El arte español ha contribuido de manera importante al arte occidental y España ha producido muchos artistas famosos e influyentes, entre ellos Velázquez , Goya y Picasso . El arte español estuvo particularmente influenciado por Francia e Italia durante los períodos barroco y neoclásico , pero el arte español a menudo ha tenido características muy distintivas, explicadas en parte por la herencia morisca en España (especialmente en Andalucía ) y por el clima político y cultural en España durante la Contrarreforma y el posterior eclipse del poder español bajo la dinastía borbónica .
El arte prehistórico de España tuvo muchos períodos importantes: fue uno de los principales centros del arte del Paleolítico Superior europeo y del arte rupestre del Levante español en los períodos posteriores. En la Edad del Hierro, grandes partes de España fueron un centro de arte celta , y la escultura ibérica tiene un estilo distintivo, en parte influenciado por los asentamientos griegos costeros. España fue conquistada por los romanos en el año 200 a. C. y Roma fue reemplazada sin problemas por los visigodos germánicos en el siglo V d. C., quienes pronto se cristianizaron. Los relativamente pocos restos de arte y arquitectura visigodos muestran una versión atractiva y distinta de las tendencias europeas más amplias. Con la conquista omeya de Hispania en el siglo VIII hubo una notable presencia morisca en el arte, especialmente en el sur de Iberia. Durante los siglos siguientes, las ricas cortes de Al-Andalus produjeron muchas obras de calidad excepcional, que culminaron en la Alhambra de Granada , justo al final de la España musulmana.
Mientras tanto, las partes de España que permanecieron cristianas, o que fueron reconquistadas , fueron prominentes en el arte prerrománico y románico . El arte gótico tardío español floreció bajo la monarquía unificada en los estilos gótico isabelino y plateresco , y las tradiciones ya fuertes en pintura y escultura comenzaron a beneficiarse de la influencia de los artistas italianos importados. La enorme riqueza que siguió a la inundación de oro estadounidense provocó un gasto generoso en las artes en España, gran parte del cual se dirigió al arte religioso en la Contrarreforma . El control español del principal centro de arte del norte de Europa, Flandes , desde 1483 y también del Reino de Nápoles desde 1548, ambos terminando en 1714, tuvo una gran influencia en el arte español, y el nivel de gasto atrajo a artistas de otras áreas, como El Greco , Rubens y (desde una distancia segura) Tiziano en el Siglo de Oro español , así como grandes pintores nativos como Diego Velázquez , José de Ribera , Francisco de Zurbarán y Bartolomé Esteban Murillo .
La arquitectura barroca española ha sobrevivido en gran cantidad, y tiene ambas cepas marcadas por una extravagancia exuberante, como en el estilo churrigueresco , y un clasicismo más bien severo, como en la obra de Juan de Herrera . En general, fue el primero el que marcó el arte emergente y la arquitectura colonial española del Imperio español fuera de Europa, como en América Latina ( Nuevo Barroco Español y Barroco Andino ), mientras que las Iglesias barrocas de Filipinas son más simples. La decadencia de la monarquía de los Habsburgo puso fin a este período, y el arte español en el siglo XVIII y principios del XIX fue en general menos emocionante, con la enorme excepción de Francisco de Goya . El resto del arte español del siglo XIX siguió las tendencias europeas, generalmente a un ritmo conservador, hasta el movimiento catalán del Modernismo , que inicialmente fue más una forma de Art Nouveau . Picasso domina el modernismo español en el sentido inglés habitual, pero Juan Gris , Salvador Dalí y Joan Miró son otras figuras destacadas.
Los primeros íberos han dejado muchos restos; el noroeste de España comparte con el suroeste de Francia la región donde se encuentra el arte paleolítico superior más rico de Europa en la cueva de Altamira y otros yacimientos donde hay pinturas rupestres realizadas entre el 35.000 y el 11.000 a. C. [1] El arte rupestre de la cuenca mediterránea ibérica (como lo denomina la UNESCO ) procede del lado oriental de España, probablemente data de alrededor del 8000-3500 a. C., y muestra escenas de animales y de caza a menudo desarrolladas con un sentimiento creciente por la composición general de una gran escena. [2] Portugal , en particular, es rico en monumentos megalíticos , incluido el crómlech de los Almendros , y el arte esquemático ibérico es escultura de piedra, petroglifos y pinturas rupestres de las primeras edades de los metales, que se encuentran por toda la península Ibérica, con patrones geométricos, pero también un mayor uso de figuras humanas simples tipo pictograma de lo que es típico del arte comparable de otras áreas. [3] El Casco de Leiro , un casco ritual de oro de finales de la Edad del Bronce , puede estar relacionado con otros sombreros de oro encontrados en Alemania, y el Tesoro de Villena es un enorme conjunto de vasos y joyas decorados geométricamente, tal vez del siglo X a. C., incluidos 10 kilos de oro.
