestro de ceremonias (o MC) en fiestas en casas y eventos de fiestas de barrio en el vecindario, celebradas al aire libre. La música hip hop ha sido un medio poderoso para protestar por el impacto de las instituciones legales en las minorías, en particular la policía y las prisiones. [27] Históricamente, el hip hop surgió de las ruinas de un sur del Bronx postindustrial y devastado, como una forma de expresión de la juventud urbana negra y latina, a quienes el discurso público y político había descartado como comunidades marginadas. [27]
El DJ Clive "Kool Herc" Campbell [28] , nacido en Jamaica , fue pionero en el uso de "pausas" de percusión como DJ en la música hip hop. Comenzando en la casa de Herc en un apartamento de gran altura en 1520 Sedgwick Avenue, el movimiento luego se extendió por todo el distrito. [29] El 11 de agosto de 1973, la artista de graffiti y breakdancer Cindy Campbell organizó una fiesta de hip hop de "regreso a la escuela" con su hermano como DJ. Kool Herc extendió el ritmo de un disco usando dos tocadiscos, aislando los "pausas" de percusión usando un mezclador para cambiar entre los dos discos. Cindy produjo y financió esta fiesta que se convirtió en el "Nacimiento del Hip Hop", por lo que se la ha llamado la Madre del Hip Hop y la Primera Dama del Hip Hop. [30] [31] El estilo tocadiscos de Kool Herc se conoció como " breakbeat " [32] , un elemento esencial del hip hop moderno. [33] El crítico musical Peter Shapiro escribió que la innovación de Herc "sentó las bases para el hip hop", señalando también que "fue otro DJ, Grandwizard Theodore , quien creó su estilo característico en 1977 o 1978": " Scratching ". [32]
Un segundo elemento musical clave en la música hip hop es el maestro de ceremonias (también llamado MCing o rap). El maestro de ceremonias es la presentación rítmica y hablada de rimas y juegos de palabras, al principio sin acompañamiento y luego realizada sobre un ritmo . Este estilo hablado fue influenciado por el estilo afroamericano de " capping ", una actuación en la que los hombres intentaban superarse entre sí en la originalidad de su lenguaje y trataron de ganarse el favor de los oyentes. [34] Los elementos básicos del hip hop (raps con jactancia, "grupos" rivales, "derribos" de la zona alta y comentarios políticos y sociales) estuvieron presentes durante mucho tiempo en la música afroamericana.
Los intérpretes de MC y rap oscilaban entre el predominio de canciones de brindis llenas de una mezcla de jactancia, "holgura" e insinuaciones sexuales y un estilo más actual, político y socialmente consciente. Originalmente, el papel del MC era el de maestro de ceremonias para un evento de baile de DJ. El MC presentaría al DJ y trataría de animar a la audiencia. El MC habló entre las canciones del DJ, instando a todos a levantarse y bailar. Los MC también contaban chistes y usaban su lenguaje enérgico y entusiasmo para animar a la multitud. Con el tiempo, este papel introductorio se convirtió en sesiones más largas de juegos de palabras rítmicos y hablados y rimas, que se convirtieron en rap.
En 1979, la música hip hop se había convertido en un género generalizado. Se extendió por todo el mundo en la década de 1990 con el controvertido rap "gangsta". [35] Herc también se desarrolló como DJ de break-beat , [36] donde los breaks de las canciones funk , la parte más adecuada para el baile, generalmente basada en percusión, se aislaban y repetían con el propósito de fiestas de baile que duraban toda la noche. Esta forma de reproducción de música, utilizando hard funk y rock, formó la base de la música hip hop. Los anuncios y exhortaciones de Campbell a los bailarines conducirían al acompañamiento hablado rimado y sincopado que ahora se conoce como rap. Apodó a sus bailarines "break-boys" y "break-girls", o simplemente b-boys y b-girls. Según Herc, "breaking" también era el argot callejero para "emocionarse" y "actuar enérgicamente" [37]
DJ como Grand Wizzard Theodore, Grandmaster Flash y Jazzy Jay refinaron y desarrollaron el uso de breakbeats , incluidos el corte y el scratching . [38] El enfoque utilizado por Herc pronto fue ampliamente copiado y, a finales de la década de 1970, los DJ lanzaban discos de 12 pulgadas en los que rapeaban al ritmo. Las melodías influyentes incluyeron " King Tim III (Personality Jock) " de Fatback Band , " Rapper's Delight " de The Sugarhill Gang y " Christmas Rappin' " de Kurtis Blow , todas lanzadas en 1979. [39] [ enlace muerto ] Herc y otros DJ conectarían sus equipos a líneas eléctricas y actuarían en lugares como canchas de baloncesto públicas y en 1520 Sedgwick Avenue, Bronx, Nueva York, ahora oficialmente un edificio histórico. [40]
El equipo constaba de numerosos parlantes, tocadiscos y uno o más micrófonos. [41] Al usar esta técnica, los DJ podrían crear una variedad de música, pero según Rap Attack de David Toop "En el peor de los casos, la técnica podría convertir la noche en una canción interminable e inevitablemente aburrida". [42] A KC The Prince of Soul, un rapero y letrista de Pete DJ Jones, a menudo se le atribuye ser el primer letrista de rap en llamarse a sí mismo "MC". [43]
Las pandillas callejeras prevalecían en la pobreza del sur del Bronx , y gran parte del graffiti, el rap y el b-boying en estas fiestas eran variaciones artísticas de la competencia y la superación de las pandillas callejeras. Sintiendo que los impulsos a menudo violentos de los miembros de las pandillas podían convertirse en creativos, Afrika Bambaataa fundó la Nación Zulú , una confederación informal de equipos de baile callejero, grafiteros y músicos de rap. A finales de la década de 1970, la cultura había ganado la atención de los medios, y la revista Billboard publicó un artículo titulado "B Beats Bombarding Bronx ", comentando sobre el fenómeno local y mencionando figuras influyentes como Kool Herc . [44]
El apagón de la ciudad de Nueva York de 1977 provocó saqueos generalizados, incendios provocados y otros desórdenes en toda la ciudad, especialmente en el Bronx [45] , donde varios saqueadores robaron equipos de DJ de tiendas de electrónica. Como resultado, el género hip hop, apenas conocido fuera del Bronx en ese momento, creció a un ritmo asombroso desde 1977 en adelante. [46]
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Las fiestas en casa de DJ Kool Herc ganaron popularidad y luego se trasladaron a lugares al aire libre para dar cabida a más personas. Celebradas en parques, estas fiestas al aire libre se convirtieron en un medio de expresión y una salida para los adolescentes, donde "en lugar de meterse en problemas en las calles, los adolescentes ahora tenían un lugar para gastar su energía reprimida". [47] Tony Tone, miembro de Cold Crush Brothers , afirmó que "el hip hop salvó muchas vidas". [47]
Para los jóvenes del centro de la ciudad, participar en la cultura hip hop se convirtió en una forma de lidiar con las dificultades de la vida como minorías dentro de Estados Unidos, y una salida para lidiar con el riesgo de violencia y el surgimiento de la cultura de las pandillas. MC Kid Lucky menciona que "la gente solía bailar break dance unos contra otros en lugar de pelear". [48] [ cita completa necesaria ] Inspirada por DJ Kool Herc, Afrika Bambaataa creó una organización callejera llamada Universal Zulu Nation , centrada en el hip hop, como un medio para sacar a los adolescentes de la vida de las pandillas, las drogas y la violencia. [47]
El contenido lírico de muchos de los primeros grupos de rap se centró en cuestiones sociales, sobre todo en el tema fundamental "The Message" (1982) de Grandmaster Flash and the Furious Five , que analizaba las realidades de la vida en los proyectos de vivienda. [49] "Los jóvenes negros estadounidenses que salieron del movimiento de derechos civiles han utilizado la cultura hip hop en las décadas de 1980 y 1990 para mostrar las limitaciones del movimiento". [50] El hip hop dio a los jóvenes afroamericanos una voz para que sus problemas fueran escuchados; "Al igual que el rock and roll, los conservadores se oponen vigorosamente al hip hop porque idealiza la violencia, la infracción de la ley y las pandillas". [50] También dio a la gente la oportunidad de obtener ganancias financieras al "reducir al resto del mundo a consumidores de sus preocupaciones sociales". [50]
A finales de 1979, Debbie Harry de Blondie llevó a Nile Rodgers de Chic a tal evento, ya que la principal pista de acompañamiento utilizada era la ruptura de " Good Times " de Chic. [39] El nuevo estilo influyó en Harry, y el exitoso sencillo posterior de Blondie de 1981, " Rapture ", se convirtió en el primer sencillo importante que contenía elementos de hip hop de un grupo o artista blanco en alcanzar el número uno en el Billboard Hot 100 de EE . UU. Se considera nueva ola y fusiona elementos pesados de la música pop, pero hay un rap extendido de Harry cerca del final.
En 1980, Kurtis Blow lanzó su álbum debut homónimo con el sencillo " The Breaks ", que se convirtió en la primera canción de rap certificada con oro. [51] En 1982, Afrika Bambaataa y Soulsonic Force lanzaron la pista electro-funk " Planet Rock ". En lugar de simplemente rapear sobre ritmos disco, Bambaataa y el productor Arthur Baker crearon un sonido electrónico utilizando la caja de ritmos Roland TR-808 y muestras de Kraftwerk . [52] "Planet Rock" es ampliamente considerado como un punto de inflexión; fusionando electro con hip hop, fue "como si se encendiera una luz", lo que dio como resultado un nuevo género. [53]
La pista también ayudó a popularizar el 808, que se convirtió en la piedra angular de la música hip hop; [54] Wired y Slate describieron la máquina como el equivalente del hip hop a la Fender Stratocaster , que había influido dramáticamente en el desarrollo de la música rock. [55] [56] Lanzado en 1986, Licensed to Ill by the Beastie Boys se convirtió en el primer LP de rap en encabezar la lista de álbumes de Billboard . [57] Beastie Boys también fue uno de los primeros artistas blancos de hip hop y una banda muy influyente en la historia del hip hop, clasificada como la banda número 12 más influyente por la revista Spin . [58]
Otros discos innovadores lanzados en 1982 incluyen " The Message " de Grandmaster Flash and the Furious Five , " Nunk " de Warp 9 , "Hip Hop, Be Bop (Don't Stop)" de Man Parrish , "Magic Wand" de Whodini , y " Buffalo Gals " de Malcolm McLaren . En 1983, Hashim creó la influyente melodía electro funk " Al-Naafiysh (The Soul) ", mientras que " Light Years Away " (1983) de Warp 9 , "una piedra angular del afrofuturismo beat box de principios de los 80 ", introdujo temas de conciencia social desde una ciencia. -Perspectiva de Fi, que rinde homenaje al pionero de la música Sun Ra . [59]
El hip hop, que abarcaba el arte del graffiti, el MC/rapeo, el DJ y el b-boying, se convirtió en el movimiento cultural dominante de las comunidades urbanas pobladas por minorías en la década de 1980. [60] La década de 1980 también vio a muchos artistas hacer declaraciones sociales a través del hip hop. En 1982, Melle Mel y Duke Bootee grabaron " The Message " (acreditado oficialmente a Grandmaster Flash y The Furious Five), [61] una canción que presagiaba las declaraciones socialmente conscientes de " It's like That " y Public Enemy de Run-DMC. " Acero negro en la hora del caos ". [62]
Durante la década de 1980, el hip hop también abrazó la creación de ritmo mediante el uso del cuerpo humano, a través de la técnica de percusión vocal del beatboxing . Pioneros como Doug E. Fresh , [63] Biz Markie y Buffy de los Fat Boys crearon ritmos y sonidos musicales utilizando la boca, los labios, la lengua, la voz y otras partes del cuerpo. Los artistas de "Human Beatbox" también cantaban o imitaban scratching de turntablismo u otros sonidos de instrumentos.
