La pintura holandesa del Siglo de Oro es la pintura del Siglo de Oro holandés , un período de la historia holandesa que abarca aproximadamente el siglo XVII, [1] durante y después de la última parte de la Guerra de los Ochenta Años (1568-1648) por la independencia holandesa.
La nueva República Holandesa era la nación más próspera de Europa y lideraba el comercio, la ciencia y el arte europeos. Las provincias del norte de Holanda que componían el nuevo estado habían sido tradicionalmente centros artísticos menos importantes que las ciudades de Flandes en el sur. Los trastornos y los traslados de población a gran escala de la guerra, y la marcada ruptura con las antiguas tradiciones culturales monárquicas y católicas, significaron que el arte holandés tuvo que reinventarse casi por completo, tarea en la que tuvo gran éxito. La pintura de temas religiosos decayó drásticamente, pero creció un gran mercado nuevo para todo tipo de temas seculares.
Aunque la pintura holandesa del Siglo de Oro está incluida en el período general europeo de la pintura barroca , y a menudo muestra muchas de sus características, la mayoría carece de la idealización y el amor por el esplendor típico de gran parte de la obra barroca, incluida la de la vecina Flandes . La mayoría de las obras, incluida aquella por la que el período es más conocido, reflejan las tradiciones de realismo detallado heredadas de la pintura holandesa temprana .
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Una característica distintiva del período es la proliferación de distintos géneros de pinturas, [2] y la mayoría de los artistas producen la mayor parte de su trabajo dentro de uno de ellos. El pleno desarrollo de esta especialización se observa a partir de finales de la década de 1620, y el período comprendido entre entonces y la invasión francesa de 1672 constituye el núcleo de la pintura del Siglo de Oro. Los artistas pasaban la mayor parte de sus carreras pintando sólo retratos, escenas de género, paisajes, marinas y barcos, o naturalezas muertas y, a menudo, un subtipo particular dentro de estas categorías. Muchos de estos tipos de temas eran nuevos en la pintura occidental, y la forma en que los holandeses los pintaron en este período fue decisiva para su desarrollo futuro.
Una característica distintiva de la época, en comparación con la pintura europea anterior, fue la pequeña cantidad de pintura religiosa. El calvinismo holandés prohibió la pintura religiosa en las iglesias y, aunque los temas bíblicos eran aceptables en los hogares privados, se produjeron relativamente pocos. Las otras clases tradicionales de historia y retrato estaban presentes, pero el período se destaca más por una gran variedad de otros géneros, subdivididos en numerosas categorías especializadas, como escenas de la vida campesina, paisajes, paisajes urbanos, paisajes con animales, paisajes marítimos. cuadros, cuadros de flores y bodegones de diversos tipos. El desarrollo de muchos de estos tipos de pintura estuvo decisivamente influenciado por los artistas holandeses del siglo XVII.
La teoría ampliamente difundida de la " jerarquía de géneros " en la pintura, según la cual algunos tipos se consideraban más prestigiosos que otros, llevó a muchos pintores a querer producir pintura histórica. Sin embargo, esto fue lo más difícil de vender, como descubrió incluso Rembrandt . Muchos se vieron obligados a realizar retratos o escenas de género, que se vendían mucho más fácilmente. En orden descendente de estatus, las categorías en la jerarquía fueron:
Los holandeses se concentraron fuertemente en las categorías "inferiores", pero de ninguna manera rechazaron el concepto de jerarquía. [4] La mayoría de las pinturas eran relativamente pequeñas; el único tipo común de pinturas realmente grandes eran los retratos de grupo. La pintura directamente sobre las paredes apenas existía; Cuando era necesario decorar un espacio de pared en un edificio público, normalmente se usaban lienzos enmarcados. Para lograr la mayor precisión posible sobre una superficie dura, muchos pintores continuaron utilizando paneles de madera, algún tiempo después de que el resto de Europa occidental los abandonara; algunas planchas de cobre usadas, normalmente planchas de reciclaje procedentes del grabado . A su vez, el número de pinturas supervivientes del Siglo de Oro se redujo al ser sobrepintadas con nuevas obras de artistas a lo largo de los siglos XVIII y XIX; las pinturas pobres solían ser más baratas que un lienzo, un bastidor y un marco nuevos.
Hubo muy poca escultura holandesa durante el período; se encuentra principalmente en monumentos funerarios y adjuntos a edificios públicos, y las pequeñas esculturas para casas son un vacío notable, siendo su lugar ocupado por platería y cerámica . Los azulejos pintados de Delft eran muy baratos y comunes, aunque rara vez eran de muy alta calidad, pero la plata, especialmente en el estilo auricular , lideraba Europa. Con esta excepción, los mejores esfuerzos artísticos se concentraron en la pintura y el grabado.