La escultura ibérica anterior a la ocupación romana refleja los contactos con otras culturas antiguas avanzadas que establecieron pequeñas colonias costeras, incluidos los griegos y los fenicios ; el asentamiento fenicio de Sa Caleta en Ibiza ha sobrevivido para ser excavado, donde la mayoría ahora se encuentra bajo grandes ciudades, y la Dama de Guardamar fue excavada en otro sitio fenicio. La Dama de Elche (probablemente del siglo IV a. C.) posiblemente representa a Tanit , pero también muestra influencia helenística , al igual que la Esfinge de Agost del siglo VI y la Biche de Balazote . Los Toros de Guisando son los ejemplos más impresionantes de verracos , que son grandes esculturas de animales celtíberos en piedra; el Toro de Osuna del siglo V a. C. es un ejemplo único más desarrollado. Han sobrevivido algunas falcatas decoradas , la distintiva espada ibérica curva, y un gran número de estatuillas de bronce utilizadas como ofrendas votivas . Los romanos conquistaron gradualmente toda Iberia entre 218 a. C. y 19 d. C. [4]
Como en el resto del Imperio occidental, la ocupación romana superó en gran medida los estilos nativos; Iberia era una importante zona agrícola para los romanos, y la élite adquirió vastas propiedades que producían trigo , aceitunas y vino, y algunos emperadores posteriores vinieron de las provincias ibéricas; se han excavado muchas villas enormes. El acueducto de Segovia , las murallas romanas de Lugo , el puente de Alcántara (104-106 d. C.) y el faro de la Torre de Hércules se encuentran entre varios monumentos importantes bien conservados, impresionantes restos de ingeniería romana, aunque no siempre arte. Los templos romanos sobreviven bastante completos en Vic , Évora (ahora en Portugal) y Alcántara , así como elementos en Barcelona y Córdoba . Debe haber habido talleres locales que produjeran los mosaicos de alta calidad encontrados, aunque la mayor parte de la mejor escultura independiente probablemente fue importada. [5] El Missorium de Teodosio I es un importante plato de plata de la Antigüedad Tardía que se encontró en España, pero probablemente se fabricó en Constantinopla .
Los visigodos cristianizados gobernaron Iberia después del colapso del Imperio, y el rico Tesoro de Guarrazar del siglo VII , probablemente depositado para evitar el saqueo en la conquista musulmana de España , es ahora una supervivencia única de coronas votivas cristianas en oro; aunque de estilo español, la forma probablemente fue utilizada por las élites en toda Europa. Otro arte visigodo en forma de metalistería, principalmente joyas y hebillas, y relieves de piedra , sobrevive para dar una idea de la cultura de este pueblo germánico originalmente bárbaro, que se mantuvo en gran medida separado de sus súbditos ibéricos, y cuyo gobierno se desmoronó cuando los musulmanes llegaron en 711. [7]
La cruz de la victoria con crux gemmata adornada con joyas , la Biblia de La Cava y el ataúd de ágata de Oviedo son restos del siglo IX-X de la rica cultura prerrománica de la región de Asturias en el noroeste de España, que permaneció bajo el dominio cristiano; la casa de banquetes de Santa María del Naranco con vistas a Oviedo , terminada en 848 y que más tarde sobrevivió como iglesia, es un resto único en Europa. El Codex Vigilanus , terminado en 976 en la región de Rioja , muestra una compleja mezcla de varios estilos. [8]
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La extraordinaria ciudad-palacio de Medina Azahara , cerca de Córdoba , fue construida en el siglo X para los califas omeyas de Córdoba , concebida como capital de la Andalucía islámica , y todavía se está excavando. Se ha conservado una cantidad considerable de la sofisticada decoración de los edificios principales, lo que demuestra la enorme riqueza de este estado muy centralizado. El palacio de la Aljafería es posterior, de después de que la España islámica se dividiera en varios reinos. Ejemplos famosos de arquitectura islámica y su decoración son la Mezquita-Catedral de Córdoba , cuyos elementos islámicos se añadieron en etapas entre 784 y 987, y los palacios de la Alhambra y el Generalife en Granada de los períodos finales de la España musulmana. [9]
El Grifo de Pisa es la escultura islámica más grande conocida de un animal, y la más espectacular de un grupo de figuras similares de Al-Andalus, muchas de ellas hechas para sostener las cuencas de las fuentes (como en la Alhambra) o, en casos más pequeños, como quemadores de perfume y similares.