La aparición de los vídeos musicales cambió el entretenimiento: a menudo glorificaban los barrios urbanos. [64] El vídeo musical de "Planet Rock" mostró la subcultura de los músicos de hip hop, artistas de graffiti y b-boys/b-girls. Muchas películas relacionadas con el hip hop se estrenaron entre 1982 y 1985, entre ellas Wild Style , Beat Street , Krush Groove , Breakin y el documental Style Wars . Estas películas ampliaron el atractivo del hip hop más allá de las fronteras de Nueva York.
En 1984, los jóvenes de todo el mundo estaban adoptando la cultura hip hop. Las obras de arte y la "jerga" del hip hop de las comunidades urbanas estadounidenses rápidamente llegaron a Europa, a medida que el atractivo global de la cultura echaba raíces. Esto fue especialmente notable en el Reino Unido, donde el hip hop británico desarrolló su propia voz y estilo a partir de la década de 1980, con raperos como She Rockers , MC Duke y Derek B , seguidos por Silver Bullet , Monie Love , Caveman y London Posse. .
Las mujeres artistas también han estado a la vanguardia del movimiento hip hop desde sus inicios en el Bronx. Sin embargo, a medida que el gangsta rap se convirtió en la fuerza dominante de la música hip hop, hubo muchas canciones con letras misóginas (antimujeres) y muchos videos musicales representaban a mujeres de una manera sexualizada. La negación de la voz y la perspectiva femenina es un tema que ha llegado a definir la música hip hop convencional. La industria discográfica está menos dispuesta a respaldar a las artistas femeninas que sus homólogos masculinos, y cuando las respalda, a menudo pone énfasis en su sexualidad por encima de su sustancia musical y habilidades artísticas. [65] Desde principios de siglo, las artistas femeninas de hip hop han luchado por conseguir la atención generalizada, y solo unas pocas, como artistas más antiguas como el dúo femenino Salt N' Pepa, hasta otras más contemporáneas como Lil' Kim y Nicki Minaj , alcanzando el estatus de platino. [sesenta y cinco]
Con el éxito comercial del gangsta rap a principios de la década de 1990, el énfasis en las letras se desplazó hacia las drogas, la violencia y la misoginia . Los primeros defensores del gangsta rap incluyeron grupos y artistas como Ice-T , que grabaron lo que algunos consideran el primer sencillo de gangsta rap, " 6 in the Mornin' ", [66] y NWA , cuyo segundo álbum Niggaz4Life se convirtió en el primer gangsta rap. álbum para ingresar a las listas en el número uno. [67]
El gangsta rap también jugó un papel importante para que el hip hop se convirtiera en un producto generalizado. Teniendo en cuenta que álbumes como Straight Outta Compton de NWA , Eazy- Duz-It de Eazy- E y Most Wanted de AmeriKKKa de Ice Cube se vendían en cantidades tan altas, significaba que los adolescentes negros ya no eran el único público comprador del hip hop. [68] Como resultado, el gangsta rap se convirtió en una plataforma para artistas que eligieron usar su música para difundir mensajes políticos y sociales a partes del país que antes desconocían las condiciones de los guetos . [66] Si bien la música hip hop ahora atrae a un grupo demográfico más amplio, los críticos de los medios argumentan que el hip hop con conciencia social y política ha sido en gran medida ignorado por la corriente principal de Estados Unidos. [69]
Con el hip-hop comenzando a ganar terreno, principios de la década de 2000 fue un punto de inflexión para el género que influyó en el sonido, el estilo de vida y la moda de la década. [70] En ese momento, The Beatles tenían el álbum más vendido de la década de 2000 hasta que Eminem los superó con 32,2 millones en ventas. [71] Si bien el muestreo siempre ha sido una parte central de la música hip hop, The College Dropout de Kanye West ofreció nuevas innovaciones en el género. El álbum, lanzado en 2004, vendió más de 4 millones de copias en todo el mundo, [72] ha sido señalado por los críticos por su manipulación de muestras, muchas de ellas extraídas de la cultura pop, donde West aceleraba o desaceleraba el ritmo original, una tendencia que se convirtió en popular como resultado. [73] Por ejemplo, el sencillo debut de West, " Through the Wire ", utilizó una muestra acelerada de la canción de Chaka Khan " Through the Fire ". Esta táctica se conoció como el "sonido del alma de ardilla listada". [73]
Según el Departamento de Estado de Estados Unidos , el hip hop es "ahora el centro de una mega industria de la música y la moda en todo el mundo" que cruza barreras sociales y trasciende líneas raciales. [74] National Geographic reconoce el hip hop como "la cultura juvenil favorita del mundo" en la que "casi todos los países del planeta parecen haber desarrollado su propia escena de rap local". [75] A través de sus viajes internacionales, el hip hop ahora se considera una "epidemia musical global". [76] Según The Village Voice , el hip hop está "hecho a medida para combatir la anomia que se alimenta de los adolescentes dondequiera que nadie sepa su nombre". [77]
Los sonidos y estilos del hip hop difieren de una región a otra, pero también hay casos de géneros de fusión. [78] La cultura hip hop ha pasado de ser un género evitado a un género seguido por millones de fanáticos en todo el mundo. Esto fue posible gracias a la adaptación de la música en diferentes lugares y a la influencia en el estilo de comportamiento y vestimenta. [79]
No todos los países han adoptado el hip hop, donde "como es de esperar en países con una fuerte cultura local, el estilo salvaje intercalado del hip hop no siempre es bienvenido". [80] Este es en cierto modo el caso en Jamaica, la patria del padre de la cultura, DJ Kool Herc. Sin embargo, a pesar de que la música hip hop producida en la isla carece de un amplio reconocimiento local e internacional, artistas como Five Steez han desafiado las probabilidades al impresionar a los creadores de tendencias del hip hop en línea e incluso a los críticos de reggae. [81]
Hartwig Vens sostiene que el hip hop también puede verse como una experiencia de aprendizaje global. [82] El autor Jeff Chang sostiene que "la esencia del hip hop es la cifra , nacida en el Bronx, donde la competencia y la comunidad se alimentan mutuamente". [83] También agrega: "Miles de organizadores desde Ciudad del Cabo hasta París utilizan el hip hop en sus comunidades para abordar la justicia ambiental, la vigilancia y las prisiones, la justicia de los medios y la educación". [84]
Si bien la música hip hop ha sido criticada como una música que crea una división entre la música occidental y la música del resto del mundo [¿ por quién? – Discutir ] , se ha producido una "polinización cruzada" musical que fortalece el poder del hip hop para influir en diferentes comunidades. [85] Los mensajes del hip hop permiten que los desfavorecidos y los maltratados sean escuchados. [82] Estas traducciones culturales cruzan fronteras. [84] Si bien la música puede ser de un país extranjero, el mensaje es algo con lo que muchas personas pueden identificarse, algo que no es "extranjero" en absoluto. [86]
Incluso cuando el hip hop se trasplanta a otros países, a menudo conserva su "agenda progresista vital que desafía el status quo". [84] En Gotemburgo , Suecia, las organizaciones no gubernamentales (ONG) incorporan graffiti y danza para involucrar a jóvenes inmigrantes y de clase trabajadora descontentos. El hip hop ha desempeñado un papel pequeño pero distintivo como rostro musical de la revolución en la Primavera Árabe , siendo un ejemplo el músico libio anónimo, Ibn Thabit , cuyas canciones antigubernamentales alimentaron la rebelión. [87]
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A principios y mediados de la década de 1980, no existía una industria de la música hip hop establecida, como existe en la década de 2020, con sellos discográficos, productores discográficos, gerentes y personal de artistas y repertorio . Los políticos y empresarios difamaron e ignoraron el movimiento hip hop. La mayoría de los artistas de hip hop actuaron en sus comunidades locales y grabaron en escenarios underground. [88]
Sin embargo, a finales de la década de 1980, los ejecutivos de la industria musical se dieron cuenta de que podían sacar provecho del éxito del "gangsta rap". Hicieron una fórmula que creó "un excitante buffet de hipermasculinidad y violencia glorificada". Este tipo de rap se comercializó entre la nueva base de fans: los hombres blancos. Ignoraron las representaciones de una dura realidad para centrarse en el sexo y la violencia involucrados. [88]
En un artículo para The Village Voice , Greg Tate sostiene que la comercialización del hip hop es un fenómeno negativo y omnipresente, y escribe que "lo que llamamos hiphop es ahora inseparable de lo que llamamos la industria del hip hop, en la que los nuevos ricos y los Los empleadores súper ricos se hacen más ricos". [50] Irónicamente, esta comercialización coincide con una disminución en las ventas de rap y la presión de los críticos del género. [89] Incluso otros músicos, como Nas y KRS-ONE, han afirmado que " el hip hop está muerto " porque ha cambiado tanto a lo largo de los años para atender al consumidor que ha perdido la esencia para la que fue creado originalmente.
Sin embargo, en su libro En busca de África , [90] Manthia Diawara afirma que el hip hop es en realidad la voz de las personas marginadas en la sociedad moderna. Sostiene que la "difusión mundial del hip hop como revolución de mercado" es en realidad una "expresión global del deseo de los pobres de tener una buena vida", y que esta lucha se alinea con "la lucha nacionalista por la ciudadanía y la pertenencia, pero también revela la necesidad de ir más allá de tales luchas y celebrar la redención del individuo negro a través de la tradición". Puede que el problema no sea que las raperas no tengan las mismas oportunidades y reconocimiento que sus homólogos masculinos; Puede ser que la industria musical esté tan definida por prejuicios de género. Los ejecutivos de la industria parecen apostar por la idea de que los hombres no querrán escuchar raperas, por lo que tienen menos oportunidades. [91]
A medida que el género hip hop ha cambiado desde la década de 1980, la "tradición" cultural afroamericana que describe Diawara tiene poco lugar en la música de los principales artistas del hip hop. El impulso hacia el materialismo y el éxito en el mercado por parte de raperos contemporáneos como Rick Ross , Lil Wayne y Jay Z ha irritado a los artistas y fanáticos del hip hop de mayor edad. Ven que el género está perdiendo su sentimiento comunitario que se centraba más en el empoderamiento de los negros que en la riqueza. La comercialización del género lo despojó de su naturaleza política anterior y la política y los planes de marketing de los principales sellos discográficos han obligado a los raperos a diseñar su música e imágenes para atraer a audiencias blancas, adineradas y suburbanas.
