Stanley Newcomb Kenton (15 de diciembre de 1911 - 25 de agosto de 1979) fue un artista de jazz y música popular estadounidense. Como pianista , compositor , arreglista y director de banda, dirigió una innovadora e influyente orquesta de jazz durante casi cuatro décadas. Aunque Kenton tuvo varios éxitos pop desde principios de la década de 1940 hasta la de 1960, su música siempre fue vanguardista. Kenton también fue un pionero en el campo de la educación del jazz, creando el Stan Kenton Jazz Camp en 1959 en la Universidad de Indiana . [2]
Stan Kenton nació el 15 de diciembre de 1911 en Wichita, Kansas ; tenía dos hermanas (Beulah y Erma Mae) nacidas tres y ocho años después que él, respectivamente. Sus padres, Floyd y Stella Kenton, trasladaron a la familia a Colorado y, en 1924, al área metropolitana de Los Ángeles , estableciéndose en el suburbio de Bell, California . [2]
Kenton asistió a la escuela secundaria Bell High School ; la foto de su anuario escolar tiene la profética anotación "Old Man Jazz". Kenton comenzó a aprender piano cuando era adolescente con un pianista y organista local. Cuando tenía alrededor de 15 años y estaba en la escuela secundaria, el pianista y arreglista Ralph Yaw le presentó la música de Louis Armstrong y Earl Hines . Se graduó de la escuela secundaria en 1930.
A los 16 años, Kenton ya tocaba regularmente como solista de piano en un restaurante de hamburguesas local por 50 centavos por noche más propinas; durante ese tiempo tenía su propio grupo de actuación llamado "The Bell-Tones". Su primer arreglo fue escrito durante esta época para una banda local de ocho integrantes que tocaba en la cercana Long Beach . [2]
Con poco dinero, Kenton viajó a bares clandestinos en San Diego y Las Vegas tocando el piano. [3] En 1932, tocaba con la banda Francis Gilbert Territory y realizó giras por Arizona; luego trabajaría con la Orquesta Everett Hoagland en 1933, que sería su primera vez tocando en el Rendezvous Ballroom. Luego tocaría con Russ Plummer, Hal Grayson y finalmente tuvo su gran oportunidad con Gus Arnheim . [3]
En abril de 1936, Arnheim estaba reorganizando su banda al estilo de los grupos de Benny Goodman y Kenton iba a ocupar la silla del piano. Fue allí donde Kenton haría sus primeras grabaciones cuando Arnheim hizo 14 caras para el sello Brunswick en el verano de 1937. Una vez que se fue del grupo de Gus Arnheim , Kenton volvió a estudiar con profesores privados tanto de piano como de composición. En 1938 Kenton se uniría a Vido Musso en una banda de corta duración, pero una experiencia muy educativa para él.