La población cristiana de la España musulmana (los mozárabes) desarrolló un estilo de arte mozárabe cuyos restos más conocidos son una serie de manuscritos iluminados , varios de los comentarios al Libro del Apocalipsis del asturiano Beato de Liébana (c. 730 - c. 800), que proporcionó un tema que permitió que el estilo primitivista de colores brillantes demostrara plenamente sus cualidades en manuscritos del siglo X como el Beato de Morgan , probablemente el más antiguo, el Beato de Gerona (iluminado por una artista femenina, Ende ), el Beato del Escorial y el Beato de Saint-Sever , que en realidad se produjo a cierta distancia del dominio musulmán en Francia. Se pueden ver elementos mozárabes, incluido un fondo de tiras de colores brillantes, en algunos frescos románicos posteriores. [10]
La cerámica hispano-morisca comenzó en el sur, presumiblemente principalmente para los mercados locales, pero más tarde se animó a los alfareros musulmanes a migrar a la región de Valencia , donde los señores cristianos comercializaron sus lujosas piezas de lustre a las élites de toda la Europa cristiana en los siglos XIV y XV, incluidos los papas y la corte inglesa. Las tallas de marfil y los textiles islámicos españoles también eran muy finos; las industrias que siguen produciendo azulejos y alfombras en la península deben sus orígenes en gran medida a los reinos islámicos. [11]
Tras la expulsión de los gobernantes islámicos durante la Reconquista , una considerable población musulmana y artesanos cristianos formados en estilos musulmanes permanecieron en España, y el término mudéjar se utiliza para designar las obras de arte y arquitectura producidas por estas personas. La arquitectura mudéjar de Aragón está reconocida como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO , y el Patio de las Doncellas del siglo XIV construido para Pedro I en el Alcázar de Sevilla es otro ejemplo destacado. El estilo podía armonizar bien con los estilos medievales y renacentistas de la Europa cristiana, por ejemplo, en los elaborados techos de madera y estuco , y el trabajo mudéjar a menudo siguió produciéndose durante algunos siglos después de que una zona pasara al dominio cristiano. [12]
En España, el arte del período románico representó una transición suave de los estilos prerrománico y mozárabe precedentes. Muchos de los mejores frescos románicos de iglesias supervivientes que se encontraron en esa época en toda Europa provienen de Cataluña , con buenos ejemplos en las iglesias de la zona del Valle de Boí ; muchos de estos solo se descubrieron durante el siglo XX. [13] Algunos de los mejores ejemplos se han trasladado a museos, especialmente el Museu Nacional d'Art de Catalunya en Barcelona , que tiene el famoso Ábside Central de Sant Climent en Taüll y los frescos de Sigena . Se considera que los mejores ejemplos de frescos románicos castellanos son los de San Isidoro en León , las pinturas de San Baudelio de Berlanga , ahora principalmente en varios museos, incluido el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, y los de Santa Cruz de Maderuelo en Segovia . [14] También hay una serie de frontales de altar pintados sobre madera y otras pinturas sobre tabla tempranas .
El arte gótico de España representó un desarrollo gradual de los estilos románicos anteriores, siendo liderado por modelos externos, primero de Francia, y luego de Italia. Otro aspecto distintivo fue la incorporación de elementos mudéjares . Finalmente, la influencia italiana, que transmitió las técnicas estilísticas y la iconografía bizantinas , desplazó por completo el estilo franco-gótico inicial [15] Cataluña continuó siendo una zona próspera que ha dejado muchos retablos hermosos ; sin embargo, la región entró en decadencia después de que el énfasis del comercio se trasladara al Atlántico después de la apertura de las colonias americanas, lo que en parte explica tantas supervivencias medievales allí, ya que no había dinero para renovaciones renacentistas y barrocas en las iglesias.
Debido a los importantes vínculos económicos y políticos entre España y Flandes desde mediados del siglo XV en adelante, el Renacimiento temprano en España estuvo fuertemente influenciado por la pintura flamenca , lo que llevó a la identificación de una escuela de pintores hispanoflamencos . Entre los principales exponentes se encontraban Fernando Gallego , Bartolomé Bermejo , Pedro Berruguete y Juan de Flandes .