Después de darse cuenta de que sus amigos estaban haciendo música pero no tenían exposición televisiva más allá de lo que se veía en Video Music Box, Darlene Lewis (modelo/letrista), junto con Darryl Washington y Dean Carroll, llevaron la música hip hop al programa de cable First Exposure en Paragon. cable, y luego creó el programa de televisión On Broadway . Allí, los raperos tuvieron la oportunidad de ser entrevistados y reproducir sus vídeos musicales. Este MTV o Video Soul anterior a BET. La comercialización ha hecho que el hip hop sea menos vanguardista y auténtico, pero también ha permitido que los artistas del hip hop tengan éxito. [92]
A medida que los mejores raperos se vuelven más ricos y comienzan más negocios externos, esto puede indicar un sentido más fuerte de aspiración negra. A medida que raperos como Jay-Z y Kanye West se establecen como artistas y empresarios, más jóvenes negros tienen esperanzas de lograr sus objetivos. [93] La lente a través de la cual uno ve la comercialización del género puede hacer que parezca positiva o negativa. [94]
Raperos pop blancos y latinos como Macklemore , Iggy Azalea , Machine Gun Kelly , Eminem , Miley Cyrus , G-Eazy , Pitbull , Lil Pump y Post Malone a menudo han sido criticados por comercializar el hip hop y la apropiación cultural. [95] Miley Cyrus y Katy Perry , aunque no raperas, han sido acusadas de apropiación cultural y comercialización del hip hop. Katy Perry, una mujer blanca, fue criticada por su canción de hip hop " Dark Horse ". [96] Taylor Swift también fue acusada de apropiación cultural. [97]
Ser DJ y turntablismo , MC/ rapear , breakdance , graffiti y beatboxing son las salidas creativas que conforman colectivamente la cultura hip hop y su estética revolucionaria. Al igual que el blues , estas artes fueron desarrolladas por comunidades urbanas para permitir a las personas hacer una declaración, ya sea política o emocional, y participar en actividades comunitarias. Estas prácticas se extendieron a nivel mundial alrededor de la década de 1980, cuando los fanáticos pudieron "hacerlas suyas" y expresarse de maneras nuevas y creativas en la música, la danza y otras artes. [98]
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Ser DJ y turntablismo son las técnicas de manipulación de sonidos y creación de música y ritmos utilizando dos o más tocadiscos de fonógrafo u otras fuentes de sonido, como cintas, CD o archivos de audio digital y un mezclador de DJ conectado a un sistema de megafonía . [99] Uno de los primeros DJ de hip hop fue Kool DJ Herc , quien ayudó a popularizar [100] el hip hop en la década de 1970 mediante el aislamiento y la extensión de los "pausas", las partes de los álbumes que se centraban únicamente en el ritmo de percusión. Además de desarrollar las técnicas de Herc, los DJ Grandmaster Flowers , Grandmaster Flash , Grand Wizzard Theodore y Grandmaster Caz hicieron más innovaciones con la introducción del " scratching ", que se ha convertido en uno de los sonidos clave asociados con la música hip hop. Grandmaster Flash se hizo conocido por “flashear” durante los descansos, siendo flashing la sección de dos álbumes donde solo se toca la batería. [101]
Tradicionalmente, un DJ utiliza dos tocadiscos simultáneamente y mezcla entre los dos. Estos están conectados a un mezclador de DJ, un amplificador , parlantes y diversos equipos de música electrónica, como un micrófono y unidades de efectos . El DJ mezcla los dos álbumes actualmente en rotación y/o hace " scratching " moviendo uno de los platos mientras manipula el crossfader en el mezclador. El resultado de mezclar dos discos es un sonido único creado por el sonido aparentemente combinado de dos canciones separadas en una sola. Aunque existe una considerable superposición entre ambos roles, no es lo mismo un DJ que un productor discográfico de una pista musical. [102]
El desarrollo del DJ también estuvo influenciado por nuevas técnicas de turntablismo , como el beatmatching , un proceso facilitado por la introducción de nuevas tecnologías de tocadiscos como el Technics SL-1200 MK 2 , vendido por primera vez en 1978, que tenía un control de tono variable preciso y un motor de accionamiento directo . Los DJ eran a menudo ávidos coleccionistas de discos, que buscaban en las tiendas de discos usados discos de soul oscuros y grabaciones de funk vintage . Los DJ ayudaron a presentar discos raros y nuevos artistas al público de los clubes.
En los primeros años del hip hop, los DJ eran las estrellas, ya que creaban nueva música y ritmos con sus tocadiscos. Si bien el DJ y el turntablismo se siguen utilizando en la música hip hop en la década de 2010, el papel estelar lo han asumido cada vez más los MC desde finales de la década de 1970, debido a MC innovadores y creativos como Kurtis Blow y Melle Mel del equipo de Grandmaster Flash . los Cinco Furiosos , quienes desarrollaron fuertes habilidades para rapear. Sin embargo, varios DJ han alcanzado el estrellato en los últimos años.
Los DJ famosos incluyen Grandmaster Flash, Afrika Bambaataa, Mr. Magic , DJ Jazzy Jeff , DJ Charlie Chase , DJ Disco Wiz , DJ Scratch de EPMD , DJ Premier de Gang Starr , DJ Scott La Rock de Boogie Down Productions , DJ Pete Rock de Pete. Rock & CL Smooth , DJ Muggs de Cypress Hill , Jam Master Jay de Run-DMC , Eric B. , DJ Screw de Screwed Up Click y el inventor del estilo de mezcla musical Chopped & Screwed , Funkmaster Flex , Tony Touch , DJ Pista , Mix Master Mike , Touch-Chill-Out, DJ Red Alert y DJ Q-Bert .
El movimiento underground del turntablismo también ha surgido para centrarse en las habilidades del DJ. En la década de 2010, hay competencias de turntablismo, donde los tocadiscos demuestran habilidades avanzadas de malabarismo y scratching.
Rapear (también conocido como maestro de ceremonias, [103] MCing, [103] escupir (compases), [104] o simplemente rimar [105] ) se refiere a "letras que riman habladas o cantadas con un fuerte acompañamiento rítmico". [106] El rap generalmente presenta juegos de palabras complejos, entrega rápida y una variedad de "jerga callejera", algunas de las cuales son exclusivas de la subcultura hip hop. Si bien el rap a menudo se hace sobre ritmos, ya sea realizado por un DJ o un beatboxer , también se puede hacer sin acompañamiento. Se puede dividir en diferentes componentes, como "contenido", "flujo" (ritmo y rima ) y "entrega". [107]
El rap se diferencia de la poesía hablada en que se realiza al ritmo de la música. [108] [109] [110] El uso de la palabra "rap" para describir un discurso rápido y jerga o una réplica ingeniosa es mucho anterior a la forma musical. [111] MCing es una forma de expresión que está arraigada en la antigua cultura y tradición oral africana e indígena, ya que a lo largo de la historia las acrobacias verbales o las justas con rimas eran comunes dentro de la comunidad afroamericana y latinoamericana. [112]
El graffiti es el elemento más controvertido del hip hop, ya que varios de los pioneros del graffiti más notables dicen que no consideran el graffiti como un elemento del hip hop, incluidos Lady Pink , Seen , Blade, Fargo, Cholly Rock, Fuzz One, y Coco 144. [113] [114] [115] Lady Pink dice: "No creo que el graffiti sea hip hop. Francamente, crecí con la música disco. Hay una larga trayectoria de graffiti como una entidad en sí misma" . 116] [117] y Fargo dice: "No existe correlación entre el hip hop y el graffiti, uno no tiene nada que ver con el otro". [113] [115] [118] El pionero del hip hop, Grandmaster Flash, también cuestionó la conexión entre el hip hop y el graffiti, diciendo: "Sabes lo que me molesta, combinan hip hop con graffiti. ¿Cómo se entrelazan?" [118] [119] [120]
En Estados Unidos, a finales de la década de 1960, antes del hip hop, los activistas políticos utilizaban el graffiti como forma de expresión. Además, pandillas como Savage Skulls , La Familia Michoacana y Savage Nomads utilizaban graffitis para marcar territorio. Julio 204 fue un grafitero puertorriqueño, uno de los primeros grafiteros de la ciudad de Nueva York. Era miembro de la pandilla "Savage Skulls" y comenzó a escribir su apodo en su vecindario ya en 1968.
En 1971, el New York Times publicó un artículo ("'Taki 183' Spawns Pen Pals") sobre otro escritor de graffiti, TAKI 183 . Según el artículo que Julio había estado escribiendo durante un par de años cuando Taki comenzó a etiquetar su propio nombre por toda la ciudad. Taki también afirma en el artículo que Julio "fue arrestado y detenido". Los escritores que siguieron a Taki y Tracy 168 agregarían el número de su calle a su apodo, "bombardearían" (cubrirían) un tren con su trabajo y dejarían que el metro se lo llevara, y su fama, si era impresionante o simplemente omnipresente. , suficiente—"toda la ciudad". Julio 204 nunca alcanzó la fama de Taki porque Julio mantuvo sus etiquetas localizadas en su propio vecindario.
Una de las formas más comunes de graffiti es el etiquetado, o el acto de estilizar su nombre o logotipo exclusivo. [121] El etiquetado comenzó en Filadelfia y la ciudad de Nueva York y se ha expandido por todo el mundo. Pintar con aerosol propiedad pública o propiedad de otros sin su consentimiento puede considerarse vandalismo, y el "tagger" puede estar sujeto a arresto y procesamiento por el acto criminal. Ya sea legal o no, la cultura hip hop considera el etiquetado de edificios, trenes, puentes y otras estructuras como arte visual, y considera las etiquetas como parte de un complejo sistema de símbolos con sus propios códigos sociales y reglas de subcultura. En algunos casos, este tipo de arte está ahora sujeto a protección federal en Estados Unidos, lo que hace que su eliminación sea ilegal. [122]
Las letras de burbujas dominaron inicialmente entre los escritores del Bronx , aunque el elaborado estilo de Brooklyn que Tracy 168 denominó "estilo salvaje" llegaría a definir el arte. [123] [124] A los primeros creadores de tendencias se unieron en la década de 1970 artistas como Dondi , Futura 2000 , Daze, Blade, Lee Quiñones , Fab Five Freddy , Zephyr , Rammellzee , Crash , Kel, NOC 167 y Lady Pink . [123]
La relación entre el graffiti y la cultura hip hop surge de los primeros grafiteros que se involucraban en otros aspectos de la cultura hip hop. [125] El graffiti se entiende como una expresión visual de la música rap, del mismo modo que el break se considera una expresión física. La película Wild Style de 1983 es ampliamente considerada como la primera película de hip hop, que contó con figuras destacadas de la escena del graffiti de Nueva York durante ese período. El libro Subway Art y el documental Style Wars también estuvieron entre las primeras formas en que el público en general conoció el graffiti hip hop. El graffiti sigue siendo parte del hip hop, aunque se incorpora al mundo del arte convencional con exhibiciones en galerías de todo el mundo.
El break, también llamado B-boying/B-girling o breakdance, es un estilo de baile dinámico y rítmico que se desarrolló como uno de los principales elementos de la cultura hip hop. Como muchos aspectos de la cultura hip hop, el breakdance toma prestado en gran medida de muchas culturas, incluido el baile callejero de la década de 1930, [126] [127] las artes marciales brasileñas y asiáticas , la danza folclórica rusa , [128] y los movimientos de baile de James Brown , Michael. Jackson y el funk de California .
El breaking tomó forma en el sur del Bronx en la década de 1970 junto con otros elementos del hip hop. El breakdance generalmente se realiza con el acompañamiento de música hip hop reproducida en un equipo estéreo o sistema de megafonía . El breakdance incluye cuatro estilos de baile: rocking, b-boying /b-girling, locking y popping, todos los cuales tienen sus orígenes a principios de la década de 1970. [129]
Según el documental de 2002 The Freshest Kids: A History of the B-Boy , DJ Kool Herc describe la "B" en B-boy como una abreviatura de break, que en ese momento era la jerga para "going off", también uno de los nombres originales del baile. Sin embargo, desde el principio el baile se conoció como "boing" (el sonido que hace un resorte). Los bailarines de las fiestas de DJ Kool Herc guardaron sus mejores movimientos de baile para la sección de percusión de la canción, colocándose frente al público para bailar con un estilo distintivo y frenético. [130]
La "B" en B-boy o B-girl también significa simplemente descanso, como en break-boy o -girl. Antes de la década de 1990, la presencia de las B-girls estaba limitada por su condición de minoría de género, la navegación por la política sexual de una escena dominada por los hombres y la falta de representación o estímulo para que las mujeres participaran en el formulario. Las pocas B-girls que participaron a pesar de enfrentar discriminación de género crearon un espacio para las mujeres como líderes dentro de la comunidad en ruptura, y el número de B-girls que participan ha aumentado. [130]
El breaking se documentó en Style Wars y luego se le dio más atención en películas de ficción como Wild Style y Beat Street . Los primeros actos compuestos por "principalmente latinoamericanos" incluyen Rock Steady Crew [131] y New York City Breakers [ cita requerida ] .