De este grupo surgió la formación de los primeros grupos de Stan Kenton de la década de 1940. Kenton también trabajaría con la NBC House Band y en varios estudios y clubes de Hollywood. El productor George Avakian se fijó en Kenton durante esta época mientras trabajaba como pianista y director musical asistente en el Earl Carroll Theatre Restaurant de Hollywood . A partir de esta experiencia, Kenton empezó a tener la idea de dirigir su propia banda; creó una banda de ensayo propia, que finalmente se convirtió en su grupo en la década de 1940. [2]
En 1940, Kenton formó su primera orquesta. Kenton trabajó en los primeros días con sus propios grupos como arreglista más que como pianista destacado. Aunque no había músicos de "renombre" en su primera banda (con la posible excepción del bajista Howard Rumsey y el trompetista Chico Alvarez ), Kenton pasó el verano de 1941 tocando regularmente ante una audiencia en el Rendezvous Ballroom en la península de Balboa en Newport Beach, California. Influenciada por Benny Carter y Jimmie Lunceford , la Orquesta de Stan Kenton tuvo problemas durante un tiempo después de su éxito inicial. Sus grabaciones de Decca no fueron grandes éxitos de ventas y una temporada como banda de radio de respaldo de Bob Hope durante la temporada 1943-44 fue una experiencia desafortunada; Les Brown ocupó permanentemente el lugar de Kenton. [4]
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La primera aparición de Kenton en Nueva York fue en febrero de 1942 en el Roseland Ballroom , con la marquesina promocionando a Fred Astaire . [5] A finales de 1943, con un contrato con el recién formado Capitol Records , un disco popular en "Eager Beaver" y un creciente reconocimiento, la Orquesta Stan Kenton fue ganando terreno gradualmente; se convirtió en uno de los conjuntos más conocidos de la Costa Oeste de la década de 1940. Sus solistas durante los años de guerra incluyeron a Art Pepper , brevemente Stan Getz , el altoista Boots Mussulli y la cantante Anita O'Day . En 1945, la banda había evolucionado. [4] El compositor Joe Greene proporcionó las letras de canciones exitosas como " And Her Tears Flowed Like Wine " y " Don't Let the Sun Catch You Cryin' ". [6] Pete Rugolo se convirtió en el arreglista principal (ampliando las ideas de Kenton), Bob Cooper y Vido Musso ofrecieron estilos de tenor muy diferentes, y June Christy fue la nueva cantante de Kenton; sus éxitos (incluidos " Tampico " y " Across the Alley from the Alamo " de Greene ) hicieron posible que Kenton financiara sus proyectos más ambiciosos. [ cita requerida ]
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Cuando el compositor y arreglista Pete Rugolo se unió a la Orquesta Stan Kenton como arreglista de plantilla a finales de 1945, trajo consigo su amor por el jazz, Stravinsky y Bartók . Con la libertad que le dio Kenton, Rugolo experimentó. Aunque el propio Kenton ya estaba probando partituras experimentales antes de la llegada de Rugolo, fue Rugolo quien aportó influencias jazzísticas y clásicas adicionales, muy necesarias para que la banda avanzara artísticamente. [ cita requerida ]
Durante sus primeros seis meses en el equipo, Rugolo intentó copiar el sonido de Kenton; animado por el director, exploró su propia voz. Al incorporar técnicas de composición prestadas de la música clásica moderna que estudió, Rugolo fue una parte clave de uno de los períodos más fértiles y creativos de Kenton. [7]
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Después de una serie de arreglos, Rugolo produjo tres temas originales que Kenton incluyó en el primer álbum de la banda en 1946 ( Artistry in Rhythm ): "Artistry in Percussion", "Safranski" y "Artistry in Bolero". A esta mezcla se agregaron "Machito", "Rhythm Incorporated", "Monotony" e "Interlude" a principios de 1947 (aunque algunas no se grabaron hasta más tarde en el año). Estas composiciones, junto con la voz de June Christy , llegaron a definir la banda Artistry in Rhythm . La escritura afrocubana se agregó al libro de Kenton con composiciones como "Machito" de Rugolo. La instrumentación resultante, que utiliza cantidades significativas de metales, se describió como un " muro de sonido " (un término acuñado más tarde de forma independiente por Andrew Loog Oldham para los métodos de producción de Phil Spector ). [8]