En general, los estilos renacentista y manierista posteriores son difíciles de categorizar en España, debido a la mezcla de influencias flamencas e italianas y a las variaciones regionales. [16]
El principal centro de influencia del Renacimiento italiano que entró en España fue Valencia debido a su proximidad y estrechos vínculos con Italia. Esta influencia se sintió a través de la importación de obras de arte, incluidas cuatro pinturas de Piombo y muchos grabados de Rafael , la llegada del artista renacentista italiano Paolo de San Leocadio , [17] y también por artistas españoles que pasaron tiempo trabajando y formándose allí. Entre estos artistas se encontraban Fernando Yáñez de la Almedina (1475-1540) y Fernando Llanos , que mostraron rasgos leonadescos en sus obras, como expresiones delicadas y melancólicas y modelado sfumato de los rasgos. [18]
En el resto de España, la influencia del Renacimiento italiano fue menos pura, con un uso relativamente superficial de técnicas que se combinaron con prácticas flamencas anteriores e incorporaron características manieristas , debido a los ejemplos relativamente tardíos de Italia, una vez que el arte italiano ya era fuertemente manierista. [19] Aparte de los aspectos técnicos, los temas y el espíritu del Renacimiento se modificaron para adaptarse a la cultura y el entorno religioso españoles. En consecuencia, se representaron muy pocos temas clásicos o desnudos femeninos, y las obras exhibieron con frecuencia un sentido de devoción piadosa e intensidad religiosa, atributos que seguirían siendo dominantes en gran parte del arte de la España de la Contrarreforma a lo largo del siglo XVII y más allá. Entre los artistas se encontraban Vicente Juan Masip (1475-1550) y su hijo Juan de Juanes (1510-1579), el pintor y arquitecto Pedro Machuca (1490-1550) y Juan Correa de Vivar (1510-1566). Sin embargo, el pintor español más popular de principios del siglo XVII fue Luis de Morales (1510?–1586), llamado por sus contemporáneos "El Divino", debido a la intensidad religiosa de sus pinturas. [20] A partir del Renacimiento también utilizó con frecuencia el modelado sfumato y las composiciones simples, pero las combinó con la precisión de los detalles al estilo flamenco. Sus temas incluyeron muchas imágenes devocionales, incluida la Virgen con el Niño .
El Siglo de Oro español , un período de ascenso político español y posterior decadencia , vio un gran desarrollo del arte en España. [21] En general, se considera que el período comenzó en algún momento después de 1492 y terminó con el Tratado de los Pirineos en 1659, aunque en el arte el comienzo se retrasa hasta el reinado de Felipe III (1598-1621), o justo antes, y el final también se retrasa hasta la década de 1660 o más tarde. Por lo tanto, el estilo forma parte del período barroco más amplio en el arte, aunque además de la influencia considerable de grandes maestros barrocos como Caravaggio y más tarde Rubens , la naturaleza distintiva del arte del período también incluyó influencias que modificaron las características típicas del Barroco. [22] Estas incluyeron la influencia de la pintura contemporánea holandesa del Siglo de Oro y la tradición española nativa que le dan a gran parte del arte del período un interés en el naturalismo y una evitación de la grandiosidad de gran parte del arte barroco. Entre los primeros colaboradores importantes se encuentran Juan Bautista Maíno (1569-1649), que trajo un nuevo estilo naturalista a España, [23] Francisco Ribalta (1565-1628), [24] y el influyente pintor de naturalezas muertas Sánchez Cotán (1560-1627). [25]
El Greco (1541-1614) fue uno de los pintores más individualistas de la época, desarrollando un estilo fuertemente manierista basado en sus orígenes en la escuela cretense postbizantina , en contraste con los enfoques naturalistas que predominaban entonces en Sevilla, Madrid y otras partes de España. [26] Muchas de sus obras reflejan los grises plateados y los colores fuertes de los pintores venecianos como Tiziano , pero combinados con extrañas elongaciones de figuras, iluminación inusual, disposición del espacio en perspectiva y relleno de la superficie con pinceladas muy visibles y expresivas. [27]
Aunque desarrolló su actividad principalmente en Italia, particularmente en Nápoles, José de Ribera (1591-1652) se consideraba español, y su estilo se utiliza a veces como ejemplo de los extremos del arte español de la Contrarreforma. Su obra fue muy influyente (en gran medida a través de la circulación de sus dibujos y grabados por toda Europa) y se desarrolló significativamente a lo largo de su carrera. [28]