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Beatboxing es la técnica de percusión vocal , en la que un cantante imita con su voz la batería y otros instrumentos de percusión. Se ocupa principalmente del arte de crear ritmos utilizando la boca humana. [132] El término beatboxing se deriva del mimetismo de la primera generación de cajas de ritmos , entonces conocidas como beatboxes. Fue popularizado por primera vez por Doug E. Fresh . [133] Como es una forma de crear música hip hop, se puede clasificar bajo el elemento de producción del hip hop, aunque a veces incluye un tipo de rap cruzado con el ritmo creado por humanos. Generalmente se considera parte del mismo "pilar" del hip hop que ser DJ; en otras palabras, proporciona un telón de fondo musical o una base para que los MC rapeen.
Los beatboxers pueden crear sus ritmos de forma natural, pero muchos de los efectos del beatboxing se mejoran mediante el uso de un micrófono conectado a un sistema de megafonía . Esto ayuda al beatboxer a hacer que su beatboxing sea lo suficientemente alto como para ser escuchado junto a un rapero, MC, tocadiscos y otros artistas de hip hop. El beatboxing fue popular en la década de 1980 con artistas destacados como Darren "Buffy, the Human Beat Box" Robinson de los Fat Boys y Biz Markie mostrando sus habilidades ante los medios. Su popularidad disminuyó junto con el b-boying a finales de los años 1980, pero ha experimentado un resurgimiento desde finales de los años 1990, marcado por el lanzamiento de "Make the Music 2000" de Rahzel de The Roots .
Aunque no se describe como uno de los cuatro elementos centrales que componen el hip hop, la producción musical es otro elemento importante. En la música, los productores de discos desempeñan un papel similar en la grabación de sonido al que desempeñan los directores de cine al hacer una película. El productor discográfico recluta y selecciona artistas (raperos, MC, DJ, beatboxers, etc.), planifica la visión de la sesión de grabación, entrena a los intérpretes en sus canciones, elige ingenieros de audio , establece un presupuesto para contratar a los artistas y técnicos. expertos y supervisa todo el proyecto.
Las funciones exactas de un productor dependen de cada individuo, pero algunos productores trabajan con DJ y programadores de cajas de ritmos para crear ritmos, entrenan a los DJ en la selección de líneas de bajo , riffs y eslóganes muestreados , dan consejos a raperos, vocalistas, MC y otros. artistas, dan sugerencias a los artistas sobre cómo mejorar su fluidez y desarrollar un estilo personal único. Algunos productores trabajan estrechamente con el ingeniero de audio para proporcionar ideas sobre mezclas, unidades de efectos (por ejemplo, efectos vocales autoajustados como los popularizados por T-pain ), micrófonos de artistas, etc. El productor puede desarrollar de forma independiente el "concepto" o la visión de un proyecto o álbum, o desarrollar la visión en colaboración con los artistas e intérpretes.
En el hip hop, desde el comienzo del MCing, ha habido productores que trabajan en el estudio, detrás de escena, para crear los ritmos para que los MC rapeen. Los productores pueden encontrar un ritmo que les guste en un disco antiguo de funk, soul o disco. Luego aíslan el ritmo y lo convierten en un bucle. Alternativamente, los productores pueden crear un ritmo con una caja de ritmos o contratar a un percusionista de batería para tocar la batería acústica.
El productor podría incluso mezclar y superponer diferentes métodos, como combinar una pausa de batería disco muestreada con una pista de caja de ritmos y algunas partes de percusión recién grabadas en vivo o un bajista eléctrico en vivo. Un ritmo creado por un productor de hip hop puede incluir otras partes además de un ritmo de batería, como una línea de bajo muestreada de una canción funk o disco, un diálogo de un disco o película de palabra hablada, o "rasguños" y "golpes" rítmicos realizados por un productor de hip hop. tocadiscos o DJ.
Uno de los primeros creadores de ritmos fue el productor Kurtis Blow , que ganó los créditos de productor del año en 1983, 1984 y 1985. Conocido por la creación de samples y loops de samples, Blow era considerado el Quincy Jones del hip hop temprano, una referencia al prolífico Productor discográfico, director de orquesta, arreglista, compositor, músico y director de banda afroamericano. Uno de los creadores de ritmos más influyentes fue J. Dilla, un productor de Detroit que cortaba muestras por ritmos específicos y los combinaba para crear su sonido único.
Aquellos que crean estos ritmos se conocen como creadores de ritmos o productores; sin embargo, se sabe que los productores tienen más aportes y dirección en la creación general de una canción o proyecto, mientras que un creador de ritmos simplemente proporciona o crea el ritmo. Como dijo antes Dr. Dre: "Una vez que terminas el ritmo, tienes que producir el disco". [134] El proceso de creación de ritmos incluye muestreo, "corte", bucle, secuenciación de ritmos, grabación, mezcla y masterización.
La mayoría de los ritmos del hip hop se extraen de un disco preexistente. Esto significa que un productor tomará una parte o una "muestra" de una canción y la reutilizará como sección instrumental, ritmo o parte de su canción. Algunos ejemplos de esto son las muestras de "Footsteps in the Dark Pts. 1 y 2" de los Isley Brothers para hacer " Today Was a Good Day " de Ice Cube . [135] Otro ejemplo es el sampleo de " Try a Little Tenderness " de Otis Redding para crear la canción " Otis ", lanzada en 2011, por Kanye West y Jay-Z . [136]
"Cortar" consiste en diseccionar la canción que estás sampleando para "cortar" la parte o partes de la canción, ya sea la línea de bajo, la parte de la guitarra rítmica, la pausa de batería u otra música que quieras usar en el ritmo. [137] El looping se conoce como una secuencia melódica o de percusión que se repite durante un período de tiempo, por lo que básicamente un productor hará que un número par de compases de un ritmo (por ejemplo, cuatro u ocho compases) se repitan o hagan un "bucle". de una canción de duración completa. Este bucle proporciona un acompañamiento para que un MC rapee.
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Las herramientas necesarias para crear ritmos a finales de la década de 1970 eran discos de funk, soul y otros géneros musicales , tocadiscos , mezcladores de DJ , consolas de audio y dispositivos de grabación multipista estilo Portastudio relativamente económicos. En las décadas de 1980 y 1990, los creadores y productores de ritmos utilizaron los nuevos instrumentos electrónicos y digitales que se desarrollaron, como samplers, secuenciadores, cajas de ritmos y sintetizadores. Desde la década de 1970 hasta la de 2010, varios creadores y productores de ritmos han utilizado instrumentos en vivo, como una batería o un bajo eléctrico, en algunas pistas.
Para grabar los ritmos o pistas de ritmos terminados, los creadores y productores de ritmos utilizan una variedad de equipos de grabación de sonido , generalmente grabadoras multipista . Las estaciones de trabajo de audio digital , también conocidas como DAW, se volvieron más comunes en la década de 2010 para los productores. Algunos de los DAW más utilizados son FL Studio , Ableton Live y Pro Tools .
Los DAW han hecho posible que más personas puedan crear ritmos en el estudio de su propia casa, sin tener que ir a un estudio de grabación. Los creadores de ritmos que poseen DAW no tienen que comprar todo el hardware que necesitaba un estudio de grabación en la década de 1980 (enormes consolas de audio de 72 canales, grabadoras multipista, bastidores de unidades de efectos montadas en rack), porque los DAW de la era de 2010 tienen todo lo que necesitan para crear ritmos. en una computadora portátil rápida y de buena calidad. [138]
Los ritmos son una parte tan integral de la música rap que muchos productores han podido crear mixtapes o álbumes instrumentales. Aunque estos temas instrumentales no tienen rap, los oyentes aún disfrutan de las formas ingeniosas en que el productor mezcla diferentes ritmos, muestras y melodías instrumentales. Ejemplos de estos son "Tutenkhamen" de 9th Wonder y "Donuts" de J Dilla . Algunos discos de hip hop vienen en dos versiones: un ritmo con rap encima y un instrumental solo con el ritmo. El instrumental en este caso se proporciona para que los DJ y tocadiscos puedan aislar pausas, ritmos y otra música para crear nuevas canciones.
El desarrollo de la lingüística del hip hop, incluida la propia poética , [139] es complejo. El material original incluye los espirituales de los esclavos que llegan al nuevo mundo, la música dub jamaicana, los lamentos de los cantantes de jazz y blues, la jerga cockney modelada y los DJ de radio que promocionan a su audiencia usando rimas. [140] El hip hop tiene una jerga asociada distintiva. [141] También se le conoce con nombres alternativos, como "Black English" o " Ebonics ". Los académicos sugieren que su desarrollo se debe a un rechazo de la jerarquía racial del lenguaje, que consideraba el "inglés blanco" como la forma superior de habla educada. [142]
Debido al éxito comercial del hip hop a finales de la década de 1990 y principios de la de 2000, muchas de estas palabras han sido asimiladas al discurso cultural de varios dialectos diferentes en Estados Unidos y el mundo, e incluso entre los fanáticos que no son del hip hop. [143] La palabra diss, por ejemplo, es particularmente prolífica. También hay una serie de palabras que son anteriores al hip hop, pero que a menudo se asocian con la cultura, siendo homie un ejemplo notable. A veces, términos como what the dilly, yo se popularizan con una sola canción (en este caso, " Put Your Hands Where My Eyes Could See " de Busta Rhymes ) y solo se usan brevemente. Un ejemplo particular es la jerga basada en reglas de Snoop Dogg y E-40 , quienes agregan -izzle o -izz al final o a la mitad de las palabras.
Las letras de hip hop también son conocidas por contener malas palabras. En particular, la palabra "bitch" se ve en innumerables canciones, desde "A Bitch Iz a bitch" de NWA hasta "She is a Bitch" de Missy Elliot. A menudo se utiliza con la connotación negativa de una mujer que es una "codiciosa de dinero" superficial. Algunas artistas femeninas han intentado recuperar la palabra y utilizarla como término de empoderamiento. De todos modos, la comunidad del hip hop se ha interesado recientemente en discutir el uso de la palabra "perra" y si es necesaria en el rap. [144]
No sólo las palabras concretas, sino también la elección del idioma en el que el rap es un tema ampliamente debatido en el hip hop internacional. En Canadá, el uso de variantes no estándar del francés, como Franglais , una mezcla de francés e inglés, por grupos como Dead Obies [145] o Chiac (como Radio Radio [146] ) tiene poderosas implicaciones simbólicas para los canadienses. Política lingüística y debates sobre la identidad canadiense . En los Estados Unidos, los raperos eligen rapear en inglés, español o spanglish , según sus propios orígenes y su público objetivo. [147]
El hip hop ha tenido un impacto social considerable desde sus inicios en la década de 1970. "El hip hop también se ha vuelto relevante en el campo de la educación debido a sus implicaciones para la comprensión del lenguaje, el aprendizaje, la identidad y el plan de estudios". [148] Orlando Patterson , profesor de sociología en la Universidad de Harvard , ayuda a describir el fenómeno de cómo el hip hop se ha extendido rápidamente por todo el mundo. Patterson sostiene que la comunicación de masas está controlada por los ricos, el gobierno y las principales empresas de las naciones del Tercer Mundo y de todo el mundo. [149]
También atribuye a la comunicación de masas la creación de una escena cultural global de hip hop. Como resultado, los jóvenes están influenciados por la escena del hip hop estadounidense y comienzan sus propias formas de hip hop. Patterson cree que la revitalización de la música hip hop se producirá en todo el mundo a medida que los valores tradicionales se mezclen con la música hip hop estadounidense, [149] y, en última instancia, se desarrollará un proceso de intercambio global que llevará a los jóvenes de todo el mundo a escuchar una forma musical común de hip hop. brincar.
