Una visión general de la historia del teatro en Francia .
Las discusiones sobre los orígenes del teatro no religioso ("théâtre profane") —tanto el drama como la farsa— en la Edad Media siguen siendo controvertidas, pero la idea de una tradición popular continua que se remonta a la comedia y la tragedia latinas hasta el siglo IX parece poco probable.
La mayoría de los historiadores sitúan el origen del teatro medieval en los diálogos y tropos litúrgicos de la Iglesia. Al principio eran simples dramatizaciones del ritual, en particular en aquellos rituales relacionados con la Navidad y la Pascua (véase Misterio ), pero con el tiempo las obras se trasladaron de la iglesia del monasterio a la sala capitular o al refectorio y, finalmente, al aire libre, y la lengua vernácula fue sustituida por el latín. En el siglo XII se encuentran los primeros pasajes conservados en francés que aparecen como estribillos insertados en dramas litúrgicos en latín, como una obra sobre San Nicolás (patrón de los clérigos estudiantes) y una obra sobre San Esteban .
Obras dramáticas en francés de los siglos XII y XIII:
Los orígenes de la farsa y del teatro cómico siguen siendo igualmente controvertidos: algunos historiadores literarios creen en un origen no litúrgico (entre los juglares o en festivales paganos y populares), otros ven la influencia del drama litúrgico (algunos de los dramas mencionados anteriormente incluyen secuencias de farsa) y de lecturas monásticas de Plauto y del teatro cómico latino.
Obras de teatro no dramáticas de los siglos XII y XIII:
Listado selecto de obras de teatro de los siglos XIV y XV:
En el siglo XV, la representación pública de obras de teatro estaba organizada y controlada por una serie de gremios profesionales y semiprofesionales:
Géneros teatrales practicados en la Edad Media en Francia:
El teatro francés del siglo XVI siguió los mismos patrones de evolución que los demás géneros literarios de la época. Durante las primeras décadas del siglo, el teatro público permaneció en gran medida ligado a su larga herencia medieval de obras de misterio , obras morales , farsas y soties , aunque las obras de milagros ya no estaban de moda. Las representaciones públicas estaban estrictamente controladas por un sistema gremial.
El gremio de los "Confrères de la Passion" tenía los derechos exclusivos para las representaciones teatrales de misterios en París; en 1548, el temor a la violencia o la blasfemia resultante de la creciente división religiosa en Francia obligó al Parlamento de París a prohibir las representaciones de los misterios en la capital, aunque continuaron representándose en otros lugares. A finales de siglo, sólo los "Confrères de la Passion" conservaban el control exclusivo de las producciones teatrales públicas en París, y alquilaban su teatro en el Hôtel de Bourgogne a compañías teatrales por un alto precio. En 1597, [1] este gremio abandonó su privilegio que permitió que otros teatros y compañías teatrales abrieran finalmente en la capital. Otro gremio, los "Enfants Sans-Souci" se encargaban de las farsas y las soties, al igual que los "Clercs de la Basoche", que también representaban obras morales. Al igual que los "Confrères de la Passion", "la Basoche " estuvo bajo escrutinio político (las obras debían ser autorizadas por una junta de revisión; no se permitían máscaras o personajes que representaran personas vivas) y finalmente fueron suprimidas en 1582.
Además de los numerosos autores de estas obras tradicionales (como los farsistas Pierre Gringore , Nicolas de La Chesnaye y André de la Vigne), Marguerite de Navarre también escribió una serie de obras cercanas al misterio tradicional y al teatro moral.