Al ser la puerta de entrada al Nuevo Mundo , Sevilla se convirtió en el centro cultural de España en el siglo XVI y atrajo a artistas de toda Europa, atraídos por el atractivo de los encargos para el creciente imperio y por las numerosas casas religiosas de la rica ciudad. [29] Partiendo de una tradición fuertemente flamenca de pinceladas detalladas y suaves, como se revela en las obras de Francisco Pacheco (1564-1642), con el tiempo se desarrolló un enfoque más naturalista, con la influencia de Juan de Roelas (c. 1560-1624) y Francisco Herrera el Viejo (1590-1654). Este enfoque más naturalista, influenciado por Caravaggio , se volvió predominante en Sevilla y formó el trasfondo de formación de tres maestros del Siglo de Oro: Cano, Zurbarán y Velázquez. [30]
Francisco de Zurbarán (1598-1664) es conocido por el uso poderoso y realista del claroscuro en sus pinturas religiosas y naturalezas muertas . Aunque se le considera limitado en su desarrollo y con dificultades para manejar escenas complejas, la gran capacidad de Zurbarán para evocar sentimientos religiosos le permitió recibir encargos con gran éxito en la Sevilla conservadora de la Contrarreforma. [31]
Alonso Cano (1660-1667) , que compartía con Velázquez el mismo maestro de pintura (Francisco Pacheco), también se dedicó a la escultura y la arquitectura. Su estilo pasó del naturalismo de su primera etapa a un enfoque más delicado e idealista, que revela influencias venecianas y de Van Dyck . [32]
Diego Velázquez (1599-1660) fue el artista más destacado de la corte del rey Felipe IV . Además de numerosas representaciones de escenas de importancia histórica y cultural, creó decenas de retratos de la familia real española, otras figuras europeas notables y plebeyos. En muchos retratos, Velázquez dio una calidad digna a los miembros menos afortunados de la sociedad, como mendigos y enanos. En contraste con estos retratos, los dioses y diosas de Velázquez tienden a ser retratados como gente común, sin características divinas. Además de los cuarenta retratos de Felipe por Velázquez, pintó retratos de otros miembros de la familia real, incluidos príncipes, infantas (princesas) y reinas. [33]
Los elementos barrocos posteriores se introdujeron como influencia extranjera, a través de las visitas a España de Rubens y la circulación de artistas y mecenas entre España y las posesiones españolas de Nápoles y los Países Bajos españoles . Pintores españoles significativos que adoptaron el nuevo estilo fueron Juan Carreño de Miranda (1614-1685), Francisco Rizi (1614-1685) y Francisco de Herrera el Joven (1627-1685), hijo de Francisco de Herrera el Viejo, un iniciador del énfasis naturalista de la Escuela de Sevilla. Otros pintores barrocos notables fueron Claudio Coello (1642-1693), Antonio de Pereda (1611-1678), Mateo Cerezo (1637-1666) y Juan de Valdés Leal (1622-1690). [34]
El pintor más destacado de la época (y el más famoso pintor español antes de la apreciación del siglo XIX de Velázquez, Zurbarán y El Greco) fue Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682). [35] Trabajando durante la mayor parte de su carrera en Sevilla, sus primeros trabajos reflejaron el naturalismo de Caravaggio, utilizando una paleta tenue y marrón, una iluminación simple pero no dura y temas religiosos que se representan en un entorno natural o doméstico, como en su Sagrada Familia con un pajarito (c. 1650). [36] Más tarde incorporó elementos del barroco flamenco de Rubens y Van Dyck. En la Inmaculada Concepción de Soult , se utiliza una gama de colores más brillante y radiante, los querubines arremolinados llevan todo el foco a la Virgen, cuya mirada hacia el cielo y su halo difuso y cálido y brillante la convierten en una imagen devocional eficaz, un componente importante de su producción; el tema de la Inmaculada Concepción de la Virgen solo fue representado unas veinte veces por Murillo. [37]
El comienzo de la dinastía borbónica en España bajo Felipe V condujo a grandes cambios en el mecenazgo artístico, con la nueva corte de orientación francesa favoreciendo los estilos y artistas de la Francia borbónica. Pocos pintores españoles fueron empleados por la corte –una rara excepción fue Miguel Jacinto Meléndez (1679-1734)– y tomó algún tiempo antes de que los pintores españoles se adaptaran a los nuevos estilos rococó y neoclásico . Los principales pintores europeos, incluidos Giovanni Battista Tiepolo y Anton Raphael Mengs , fueron activos e influyentes. [38]
Muchos pintores españoles, privados del patrocinio real, continuaron el estilo barroco en composiciones religiosas. Este fue el caso de Francisco Bayeu y Subias (1734-1795), un hábil pintor de frescos, y de Mariano Salvador Maella (1739-1819), quienes se desarrollaron en la dirección del severo neoclasicismo de Mengs. [39] Otra importante vía para los artistas españoles fue el retrato, que fue una esfera activa para Antonio González Velázquez (1723-1794), Joaquín Inza (1736-1811) y Agustín Esteve (1753-1820). [40] Pero es en el género de la naturaleza muerta donde también se encontró con éxito el patrocinio real, en las obras de artistas como el pintor de la corte Bartolomé Montalvo (1769-1846) [41] y Luis Egidio Meléndez (1716-1780).