El conjunto Artistry in Rhythm fue una banda en formación, con solistas excepcionales. A principios de 1947, la Orquesta Stan Kenton había alcanzado un punto álgido de éxito financiero y popular. Tocaban en los mejores teatros y salones de baile de Estados Unidos y tenían numerosos discos de éxito. Los bailes en los salones de baile solían durar cuatro horas por noche y las fechas de los teatros generalmente implicaban tocar miniconciertos entre cada proyección de la película. A veces eran cinco o seis al día, desde la mañana hasta la noche. La mayoría de los días que no tocaban en realidad se pasaban en autobuses o coches. Los días libres sin actuar eran raros. A Kenton solo le permitieron firmar más discos, entrevistas en estaciones de radio y hacer publicidad para Capitol Records . Debido a las exigencias financieras y personales, después de una actuación en abril en Tuscaloosa , disolvió la encarnación Artistry in Rhythm de los conjuntos de Kenton. [ cita requerida ]
Después de una pausa de cinco meses, Kenton formó un nuevo conjunto más grande para presentar Concerts in Progressive Jazz . Mantener el conjunto por sí solo resultó casi alcanzable, pero la banda aún tenía que completar su agenda reservando bailes y trabajos en el cine, especialmente durante el verano. [ cita requerida ]
Pete Rugolo compuso y arregló la mayor parte de la nueva música; Kenton declaró que estas obras eran jazz progresivo. Bob Graettinger, alumno del famoso compositor y educador Russ García , escribió numerosas obras para la banda, comenzando con su composición Thermopylae. Su innovadora composición City of Glass fue estrenada por la banda en Chicago en abril de 1948, pero no se grabó hasta dos años y medio después, en una versión reelaborada para la Innovations Orchestra. Ken Hanna , que comenzó la gira como trompetista, contribuyó con algunas composiciones a la nueva banda, incluida Somnambulism . Kenton no contribuyó con nuevas partituras para la banda de jazz progresivo , aunque varias de sus obras más antiguas se interpretaron en conciertos, incluido Concerto to End All Concertos , Eager Beaver , Opus in Pastels y Artistry in Rhythm . [ cita requerida ]
Entre los títulos con influencias cubanas del período del jazz progresivo se incluyen Introduction to a Latin Rhythm de Rugolo , Cuban Carnival , The Peanut Vendor , Journey to Brazil y Cuban Pastorale de Bob Graettinger . La incorporación de un bongó a tiempo completo y un guitarrista brasileño a la banda permitió al grupo de compositores de Kenton explorar los ritmos afrolatinos y abrir posibilidades mucho mayores. [ cita requerida ]
El período del jazz progresivo duró 14 meses, comenzando el 24 de septiembre de 1947, cuando la orquesta de Stan Kenton tocó un concierto en el Rendezvous Ballroom . Y terminó después del último espectáculo en el Teatro Paramount de la ciudad de Nueva York el 14 de diciembre de 1948. La banda produjo solo un álbum y un puñado de sencillos, debido a una prohibición de grabación por parte de la Federación Estadounidense de Músicos que duró todo 1948. [9]
El único disco, " A Presentation of Progressive Jazz ", [10] recibió una calificación de 3 sobre 4 de Tom Herrick en DownBeat . [11] Metronome lo calificó como "C" y lo calificó como una "mezcolanza improvisada de efectos y contraefectos" y "este álbum presenta muy poco que pueda llamarse justificadamente jazz o progresivo". [12] Billboard lo calificó con 80 sobre 100, pero lo declaró "una colección de cacofonía tan absurda como nunca antes se ha soltado ante un público desprevenido". [13]
Muchos de los músicos que habían tocado en la banda Artistry regresaron, pero hubo cambios significativos. [14] Laurindo Almeida en la guitarra clásica y Jack Costanzo en los bongós cambiaron drásticamente el timbre de la banda. Ambos fueron una novedad para la banda de Kenton, o para cualquier banda de jazz. La sección rítmica incluyó a los repatriados Eddie Safranski (bajo) y Shelly Manne (batería), ambos destinados a ganar el primer lugar en los premios Down Beat. [ cita requerida ]
Los niños se están volviendo locos con el ruido de esta banda... Existe el peligro de que una generación entera crezca con la idea de que el jazz y la bomba atómica son esencialmente el mismo fenómeno natural.