Los extranjeros destacaron las enormes cantidades de arte producidas y las grandes ferias donde se vendían muchas pinturas: se estima aproximadamente que sólo en los 20 años posteriores a 1640 se pintaron más de 1,3 millones de cuadros holandeses. [5] El volumen de producción hizo que los precios fueran bastante bajos, excepto para los artistas más conocidos; Como en la mayoría de los períodos posteriores, hubo una marcada pendiente de precios para los artistas más de moda. [6] Aquellos que no tenían una fuerte reputación contemporánea, o que habían pasado de moda, incluidos muchos ahora considerados entre los más grandes de la época, como Vermeer , Frans Hals y Rembrandt en sus últimos años, tuvieron considerables problemas para ganarse la vida, y murió pobre; muchos artistas tenían otros trabajos o abandonaron el arte por completo. [7] En particular, la invasión francesa de 1672 (el Rampjaar , o "año del desastre") provocó una grave depresión en el mercado del arte, que nunca volvió a alcanzar sus niveles anteriores. [8]
La distribución de los cuadros fue muy amplia: "sí, muchos estampas, herreros, zapateros, etc., tendrán algún cuadro que otro en su fragua y en su puesto. Tal es la noción general, inclinación y gusto que estos nativos del país tienen por la pintura". informó un viajero inglés en 1640. [9] Había, prácticamente por primera vez, muchos marchantes de arte profesionales, varios artistas también importantes, como Vermeer y su padre, Jan van Goyen y Willem Kalf . El marchante de Rembrandt, Hendrick van Uylenburgh , y su hijo Gerrit se encontraban entre los más importantes. Los paisajes eran las obras sin encargo más fáciles de vender, y sus pintores eran los " lacayos comunes en el ejército del arte", según Samuel van Hoogstraten . [10]
La calidad técnica de los artistas holandeses era en general alta y en su mayoría seguían el antiguo sistema medieval de formación mediante aprendizaje con un maestro. Por lo general, los talleres eran más pequeños que en Flandes o Italia, con sólo uno o dos aprendices a la vez, y el número a menudo estaba restringido por las regulaciones del gremio. La agitación de los primeros años de la República, con los artistas desplazados del sur que se desplazaban hacia el norte y la pérdida de los mercados tradicionales en la corte y la iglesia, provocó un resurgimiento de los gremios de artistas, a menudo todavía llamados Gremio de San Lucas . En muchos casos, esto implicó que los artistas se separaran de agrupaciones medievales donde compartían un gremio con varios otros oficios, como la pintura de casas. Durante el período se establecieron varios gremios nuevos: Amsterdam en 1579, Haarlem en 1590 y Gouda , Rotterdam , Utrecht y Delft entre 1609 y 1611. [11] Las autoridades de Leiden desconfiaban de los gremios y no permitieron uno hasta 1648. [12]
Más adelante en el siglo, comenzó a quedar claro para todos los involucrados que la antigua idea de un gremio que controlara tanto la formación como las ventas ya no funcionaba bien, y gradualmente los gremios fueron reemplazados por academias , a menudo preocupadas únicamente por la formación de artistas. La Haya , con la corte, fue un ejemplo temprano, donde los artistas se dividieron en dos grupos en 1656 con la fundación de la Confrerie Pictura . Con la obvia excepción de los retratos, muchas más pinturas holandesas se hicieron "especulativamente" sin un encargo específico que en otros países, una de las muchas formas en que el mercado del arte holandés mostró el futuro. [13]
Hubo muchas dinastías de artistas y muchos se casaron con las hijas de sus maestros u otros artistas. Muchos artistas procedían de familias acomodadas, que pagaban honorarios por su aprendizaje y, a menudo, se casaban con propiedades. Rembrandt y Jan Steen estuvieron matriculados en la Universidad de Leiden durante un tiempo. Varias ciudades tenían distintos estilos y especialidades según la temática, pero Ámsterdam era el centro artístico más grande, debido a su gran riqueza. [14] Ciudades como Haarlem y Utrecht fueron más importantes en la primera mitad del siglo, surgiendo Leiden y otras ciudades después de 1648, y sobre todo Amsterdam, que atrajo cada vez más a artistas del resto de los Países Bajos, así como a Flandes y Alemania. [15]
Los artistas holandeses estaban sorprendentemente menos preocupados por la teoría artística que los de muchas naciones, y menos dados a discutir su arte; parece que también había mucho menos interés por la teoría artística en los círculos intelectuales generales y entre el público en general que el que por entonces era común en Italia. [16] Como casi todas las comisiones y ventas eran privadas, y entre individuos burgueses cuyas cuentas no se han conservado, estas también están menos documentadas que en otros lugares. Pero el arte holandés era una fuente de orgullo nacional y los principales biógrafos son fuentes cruciales de información. Se trata de Karel van Mander (Het Schilderboeck, 1604), que cubre esencialmente el siglo anterior, y Arnold Houbraken ( De groote schouburgh der Nederlantsche konstschilders en schilderessen – "El gran teatro de los pintores holandeses", 1718-1721). Ambos siguieron a Vasari , y de hecho lo superaron, al incluir un gran número de vidas cortas de artistas (más de 500 en el caso de Houbraken) y, en general, ambos se consideran precisos en cuestiones fácticas.
El artista alemán Joachim von Sandrart (1606-1688) había trabajado durante períodos en Holanda, y su Deutsche Akademie, en el mismo formato, abarca a muchos artistas holandeses que conocía. El maestro de Houbraken y alumno de Rembrandt fue Samuel van Hoogstraten (1627-1678), cuyo Zichtbareweld e Inleyding tot de Hooge Schoole der Schilderkonst (1678) contienen información más crítica que biográfica y se encuentran entre los tratados de pintura más importantes de la época. Al igual que otras obras holandesas sobre la teoría del arte, exponen muchos lugares comunes de la teoría del Renacimiento y no reflejan completamente el arte holandés contemporáneo, concentrándose a menudo todavía en la pintura histórica. [17]
Esta categoría comprende no sólo pinturas que representan acontecimientos históricos del pasado, sino también pinturas que muestran escenas bíblicas, mitológicas, literarias y alegóricas . Los acontecimientos históricos recientes esencialmente quedaron fuera de esta categoría y fueron tratados de manera realista, como la combinación apropiada de retratos con temas marinos, urbanos o paisajísticos. [18] Las grandes escenas dramáticas históricas o bíblicas se produjeron con menos frecuencia que en otros países, ya que no había un mercado local para el arte de la iglesia y había pocas grandes casas aristocráticas barrocas para llenar. Más que eso, la población protestante de las principales ciudades había estado expuesta a algunos usos notablemente hipócritas de la alegoría manierista en la infructuosa propaganda de los Habsburgo durante la revuelta holandesa , que había producido una fuerte reacción hacia el realismo y una desconfianza hacia la retórica visual grandiosa. [19] La pintura histórica era ahora un "arte minoritario", aunque hasta cierto punto esto fue compensado por un interés relativamente agudo en las versiones impresas de temas históricos. [20]
Más que en otros tipos de pintura, los pintores de historia holandeses continuaron estando influenciados por la pintura italiana. Circularon grabados y copias de obras maestras italianas que sugirieron ciertos esquemas compositivos. La creciente habilidad holandesa en la representación de la luz se aplicó a estilos derivados de Italia, en particular el de Caravaggio . Algunos pintores holandeses también viajaron a Italia, aunque esto fue menos común que entre sus contemporáneos flamencos, como puede verse por la membresía del club Bentvueghels en Roma. [13]
A principios de siglo continuaron trabajando muchos artistas manieristas del Norte con estilos formados en el siglo anterior, hasta la década de 1630 en los casos de Abraham Bloemaert y Joachim Wtewael . [21] Muchas pinturas de historia eran de pequeña escala, y el pintor alemán (residente en Roma) Adam Elsheimer tuvo tanta influencia como Caravaggio (ambos murieron en 1610) en pintores holandeses como Pieter Lastman , el maestro de Rembrandt, y Jan y Jacob Pynas . En comparación con la pintura histórica barroca de otros países, compartían el énfasis holandés en el realismo y la franqueza narrativa, y a veces se les conoce como los "prerembrandtistas", ya que las primeras pinturas de Rembrandt eran de este estilo. [22]
El caravaggismo de Utrecht describe a un grupo de artistas que produjeron tanto pintura histórica como escenas de género generalmente grandes en un estilo de influencia italiana, a menudo haciendo un uso intensivo del claroscuro . Utrecht, antes de la revuelta la ciudad más importante del nuevo territorio holandés, era una ciudad holandesa inusual, todavía alrededor del 40% católica a mediados de siglo, incluso más entre los grupos de élite, que incluían a muchos nobles y aristócratas rurales con casas adosadas allí. . [23] Los artistas principales fueron Hendrick ter Brugghen , Gerard van Honthorst y Dirck van Baburen , y la escuela estuvo activa alrededor de 1630, aunque van Honthorst continuó hasta la década de 1650 como un exitoso pintor de la corte de las cortes inglesa, holandesa y danesa de una manera más estilo clásico. [24]
Rembrandt comenzó como pintor de historia antes de encontrar el éxito financiero como retratista, y nunca abandonó sus ambiciones en esta área. Un gran número de sus grabados son escenas religiosas narrativas, y la historia de su último encargo de historia, La conspiración de Claudio Civilis (1661) ilustra tanto su compromiso con la forma como las dificultades que tuvo para encontrar una audiencia. [25] Varios artistas, muchos de ellos alumnos suyos, intentaron con cierto éxito continuar con su estilo muy personal; Govaert Flinck fue el más exitoso. Gerard de Lairesse (1640-1711) fue otro de ellos, antes de caer bajo una fuerte influencia del clasicismo francés y convertirse en su principal defensor holandés como artista y teórico. [26]
La desnudez era efectivamente el dominio exclusivo del pintor de historia, aunque muchos retratistas vestían sus desnudos ocasionales (casi siempre femeninos) con un título clásico, como lo hacía Rembrandt. A pesar de su desinhibida sugestión, los pintores de género rara vez revelaban más que un generoso escote o un estiramiento del muslo, generalmente cuando retrataban prostitutas o campesinos "italianos".