También se ha argumentado que la música rap se formó como una "respuesta cultural a la opresión y el racismo históricos, un sistema de comunicación entre las comunidades negras de todo Estados Unidos". [152] Esto se debe al hecho de que la cultura hip hop reflejaba las realidades sociales, económicas y políticas de la juventud privada de sus derechos. En la década de 2010, las letras de hip hop comienzan a reflejar temas originales con conciencia social . Los raperos están empezando a cuestionar el poder del gobierno y su papel opresivo en algunas sociedades. [153] La música rap ha sido una herramienta para el empoderamiento político, social y cultural fuera de los Estados Unidos. Los miembros de comunidades minoritarias (como los argelinos en Francia y los turcos en Alemania ) utilizan el rap como plataforma para protestar contra el racismo, la pobreza y las estructuras sociales. [154]
El lirismo del hip hop ha ganado cierta legitimidad en los círculos académicos y literarios. Actualmente se ofrecen estudios de lingüística del hip hop en instituciones como la Universidad de Toronto , donde el poeta y autor George Eliot Clarke ha enseñado el poder potencial de la música hip hop para promover el cambio social. [140] Greg Thomas de la Universidad de Miami ofrece cursos tanto a nivel de pregrado como de posgrado que estudian la naturaleza feminista y asertiva de las letras de Lil' Kim . [155]
Algunos académicos, incluidos Ernest Morrell y Jeffrey Duncan-Andrade, comparan el hip hop con las obras satíricas de los grandes poetas " canónicos occidentales " de la era moderna, que utilizan imágenes y crean un ambiente para criticar a la sociedad. Como se cita en su trabajo "Promoción de la alfabetización académica entre los jóvenes urbanos mediante la participación de la cultura hip hop":
Los textos de hip hop son ricos en imágenes y metáforas y pueden usarse para enseñar ironía, tono, dicción y punto de vista. Los textos de hip hop se pueden analizar en busca de tema, motivo, trama y desarrollo de personajes. Tanto Grand Master Flash como TS Eliot contemplaron sus sociedades en rápido deterioro y vieron un "terreno baldío". Ambos poetas fueron esencialmente de naturaleza apocalíptica, ya que fueron testigos de la muerte, la enfermedad y la decadencia. [156]
La música hip hop ha sido censurada en la radio y la televisión debido a las letras explícitas de ciertos géneros. Muchas canciones han sido criticadas por mensajes antisistema y, en ocasiones, violentos. El uso de malas palabras y representaciones gráficas de violencia y sexo en videos y canciones musicales de hip hop dificulta su transmisión en estaciones de televisión como MTV, en forma de videos musicales y en la radio. Como resultado, muchas grabaciones de hip hop se transmiten en forma censurada, con el lenguaje ofensivo "bip" o eliminado de la banda sonora, o reemplazado por letras "limpias".
El resultado, que a veces hace que las letras restantes sean ininteligibles o contradictorias con la grabación original, se ha identificado casi tan ampliamente con el género como cualquier otro aspecto de la música, y ha sido parodiado en películas como Austin Powers en Goldmember , en la que Mike El personaje de Myers , Dr. Evil, que actúa en una parodia de un vídeo musical de hip hop (" Hard Knock Life (Ghetto Anthem) " de Jay-Z ), interpreta un verso completo que está tachado. En 1995, Roger Ebert escribió: [157]
El rap tiene mala reputación en los círculos blancos, donde mucha gente cree que consiste en guturales obscenos y violentos contra los blancos y las mujeres . Algo de eso sí. La mayoría no lo hace. A la mayoría de los oyentes blancos no les importa; escuchan voces negras en una letanía de descontento y se desconectan. Sin embargo, el rap desempeña hoy el mismo papel que Bob Dylan en 1960, dando voz a las esperanzas y los enojos de una generación, y gran parte del rap es una escritura poderosa.
En 1990, Luther Campbell y su grupo 2 Live Crew presentaron una demanda contra el sheriff del condado de Broward, Nick Navarro, porque Navarro quería procesar a las tiendas que vendían el álbum del grupo As Nasty As They Wanna Be debido a sus letras obscenas y vulgares. En junio de 1990, un juez de un tribunal de distrito de Estados Unidos calificó el álbum de obsceno y su venta era ilegal. Sin embargo, en 1992, la Corte de Apelaciones del Undécimo Circuito de los Estados Unidos anuló el fallo de obscenidad del juez González y la Corte Suprema de los Estados Unidos se negó a escuchar la apelación del condado de Broward. El profesor Louis Gates testificó en nombre de The 2 Live Crew, argumentando que el material que el condado alegó que era profano en realidad tenía raíces importantes en las tradiciones literarias, de juegos y vernáculas afroamericanas y debería ser protegido. [158]
Muchos raperos negros, incluidos Ice-T y Sister Souljah, sostienen que se les está señalando injustamente porque su música refleja cambios profundos en la sociedad que no se abordan en ningún otro lugar del foro público. Los políticos blancos, se quejan los artistas, no entienden la música ni desean escuchar lo que sucede en las comunidades devastadas que dieron origen a esta forma de arte.
— Chuck Philips , Los Ángeles Times , 1992 [159]
El gangsta rap es un subgénero del hip hop que refleja la cultura violenta de los jóvenes negros estadounidenses del centro de las ciudades. [160] El género fue iniciado a mediados de la década de 1980 por raperos como Schoolly D y Ice-T , y fue popularizado a finales de la década de 1980 por grupos como NWA . Ice-T lanzó " 6 in the Mornin' ", que a menudo se considera la primera canción de gangsta rap, en 1986. Después de la atención nacional que Ice-T y NWA crearon a finales de los 80 y principios de los 90, el gangsta rap se convirtió en la canción más popular. subgénero comercialmente lucrativo del hip hop.
NWA es el grupo más frecuentemente asociado con la fundación del gangsta rap. Sus letras eran más violentas, abiertamente confrontativas e impactantes que las de los actos de rap establecidos, presentando blasfemias incesantes y, de manera controvertida, el uso de la palabra " nigga ". Estas letras se colocaron sobre ritmos ásperos de guitarra de rock, lo que contribuyó a la sensación dura de la música. El primer álbum de gangsta rap de gran éxito fue Straight Outta Compton de NWA , lanzado en 1988. [161] [162]
Straight Outta Compton estableció el hip hop de la costa oeste como un género vital y estableció a Los Ángeles como un rival legítimo de la antigua capital del hip hop, la ciudad de Nueva York. Straight Outta Compton provocó la primera gran controversia con respecto a las letras de hip hop cuando su canción " Fuck tha Police " obtuvo una carta delsubdirector del FBI Milt Ahlerich, expresando fuertemente el resentimiento de las fuerzas del orden por la canción. [161] [162]
La controversia rodeó la canción de Ice-T " Cop Killer " del álbum Body Count . La canción pretendía hablar desde el punto de vista de un criminal que se venga de policías brutales y racistas. La canción de rock de Ice-T enfureció a los funcionarios del gobierno, a la Asociación Nacional del Rifle de Estados Unidos y a varios grupos de defensa de la policía. [163] En consecuencia, Time Warner Music se negó a lanzar el próximo álbum de Ice-T, Home Invasion, debido a la controversia que rodea a "Cop Killer". [163]
Ice-T sugirió que el furor por la canción era una reacción exagerada y le dijo al periodista Chuck Philips "... han hecho películas sobre asesinos de enfermeras, maestros y estudiantes. [El actor] Arnold Schwarzenegger arrasó con docenas de policías como Terminator . Pero no escucho a nadie quejarse de eso". Ice-T sugirió a Philips que la mala interpretación de "Cop Killer" y los intentos de censurarla tenían connotaciones raciales: "La Corte Suprema dice que está bien que un hombre blanco queme una cruz en público. Pero nadie quiere que un hombre negro escriba un disco sobre un asesino de policías". [163]
Las administraciones de la Casa Blanca tanto de George Bush padre como de Bill Clinton criticaron el género. [159] "La razón por la que el rap está bajo ataque es porque expone todas las contradicciones de la cultura estadounidense... Lo que comenzó como una forma de arte underground se ha convertido en un vehículo para exponer muchas cuestiones críticas que normalmente no se discuten en la cultura estadounidense. "El problema aquí es que la Casa Blanca y los aspirantes a serlo como Bill Clinton representan un sistema político que nunca tiene la intención de lidiar con el caos urbano del centro de la ciudad", dijo la hermana Souljah al Times. [159] Hasta su discontinuación el 8 de julio de 2006, BET publicó un segmento nocturno titulado BET: Uncut para transmitir videos casi sin censura. El espectáculo fue ejemplificado por videos musicales como " Tip Drill " de Nelly , que fue criticado por lo que muchos vieron como una representación explotadora de las mujeres, particularmente imágenes de un hombre deslizando una tarjeta de crédito entre las nalgas de una stripper.
"Gotta Give the Peeps What They Need" de Public Enemy fue censurado en MTV , eliminando las palabras "liberar a Mumia ". [164] Después del ataque al World Trade Center el 11 de septiembre de 2001, el grupo The Coup de Oakland, California , fue criticado por la portada de su álbum Party Music , que presentaba a los dos miembros del grupo sosteniendo un afinador de guitarra y dos baquetas [ 165] cuando las Torres Gemelas explotaron detrás de ellos a pesar de que fueron creadas meses antes del evento real. El grupo, que tiene un contenido lírico políticamente radical y marxista , dijo que la portada pretendía simbolizar la destrucción del capitalismo. Su sello discográfico retiró el álbum hasta que se pudiera diseñar una nueva portada.