Siguiendo la tradición española de bodegones de Sánchez Cotán y Zurbarán, Meléndez produjo una serie de pinturas de gabinete, encargadas por el Príncipe de Asturias , el futuro rey Carlos IV , destinadas a mostrar la gama completa de alimentos comestibles de España. En lugar de ser meros estudios formales de Historia Natural, utilizó una iluminación dura, puntos de vista bajos y composiciones severas para dramatizar los temas. Mostró gran interés y atención a los detalles de los reflejos, las texturas y los reflejos (como el reflejo en el jarrón estampado en Naturaleza muerta con naranjas, jarras y cajas de dulces ) que refleja el nuevo espíritu de la era de la Ilustración . [42]
Francisco de Goya fue un retratista y pintor de la corte de la Corona española, un cronista de la historia y, en su obra no oficial, un revolucionario y un visionario. Goya pintó a la familia real española, incluidos Carlos IV de España y Fernando VII . Sus temas van desde alegres fiestas para tapices , borradores de cartones, hasta escenas de guerra, combates y cadáveres. En su etapa inicial, pintó borradores de cartones como plantillas para tapices y se centró en escenas de la vida cotidiana con colores vivos. Durante su vida, Goya también realizó varias series de grabados , aguafuertes que representaban la decadencia de la sociedad y los horrores de la guerra. Su serie de pinturas más famosas son las Pinturas negras , pintadas al final de su vida. Esta serie presenta obras que son oscuras tanto en color como en significado, produciendo inquietud y conmoción.
Se le considera el artista español más importante de finales del siglo XVIII y principios del XIX y, a lo largo de su dilatada carrera, fue un comentarista y cronista de su época. Goya, que gozó de un gran éxito durante su vida, es considerado a menudo el último de los maestros antiguos y el primero de los modernos.
Varios movimientos artísticos del siglo XIX influyeron en los artistas españoles, en gran medida a través de su formación en capitales extranjeras, particularmente en París y Roma. De esta manera, el neoclasicismo , el romanticismo , el realismo y el impresionismo se convirtieron en corrientes importantes. Sin embargo, a menudo se vieron retrasados o transformados por las condiciones locales, incluidos los gobiernos represivos, y por las tragedias de las guerras carlistas . [43] Los retratos y los temas históricos eran populares, y el arte del pasado, en particular los estilos y técnicas de Velázquez, fueron significativos.