La pintura de retratos prosperó en los Países Bajos en el siglo XVII, ya que había una gran clase mercantil que estaba mucho más dispuesta a encargar retratos que sus equivalentes en otros países; un resumen de diversas estimaciones de la producción total llega a entre 750.000 y 1.100.000 retratos. [28] Rembrandt disfrutó de su mayor período de éxito financiero como un joven retratista de Ámsterdam, pero al igual que otros artistas, se aburrió bastante de pintar retratos de burgueses por encargo: "los artistas viajan por este camino sin deleite", según van Mander. [29]
Mientras que el retrato holandés evita la arrogancia y la retórica excesiva del retrato aristocrático barroco corriente en el resto de la Europa del siglo XVII, la vestimenta sombría de los modelos masculinos y, en muchos casos, femeninos, y el sentimiento calvinista de que la inclusión de accesorios, posesiones o vistas de tierra al fondo mostraría el pecado del orgullo conduce a una innegable similitud en muchos retratos holandeses, a pesar de su calidad técnica. Incluso se suele evitar una postura de pie, ya que una postura de cuerpo entero también podría mostrar orgullo. Las poses no son demostrativas, especialmente para las mujeres, aunque a los niños se les puede permitir más libertad. El momento clásico para pintar un retrato era el momento del matrimonio, cuando el nuevo marido y la nueva esposa ocupaban en la mayoría de los casos marcos separados en un par de cuadros. Los retratos posteriores de Rembrandt convencen por la fuerza de la caracterización y, a veces, por un elemento narrativo, pero incluso sus primeros retratos pueden resultar desalentadores en conjunto , como en la sala llena de 'Rembrandts iniciales' donada al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.
El otro gran retratista de la época es Frans Hals , cuya famosa pincelada vivaz y su capacidad para mostrar a los retratados con un aspecto relajado y alegre añade emoción incluso a los sujetos menos prometedores. La "postura extremadamente indiferente" de su retrato de Willem Heythuijsen es excepcional: "ningún otro retrato de esta época es tan informal". [30] El modelo era un rico comerciante textil que ya había encargado a Hals el único retrato individual de tamaño natural de tamaño natural diez años antes. En esta obra mucho más pequeña para una cámara privada, viste ropa de montar. [31] Jan de Bray animó a sus modelos a posar disfrazados de figuras de la historia clásica, pero muchas de sus obras pertenecen a su propia familia. Thomas de Keyser , Bartholomeus van der Helst , Ferdinand Bol y otros, incluidos muchos de los que se mencionan a continuación como pintores de historia o de género, hicieron todo lo posible para animar obras más convencionales. El retrato, menos afectado por la moda que otros tipos de pintura, siguió siendo el recurso seguro para los artistas holandeses.
Por lo poco que sabemos sobre los procedimientos de los artistas en el taller, parece que, como en otras partes de Europa, el rostro probablemente fue dibujado y tal vez pintado en una o dos sesiones iniciales. El número típico de sesiones posteriores no está claro: entre cero (para un largometraje de Rembrandt) y 50 aparecen documentadas. La ropa se dejaba en el taller y bien podía ser pintada por ayudantes o por un maestro especialista contratado, aunque o porque se consideraba una parte muy importante del cuadro. [32] Las mujeres casadas y las que nunca se casaron se pueden distinguir por su vestimenta, destacando cuán pocas mujeres solteras fueron pintadas, excepto en grupos familiares. [33] Como en otros lugares, la precisión de la ropa mostrada es variable: se usaban ropas a rayas y estampadas, pero los artistas rara vez las muestran, evitando comprensiblemente el trabajo adicional. [34] Los cuellos de encaje y gorguera eran inevitables y presentaban un desafío formidable a la intención de los pintores de realismo. Rembrandt desarrolló una forma más efectiva de pintar encajes estampados, colocándolos en amplias pinceladas blancas y luego pintando ligeramente en negro para mostrar el patrón. Otra forma de hacerlo era pintar de blanco sobre una capa de negro y raspar el blanco con la punta del pincel para mostrar el patrón. [35]
A finales de siglo existía una moda de mostrar modelos con vestidos semielegantes, iniciada en Inglaterra por van Dyck en la década de 1630, conocida como vestimenta "pintoresca" o "romana". [36] Los modelos aristocráticos y milicianos se permitieron más libertad en vestimentas brillantes y ambientes amplios que los burgueses, y las afiliaciones religiosas probablemente afectaron muchas representaciones. A finales de siglo, los valores aristocráticos, o franceses, se estaban extendiendo entre los burgueses y se permitió más libertad y exhibición a las representaciones.
Un tipo distintivo de pintura, que combina elementos del retrato, la historia y la pintura de género, fue la tronie . Por lo general, se trataba de la mitad del cuerpo de una sola figura que se concentraba en capturar un estado de ánimo o expresión inusual. Se suponía que la identidad real del modelo no era importante, pero podría representar una figura histórica y vestir un traje exótico o histórico. Jan Lievens y Rembrandt, muchos de cuyos autorretratos también son tronies (especialmente los grabados), estuvieron entre los que desarrollaron el género.