Debido al éxito del género musical, a partir de la década de 2000, más industrias y marcas comenzaron a cooperar con artistas de hip-hop, que hasta entonces habían sido considerados demasiado escandalosos para el marketing general. [166] Similar al lavado verde , el fenómeno de las empresas que utilizan colaboraciones de hip-hop con fines comerciales sin comprender ni apoyar completamente la cultura involucrada se conoce como "lavado de calles". [167]
Críticos como David Kiley de Businessweek argumentan que la discusión sobre productos dentro de la cultura hip hop puede ser en realidad el resultado de acuerdos de colocación de productos no revelados. [168] Estos críticos alegan que el chelín o la colocación de productos tiene lugar en la música rap comercial, y que las referencias líricas a productos son en realidad patrocinios pagados. [168] En 2005, se filtró a la prensa un plan propuesto por McDonald's para pagar a los raperos para que publicitaran los productos de McDonald's en su música. [168] Después de que Russell Simmons hizo un trato con Courvoisier para promover la marca entre los fanáticos del hip hop, Busta Rhymes grabó la canción "Pass the Courvoisier". [168] Simmons insiste en que ningún dinero cambió de manos en el trato. [168]
La relación simbiótica también se ha extendido hasta incluir a fabricantes de automóviles, diseñadores de ropa y empresas de zapatillas deportivas, [169] y muchas otras empresas han utilizado la comunidad del hip hop para hacerse un nombre o darles credibilidad. Uno de esos beneficiarios fue Jacob el Joyero , un comerciante de diamantes de Nueva York. La clientela de Jacob Arabo incluía a Sean Combs , Lil' Kim y Nas . Creó piezas de joyería a partir de metales preciosos cargados de diamantes y piedras preciosas. [170]
Cuando su nombre fue mencionado en las letras de las canciones de sus clientes de hip hop, su perfil rápidamente creció. Arabo amplió su marca para incluir relojes con gemas incrustadas que se venden por cientos de miles de dólares, ganando tanta atención que Cartier presentó una demanda por infracción de marca registrada en su contra por poner diamantes en las esferas de sus relojes y revenderlos sin permiso. [170] El perfil de Arabo aumentó constantemente hasta su arresto en junio de 2006 por el FBI por cargos de lavado de dinero . [171]
Si bien algunas marcas agradecen el apoyo de la comunidad hip hop, una marca que no lo hizo fue el fabricante de champán Cristal , Louis Roederer . Un artículo de 2006 de la revista The Economist incluía comentarios del director general Frederic Rouzaud sobre si la identificación de la marca con las estrellas del rap podría afectar negativamente a su empresa. Su respuesta fue desdeñosa: "Es una buena pregunta, pero ¿qué podemos hacer? No podemos prohibir que la gente lo compre. Estoy seguro de que Dom Pérignon o Krug [champán] estarían encantados de tener su negocio". [172]
En represalia, muchos íconos del hip hop como Jay-Z y Sean Combs , que anteriormente incluían referencias a "Cris", dejaron de mencionar y comprar el champán. El acuerdo de 50 Cent con Vitamin Water , la promoción de Dr. Dre de su línea de auriculares Beats by Dr. Dre y Dr. Pepper , y el comercial de Drake con Sprite son acuerdos exitosos. Aunque los acuerdos de colocación de productos no eran populares en la década de 1980, MC Hammer fue uno de los primeros innovadores en este tipo de estrategia. Con productos como muñecas, comerciales de refrescos y numerosas apariciones en programas de televisión, Hammer inició la tendencia de que los artistas de rap fueran aceptados como presentadores de marcas. [173]
La cultura hip hop ha tenido una amplia cobertura en los medios de comunicación, especialmente en lo relacionado con la televisión; Ha habido varios programas de televisión dedicados al hip hop o sobre él, incluso en Europa (" HIPHOP " en 1984). Durante muchos años, BET fue el único canal de televisión que probablemente transmitía hip hop, pero en los últimos años [ ¿ cuándo? ] Los canales VH1 y MTV han agregado una cantidad significativa de hip hop a su lista de reproducción. Run DMC se convirtió en el primer grupo afroamericano en aparecer en MTV. [174] [175] Con la aparición de Internet, varios sitios en línea comenzaron a ofrecer contenido de video relacionado con el hip hop.
Las revistas de hip hop describen la cultura del hip hop, incluida información sobre raperos y MC, nueva música hip hop, conciertos, eventos, moda e historia. La primera publicación de hip hop, The Hip Hop Hit List , se publicó en la década de 1980. Contenía la primera lista de discos de música rap. Fue publicado por dos hermanos de Newark, Nueva Jersey, Vincent y Charles Carroll (quien también estaba en un grupo de hip hop conocido como The Nastee Boyz ). Conocían muy bien esta forma de arte y notaron la necesidad de una revista de hip hop. Los DJ y raperos no tenían forma de aprender sobre los estilos y etiquetas de la música rap.
El periódico comenzó como la primera lista de discos de rap y una hoja de consejos para DJ y se distribuyó a través de grupos de discos y tiendas de discos nacionales en todo el área de los tres estados de la ciudad de Nueva York. Uno de los editores fundadores, Charles Carroll, señaló: "En aquel entonces, todos los DJ venían a la ciudad de Nueva York para comprar sus discos, pero la mayoría de ellos no sabía qué era lo suficientemente atractivo como para gastar dinero, así que lo registramos". Jae Burnett se convirtió en socio de Vincent Carroll y jugó un papel fundamental en su desarrollo posterior.
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Otra revista popular de hip hop que surgió en la década de 1980 fue la revista Word Up , una revista estadounidense dirigida a los jóvenes con énfasis en el hip hop. Incluía artículos sobre cómo es ser parte de la comunidad del hip hop, promocionaba los próximos álbumes, generaba conciencia sobre los proyectos en los que participaba el artista y también incluía carteles de celebridades de moda dentro del mundo del Hip Hop. La revista se publicaba mensualmente y trataba principalmente de música rap, hip hop y R&B. La revista Word Up fue muy popular, incluso se mencionó en la popular canción de The Notorious BIG – Juicy "todo fue un sueño, solía leer la revista WordUp". La revista Word Up era parte de la cultura pop.
Los turistas neoyorquinos procedentes del extranjero se llevaron la publicación a otros países para compartirla, creando interés mundial en la cultura y la nueva forma de arte. [ cita necesaria ] Tenía una distribución impresa de 50.000, una tasa de circulación de 200.000 con más de 25.000 suscriptores. La "Hip Hop Hit List" también fue la primera en definir el hip hop como una cultura que presenta muchos aspectos de esta forma de arte, como la moda, la música, la danza, las artes y, lo más importante, el idioma. Por ejemplo, en la portada, el titular incluía la etiqueta "¡Toda la literatura fue producida para satisfacer la comprensión callejera!". lo que demostró su lealtad no sólo a la cultura sino también a las calles. La mayoría de las entrevistas se escribieron palabra por palabra, lo que incluía su innovador estilo de escritura en inglés entrecortado. Algunos de los primeros gráficos se escribieron en formato de etiqueta de graffiti, pero se hicieron lo suficientemente legibles para las masas. [ cita necesaria ]
Los hermanos Carroll también fueron consultores de muchas compañías discográficas que no tenían idea de cómo comercializar la música hip hop. Vincent Carroll, el creador y editor de la revista, se convirtió en una gran fuente de marketing y promoción de la cultura del hip hop, fundando Blow-Up Media, la primera empresa de marketing de hip hop con oficinas en el distrito Tribeca de Nueva York. A la edad de 21 años, Vincent Carroll empleó una plantilla de 15 personas y ayudó en el lanzamiento de algunas de las estrellas más grandes y brillantes de la cultura (los Fugees, Nelly, los Outzidaz, con Eminem y muchos más). [ cita necesaria ] Más tarde surgieron otras publicaciones, entre ellas: Hip Hop Connection , XXL , Scratch , The Source y Vibe . [176] Muchas ciudades individuales también han producido sus propios boletines locales de hip hop, mientras que en algunos otros países se encuentran revistas de hip hop con distribución nacional. El siglo XXI también marcó el comienzo del auge de los medios en línea, y los sitios para fanáticos del hip hop ahora ofrecen una cobertura completa del hip hop a diario.
La ropa, el cabello y otros estilos han sido una gran parte del impacto social y cultural del hip hop desde la década de 1970. Aunque los estilos han cambiado a lo largo de las décadas, la vestimenta y la apariencia urbana distintiva han sido una forma importante para que los raperos, bailarines de breakdance y otros miembros de la comunidad hip hop se expresen. A medida que aumentó la popularidad del género musical hip hop, también aumentó el efecto de su moda.
Si bien hubo elementos tempranos sinónimos de hip hop que se trasladaron a la cultura dominante, como la afinidad de Run-DMC por Adidas o la defensa de los Wallabees de Clarks por parte de Wu-Tang Clan , no fue hasta su apogeo comercial que la moda hip hop se volvió influyente. Desde mediados hasta finales de la década de 1990, la cultura hip hop acogió a algunos diseñadores importantes y estableció una nueva conexión con la moda clásica.
Marcas como Ralph Lauren , Calvin Klein y Tommy Hilfiger aprovecharon la cultura hip hop y dieron muy poco a cambio. Al entrar en el nuevo milenio, la moda hip hop consistía en camisas holgadas, jeans y camisetas. A medida que nombres como Pharrell y Jay-Z comenzaron sus propias líneas de ropa y otros como Kanye West se vincularon con diseñadores como Louis Vuitton , la ropa se volvió más ajustada, más clásica y cara. Artistas como West también comenzaron a dejar de usar las camisetas y comenzaron a usar lo que se llamó ropa "preppy". [177]
A medida que el hip hop ha visto un cambio en los medios por los cuales sus artistas expresan su masculinidad, desde la violencia y la intimidación hasta la ostentación de riqueza y el espíritu empresarial, también ha visto el surgimiento de la marca de rapero. [178] El artista de hip hop moderno ya no se limita a que la música sea su única ocupación o fuente de ingresos. A principios de la década de 1990, las principales empresas de indumentaria "[se habían] dado cuenta del potencial económico de aprovechar la cultura hip hop... Tommy Hilfiger fue uno de los primeros diseñadores de moda importantes que cortejó activamente a los raperos como una forma de promover su ropa urbana. ". [179]
Al unir fuerzas, el artista y la corporación pueden beneficiarse conjuntamente de los recursos de cada uno. Los artistas de Hip Hop marcan tendencias y crean gustos. Sus seguidores van desde grupos minoritarios que pueden identificarse con sus luchas profesadas hasta grupos mayoritarios que no pueden identificarse realmente pero que les gusta "consumir la fantasía de vivir una vida más masculina". [180]
Los raperos aportan el factor "cool y moderno", mientras que las corporaciones entregan el producto, la publicidad y los activos financieros. Tommy Hilfiger, uno de los primeros diseñadores convencionales que cortejó activamente a los raperos como una forma de promover su ropa urbana, es un ejemplo prototípico de las colaboraciones hip-hip/moda:
A cambio de darles guardarropas gratis a los artistas, Hilfiger encontró su nombre mencionado tanto en versos que riman de canciones de rap como en sus letras de "grito", en las que los artistas de rap cantan gracias a sus amigos y patrocinadores por su apoyo. El éxito de Hilfiger convenció a otras grandes empresas de diseño de moda estadounidenses, como Ralph Lauren y Calvin Klein, para adaptar sus líneas al lucrativo mercado de los artistas y fanáticos del hip hop. [181]
Los artistas ahora utilizan las marcas como medio de ingresos complementarios a su música o están creando y expandiendo sus propias marcas que se convierten en su principal fuente de ingresos. Como explica Harry Elam, ha habido un movimiento "desde la incorporación y redefinición de tendencias existentes hasta el diseño y comercialización de productos como moda hip hop". [181]
La música hip hop ha generado docenas de subgéneros que incorporan enfoques de producción musical hip hop, como el muestreo , la creación de ritmos o el rap. El proceso de diversificación surge de la apropiación de la cultura hip hop por parte de otros grupos étnicos. Hay muchas influencias sociales diferentes que afectan el mensaje del hip hop en diferentes naciones. Se utiliza con frecuencia como una respuesta musical a las injusticias políticas y/o sociales percibidas. En Sudáfrica la forma más grande de hip hop se llama Kwaito , el cual ha tenido un crecimiento similar al hip hop estadounidense. Kwaito es un reflejo directo de una Sudáfrica post-apartheid y es una voz para los que no tienen voz; un término al que a menudo se hace referencia al hip hop estadounidense. Kwaito incluso se percibe como un estilo de vida que abarca muchos aspectos de la vida, incluidos el idioma y la moda. [182]