— Barry Ulanov, Metrónomo , 1948 [15]
Cuatro de los cinco trompetistas regresaron: Buddy Childers , Ray Wetzel , Chico Alvarez y Ken Hanna . Al Porcino se sumó a la ya potente sección. Conte Candoli se unió a la banda, reemplazando a Porcino, en febrero de 1948. [ cita requerida ]
Kai Winding , trombonista estrella de la banda Artistry in Rhythm , no sería parte de la era del jazz progresivo , excepto en unas pocas fechas en las que hizo de suplente. Milt Bernhart entró como trombón principal y Bart Varsalona regresó como trombón bajo. El primer gran solo de Bernhart con la banda de Kenton resultó ser un gran éxito, The Peanut Vendor . [ cita requerida ]
La sección de saxofones mejoró y se modernizó mucho. Entre los saxofonistas que volvieron se encontraban el barítono Bob Gioga, que ocupó su puesto desde el principio, y Bob Cooper , el tenor. Con la marcha de Vido Musso , Cooper y su sonido modernista se convirtieron en el solista tenor destacado. Art Pepper entró como segundo alto, el "jazzista". Y el nuevo alto principal fue George Weidler . [ cita requerida ]
Se trataba, en verdad, de una banda de estrellas. Recibieron cinco premios al primer puesto en la encuesta Down Beat a finales de 1947, [16] y premios similares de otras revistas. Los arreglistas siguieron superando los límites de estos magníficos instrumentistas en sus composiciones. Las obras de este período son más sofisticadas que las escritas para la banda Artistry y son algunas de las primeras y más exitosas composiciones de la " tercera corriente ". [ cita requerida ]
La banda recorrió todo el país y actuó en los principales recintos de conciertos del país, entre ellos el Carnegie Hall , el Boston Symphony Hall , el Chicago Civic Opera House , la Academy of Music (Filadelfia) y el Hollywood Bowl . Tuvieron estancias prolongadas en el Paramount Theatre y el Hotel Commodore de Nueva York, el Click de Filadelfia, los Eastwood Gardens de Detroit, el Radio City Theater de Minneapolis y el Rendezvous Ballroom , un lugar especial en la vida musical de Kenton. [ cita requerida ]
La banda de Kenton fue la primera en ofrecer un concierto en el famoso estadio al aire libre, el Hollywood Bowl. Su concierto allí, el 12 de junio de 1948, atrajo a más de 15.000 personas y fue un éxito tanto artístico como comercial. Kenton se embolsó la mitad de la taquilla, llevándose 13.000 dólares estadounidenses (equivalentes a 164.859 dólares en 2023) por el concierto de esa noche. [17]
La banda rompió récords de asistencia en todo el país. Gracias a la perspicacia de Kenton en materia de relaciones públicas, pudo convencer a los asistentes a los conciertos y a los compradores de discos de la importancia de su música. Los números cómicos y la voz de June Christy ayudaron a romper con la seriedad de la nueva música. [ cita requerida ]
Los éxitos de Kenton no le sentaron bien a todo el mundo. En un ensayo titulado Economía y raza en el jazz , Leslie B. Rout Jr. escribió:
"El verdadero azote del período 1946-1949 fue la banda de Stan Kenton, integrada exclusivamente por blancos. Kenton, que bautizó su repertorio musical como jazz progresivo , vio a su orquesta convertirse en la primera en la historia del jazz en alcanzar una recaudación anual de 1.000.000 de dólares estadounidenses en 1948". (equivalente a 12,68 millones de dólares en 2023)
— Leslie Rout (1968) [18]
Rout contrastó esto con la relativa falta de reconocimiento crítico y público de otro artista de jazz destacado:
" Dizzy Gillespie , como el gran cantante de rock, no pudo convertirse en una moneda de cambio".