Los retratos familiares tendían, como en Flandes, a realizarse al aire libre en jardines, pero sin una vista amplia como más tarde en Inglaterra, y a ser relativamente informales en cuanto a vestimenta y estado de ánimo. Los retratos de grupo, en gran medida una invención holandesa, eran populares entre el gran número de asociaciones cívicas que formaban una parte notable de la vida holandesa, como los oficiales de los schutterij o guardias de la milicia de una ciudad, los consejos de administración y los regentes de gremios y fundaciones caritativas y los como. Especialmente en la primera mitad del siglo, los retratos eran muy formales y de composición rígida. A menudo los grupos estaban sentados alrededor de una mesa, y cada persona miraba al espectador. Se prestó mucha atención a los finos detalles de la ropa y, cuando correspondía, a los muebles y otros signos de la posición de una persona en la sociedad. Más adelante en el siglo, los grupos se volvieron más animados y los colores más brillantes. Los síndicos del gremio de pañeros de Rembrandt son un tratamiento sutil de un grupo alrededor de una mesa.
Los científicos a menudo posaban con instrumentos y objetos de estudio a su alrededor. A veces, los médicos posaban juntos alrededor de un cadáver, en la llamada "Lección anatómica", siendo la más famosa la Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp de Rembrandt (1632, Mauritshuis , La Haya ). Los consejos de administración en sus retratos regentenstuk preferían una imagen de austeridad y humildad, posando con ropa oscura (que por su refinamiento atestiguaba su posición prominente en la sociedad), a menudo sentados alrededor de una mesa, con expresiones solemnes en sus rostros.
La mayoría de los retratos de grupos de milicias fueron encargados en Haarlem y Amsterdam y eran mucho más extravagantes y relajados o incluso bulliciosos que otros tipos de retratos, además de mucho más grandes. Los primeros ejemplos los mostraban cenando, pero los grupos posteriores mostraban a la mayoría de figuras de pie, representando una composición más dinámica. La famosa La compañía de milicias del capitán Frans Banning Cocq de Rembrandt, más conocida como La ronda de noche (1642), fue un intento ambicioso y no del todo exitoso de mostrar a un grupo en acción, partiendo para una patrulla o un desfile, también innovador al evitar las típicas muy amplio formato de tales obras.
El coste de los retratos de grupo normalmente lo compartían los sujetos, a menudo de forma no equitativa. La cantidad pagada podría determinar el lugar de cada persona en la imagen, ya sea de pies a cabeza con toda su vestimenta en primer plano o solo de frente en la parte trasera del grupo. A veces, todos los miembros del grupo pagaban la misma suma, lo que probablemente daba lugar a peleas cuando algunos miembros ocupaban un lugar más destacado en la imagen que otros. En Ámsterdam, la mayoría de estas pinturas terminarían finalmente en posesión del ayuntamiento, y muchas se exhiben ahora en el Amsterdams Historisch Museum ; No hay ejemplos significativos fuera de los Países Bajos.
Las escenas de la vida cotidiana, ahora llamadas pinturas de género , presentan de manera prominente figuras a las que no se les puede asignar ninguna identidad específica: no son retratos ni pretenden ser figuras históricas, sino más bien instantáneas de la vida cotidiana. Junto con la pintura de paisajes, el desarrollo y enorme popularidad de la pintura de género es el rasgo más distintivo de la pintura holandesa de este período, aunque en este caso también fueron muy populares en la pintura flamenca. Muchas son figuras individuales, como La lechera de Vermeer ; otros pueden mostrar grupos grandes en alguna ocasión social o multitudes.
"La Holanda del siglo XVII produjo más y mejores artistas dedicados a la pintura de género con y sin mensajes que cualquier otra nación." [38] Había un gran número de subtipos dentro del género: figuras solitarias, familias campesinas, escenas de taberna, fiestas de " alegre compañía ", mujeres trabajando en la casa, escenas de festividades de pueblo o ciudad (aunque éstas eran aún más habituales en la pintura flamenca), escenas de mercado, escenas de cuarteles, escenas con caballos o animales de granja, en la nieve, a la luz de la luna, y muchas más. De hecho, la mayoría de ellos tenían términos específicos en holandés, pero no existía un término holandés general equivalente a "pintura de género"; hasta finales del siglo XVIII, los ingleses a menudo los llamaban "drolleries". [39] Algunos artistas trabajaron principalmente dentro de uno de estos subtipos, especialmente después de 1625 aproximadamente. [40] A lo largo del siglo, las pinturas de género tendieron a reducir su tamaño.
Aunque las pinturas de género brindan muchas ideas sobre la vida cotidiana de los ciudadanos de todas las clases del siglo XVII, su precisión no siempre puede darse por sentada. [41] Por lo general, muestran lo que los historiadores del arte denominan un "efecto de realidad" en lugar de una representación realista real; el grado en que esto es así varía entre artistas. Muchas pinturas que parecen representar sólo escenas cotidianas en realidad ilustran refranes y dichos holandeses o transmiten un mensaje moralista, cuyo significado quizás ahora deba ser descifrado por los historiadores del arte, aunque algunos son bastante claros. Muchos artistas, y sin duda compradores, intentaron ciertamente ambas cosas, disfrutando de la representación de hogares desordenados o escenas de burdeles, al tiempo que proporcionaban una interpretación moral: las obras de Jan Steen , cuya otra profesión era la de posadero, son un ejemplo. Los historiadores del arte todavía debaten hoy el equilibrio entre estos elementos. [42]
Los títulos dados posteriormente a las pinturas suelen distinguir entre " tabernas " o " posadas " y " burdeles ", pero en la práctica se trataba muy a menudo de los mismos establecimientos, ya que muchas tabernas tenían habitaciones arriba o detrás reservadas para fines sexuales: "Posada delante "Burdel detrás" era un proverbio holandés . [43]
El Steen de arriba es claramente un ejemplo , y aunque cada uno de sus componentes individuales está representado de manera realista, la escena general no es una descripción plausible de un momento real; típicamente, en la pintura de género, es una situación que se representa y se satiriza. [44]
La tradición renacentista de libros de emblemas recónditos se había convertido, en manos de los holandeses del siglo XVII (casi universalmente alfabetizados en lengua vernácula, pero en su mayoría sin educación en los clásicos), en las obras popularistas y altamente moralistas de Jacob Cats , Roemer Visscher y otros, a menudo basados en refranes populares . Las ilustraciones de estos a menudo se citan directamente en pinturas y, desde principios del siglo XX, los historiadores del arte han adjuntado refranes, dichos y lemas a un gran número de obras de género. Otra fuente popular de significado son los juegos de palabras visuales que utilizan la gran cantidad de términos del argot holandés en el área sexual: la vagina podría representarse por un laúd ( luit ) o una media ( kous ), y el sexo por un pájaro ( vogelen ), entre muchos otros. opciones, [45] y símbolos puramente visuales como zapatos, caños y jarras y cántaros en su costado.