Sin embargo, ya en 1503, las versiones en idioma original de Sófocles , Séneca , Eurípides , Aristófanes , Terencio y Plauto estaban disponibles en Europa y los siguientes 40 años verían a humanistas y poetas traducir estos clásicos y adaptarlos. En la década de 1540, el entorno universitario francés (y especialmente, a partir de 1553, los colegios jesuitas) se convirtieron en anfitriones de un teatro neolatino (en latín) escrito por profesores como George Buchanan y Marc Antoine Muret que dejaría una profunda huella en los miembros de La Pléiade . A partir de 1550, se encuentran teatros humanistas escritos en francés. Figuras prominentes como Catalina de Médici proporcionaron apoyo financiero para muchas obras humanistas; en 1554, por ejemplo, encargó una traducción de La Sofonisba de Gian Giorgio Trissino , que fue la primera tragedia que apareció en lengua francesa. [2]
La influencia de Séneca fue particularmente fuerte en la tragedia humanista. Sus obras —que eran esencialmente obras de cámara destinadas a ser leídas por sus pasajes líricos y su oratoria retórica— aportaron a muchas tragedias humanistas una concentración en la retórica y el lenguaje por encima de la acción dramática.
La tragedia humanista tomó dos direcciones distintas:
Durante el apogeo de las guerras civiles (1570-1580), surgió una tercera categoría de teatro militante, que se sumó a los géneros ya existentes de tragedia y comedia antiguas. Esta nueva forma de teatro se caracterizaba por sus temas políticos y religiosos explícitos, reflejando el turbulento contexto contemporáneo de la época. Este artículo tiene como objetivo explorar y ampliar el desarrollo y la importancia de este teatro militante durante el período de las guerras civiles.
El teatro militante de la época estaba muy influido por las tensiones políticas y religiosas imperantes. Las tramas solían extraerse de la mitología o la historia y presentaban narraciones que tenían claros paralelismos con los acontecimientos políticos y los conflictos religiosos contemporáneos. Esto permitía al público conectarse con las representaciones a un nivel personal e ideológico.
Las obras que se representaban en esta categoría de teatro solían servir como vehículo para el comentario político y la crítica social. Exploraban temas como las luchas de poder, el abuso de autoridad, la corrupción, la persecución religiosa y las consecuencias de la guerra. A través de una narración vívida y provocativa, estas obras buscaban involucrar e incitar al público, alentándolo a reflexionar sobre los tiempos turbulentos en los que vivían.
Un aspecto notable del teatro militante fue su uso de la alegoría y el simbolismo. Los dramaturgos emplearon metáforas y personajes alegóricos para representar figuras políticas, facciones religiosas o movimientos ideológicos. Este enfoque velado les permitió abordar temas delicados y evitar la censura o la retribución directa.
Los actores y dramaturgos que participaban en el teatro militante se enfrentaban a riesgos considerables debido a la naturaleza políticamente cargada de su trabajo. La censura, la vigilancia e incluso el encarcelamiento eran amenazas constantes. Sin embargo, el atractivo y el impacto de estas representaciones atraían a un público que buscaba catarsis, validación y una comprensión más profunda del clima sociopolítico.
Si bien el teatro militante durante las guerras civiles fue un producto de su tiempo, su influencia se extendió más allá del contexto histórico inmediato. Sentó las bases para el desarrollo de formas posteriores de teatro político y de conciencia social, y dejó un impacto duradero en el panorama teatral.
Junto con su trabajo como traductores y adaptadores de obras de teatro, los humanistas también investigaron las teorías clásicas de la estructura dramática, la trama y la caracterización. Horacio fue traducido en la década de 1540, pero había estado disponible durante toda la Edad Media. Una versión completa de la Poética de Aristóteles apareció más tarde (primero en 1570 en una versión italiana), pero sus ideas habían circulado (en una forma extremadamente truncada) ya en el siglo XIII en la traducción latina de Hermann el Alemán de la glosa árabe de Averroes , y otras traducciones de la Poética habían aparecido en la primera mitad del siglo XVI; también fueron importantes los comentarios sobre la poética de Aristóteles de Julio César Scaligero que aparecieron en la década de 1560. Los gramáticos del siglo IV Diomedes y Elio Donato también fueron una fuente de teoría clásica. Los italianos del siglo XVI desempeñaron un papel central en la publicación e interpretación de la teoría dramática clásica, y sus obras tuvieron un efecto importante en el teatro francés. El Arte poético de Lodovico Castelvetro (1570), basado en Aristóteles, fue una de las primeras enunciaciones de las tres unidades ; esta obra inspiraría el Arte de la tragedia de Jean de la Taille (1572). El teatro italiano (como la tragedia de Gian Giorgio Trissino ) y los debates sobre el decoro (como los provocados por la obra Canace de Sperone Speroni y la obra Orbecche de Giovanni Battista Giraldi ) también influirían en la tradición francesa.