— Leslie Rout (1968) [18]
A finales de 1948, mientras la banda cumplía con un compromiso extendido en el Teatro Paramount de la ciudad de Nueva York, el líder notificó a sus acompañantes, a sus promotores y a la prensa que se disolvería una vez más. La banda de Kenton con más éxito artístico y comercial dejó de estar en la cima de su carrera. El 14 de diciembre de 1948, la Orquesta de Stan Kenton tocó sus últimas notas durante más de un año. Regresarían con nuevas caras, nueva música y una sección de cuerdas. [ cita requerida ]
Después de un año de pausa, en 1950 Kenton reunió la gran Orquesta Innovations in Modern Music de 39 miembros que incluía 16 cuerdas, una sección de instrumentos de viento y dos trompas. La música era una extensión de las obras compuestas y grabadas desde 1947 por Bob Graettinger , Manny Albam , Franklyn Marks y otros. Músicos de jazz de renombre como Maynard Ferguson , Shorty Rogers , Milt Bernhart , John Graas , Art Pepper , Bud Shank , Bob Cooper , Laurindo Almeida , Shelly Manne y June Christy formaban parte de estos conjuntos musicales. Los grupos realizaron dos giras durante 1950-51, desde un punto de vista comercial sería el primer gran fracaso de Stan Kenton. Kenton pronto volvió a una formación más estándar de 19 miembros. [2]
Para ser más viable comercialmente, Kenton reformó la banda en 1951 con una instrumentación mucho más estándar: cinco saxofones, cinco trombones, cinco trompetas, piano, guitarra, bajo, batería. Las partituras de arreglistas como Gerry Mulligan , Johnny Richards y, particularmente, Bill Holman y Bill Russo comenzaron a dominar el repertorio. La música fue escrita para reflejar mejor el estilo de las grandes bandas de vanguardia orientadas al be-bop, como las de Dizzy Gillespie o Woody Herman . Jóvenes y talentosos músicos y destacados solistas de jazz como Maynard Ferguson , Lee Konitz , Conte Candoli , Sal Salvador y Frank Rosolino hicieron fuertes contribuciones al nivel de la banda de 1952-53. La música compuesta y arreglada durante este tiempo estaba mucho más adaptada a los gustos del jazz contemporáneo; El álbum de 1953 New Concepts of Artistry in Rhythm se considera uno de los puntos culminantes de la carrera de Kenton como líder de banda. Aunque la banda iba a tener un "libro de conciertos" muy sólido, Kenton también se aseguró de que el libro de baile fuera nuevo, fresco y contemporáneo. El álbum Sketches on Standards de 1953 es un excelente ejemplo de cómo Kenton atraía a un público más amplio mientras utilizaba la banda y las habilidades de arreglos de Bill Russo a su máximo potencial. Aunque el personal cambió con bastante rapidez, el enfoque de Kenton era muy claro sobre hacia dónde llevaría las cosas musicalmente. En ese momento, el productor Lee Gillette trabajó bien en conjunto con Kenton para crear un conjunto equilibrado de grabaciones que fueran comercialmente viables y musicalmente vanguardistas.
Se podría decir que la banda más "swing" que Kenton iba a presentar llegó cuando el legendario baterista Mel Lewis se unió a la orquesta en 1954. Los álbumes Contemporary Concepts (1955) y Kenton in Hi-Fi (1956) de Kenton durante esta época son muy impresionantes como grabación de be-bop y luego como grabación de baile estándar (respectivamente). [2] La amplia popularidad y las ventas de Kenton in Hi-Fi se beneficiaron del hecho de que eran sus grandes éxitos de diez años antes regrabados en estéreo con una banda contemporánea de mucho más alto nivel. El álbum subió hasta el puesto número 22 en las listas de álbumes de Billboard y proporcionó ingresos muy necesarios en un momento en el que el Rock n Roll había comenzado a convertirse en la música pop dominante en los Estados Unidos . [2] Sería cada vez más difícil para Kenton alternar entre álbumes de "baile" y "jazz" serios sin dejar de ser financieramente solvente.