Los mismos pintores a menudo pintaban obras con un espíritu muy diferente de amas de casa u otras mujeres que descansaban en el hogar o en el trabajo: superaban enormemente en número a tratamientos similares de los hombres. De hecho, los hombres de clase trabajadora que realizan sus trabajos están notablemente ausentes del arte holandés del Siglo de Oro, con paisajes poblados por viajeros y holgazanes, pero rara vez por trabajadores de la tierra. [46] A pesar de que la República Holandesa es la nación más importante en el comercio internacional en Europa, y de la abundancia de pinturas marinas, las escenas de trabajadores portuarios y otras actividades comerciales son muy raras. [47] Este grupo de temas fue una invención holandesa, que reflejaba las preocupaciones culturales de la época, [48] y sería adoptado por artistas de otros países, especialmente Francia, en los dos siglos siguientes.
La tradición se desarrolló a partir del realismo y la detallada actividad de fondo de la pintura holandesa temprana, que Hieronymus Bosch y Pieter Bruegel el Viejo estuvieron entre los primeros en convertir en sus temas principales, haciendo también uso de proverbios. Los pintores de Haarlem Willem Pieterszoon Buytewech , Frans Hals y Esaias van de Velde fueron pintores importantes a principios de este período. Buytewech pintó " compañías alegres " de jóvenes elegantemente vestidos, con un significado moralista acechando en los detalles.
Van de Velde también fue importante como paisajista, cuyas escenas incluían figuras poco glamorosas muy diferentes de las de sus pinturas de género, que típicamente estaban ambientadas en fiestas en el jardín de casas de campo. Hals fue principalmente un retratista, pero también pintó figuras de género de tamaño retrato al principio de su carrera. [50]
Una estancia en Haarlem del maestro flamenco de escenas de tabernas campesinas Adriaen Brouwer , de 1625 o 1626, le dio a Adriaen van Ostade su tema de toda la vida, aunque a menudo adoptó un enfoque más sentimental. Antes de Brouwer, los campesinos normalmente aparecían al aire libre; por lo general los muestra en un interior sencillo y oscuro, aunque los de van Ostade a veces ocupan granjas ostentosamente decrépitas de enorme tamaño. [51]
Era probable que Van Ostade pintara una sola figura como grupo, al igual que los Caravaggisti de Utrecht en sus obras de género, y la figura única, o pequeños grupos de dos o tres, se volvieron cada vez más comunes, especialmente aquellos que incluían mujeres y niños. La artista más notable de la época, Judith Leyster (1609-1660), se especializó en estos, antes de que su marido, Jan Miense Molenaer , la convenciera de que abandonara la pintura. La escuela de fijnschilder ("buenos pintores") de Leiden era famosa por sus pinturas pequeñas y muy acabadas, muchas de este tipo. Entre los artistas destacados se encontraban Gerard Dou , Gabriel Metsu , Frans van Mieris el Viejo y más tarde su hijo Willem van Mieris , Godfried Schalcken y Adriaen van der Werff .
Esta última generación, cuyo trabajo ahora parece demasiado refinado en comparación con sus predecesores, también pintó retratos e historias, y fueron los pintores holandeses más respetados y recompensados al final del período, cuyas obras fueron buscadas en toda Europa. [52] Las pinturas de género reflejaban la creciente prosperidad de la sociedad holandesa, y los escenarios se volvieron cada vez más cómodos, opulentos y cuidadosamente representados a medida que avanzaba el siglo. Entre los artistas que no formaban parte del grupo de Leiden y cuyos temas comunes también eran grupos de género más íntimos se encontraban Nicolaes Maes , Gerard ter Borch y Pieter de Hooch , cuyo interés por la luz en las escenas interiores era compartido con Jan Vermeer , durante mucho tiempo una figura muy oscura, pero ahora el pintor de género más respetado de todos.
La pintura de paisajes fue un género importante en el siglo XVII. Los paisajes flamencos (especialmente los de Amberes ) del siglo XVI sirvieron por primera vez como ejemplo. Estos no eran particularmente realistas, ya que habían sido pintados principalmente en el estudio, en parte a partir de la imaginación, y a menudo todavía utilizaban la vista semi-aérea desde arriba típica de la pintura de paisajes holandesa anterior en la tradición del " paisaje mundial " de Joachim Patinir , Herri conoció a Bles y el primer Pieter Bruegel el Viejo . Se desarrolló un estilo paisajístico holandés más realista, visto desde el nivel del suelo, a menudo basado en dibujos realizados al aire libre, con horizontes más bajos que permitían resaltar las, a menudo impresionantes, formaciones de nubes que eran (y son) tan típicas del clima de la región, y que arrojan una luz particular. Los temas favoritos eran las dunas de la costa occidental, los ríos con sus amplias praderas adyacentes donde pastaba el ganado, a menudo con la silueta de una ciudad en la distancia. También abundaban los paisajes invernales con canales y arroyos helados. El mar también era un tema favorito, ya que los Países Bajos dependían de él para el comercio, luchaban con él por nuevas tierras y luchaban en él con naciones competidoras.