En el mismo espíritu de imitación y adaptación de las fuentes clásicas que había informado las composiciones poéticas de La Pléiade , los escritores humanistas franceses recomendaron que la tragedia debería tener cinco actos y tres personajes principales de rango noble; la obra debería comenzar en medio de la acción ( in medias res ), usar un lenguaje noble y no mostrar escenas de horror en el escenario. Algunos escritores (como Lazare de Baïf y Thomas Sébillet ) intentaron vincular la tradición medieval de las obras morales y las farsas con el teatro clásico, pero Joachim du Bellay rechazó esta afirmación y elevó la tragedia y la comedia clásicas a una dignidad superior. De mayor dificultad para los teóricos fue la incorporación de la noción de Aristóteles de " catarsis " o la purga de las emociones con el teatro renacentista, que permaneció profundamente apegado tanto a complacer al público como al objetivo retórico de mostrar ejemplos morales ( exemplum ).
Cleopatra cautiva (1553) de Étienne Jodelle narra los apasionados temores y dudas de Cleopatra al contemplar el suicidio; tiene la distinción de ser la primera obra original francesa que sigue los preceptos clásicos de Horacio sobre la estructura (la obra tiene cinco actos y respeta más o menos las unidades de tiempo, lugar y acción) y es extremadamente cercana al modelo antiguo: el prólogo es introducido por una sombra, hay un coro clásico que comenta la acción y habla directamente a los personajes, y el final trágico es descrito por un mensajero.
La traducción de Mellin de Saint-Gelais de La Sophonisbe de Gian Giorgio Trissino —la primera tragedia regular moderna basada en modelos antiguos que cuenta la historia del suicidio de la noble Sofonisba (en lugar de ser tomada prisionera por Roma)— fue un enorme éxito en la corte cuando se representó en 1556.
Listado selecto de autores y obras de tragedia humanista:
(Véase los dramaturgos Antoine de Montchrestien , Alexandre Hardy y Jean de Schelandre para la tragedia de alrededor de 1600-1610.)
Junto con la tragedia, los humanistas europeos también adaptaron la antigua tradición cómica y, ya en el siglo XV, la Italia del Renacimiento había desarrollado una forma de comedia latina humanista. Aunque los antiguos habían sido menos teóricos sobre la forma cómica, los humanistas utilizaron los preceptos de Elio Donato (siglo IV d. C.), Horacio , Aristóteles y las obras de Terencio para elaborar un conjunto de reglas: la comedia debe tratar de corregir el vicio mostrando la verdad; debe haber un final feliz; la comedia utiliza un estilo de lenguaje más bajo que la tragedia; la comedia no pinta los grandes acontecimientos de los estados y los líderes, sino la vida privada de las personas, y su tema principal es el amor.
Aunque algunos autores franceses se mantuvieron cerca de los modelos antiguos ( Pierre de Ronsard tradujo una parte del "Pluto" de Aristófanes en la universidad), en general la tradición cómica francesa muestra una gran cantidad de préstamos de todas las fuentes: la farsa medieval (que continuó siendo inmensamente popular durante todo el siglo), el cuento, las comedias humanistas italianas y "La Celestina" (de Fernando de Rojas ).
Listado selecto de autores y obras de comedia renacentista:
En las últimas décadas del siglo, otras cuatro modalidades teatrales procedentes de Italia —que no seguían las rígidas reglas del teatro clásico— inundaron el escenario francés:
A finales de siglo, el dramaturgo francés más influyente, por la variedad de sus estilos y por su dominio de las nuevas formas, sería Robert Garnier .