Los primeros años estuvieron dominados por el academicismo de Vicente López (1772-1850) y luego por el neoclasicismo del pintor francés Jacques-Louis David , como en las obras de José de Madrazo (1781-1859), fundador de una influyente línea de artistas y directores de galerías. Su hijo, Federico de Madrazo (1781-1859), fue una figura destacada del Romanticismo español, junto con Leonardo Alenza (1807-1845), Valeriano Bécquer y Antonio María Esquivel . [44]
La última parte del siglo vio un fuerte período de Romanticismo representado en pinturas históricas, como en las obras de Antonio Gisbert (1834-1901), Eduardo Rosales (1836-1873) y Francisco Pradilla (1848-1921). En estas obras, las técnicas del Realismo se utilizaron con frecuencia con temas románticos. Esto se puede ver claramente en Juana la Loca , una famosa obra temprana de Pradilla. La composición, las expresiones faciales y el cielo tormentoso reflejan la emoción dramática de la escena; sin embargo, la ropa precisa, la textura del barro y otros detalles, muestran un gran realismo en la actitud y el estilo del artista. [45] Mariano Fortuny (1838-1874) también desarrolló un fuerte estilo realista, después de haber sido influenciado anteriormente por el romántico francés Eugène Delacroix , y se convirtió en el famoso artista español del siglo [46]
Joaquín Sorolla (1863-1923) destacó por su hábil representación de la gente y el paisaje bajo la luz del sol de su tierra natal, reflejando así el espíritu del impresionismo en muchas pinturas, en particular sus famosas pinturas costeras. En Niños en la playa hace de los reflejos, sombras y brillos del agua y la piel su verdadero tema. La composición es muy atrevida, ya que se omite el horizonte, se recorta a uno de los niños y se utilizan fuertes diagonales que conducen a los contrastes y a una mayor saturación de la parte superior izquierda de la obra. [47]
Durante la primera mitad del siglo XX, muchos artistas españoles destacados trabajaron en París, donde contribuyeron (y a veces lideraron) los desarrollos del movimiento artístico modernista . [48] Como quizás el ejemplo más importante de esto, Picasso , trabajando junto con el artista francés Braque , creó los conceptos del cubismo ; y se ha juzgado que el submovimiento del cubismo sintético encontró su expresión más pura en las pinturas y collages de Juan Gris, nacido en Madrid . [49] De manera similar, Salvador Dalí se convirtió en una figura central del movimiento surrealista en París; y Joan Miró fue influyente en el arte abstracto.
El periodo azul de Picasso (1901-1904), que consistió en pinturas sombrías y teñidas de azul, estuvo influenciado por un viaje a España. El Museu Picasso de Barcelona exhibe muchas de las primeras obras de Picasso, creadas mientras vivía en España, así como la extensa colección de Jaime Sabartés, amigo íntimo de Picasso de sus días en Barcelona, quien, durante muchos años, fue su secretario personal. Hay muchos estudios de figuras precisos y detallados realizados en su juventud bajo la tutela de su padre, así como obras raramente vistas de su vejez que demuestran claramente la sólida base de Picasso en las técnicas clásicas. Picasso presentó el homenaje más duradero a Velázquez en 1957, cuando recreó Las Meninas en su forma característicamente cubista . Aunque a Picasso le preocupaba que si copiaba el cuadro de Velázquez, se lo considerara solo una copia y no una especie de representación única, procedió a hacerlo, y la enorme obra —la más grande que había producido desde el Guernica de 1937— se ganó una posición de relevancia en el canon del arte español. Málaga , la ciudad natal de Picasso, alberga dos museos con importantes colecciones, el Museo Picasso Málaga y el Museo Casa Natal .
Salvador Dalí fue un artista central dentro del movimiento surrealista en París. Aunque Dalí fue criticado por adaptarse al régimen de Franco , André Breton , el líder surrealista y poeta, le pidió que representara a España en la Exposición Homenaje al Surrealismo de 1959 que celebraba el cuadragésimo aniversario del surrealismo. En línea con los objetivos del movimiento surrealista, Dalí declaró que su objetivo artístico era que "el mundo de la imaginación y de la irracionalidad concreta sea tan objetivamente evidente... como el del mundo exterior", [50] y este objetivo se puede ver en una de sus pinturas más conocidas, [51] La persistencia de la memoria . Aquí pinta con un estilo preciso y realista, basado en estudios de maestros holandeses y españoles, [52] pero con un tema que disuelve los límites entre lo orgánico y lo mecánico y es más parecido a las escenas de pesadilla del pintor holandés El Bosco , cuyo Jardín de las delicias proporcionó el modelo para la figura central dormida de la obra de Dalí.
Joan Miró también estuvo estrechamente asociado con los surrealistas en París, quienes aprobaron particularmente su uso del automatismo en la composición y ejecución, diseñado para exponer la mente subconsciente. [53] Aunque sus pinturas posteriores y más populares son refinadas, caprichosas y aparentemente sin esfuerzo, su influyente período en las décadas de 1920 y 1930 produjo obras que eran provocativas en su simbolismo e imágenes sexuales, y que empleaban materiales ásperos y experimentales, incluido papel de lija, lienzos sin encolar y collage. [54] En la pintura del período maduro, La lección de esquí , su lenguaje característico de signos, figuras y formas lineales negras contra un fondo más texturizado y pictórico es evidente.
Ignacio Zuloaga y José Gutiérrez Solana fueron otros pintores importantes de la primera mitad del siglo XX.