Las primeras figuras importantes en el paso al realismo fueron Esaias van de Velde (1587-1630) y Hendrick Avercamp (1585-1634), ambos también mencionados anteriormente como pintores de género; en el caso de Avercamp, las mismas pinturas merecen mención en cada categoría. A partir de finales de la década de 1620 comenzó la "fase tonal" de la pintura de paisajes, cuando los artistas suavizaron o difuminaron sus contornos y se concentraron en un efecto atmosférico, dando gran importancia al cielo y a las figuras humanas generalmente ausentes o pequeñas y distantes. Se hicieron populares las composiciones basadas en una diagonal a lo largo del espacio pictórico y, a menudo, aparecía agua. Los artistas más destacados fueron Jan van Goyen (1596-1656), Salomon van Ruysdael (1602-1670), Pieter de Molyn (1595-1661) y en pintura marina Simon de Vlieger (1601-1653), con una gran cantidad de figuras menores. – un estudio reciente enumera más de 75 artistas que trabajaron al estilo de Van Goyen durante al menos un período, incluido Cuyp. [56]
A partir de la década de 1650 comenzó la "fase clásica", conservando la calidad atmosférica, pero con composiciones más expresivas y contrastes más fuertes de luz y color. Las composiciones suelen estar ancladas en un único "árbol heroico", un molino de viento o una torre, o un barco en obras marinas. [57] El artista principal fue Jacob van Ruisdael (1628-1682), quien produjo una gran cantidad y variedad de obras, utilizando todos los temas típicos holandeses excepto el paisaje italiano (abajo); en cambio, produjo paisajes "nórdicos" de oscuros y espectaculares bosques de pinos de montaña con torrentes y cascadas. [58]
Su alumno fue Meindert Hobbema (1638-1709), mejor conocido por su atípica Avenida en Middelharnis (1689, Londres), una desviación de sus escenas habituales de molinos de agua y caminos a través de bosques. Otros dos artistas con estilos más personales, cuyos mejores trabajos incluyeron cuadros más grandes (de hasta un metro o más de ancho), fueron Aelbert Cuyp (1620-1691) y Philips Koninck (1619-1688). Cuyp tomó la luz dorada italiana y la utilizó en escenas nocturnas con un grupo de figuras en primer plano y detrás de ellas un río y un amplio paisaje. Las mejores obras de Koninck son vistas panorámicas, como desde una colina, sobre amplias tierras de cultivo planas, con un cielo enorme.
Un tipo diferente de paisaje, producido a lo largo de las fases tonal y clásica, fue el paisaje romántico italiano, típicamente en entornos más montañosos que los de los Países Bajos, con luz dorada y, a veces, pintorescos edificios y ruinas mediterráneas. No todos los artistas que se especializaron en estos habían visitado Italia. Jan Both (m. 1652), que había estado en Roma y trabajó con Claude Lorrain , fue un destacado desarrollador del subgénero, que influyó en la obra de muchos pintores de paisajes con ambientación holandesa, como Aelbert Cuyp. Otros artistas que trabajaron constantemente en este estilo fueron Nicolaes Berchem (1620-1683) y Adam Pijnacker . Los paisajes de estilo italiano eran populares como grabados, y durante el mismo período se reprodujeron en grabados más pinturas de Berchem que las de cualquier otro artista. [59]
Varios otros artistas no encajan en ninguno de estos grupos, sobre todo Rembrandt, cuyos relativamente pocos paisajes pintados muestran diversas influencias, incluidas algunas de Hércules Seghers (c. 1589-c. 1638); Sus muy raros paisajes de grandes valles montañosos fueron un desarrollo muy personal de los estilos del siglo XVI. [60] Aert van der Neer (m. 1677) pintó escenas muy pequeñas de ríos de noche o bajo hielo y nieve.
Los paisajes con animales en primer plano eran un subtipo distinto y fueron pintados por Cuyp, Paulus Potter (1625-1654), Albert Jansz. Klomp (1625-1688), Adriaen van de Velde (1636-1672) y Karel Dujardin ( 1626-1678, animales de granja), con Philips Wouwerman pintando caballos y jinetes en diversos escenarios. La vaca era un símbolo de prosperidad para los holandeses, hasta entonces pasado por alto en el arte y, aparte del caballo, con diferencia, el animal más comúnmente representado; Se utilizaron cabras para indicar Italia. El toro joven de Potter es un retrato enorme y famoso que Napoleón llevó a París (más tarde regresó), aunque los analistas ganaderos han observado, a partir de la representación de las distintas partes de la anatomía, que parece ser una combinación de estudios de seis animales diferentes de ampliamente diferentes edades.
La arquitectura también fascinó a los holandeses, en particular las iglesias. Al comienzo del período, la principal tradición eran los palacios fantásticos y las vistas de la ciudad de la arquitectura manierista del norte inventada, que la pintura flamenca continuó desarrollando, y en Holanda estuvo representada por Dirck van Delen . Comenzó a aparecer un mayor realismo y se reprodujeron, aunque no siempre fielmente, los exteriores e interiores de los edificios reales. Durante el siglo, la comprensión de la representación adecuada de la perspectiva creció y se aplicó con entusiasmo. Varios artistas se especializaron en interiores de iglesias.
Pieter Jansz Saenredam , cuyo padre Jan Saenredam grabó sensuales diosas manieristas desnudas, pintó vistas despobladas de iglesias góticas de la ciudad, ahora encaladas. Su énfasis en la luz uniforme y la geometría, con poca representación de las texturas superficiales, se resalta al comparar sus obras con las de Emanuel de Witte , quien dejó en la gente pisos irregulares, contrastes de luz y el desorden de muebles de iglesia que quedaba en Iglesias calvinistas, todas ellas habitualmente ignoradas por Saenredam. Gerard Houckgeest , seguido de van Witte y Hendrick van Vliet , había complementado la vista tradicional a lo largo de un eje principal de la iglesia con vistas diagonales que añadían dramatismo e interés. [61]
Gerrit Berckheyde se especializó en vistas poco pobladas de las principales calles, plazas y edificios públicos importantes de la ciudad; Jan van der Heyden prefirió escenas más íntimas de las calles más tranquilas de Ámsterdam, a menudo con árboles y canales. Eran vistas reales, pero no dudó en ajustarlas para lograr un efecto compositivo. [62]
La República Holandesa dependía del comercio marítimo para su riqueza excepcional, tuvo guerras navales con Gran Bretaña y otras naciones durante el período y estaba atravesada por ríos y canales. Por lo tanto, no sorprende que el género de la pintura marítima fuera enormemente popular y que los artistas holandeses lo llevaran a nuevas alturas en la época; Al igual que con los paisajes, el paso desde la vista artificial elevada típica de la pintura marina anterior fue un paso crucial. [63] Imágenes de batallas navales contaban historias de una armada holandesa en la cima de su gloria, aunque hoy en día suelen ser las escenas más tranquilas las que se valoran más. Los barcos normalmente están en el mar y las escenas de los muelles están sorprendentemente ausentes. [64]
La mayoría de las veces, incluso los barcos pequeños ondean el tricolor holandés , y muchos buques pueden identificarse como navales o como uno de los muchos otros barcos gubernamentales. Muchas fotografías incluían algún terreno, con un mirador de playa o puerto, o una vista de un estuario. Otros artistas se especializaron en escenas fluviales, desde los pequeños cuadros de Salomon van Ruysdael con barquitos y bancos de juncos hasta los grandes paisajes italianos de Aelbert Cuyp , donde el sol suele ponerse sobre un ancho río. Naturalmente, el género comparte mucho con la pintura de paisajes, y al desarrollar la representación del cielo, los dos iban juntos; Muchos paisajistas también pintaron escenas de playas y ríos. Entre los artistas se encontraban Jan Porcellis , Simon de Vlieger , Jan van de Cappelle , Hendrick Dubbels y Abraham Storck . Willem van de Velde el Viejo y su hijo son los principales maestros de las últimas décadas y tendieron, como a principios de siglo, a hacer del barco el tema central, mientras que en las obras tonales de décadas anteriores el énfasis había estado en el mar y El clima. Partieron hacia Londres en 1672, dejando al maestro de los mares agitados, el alemán Ludolf Bakhuizen , como artista principal. [sesenta y cinco]
Los bodegones fueron una gran oportunidad para demostrar habilidad en pintar texturas y superficies con gran detalle y con efectos de luz realistas. Comida de todo tipo dispuesta sobre una mesa, cubiertos de plata, diseños intrincados y sutiles pliegues en manteles y flores, todo ello desafió a los pintores. Los pintores holandeses produjeron naturalezas muertas en gran número, revelando el "amor holandés por la cultura doméstica". El término inglés "deriva de la palabra holandesa stilleven ", que empezó a utilizarse alrededor de 1650. [66]
Se reconocieron varios tipos de temas: banketje eran "piezas de banquete", ontbijtjes más simples "piezas de desayuno". [67] Prácticamente todas las naturalezas muertas tenían un mensaje moralista, generalmente relacionado con la brevedad de la vida (esto se conoce como el tema de la vanitas ), implícito incluso en ausencia de un símbolo obvio como una calavera, o uno menos obvio como una calavera a medio pelar. limón (como la vida, dulce en apariencia pero amargo al gusto). [68] Las flores se marchitan y los alimentos se pudren, y la plata no sirve para nada al alma. Sin embargo, la fuerza de este mensaje parece menos poderosa en las piezas más elaboradas de la segunda mitad del siglo.