Todas estas tradiciones eclécticas continuarían evolucionando en el teatro "barroco" de principios del siglo XVII, antes de que el "clasicismo" francés finalmente se impusiera.
Además de los teatros públicos, se representaban obras en residencias privadas, ante la corte y en la universidad. En la primera mitad del siglo, el público, el teatro humanista de los colegios y el teatro de la corte mostraban gustos muy diferentes. Por ejemplo, mientras que en la primera década la tragicomedia estaba de moda en la corte, el público se interesaba más por la tragedia.
Los primeros teatros de París solían estar situados en estructuras ya existentes, como pistas de tenis ; sus escenarios eran extremadamente estrechos y no existían instalaciones para decorados y cambios de escena (lo que favorecía el desarrollo de la unidad de lugar). Con el tiempo, los teatros desarrollarían sistemas de elaboradas máquinas y decorados, muy de moda para los vuelos de caballeros de estilo caballeresco que se veían en las tragicomedias de la primera mitad del siglo.
A principios de siglo, las representaciones teatrales se celebraban dos veces por semana, a partir de las dos o las tres de la tarde. Las representaciones teatrales a menudo comprendían varias obras, comenzando con un prólogo cómico, luego una tragedia o tragicomedia, luego una farsa y finalmente una canción. Los nobles a veces se sentaban en un lateral del escenario durante la representación. Como era imposible bajar las luces de la sala, los espectadores siempre estaban atentos entre sí y los espectadores eran notablemente vocales durante las representaciones. El lugar directamente delante del escenario, sin asientos, el "parterre", estaba reservado para los hombres, pero al ser las entradas más baratas, el parterre estaba generalmente mezclado con grupos sociales. La gente elegante veía el espectáculo desde las tribunas. Los príncipes, mosqueteros y pajes reales tenían entrada gratuita. Antes de 1630, una mujer honesta no iba al teatro.
A diferencia de Inglaterra, Francia no impuso restricciones a las mujeres que actuaban en el escenario, pero la carrera de actores de ambos sexos era considerada moralmente incorrecta por la Iglesia Católica (los actores eran excomulgados ) y por el movimiento religioso ascético jansenista . Los actores solían tener nombres artísticos fantásticos que describían papeles típicos o personajes estereotipados.
Además de las comedias y tragedias con guión, los parisinos también eran grandes fanáticos de la compañía de actores italiana que representaba su Commedia dell'arte , una especie de teatro improvisado basado en tipos. Los personajes de la Commedia dell'arte tendrían un profundo efecto en el teatro francés, y uno encuentra ecos de ellos en los fanfarrones, tontos, amantes, ancianos y sirvientes astutos que pueblan el teatro francés.
La ópera llegó a Francia en la segunda mitad del siglo.
Los teatros y compañías más importantes de París:
Fuera de París, en los suburbios y en las provincias, había muchas compañías de teatro itinerantes. Molière comenzó a trabajar en una de ellas.
La corte real y otras casas nobles también eran importantes organizadoras de representaciones teatrales, ballets de cour , simulacros de batallas y otras clases de "divertissement" para sus festividades, y en algunos casos los papeles de bailarines y actores eran desempeñados por los propios nobles. Los primeros años en Versalles, antes de la expansión masiva de la residencia, estuvieron completamente consagrados a tales placeres, y espectáculos similares continuaron durante todo el reinado. Los grabados muestran a Luis XIV y a la corte sentados afuera, ante la "Cour du marbre" de Versalles, viendo la representación de una obra.
La gran mayoría de las obras de teatro escritas en el siglo XVII se escribieron en verso (excepciones notables incluyen algunas de las comedias de Molière). A excepción de los pasajes líricos en estas obras, el metro utilizado era un verso de doce sílabas (el " alejandrino ") con una pausa regular o " cesura " después de la sexta sílaba; estos versos se ponían en pareados rimados ; los pareados alternaban entre rimas "femeninas" (es decir, terminadas en e muda) y "masculinas" (es decir, terminadas en una vocal distinta de una e muda, o en una consonante o nasal).