En el período de posguerra, el artista catalán Antoni Tàpies se hizo famoso por sus obras abstractas, muchas de las cuales utilizan texturas muy gruesas y la incorporación de materiales y objetos no convencionales. Tàpies ha ganado varios premios internacionales por sus obras. [55]
El estilo plateresco se extendió desde principios del siglo XVI hasta el último tercio de la centuria y su influencia estilística impregnó las obras de todos los grandes artistas españoles de la época. Alonso Berruguete (escultor, pintor y arquitecto) es llamado el "Príncipe de la escultura española" por la grandiosidad, originalidad y expresividad conseguida en sus obras. Sus principales obras fueron la sillería alta del coro de la Catedral de Toledo , el sepulcro del Cardenal Tavera en la misma Catedral y el retablo de la Visitación en la iglesia de Santa Úrsula de la misma localidad.
Otros escultores destacados fueron Bartolomé Ordóñez , Diego de Siloé , Juan de Juni y Damián Forment .
Otro periodo de la escultura renacentista española, el Barroco, abarcó los últimos años del siglo XVI y se extendió hasta el siglo XVII hasta alcanzar su florecimiento definitivo en el XVIII, desarrollándose una escuela y un estilo propiamente español, de escultura, más realista, intimista e independiente creativa que la anterior y ligada a las tendencias europeas, especialmente las holandesas e italianas. Hubo dos Escuelas de especial talento y estilo: la Escuela Sevillana , a la que perteneció Juan Martínez Montañés (llamado el Fidias Sevillano), cuyas obras más celebradas son el Crucifijo de la Catedral de Sevilla, otro de Vergara y un San Juan; y la Escuela Granada , a la que perteneció Alonso Cano , a quien se atribuyen una Inmaculada Concepción y una Virgen del Rosario.
Otros escultores barrocos andaluces destacados fueron Pedro de Mena , Pedro Roldán y su hija Luisa Roldán , Juan de Mesa y Pedro Duque Cornejo .
A la escuela vallisoletana del siglo XVII ( Gregorio Fernández , Francisco del Rincón ) le sucede en el XVIII, aunque con menor brillantez, la madrileña, transformándose pronto en una escuela puramente academicista a mediados de siglo. A su vez, la andaluza es sustituida por la murciana, personificada en la persona de Francisco Salzillo , durante la primera mitad del siglo. Este último escultor se distingue por la originalidad, fluidez y dinamismo en el tratamiento de sus obras, incluso en aquellas representaciones de gran tragedia. Se le atribuyen más de 1.800 obras, siendo los productos más famosos de su mano los pasos de Semana Santa murcianos, entre los que destacan los de la Oración en el Huerto y el Beso de Judas.
En el siglo XX los escultores españoles más importantes fueron Julio González , Pablo Gargallo , Eduardo Chillida y Pablo Serrano .
La colección real española fue acumulada por los monarcas españoles comenzando con Isabel la Católica, reina de Castilla (1451-1504), quien acumuló grandes e impresionantes colecciones de objetos de arte, 370 tapices y 350 pinturas, varias de ellas de artistas importantes como Rogier van der Weyden , Hans Memling , El Bosco , Juan de Flandes y Sandro Botticelli . [56] Sin embargo, muchas de estas fueron dispersadas por subasta después de su muerte en 1504. El nieto de Isabel, Carlos I , el primer rey Habsburgo de España, fue mecenas y coleccionista de arte, al igual que su hermana, María de Hungría . Ambos admiraban las obras de Tiziano . Cuando los hermanos murieron, el arte pasó a Felipe II de España , hijo de Carlos, un coleccionista aún más entusiasta. [57] Felipe IV (1605-1665) siguió la tradición familiar como un apasionado coleccionista de arte y mecenas. Durante su reinado, Velázquez , Zurbarán y otros produjeron muchas obras de arte. Felipe encargó obras y compró otras, enviando a sus representantes a adquirir obras para la colección del monarca. Una de las principales contribuciones de Felipe IV al arte en España fue la de unir su colección, impidiendo su venta u otra dispersión. [58] Bajo el monarca borbón español, Carlos IV, tomó forma la idea de reunir obras importantes de otros repositorios en España, probablemente no para que las viera el público sino para que los artistas las estudiaran. [59] El Museo del Prado en Madrid se convirtió en el principal depósito de ese arte.
La Real Academia de Bellas Artes de San Francisco , fundada en 1744, funciona ahora también como museo en Madrid. El Museo de las Américas de Madrid tiene una colección de pinturas de casta y otras obras de arte traídas a España desde las Américas, así como esculturas y artefactos arqueológicos.
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