Kwaito es un género político y partidista, ya que los artistas utilizan la música para expresar sus opiniones políticas y también para expresar su deseo de pasar un buen rato. Kwaito es una música que surgió de un pueblo que alguna vez fue odiado y oprimido, pero que ahora está arrasando en todo el país. Los principales consumidores de Kwaito son los adolescentes y la mitad de la población sudafricana tiene menos de 21 años. Algunos de los grandes artistas de Kwaito han vendido más de 100.000 álbumes, y en una industria donde 25.000 álbumes vendidos se consideran un disco de oro, son cifras impresionantes. [183] Kwaito permite la participación y el compromiso creativo de personas que de otro modo estarían socialmente excluidas en la generación de medios populares. [184] El hip hop sudafricano ha tenido un impacto en todo el mundo, con artistas como Tumi , HipHop Pantsula , Tuks Senganga . [185]
En Jamaica , los sonidos del hip hop se derivan de influencias estadounidenses y jamaicanas. El hip hop jamaicano se define tanto a través de la música dancehall como del reggae. El jamaicano Kool Herc trajo los sistemas de sonido, la tecnología y las técnicas de la música reggae a Nueva York durante la década de 1970. Los artistas jamaicanos de hip hop suelen rapear con acento tanto de Brooklyn como de Jamaica. La temática del hip hop jamaicano a menudo está influenciada por fuerzas internas y externas. Fuerzas externas como la era bling-bling del hip hop moderno actual y las influencias internas provenientes del uso del anticolonialismo y las referencias a la marihuana o "ganja" que los rastafaris creen que los acercan a Dios. [186] [187] [188]
El autor Wayne Marshall sostiene que "el hip hop, como cualquier otra forma cultural afroamericana anterior, ofrece una gama de significados convincentes y contradictorios para los artistas y el público jamaicanos. Desde la "negruridad moderna" hasta la "mente extranjera", el cosmopolitismo transnacional hasta Desde el panafricanismo militante , desde la remixología radical hasta el mimetismo absoluto, el hip hop en Jamaica encarna las innumerables formas en que los jamaiquinos adoptan, rechazan e incorporan formas extranjeras pero familiares". [189]
En el mundo en desarrollo, el hip hop ha tenido un impacto considerable en el contexto social. A pesar de la falta de recursos, el hip hop ha logrado avances considerables. [80] Debido a los fondos limitados, los artistas de hip hop se ven obligados a utilizar herramientas muy básicas, e incluso el graffiti, un aspecto importante de la cultura hip hop, se ve limitado debido a su falta de disponibilidad para la persona promedio. El hip hop ha comenzado a abrirse paso entre más artistas que negros. Hay otros artistas minoritarios que están ocupando un lugar central a medida que muchos niños de minorías de primera generación alcanzan la mayoría de edad. Un ejemplo es el rapero Awkwafina, un asiático-estadounidense, que rapea sobre ser asiático además de ser mujer. Ella, como muchos otros, usa el rap para expresar sus experiencias como minoría, no necesariamente para "unir" a las minorías sino para contar su historia. [190]
Muchos artistas de hip hop del mundo en desarrollo vienen a Estados Unidos en busca de oportunidades. Maya Arulpragasm (AKAMIA) , una artista de hip hop tamil nacida en Sri Lanka , afirma: "Sólo estoy tratando de construir una especie de puente, estoy tratando de crear un tercer lugar, en algún lugar entre el mundo desarrollado y el mundo en desarrollo". ." [191] Otro artista musical que utiliza el hip hop para brindar un mensaje positivo a los jóvenes africanos es Emmanuel Jal , un ex niño soldado de Sudán del Sur . Jal es uno de los pocos artistas musicales de Sudán del Sur que se ha abierto paso a nivel internacional [192] con su forma única de hip hop y un mensaje positivo en sus letras. [193] Jal ha atraído la atención de los principales medios de comunicación y académicos con su historia y el uso del hip hop como medio curativo para las personas afectadas por la guerra en África y también ha sido buscado en foros de conferencias internacionales como TED . [194]
Muchos artistas de K-Pop en Corea del Sur han sido influenciados por el hip hop y muchos artistas surcoreanos interpretan música hip hop. En Seúl , Corea del Sur, los coreanos b-boy. [195]
Los académicos sostienen que el hip hop puede tener un efecto empoderador en los jóvenes. Si bien hay misoginia, violencia y uso de drogas en los videos y letras de música de rap, el hip hop también muestra muchos temas positivos de autosuficiencia, resiliencia y autoestima. Estos mensajes pueden ser inspiradores para un joven que vive en la pobreza. Muchas canciones de rap contienen referencias al fortalecimiento de la comunidad afroamericana promoviendo causas sociales. Los trabajadores sociales han utilizado el hip hop para construir una relación con jóvenes en riesgo y desarrollar una conexión más profunda con el niño. [196] El hip hop tiene el potencial de enseñarse como una forma de ayudar a las personas a ver el mundo de manera más crítica, ya sea a través de formas de escritura, creación musical o activismo social. Las letras del hip hop se han utilizado para aprender sobre recursos literarios como metáforas, imágenes, ironía, tono, tema, motivo, trama y punto de vista. [197]
Las organizaciones e instalaciones están brindando espacios y programas para que las comunidades exploren cómo hacer y aprender sobre el hip hop. Un ejemplo son los IMP Labs en Regina, Saskatchewan, Canadá. Muchos estudios de danza y universidades ahora ofrecen lecciones de hip hop junto con tap y ballet, además de KRS-One que imparte conferencias de hip hop en la Universidad de Harvard. El productor de hip hop 9th Wonder y el ex rapero y actor Christopher "Play" Martin del grupo de hip hop Kid-n-Play han impartido clases de historia del hip hop en la Universidad Central de Carolina del Norte [198] y 9th Wonder también ha impartido un curso de "muestreo de alma de hip hop". "clase en la Universidad de Duke . [199] En 2007, la Biblioteca de la Universidad de Cornell estableció una Colección de Hip Hop para recopilar y hacer accesibles los artefactos históricos de la cultura hip hop y garantizar su preservación para las generaciones futuras. [200]
La comunidad hip hop ha sido un factor importante en la educación de sus oyentes sobre el VIH/SIDA, una enfermedad que ha afectado muy de cerca a la comunidad. Uno de los artistas más importantes del hip hop temprano, Eazy-E, miembro de NWA, había muerto de SIDA en 1995. [201] Desde entonces, muchos artistas, productores, coreógrafos y muchos otros de muchos lugares diferentes han intentado generar un impacto. y crear conciencia sobre el VIH en la comunidad del hip hop. Muchos artistas han hecho canciones como una especie de anuncios de servicio público para crear conciencia sobre el VIH entre los oyentes de hip hop, algunas canciones que crean conciencia son Salt N Pepa – Let's Talk About AIDS, Coolio – Too Hot y más. [202]
Artistas tanzanos como el Profesor Jay y el grupo Afande Sele se destacan por sus contribuciones a este género de música hip hop y la conciencia que han creado sobre el VIH. [203] El escritor, activista y artista de hip hop estadounidense Tim'm T. West, a quien le diagnosticaron SIDA en 1999, formó el grupo de hip hop queer Deep Dickollective que se reunió para rapear sobre la pandemia del VIH entre los hombres negros queer y el activismo LGBTQ en la cadera. brincar. [204] [205]
Una organización sin fines de lucro de la ciudad de Nueva York llamada Hip Hop 4 Life se esfuerza por educar a los jóvenes, especialmente a los de bajos ingresos, sobre los problemas sociales y políticos en sus áreas de interés, que incluyen el hip hop. [206] Hip Hop 4 Life ha celebrado muchos eventos en el área de la ciudad de Nueva York para crear conciencia sobre el VIH y otros problemas que rodean a estos niños de bajos ingresos y sus comunidades.
Desde la época de la esclavitud, la música ha sido durante mucho tiempo el lenguaje de la identidad afroamericana. Debido a que la lectura y la escritura estaban prohibidas bajo los auspicios de la esclavitud, la música se convirtió en la única forma accesible de comunicación. Cientos de años después, en los barrios del centro de la ciudad plagados de altas tasas de analfabetismo y deserción escolar, la música sigue siendo el medio de expresión más confiable. Así, el Hip Hop es para la actualidad lo que los Espirituales Negros son para las plantaciones del viejo Sur: la música emergente articula los terrores del entorno mejor que la palabra escrita o hablada, forjando así una "asociación incuestionable de opresión con creatividad [que] es endémica" de la cultura afroamericana". [207]
Como resultado, las letras de las canciones de rap a menudo han sido tratadas como "confesiones" de una serie de crímenes violentos en los Estados Unidos. [208] También se considera que es deber de los raperos y otros artistas de hip hop (DJ, bailarines) "representar" su ciudad y barrio. Esto exige estar orgullosos de pertenecer a barrios de ciudades desfavorecidas que tradicionalmente han sido motivo de vergüenza, y glorificarlos en letras y graffitis. Esta ha sido potencialmente una de las formas en que el hip hop ha pasado a ser considerado un género musical "local" en lugar de "extranjero" en tantos países del mundo en tan sólo unas pocas décadas. Sin embargo, muestrear y tomar prestado de una serie de géneros y lugares también es parte del entorno del hip hop, y un álbum como el éxito sorpresa Kala del rapero anglo-tamil MIA fue grabado en lugares de todo el mundo y presenta sonidos de un mundo diferente. país en cada pista. [209]
Según el académico Joseph Schloss, la perspectiva esencialista del hip hop confunde notoriamente el papel que desempeñan el estilo y el placer individuales en el desarrollo del género. Schloss señala que el Hip Hop está fosilizado para siempre como un emergente cultural inevitable, como si "ninguno de los innovadores del hip-hop hubiera nacido, un grupo diferente de jóvenes negros pobres del Bronx habría desarrollado el hip-hop exactamente de la misma manera". [207]
Sin embargo, si bien las condiciones opresivas generalizadas del Bronx probablemente producirían otro grupo de jóvenes desfavorecidos, se pregunta si estarían igualmente interesados, aunque dispuestos a dedicar tanto tiempo y energía a hacer música como Grandmaster Flash, DJ Kool Herc, y Afrika Bambaataa. Por lo tanto, concluye que el Hip Hop fue el resultado de una elección, no del destino, y que cuando se ignoran las contribuciones individuales y las preferencias artísticas, el origen del género se atribuye excesivamente a la opresión cultural colectiva.
Los artistas y defensores de la música hip hop han declarado que el hip hop ha sido una forma artística y cultural afroamericana auténtica (verdadera y "real") desde su aparición en los barrios del centro de la ciudad del Bronx en la década de 1970. Algunos críticos musicales, académicos y comentaristas políticos [ ¿quién? ] han negado la autenticidad del hip hop. Los defensores que afirman que el hip hop es un género musical auténtico afirman que es una respuesta continua a la violencia y la discriminación experimentadas por los negros en los Estados Unidos, desde la esclavitud que existió hasta el siglo XIX, hasta los linchamientos del siglo XX y la La continua discriminación racial que enfrentan los negros. [211] [212]
Paul Gilroy y Alexander Weheliye afirman que a diferencia del disco , el jazz , el R&B , la música house y otros géneros que se desarrollaron en la comunidad afroamericana y que fueron rápidamente adoptados y luego cada vez más controlados por los ejecutivos blancos de la industria musical, el hip hop ha permanecido en gran medida controlado. por artistas, productores y ejecutivos afroamericanos. [213] En su libro, Fonografías , Weheliye describe las afiliaciones políticas y culturales que permite la música hip hop. [214]
Por el contrario, Greg Tate afirma que la forma mercantil del hip hop comercial, impulsada por el mercado, ha desarraigado el género de la celebración de la cultura afroamericana y los mensajes de protesta que predominaban en sus primeras formas. [215] Tate afirma que la mercantilización y comercialización de la cultura hip hop socava el dinamismo del género para las comunidades afroamericanas.