El teatro francés del siglo XVII se reduce a menudo a tres grandes nombres —Pierre Corneille , Molière y Jean Racine— y al triunfo del «clasicismo»; pero la verdad es mucho más complicada.
El teatro de principios de siglo estaba dominado por los géneros y dramaturgos de la generación anterior. La más influyente en este sentido fue Verenice Flores. Aunque la corte real se había cansado de la tragedia (prefiriendo la tragicomedia, más escapista ), el público teatral prefería la primera. Esto cambiaría en las décadas de 1630 y 1640 cuando, influenciada por las largas novelas barrocas de la época, la tragicomedia (una aventura heroica y mágica de caballeros y doncellas) se convirtió en el género dominante. El asombroso éxito de "El Cid" de Corneille en 1637 y "Horacio" en 1640 haría que la tragedia volviera a estar de moda, y permanecería así durante el resto del siglo.
La fuente más importante para el teatro trágico fue Séneca y los preceptos de Horacio y Aristóteles (y los comentarios modernos de Julio César Scaligero y Ludovico Castelvetro ), aunque las tramas se tomaron de autores clásicos como Plutarco , Suetonio , etc. y de colecciones de cuentos (italianos, franceses y españoles). Los autores trágicos griegos ( Sófocles , Eurípides ) cobrarían cada vez más importancia a mediados de siglo. Los dramaturgos españoles Pedro Calderón de la Barca , Tirso de Molina y Lope de Vega también proporcionaron modelos importantes tanto para la comedia, la tragedia y la tragicomedia del siglo , muchas de cuyas obras fueron traducidas y adaptadas para la escena francesa. La escena italiana (incluida la pastoral ) también proporcionó modelos teatrales importantes , e Italia fue también una fuente importante de discusiones teóricas sobre el teatro, especialmente en lo que respecta al decoro (véanse, por ejemplo, los debates sobre la obra Canace de Sperone Speroni y la obra Orbecche de Giovanni Battista Giraldi ). [3]
Las comedias regulares (es decir, comedias en cinco actos inspiradas en Plauto o Terencio y los preceptos de Elio Donato ) eran menos frecuentes en los escenarios que las tragedias y tragicomedias a finales del siglo XIX, ya que el elemento cómico de los primeros escenarios estaba dominado por la farsa, el monólogo satírico y por la commedia dell'arte italiana . Jean Rotrou y Pierre Corneille volverían a la comedia regular poco antes de 1630.
Las tragedias de Corneille eran extrañamente poco trágicas (su primera versión de "El Cid" fue catalogada incluso como tragicomedia), pues tenían finales felices. En sus trabajos teóricos sobre el teatro, Corneille redefinió tanto la comedia como la tragedia en torno a los siguientes supuestos:
La historia de la reacción del público y de la crítica ante "El Cid" de Corneille se puede encontrar en otros artículos (se le criticó por su uso de fuentes, por su violación del buen gusto y por otras irregularidades que no se ajustaban a las reglas aristotianas u horacianas), pero su impacto fue impresionante. El cardenal Richelieu pidió a la recién creada Academia Francesa que investigara y se pronunciara sobre las críticas (fue el primer juicio oficial de la Academia), y la controversia revela un creciente intento de controlar y regular el teatro y las formas teatrales. Éste sería el comienzo del "clasicismo" del siglo XVII.
Corneille continuó escribiendo obras de teatro hasta 1674 (principalmente tragedias, pero también algo que él llamaba "comedias heroicas") y muchas continuaron siendo éxitos, aunque las "irregularidades" de sus métodos teatrales fueron cada vez más criticadas (notablemente por François Hédelin, abad de Aubignac ) y el éxito de Jean Racine a partir de finales de la década de 1660 marcó el final de su preeminencia.