Inicialmente los objetos mostrados eran casi siempre mundanos. Sin embargo, a partir de mediados de siglo los pronkstillevens ("naturalezas muertas ostentosas"), que representaban objetos caros y exóticos y que habían sido desarrollados como un subgénero en la década de 1640 en Amberes por artistas flamencos como Frans Snyders y Adriaen van Utrecht , se hicieron más populares. [69] Las primeras fases realista, tonal y clásica de la pintura de paisajes tuvieron contrapartes en la pintura de bodegones. [70] Willem Claeszoon Heda (1595- c. 1680 ) y Willem Kalf (1619-1693) lideraron el cambio al pronkstilleven , mientras que Pieter Claesz (m. 1660) prefirió pintar "ontbijt" ("piezas de desayuno") más simples. o piezas explícitas de vanitas .
En todos estos pintores, los colores suelen ser muy apagados, predominando los marrones, especialmente a mediados de siglo. Esto es menos cierto en el caso de las obras de Jan Davidsz de Heem (1606-1684), una figura importante que pasó gran parte de su carrera radicada al otro lado de la frontera, en Amberes . Aquí sus exhibiciones comenzaron a extenderse hacia los lados para formar cuadros anchos y oblongos, algo inusual en el norte, aunque Heda a veces pintaba composiciones verticales más altas. Los pintores de bodegones eran especialmente propensos a formar dinastías, parece que hubo muchos De Heems y Bosschaerts, el hijo de Heda continuó con el estilo de su padre y Claesz fue el padre de Nicholaes Berchem.
Las pinturas de flores formaron un subgrupo con sus propios especialistas y, en ocasiones, fueron la especialidad de unas pocas artistas mujeres, como Maria van Oosterwyck y Rachel Ruysch . [71] Los holandeses también lideraron el mundo en dibujos, grabados e ilustraciones de libros botánicos y otros científicos. A pesar del intenso realismo de las flores individuales, las pinturas se compusieron a partir de estudios individuales o incluso ilustraciones de libros, y flores de estaciones muy diferentes se incluían rutinariamente en la misma composición, y las mismas flores reaparecen en diferentes obras, tal como lo hacen las piezas de vajilla. También había una irrealidad fundamental en el hecho de que los ramos de flores en jarrones no eran nada comunes en las casas de la época, ni siquiera las flores muy ricas expuestas una por una en tulipanes de cerámica de Delft . [72]
La tradición holandesa fue iniciada en gran medida por Ambrosius Bosschaert (1573-1621), un pintor de flores nacido en Flamenca que se había establecido en el norte a principios del período y fundó una dinastía. Su cuñado Balthasar van der Ast (muerto en 1657) fue pionero en la realización de naturalezas muertas de conchas, además de pintar flores. Estas primeras obras estaban relativamente iluminadas y los ramos de flores dispuestos de una manera relativamente sencilla. A partir de mediados de siglo, los arreglos que con justicia pueden denominarse barrocos, generalmente sobre un fondo oscuro, se hicieron más populares, ejemplificados por las obras de Willem van Aelst (1627-1683). Los pintores de Leiden , La Haya y Ámsterdam destacaron especialmente en este género.
La caza muerta y los pájaros pintados vivos pero estudiados desde entre los muertos eran otro subgénero, al igual que los peces muertos, un alimento básico de la dieta holandesa; Abraham van Beijeren hizo muchos de estos. [73] Los holandeses eran menos dados al estilo flamenco de combinar grandes elementos de bodegones con otros tipos de pintura (se les habría considerado orgullosos de los retratos) y al hábito flamenco de que pintores especialistas colaboraran en los diferentes elementos de la misma obra. Pero esto sucedió a veces: Philips Wouwerman fue utilizado ocasionalmente para agregar hombres y caballos para convertir un paisaje en un escenario de caza o escaramuza, Berchem o Adriaen van de Velde para agregar personas o animales de granja.
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Para los artistas holandeses, Schilderboeck de Karel van Mander no sólo pretendía ser una lista de biografías, sino también una fuente de consejos para los artistas jóvenes. Rápidamente se convirtió en una obra clásica para generaciones de jóvenes artistas holandeses y flamencos del siglo XVII. El libro aconsejaba a los artistas viajar y ver los lugares de interés de Florencia y Roma, y después de 1604 muchos lo hicieron. Sin embargo, llama la atención que los artistas holandeses más importantes en todos los campos, figuras como Rembrandt, Vermeer, Hals, Steen, Jacob van Ruisdael y otros, no habían realizado el viaje. [13]
Muchos pintores holandeses (y flamencos) trabajaron en el extranjero o exportaron su obra; El grabado también fue un importante mercado de exportación, por el que Rembrandt se hizo conocido en toda Europa. El obsequio holandés a Carlos II de Inglaterra fue un obsequio diplomático que incluía cuatro pinturas holandesas contemporáneas. La pintura inglesa dependía en gran medida de los pintores holandeses, con Sir Peter Lely seguido por Sir Godfrey Kneller , desarrollando el estilo de retrato inglés establecido por el flamenco Anthony van Dyck antes de la Guerra Civil Inglesa . Los pintores marinos van der Velde, padre e hijo , estuvieron entre varios artistas que abandonaron Holanda durante la invasión francesa de 1672, que provocó el colapso del mercado del arte. También se trasladaron a Londres, y los inicios de la pintura de paisajes inglesa los establecieron varios pintores holandeses menos distinguidos, como Hendrick Danckerts .