Estas dos interpretaciones disidentes sobre el alcance y la influencia del hip hop enmarcan debates que giran en torno a la posesión o falta de autenticidad del hip hop. [216] Anticipándose a los argumentos de mercado de Tate y otros, tanto Gilroy como Weheliye afirman que el hip hop siempre ha tenido una función diferente a la de la música popular occidental en su conjunto, una función que excede las limitaciones del capitalismo de mercado. [217]
Weheliye señala: "La música popular, generalmente en forma de grabaciones, ha funcionado y sigue funcionando como uno de los principales canales de comunicación entre los diferentes puntos geográficos y culturales de la diáspora africana , permitiendo a los artistas articular y realizar su ciudadanía diaspórica para audiencias internacionales y establecer conversaciones con otras comunidades de la diáspora". [217] Para Paul Gilroy, el hip hop demuestra una salida de articulación y un espacio sonoro en el que los afroamericanos pueden ejercer un control y una influencia que a menudo carecen en otros ámbitos sociopolíticos y económicos. [218]
En "Fonografías", Weheyliye explica cómo las nuevas tecnologías de sonido utilizadas en el hip hop fomentan la "ciudadanía diaspórica" y las actividades culturales y políticas afroamericanas. [219] Gilroy afirma que "el poder de la música [hip hop] [yace] en el desarrollo de las luchas negras comunicando información, organizando la conciencia y probando o implementando... formas individuales o colectivas" de acciones culturales y políticas afroamericanas. . [218] En el tercer capítulo de The Black Atlantic , "Joyas traídas de la esclavitud: la música negra y la política de la autenticidad", Gilroy afirma que estos elementos influyen en la producción y la interpretación de las actividades culturales negras. Lo que Gilroy llama los rituales y tradiciones musicales del "Atlántico Negro" son una forma más amplia de pensar sobre la "negritud" afroamericana, una forma que va más allá de los debates contemporáneos en torno a argumentos esencialistas y antiesencialistas . Como tal, Gilroy afirma que la música ha sido y sigue siendo un escenario central para los debates sobre el trabajo, la responsabilidad y el papel futuro de la producción cultural y artística negra. [220]
El artista de hip hop de la vieja escuela DJ Kool Herc , junto con los artistas de hip hop tradicional Afrika Bambaataa y Grandmaster Caz , originalmente tenían opiniones contrarias al rap convencional. [221] Sin embargo, entrevistas recientes indican que han cambiado sus costumbres hasta cierto punto. [222] [ ¿ investigación original? ] Sin embargo, raperos como KRS-One todavía sienten una fuerte desaprobación hacia la industria del rap, especialmente a través de los principales medios de comunicación. [223] [ ¿ investigación original? ]
En el b-boying , la mayoría de los seguidores han comenzado a involucrar lentamente más patrocinio de la industria a través de eventos en la World BBoy Series y a través de la UDEF impulsada por Silverback Open. [224] Otros b-boys han comenzado a aceptar el uso del término breakdance, pero sólo si el término b-boying es demasiado difícil de comunicar al público en general. Independientemente de esto, los b-boys y b-girls todavía existen para mostrar una falta de apoyo a las improvisaciones y eventos que sienten que representan la cultura como deporte, forma de entretenimiento y también a través del capitalismo . Battle Rap como industria también ha sido fuertemente respaldada por leyendas de la vieja escuela/era dorada como Herc, Kid Capri y KRS-One . [225] [226]
En 2012, el pionero del hip hop y el rap Chuck D , del grupo Public Enemy , criticó a los jóvenes artistas de hip hop de la década de 2010, afirmando que habían tomado un género musical con amplias raíces en la música underground y lo habían convertido en música pop comercializada. [227] En particular, figuras seminales de la música underground temprana, con motivaciones políticas, como Ice-T , han criticado a los artistas actuales de hip hop por estar más preocupados por la imagen que por la sustancia. [228] Los críticos han declarado que los artistas de hip hop de la década de 2010 están contribuyendo a los estereotipos culturales de la cultura afroamericana y son gánsteres farsantes . Los críticos también han afirmado que la música hip hop promueve el consumo de drogas y la violencia. [229] [230] [231]
El hip hop ha sido criticado por críticos centrados en el rock que afirman que el hip hop no es una verdadera forma de arte y que afirman que la música rock and roll es más auténtica . Estos críticos defienden un punto de vista llamado " rockismo " que favorece la música escrita e interpretada por el artista individual (como se ve en algunas bandas de rock famosas dirigidas por cantautores) y está en contra del hip hop de la década de 2000, que estos críticos argumentan. dar un papel demasiado importante a los productores de discos y a la grabación de sonido digital . El hip hop se considera demasiado violento y explícito en comparación con el rock. Algunos sostienen que las críticas tienen connotaciones raciales, ya que estos críticos niegan que el hip hop sea una forma de arte y elogian los géneros de rock que presentan de manera prominente a hombres blancos. [232]
El género musical hip hop y su subcultura han sido criticados por su prejuicio de género y sus impactos negativos en las mujeres de la cultura afroamericana. Artistas de gangsta rap como Eazy-E , Snoop Dogg , 2Pac y Dr. Dre han rapeado, principalmente en la década de 1990, letras que retratan a las mujeres como juguetes sexuales e inferiores o dependientes de los hombres . [233] Entre 1987 y 1993, más de 400 canciones de hip hop tenían letras que describían la violencia hacia las mujeres , incluidas violaciones, violencia sexual , agresiones y asesinatos. [234] Estas letras anti-mujeres han creado estereotipos negativos de las jóvenes afroamericanas urbanas. [235]
La música hip hop promueve con frecuencia el heterosexismo y la masculinidad hegemónica , ya que representa a las mujeres como individuos que deben depender de los hombres. [234] La representación de las mujeres en las letras y videos de hip hop tiende a ser violenta, degradante y altamente sexualizada. [236] Hay una alta frecuencia de canciones con letras que son degradantes hacia las mujeres y representan violencia sexual o agresión sexual hacia las mujeres. [236] [237] Los videos a menudo retratan cuerpos femeninos idealizados y representan a las mujeres como objeto del placer masculino . [238]
La tergiversación de las mujeres, principalmente mujeres de color , como objetos en lugar de otros seres humanos y la presencia del dominio masculino en el hip hop se remonta al nacimiento del género. Sin embargo, muchas artistas femeninas de hip hop también han surgido para arrojar luz tanto sobre sus problemas personales como sobre las tergiversaciones de las mujeres en la música y la cultura hip hop. Estos artistas incluyen, entre otros, Queen Latifah , TLC y MC Lyte . A pesar del éxito de ellos y de otros, las raperas siguen siendo proporcionalmente pocas en la industria principal. [239] [240]
Muy pocas artistas femeninas han sido reconocidas en el hip hop, y los artistas, productores discográficos y ejecutivos musicales más populares, exitosos e influyentes son hombres. Las mujeres que están en grupos de rap, como Lauryn Hill of the Fugees , tienden a tener menos ventajas y oportunidades que los artistas masculinos. [241] Además, las artistas femeninas han recibido significativamente menos reconocimiento en el hip hop. Sólo una artista femenina ha ganado el premio al Mejor Álbum de Rap del Año en los Premios Grammy desde que se agregó la categoría en 1995. [242] Además, las artistas afroamericanas de hip hop han sido reconocidas aún menos en la industria. [243] Salt-N-Pepa sintió que cuando se estaban estableciendo como un grupo exitoso, tuvieron que demostrar que los escépticos estaban equivocados, afirmando que "al ser mujeres en el hip hop en un momento en el que no había tantas mujeres, sentíamos que Tenía más que demostrar". [244]
Las escenas de hip hop, rap incondicional y trap , junto con sus subgéneros y subculturas derivados , son más notorias por haber celebrado y promovido continuamente el tráfico de drogas, el estilo de vida de los gánsteres y el consumo de drogas y alcohol desde sus inicios en los Estados Unidos a fines de la década de 1980. –principios de los años 1990. [245] [246] [236] [247]
Asimismo, la comunidad musical hip hop ha sido criticada con acusaciones de homofobia y transfobia . [248] Las letras de las canciones de hip hop contienen insultos homofóbicos y ofensivos (más popularmente el término peyorativo " maricón ") y, a veces, amenazas violentas hacia las personas queer , como " Where the Hood At? " del rapero DMX y Eazy-E . "Nobody Move", " Punks Jump Up to Get Beat Down " del grupo de rap Brand Nubian . [249] Muchos raperos y artistas de hip hop han abogado por la homofobia y/o la transfobia. [250] Estos artistas incluyen a Ja Rule , quien en una entrevista afirmó: "Necesitamos ir a MTV y Viacom , y hablemos de todos estos jodidos programas que tienen en MTV que promueven la homosexualidad, que mis hijos no pueden". mira esta mierda", [251] y el artista de rap Erick Sermon , quien ha dicho públicamente: "[El hip hop] nunca aceptará raperos transgénero". [252]
Hasta la década de 2010, la música hip hop excluía a la comunidad de lesbianas, gays, bisexuales y transgénero (LGBT) . Esto ha perpetuado una cultura en el hip hop que tiene prejuicios hacia las personas queer y trans, lo que hace que sea difícil para los artistas queer participar en ella. [248] A pesar de este prejuicio, algunos raperos y artistas de hip hop queer/ genderqueer se han vuelto exitosos y populares. en la década de 2010. Uno de los miembros más notables de la comunidad LGBT en el hip hop es Frank Ocean , quien salió del armario en 2012, lanzó álbumes aclamados por la crítica y ganó dos premios Grammy . [253] Otros artistas queer de hip hop/rap exitosos incluyen a la rapera bisexual Azealia Banks , [254] la rapera y cantante andrógina pansexual Angel Haze , [255] la rapera lesbiana Siya , [256] el rapero y cantante gay Kevin Abstract , [257] y " El rapero género queer Mykki Blanco" . [258]
Con sus raíces en la música disco , funk , jazz , R&B y soul , [259] [260] [261] el hip hop se ha expandido desde entonces por todo el mundo. Su expansión incluye eventos como el lanzamiento de Planet Rock por parte de Afrika Bambaataa en 1982 , que intentó establecer una armonía más global. En la década de 1980, el británico Slick Rick se convirtió en el primer artista de hip hop de éxito internacional no nativo de Estados Unidos. [ cita necesaria ] Desde la década de 1980 en adelante, la televisión globalizó el hip hop. De Yo! MTV rapea en la gira mundial de Public Enemy, el hip hop se extendió a América Latina y se convirtió en una cultura dominante. El hip hop ha sido cortado, mezclado y adaptado a medida que la música se extiende a nuevas áreas. [262] [263] [ ¿ fuente poco confiable? ]
Los inicios del hip hop pueden haber reducido la violencia de las pandillas en el centro de la ciudad al proporcionar un medio de expresión alternativo a la violencia física. [264] Sin embargo, con el surgimiento del gangsta rap comercial y relacionado con el crimen a principios de la década de 1990, la violencia, las drogas, las armas y la misoginia fueron temas clave. El hip hop con conciencia social y política ha sido ignorado durante mucho tiempo por la corriente principal de Estados Unidos en favor de su hermano, el gangsta rap, que hostiga a los medios . [69]
Artistas negras como Queen Latifah , Missy Elliott y MC Lyte han logrado grandes avances desde que comenzó la industria del hip hop. Al producir música y una imagen que no respondía a los estereotipos hipersexualizados de las mujeres negras en el hip hop, estas mujeres fueron pioneras en una imagen revitalizada y empoderadora de las mujeres negras en el hip hop. [265] Aunque muchos artistas de hip hop han abrazado los ideales que efectivamente privan de sus derechos a las artistas negras, muchos otros optan por emplear formas de resistencia que contrarrestan estas representaciones negativas de las mujeres en el hip hop y ofrecen una narrativa diferente. Estos artistas buscan ampliar formas de pensamiento tradicional a través de diferentes formas de expresión cultural. En este esfuerzo esperan provocar una respuesta a las artistas femeninas de hip hop no con una lente misógina sino con una que valide la lucha de las mujeres. [266]
Para las mujeres, artistas como Missy Elliott, Lil' Kim, Young MA y otros brindan tutoría para nuevas MC femeninas. Además, existe una escena vibrante fuera de la corriente principal que brinda una oportunidad para que florezcan las mujeres y su música. [sesenta y cinco]
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