Lista selecta de dramaturgos y obras de teatro, con indicación del género (las fechas suelen ser aproximadas, ya que la fecha de publicación solía ser mucho después de la fecha de la primera representación):
La expresión clasicismo , tal como se aplica a la literatura, implica nociones de orden, claridad, finalidad moral y buen gusto. Muchas de estas nociones están directamente inspiradas en las obras de Aristóteles y Horacio y en las obras maestras clásicas griegas y romanas.
En el teatro clásico francés (también llamado clasicismo francés ), [5] una obra debe seguir las Tres Unidades :
Aunque se basaban en ejemplos clásicos, las unidades de lugar y tiempo se consideraban esenciales para la absorción completa del espectador en la acción dramática; las escenas muy dispersas en China o África, o a lo largo de muchos años, romperían, según sostenían los críticos, la ilusión teatral. A veces, junto con la unidad de acción se incluye la idea de que ningún personaje debe aparecer inesperadamente en el final del drama.
Vinculados a las unidades teatrales están los siguientes conceptos:
Estas reglas excluían muchos elementos comunes en la "tragicomedia" barroca: caballos voladores, batallas caballerescas, viajes mágicos a tierras extranjeras y el deus ex machina . El ataque de Hipólita a manos de un monstruo en Fedra sólo podía tener lugar fuera del escenario.
Estas "reglas" o "códigos" rara vez se seguían al pie de la letra, y muchas de las obras maestras del siglo rompían estas reglas intencionalmente para aumentar el efecto emocional:
En la década de 1660, el clasicismo se había impuesto finalmente en el teatro francés. La obra teórica clave sobre el teatro de este período fue la "Pratique du théâtre" (1657) de François Hedelin, abad de Aubignac , y los dictados de esta obra revelan hasta qué punto el "clasicismo francés" estaba dispuesto a modificar las reglas de la tragedia clásica para mantener las unidades y el decoro (por ejemplo, D'Aubignac consideraba que las tragedias de Edipo y Antígona no eran adecuadas para la escena contemporánea).
Aunque Pierre Corneille siguió escribiendo tragedias hasta el final de su vida, las obras de Jean Racine desde finales de la década de 1660 en adelante eclipsaron por completo las últimas obras del dramaturgo mayor. Las tragedias de Racine, inspiradas en los mitos griegos, Eurípides , Sófocles y Séneca , condensaron su trama en un conjunto apretado de conflictos apasionados y obligados entre un pequeño grupo de personajes nobles, y se concentraron en los dobles vínculos de estos personajes y la geometría de sus deseos y odios insatisfechos. La habilidad poética de Racine estaba en la representación del patetismo y la pasión amorosa (como el amor de Fedra por su hijastro) y su impacto fue tal que la crisis emocional sería el modo dominante de tragedia hasta finales de siglo. Las dos últimas obras de Racine ("Esther" y "Athalie") abrieron nuevas puertas a los temas bíblicos y al uso del teatro en la educación de las mujeres jóvenes.
La tragedia de las dos últimas décadas del siglo y los primeros años del siglo XVIII estuvo dominada por producciones de clásicos de Pierre Corneille y Racine, pero en general el entusiasmo del público por la tragedia había disminuido mucho: la tragedia teatral palideció ante los oscuros problemas económicos y demográficos de finales de siglo y la "comedia de costumbres" (véase más adelante) había incorporado muchos de los objetivos morales de la tragedia. Otros trágicos de finales del siglo incluyen: Claude Boyer , Michel Le Clerc , Jacques Pradon , Jean Galbert de Campistron , Jean de La Chapelle , Antoine d'Aubigny de la Fosse, el abad Charles-Claude Geneste, Prosper Jolyot de Crébillon . A finales de siglo, en las obras de Crébillon en particular, apareció ocasionalmente un retorno a la teatralidad de principios de siglo: episodios múltiples, miedo y piedad extravagantes y la representación de acciones espantosas en el escenario.