Los Bamboccianti fueron una colonia de artistas holandeses que introdujeron la escena del género en Italia. Jan Weenix y Melchior d'Hondecoeter se especializaban en caza y aves, vivas o muertas, y tenían demanda para casas de campo y pabellones de caza en todo el norte de Europa.
Aunque el control holandés de la región productora de azúcar del noreste del Brasil holandés resultó ser breve (1630-54), el gobernador Johan Maurits van Nassau-Siegen invitó a artistas holandeses a pintar escenas que son valiosas para mostrar el paisaje y los pueblos del siglo XVII. de la región. [74] Los dos más conocidos de estos artistas fueron Frans Post , un paisajista, y un pintor de bodegones, Albert Eckhout , que produjo pinturas etnográficas de la población de Brasil. Originalmente se exhibieron en el Gran Salón del Palacio Vrijburg en Recife . [75] Había un mercado en Amsterdam para este tipo de pinturas, [76] y Post continuó produciendo escenas brasileñas durante años después de su regreso a los Países Bajos. Las Indias Orientales Holandesas estuvieron mucho menos cubiertas artísticamente.
El enorme éxito de la pintura holandesa del siglo XVII dominó el trabajo de las generaciones posteriores, y ningún pintor holandés del siglo XVIII (ni, posiblemente, uno del siglo XIX anterior a Van Gogh ) es bien conocido fuera de los Países Bajos. Ya al final del período, los artistas se quejaban de que los compradores estaban más interesados en los artistas muertos que en los vivos.
Aunque sólo sea por las enormes cantidades producidas, la pintura holandesa del Siglo de Oro siempre ha formado una parte importante de las colecciones de pinturas de antiguos maestros , un término inventado en el siglo XVIII para describir a los artistas holandeses del Siglo de Oro. Tomando únicamente pinturas de Wouwerman de antiguas colecciones reales, hay más de 60 en Dresde y más de 50 en el Hermitage . [77] Pero la reputación del período ha mostrado muchos cambios y desplazamientos de énfasis. Un factor casi constante ha sido la admiración por Rembrandt , especialmente desde el período romántico. Otros artistas han mostrado cambios drásticos en la fortuna crítica y el precio de mercado; Al final del período, algunos de los fijnschilders activos de Leiden tenían una enorme reputación, pero desde mediados del siglo XIX las obras realistas de diversos géneros han sido mucho más apreciadas. [78]
Vermeer fue rescatado de una oscuridad casi total en el siglo XIX, momento en el que varias de sus obras habían sido reatribuidas a otros. Sin embargo, el hecho de que muchas de sus obras ya estuvieran en colecciones importantes, a menudo atribuidas a otros artistas, demuestra que se reconocía la calidad de las pinturas individuales incluso si se desconocía su obra colectiva. [79] Otros artistas han seguido siendo rescatados de la masa de pintores poco conocidos: los tardíos y muy sencillos bodegones de Adriaen Coorte en la década de 1950, [80] y los paisajistas Jacobus Mancaden y Frans Post a principios de siglo. [81]
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Las pinturas de género fueron populares durante mucho tiempo, pero poco consideradas. En 1780, Horace Walpole desaprobó que "invitan a la risa a divertirse con la más desagradable delicadeza de los groseros". [82] Sir Joshua Reynolds , el líder inglés del arte académico del siglo XVIII , hizo varios comentarios reveladores sobre el arte holandés. Quedó impresionado por la calidad de La lechera de Vermeer (ilustrada al comienzo de este artículo) y la vivacidad de los retratos de Hals, lamentando haber carecido de "paciencia" para terminarlos adecuadamente y lamentó que Steen no hubiera nacido en Italia y formado por el Alto Renacimiento , por lo que su talento podría haberse aprovechado mejor. [83] En la época de Reynolds, el aspecto moralista de la pintura de género ya no se entendía, ni siquiera en los Países Bajos; el ejemplo famoso es la llamada Admonición Paternal , como se la conocía entonces, de Gerard ter Borch . Goethe y otros elogiaron esta obra por la delicadeza de su descripción de un padre reprendiendo a su hija. De hecho, en opinión de la mayoría (pero no de todos) los eruditos modernos, se trata de una escena de proposición en un burdel: hay dos versiones (Berlín y Amsterdam) y no está claro si una "moneda delatora" en la mano del hombre tiene sido removido o sobrepintado en cualquiera de los dos. [84]
En la segunda mitad del siglo XVIII, el realismo realista de la pintura holandesa era un " gusto Whig " en Inglaterra y en Francia asociado con el racionalismo de la Ilustración y las aspiraciones de reforma política. [85] En el siglo XIX, con un respeto casi universal por el realismo y el declive final de la jerarquía de géneros, los pintores contemporáneos comenzaron a tomar prestado de los pintores de género tanto su realismo como su uso de objetos con fines narrativos, y pintaron similares. Los temas mismos, con todos los géneros que los holandeses habían sido pioneros, aparecían en lienzos mucho más grandes (a excepción de las naturalezas muertas).
En la pintura de paisajes, los artistas italianos fueron los más influyentes y respetados en el siglo XVIII, pero John Constable estuvo entre los románticos que los denunciaron por artificialidad, prefiriendo a los artistas tonales y clásicos. [59] De hecho, ambos grupos siguieron siendo influyentes y populares en el siglo XIX.
![Pieter de Hooch, Patio de una casa en Delft, 1658, un estudio sobre las virtudes domésticas, la textura y la complejidad espacial. La mujer es una sirvienta[53].](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c2/Pieter_de_Hooch_-_The_Courtyard_of_a_House_in_Delft.jpg/1280px-Pieter_de_Hooch_-_The_Courtyard_of_a_House_in_Delft.jpg)
![Judith Leyster, Un niño y una niña con un gato y una anguila; Se han sugerido varias referencias a proverbios o emblemas.[54]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/41/Judith_Leyster_A_Boy_and_a_Girl_with_a_Cat_and_an_Eel.jpg/1280px-Judith_Leyster_A_Boy_and_a_Girl_with_a_Cat_and_an_Eel.jpg)