La ópera francesa temprana fue particularmente popular en la corte real en este período, y el compositor Jean-Baptiste Lully fue extremadamente prolífico (ver el artículo del compositor para más información sobre los ballets de la corte y la ópera en este período). Estas obras musicales continuaron con la tradición de la tragicomedia (especialmente las "pièces à machines") y el ballet de la corte, y también presentaron ocasionalmente tramas trágicas (o "tragédies en musique"). Los dramaturgos que trabajaron con Lully incluyeron a Pierre Corneille y Molière , pero el más importante de estos libretistas fue Philippe Quinault , un escritor de comedias, tragedias y tragicomedias.
La comedia de la segunda mitad del siglo estuvo dominada por Molière . Actor veterano, maestro de la farsa, el slapstick, el teatro italiano y español (véase más arriba) y el teatro "normal" inspirado en Plauto y Terencio , la producción de Molière fue amplia y variada. Se le atribuye el mérito de haber dado a la " comedia de costumbres " francesa ("comédie de mœurs") y a la "comedia de carácter" ("comédie de caractère") su forma moderna. Sus hilarantes sátiras de padres avaros, " preciosas ", advenedizos sociales, médicos y personajes literarios pomposos tuvieron un gran éxito, pero sus comedias sobre la hipocresía religiosa (" Tartufo ") y el libertinaje (" Don Juan ") le acarrearon muchas críticas de la Iglesia, y "Tartufo" sólo se representó gracias a la intervención del rey. Muchas de las comedias de Molière, como "Tartufo", "Don Juan" y " El misántropo ", podían oscilar entre la farsa y el más oscuro de los dramas, y los finales de "Don Juan" y "El misántropo" están lejos de ser puramente cómicos.
La comedia hasta finales de siglo continuará por los caminos trazados por Molière: la sátira de las costumbres y las costumbres contemporáneas y la comedia "regular" dominarán, y la última gran "comedia" del reinado de Luis XIV, "Turcaret" de Alain-René Lesage , es una obra inmensamente oscura en la que casi ningún personaje muestra rasgos redentores.
Lista seleccionada de obras de teatro francesas posteriores a 1659:
El teatro francés del siglo XVIII floreció con dramaturgos influyentes como Voltaire , conocido por obras como Œdipe (1718) y Zaire (1732), y Marivaux , cuyas comedias exploraron las complejidades del amor, mientras que Denis Diderot introdujo la tragedia burguesa y Beaumarchais revolucionó la comedia con Le Barbier de Séville (1775) y Le Mariage de Figaro (1778); mientras tanto, Jean-Jacques Rousseau criticó el papel del teatro en la sociedad en su Carta a M. D'Alembert sobre los espectáculos , contribuyendo a un rico discurso que entrelazaba la política, la filosofía y las artes dramáticas.
Lista selecta de obras de teatro francesas del siglo XVIII:
La principal batalla del romanticismo en Francia se libró en el teatro, pero no fue contra el teatro. Los primeros años del siglo estuvieron marcados por un renacimiento del clasicismo y las tragedias de inspiración clásica, a menudo con temas de sacrificio nacional o heroísmo patriótico en consonancia con el espíritu de la Revolución, pero la producción de Hernani de Victor Hugo en 1830 marcó el triunfo del movimiento romántico en el escenario (una descripción de la turbulenta noche de estreno se puede encontrar en Théophile Gautier). Las unidades dramáticas de tiempo y lugar fueron abolidas, los elementos trágicos y cómicos aparecieron juntos y se ganó la libertad métrica. Marcados por las obras de Friedrich Schiller , los románticos a menudo eligieron temas de períodos históricos (el Renacimiento francés , el reinado de Luis XIII de Francia ) y personajes nobles condenados (príncipes rebeldes y proscritos) o artistas incomprendidos (la obra de Vigny basada en la vida de Thomas Chatterton ).
A mediados de siglo, el teatro comenzó a reflejar cada vez más una tendencia realista, asociada al naturalismo . Estas tendencias se pueden ver en los melodramas teatrales de la época y, de una manera aún más escabrosa y macabra, en el Grand Guignol de finales de siglo. Además de los melodramas, el teatro popular y burgués de mediados de siglo viró hacia el realismo en las farsas burguesas "bien hechas" de Eugène Marin Labiche y los dramas morales de Émile Augier . También fueron populares las operetas, farsas y comedias de Ludovic Halévy , Henri Meilhac y, a principios de siglo, Georges Feydeau . Antes de la guerra, la obra de mayor éxito fue la gran comedia de Octave Mirbeau Les affaires sont les affaires ( Los negocios son los negocios ) (1903).
La poesía de Baudelaire y gran parte de la literatura de la segunda mitad del siglo (o " fin de siècle ") fueron caracterizadas a menudo como " decadentes " por su contenido escabroso o su visión moral, pero con la publicación del "Manifiesto simbolista" de Jean Moréa en 1886, fue el término simbolismo el que se aplicó con más frecuencia al nuevo entorno literario. El simbolismo apareció en el teatro en las obras de los escritores Villiers de l'Isle-Adam y Maurice Maeterlinck , entre otros.
El dramaturgo más importante de la Francia de finales del siglo XIX fue Alfred Jarry . El impacto de sus obras, principalmente Ubu Roi , fue muy fuerte en el público contemporáneo y ha seguido ejerciendo una gran influencia, entre otras, en Monty Python's Flying Circus y The Young Ones .
El teatro de vanguardia francés posterior a la Primera Guerra Mundial estuvo profundamente marcado por el dadaísmo y el surrealismo . El movimiento surrealista fue una fuerza importante en la escritura experimental y en el mundo del arte internacional hasta la Segunda Guerra Mundial, y la técnica de los surrealistas era particularmente adecuada para la poesía y el teatro, sobre todo en las obras teatrales de Antonin Artaud y Guillaume Apollinaire .
El teatro en las décadas de 1920 y 1930 pasó por nuevos cambios en una asociación informal de teatros (llamada el "Cartel") en torno a los directores y productores Louis Jouvet , Charles Dullin , Gaston Baty y Ludmila y Georges Pitoëff . Produjeron obras francesas de Jean Giraudoux , Jules Romains , Jean Anouilh y Jean-Paul Sartre , así como obras griegas y shakespearianas y obras de Luigi Pirandello , Anton Chekhov y George Bernard Shaw .
El teatro de vanguardia parisino, el "Nuevo Teatro", llamado " Teatro del Absurdo " por el crítico Martin Esslin en referencia a Eugène Ionesco , Samuel Beckett , Jean Genet , Arthur Adamov y Fernando Arrabal, se inspiró en los experimentos teatrales de la primera mitad del siglo y en los horrores de la guerra , y rechazó las explicaciones simples y abandonó los personajes, las tramas y la puesta en escena tradicionales. Otros experimentos teatrales incluyeron la descentralización, el teatro regional, el "teatro popular" (diseñado para acercar a la clase trabajadora al teatro), el teatro brechtiano (en gran parte desconocido en Francia antes de 1954) y las producciones de Arthur Adamov y Roger Planchon . El festival de Avignon fue iniciado en 1947 por Jean Vilar , quien también fue importante en la creación del " Théâtre national populaire " o TNP.
Los acontecimientos de mayo de 1968 marcaron un hito en el desarrollo de una ideología radical de cambio revolucionario en la educación, la clase, la familia y la literatura. En el teatro, la concepción de la "creación colectiva" desarrollada por el Théâtre du Soleil de Ariane Mnouchkine rechazaba la división entre escritores, actores y productores: el objetivo era la colaboración total, la pluralidad de puntos de vista, la eliminación de la separación entre actores y público y la búsqueda de la propia verdad por parte del público.
Historia del teatro occidental: desde los griegos hasta los isabelinos en WikilibrosHistoria del teatro occidental: del siglo XVII a la actualidad en Wikilibros
Materiales de aprendizaje relacionados con la traducción del teatro francés en Wikiversidad