Durante el verano de 1955 (julio-septiembre), Kenton se convirtió en el presentador de la serie de televisión de CBS Music 55. Si bien ofreció 10 semanas de gran exposición a una audiencia televisiva en rápida expansión, el programa fracasó. Estuvo plagado de malas técnicas de producción y una extraña combinación de invitados que no funcionaron bien con lo que Kenton había imaginado. Terminó siendo rígido y fuera de lugar con lo que los productores intentaron lograr. [19] Kenton tuvo que quemar la vela por ambos extremos, volando para hacer el programa y luego volando de regreso para encontrarse con su banda en la carretera. El equipo de producción de Nueva York se limitó a utilizar una lista de músicos locales de la Federación Estadounidense de Músicos ; Kenton quería que su propia banda hiciera el programa. Habría otro intento por parte de la organización Kenton de colocar a la banda en la programación de televisión regular en 1958. Después de seis episodios financiados por Kenton en KTTV en Los Ángeles, no habría patrocinadores que dieran un paso adelante y respaldaran el programa. [2]
Uno de los proyectos y grabaciones más destacados de la banda de mediados de los años 50 es el álbum Cuban Fire!, lanzado en 1956. Aunque Stan Kenton había grabado éxitos anteriores como The Peanut Vendor en 1947 con el percusionista latino Machito , así como muchos otros sencillos con sabor latino, la suite y el LP Cuban Fire! se destacan como un conjunto de composiciones que marcaron un hito en la carrera de Johnny Richards y un logro comercial/artístico sobresaliente para la orquesta de Kenton, y un hito singular en las grabaciones de jazz latino de grandes conjuntos . [20] [2] "CUBAN FIRE es completamente auténtico, la forma en que combina el jazz de big band con ritmos latinoamericanos genuinos". [21] El éxito del álbum Cuban Fire! se puede medir en parte por el ascenso inmediato de la estrella de Johnny Richards después de su lanzamiento; de repente, Bethlehem Records le ofreció un contrato para grabar lo que sería la primera de varias grabaciones con sus propios grupos. [2]
En un momento dado, Kenton se enfrentó a una controversia en 1956 por unos comentarios que hizo cuando la banda regresó de una gira europea. La encuesta de críticos actual en Down Beat estaba ahora dominada por músicos afroamericanos en prácticamente todas las categorías. La banda de Kenton estaba tocando en Ontario, Canadá , en ese momento, y Kenton envió un telegrama en el que lamentaba "una nueva minoría, músicos de jazz blancos", y manifestaba su "disgusto [con los llamados] genios literarios del jazz". El crítico de jazz Leonard Feather respondió en la edición del 3 de octubre de 1956 de Down Beat con una carta abierta que cuestionaba las opiniones raciales de Kenton. Feather dio a entender que el fracaso de Kenton en ganar la encuesta de críticos fue probablemente la verdadera razón de la queja, y se preguntó si el prejuicio racial estaba involucrado. Menos del 2% de los más de 600 músicos de acompañamiento de la banda de Kenton eran afroamericanos. [ cita requerida ]
A finales de la década, Kenton estaba con la última encarnación de una orquesta Kenton de 19 miembros al estilo de los años 50. Muchas bandas han sido llamadas las "mejores" de un líder; esta última encarnación de Kenton de 1959 de las bandas de los años 50 puede muy bien ser la mejor. El grupo lograría una de las grabaciones más artísticas, sutiles e introspectivas de Kenton, Standards in Silhouette . Como el trombonista Archie LeCoque recordó de este álbum de baladas muy lentas, "... fue difícil, pero en ese momento todos éramos jóvenes y directos, lo superamos y (dos) álbumes salieron bien". [2] En 1959, la grabación de sonido estereofónico ya se utilizaba plenamente con todos los sellos importantes. Uno de los grandes triunfos del álbum Standards in Silhouette es la escritura madura, la combinación de la sala utilizada, un grupo en vivo con muy pocas sobregrabaciones y la grabación en total fidelidad estéreo (y luego remasterizada a digital). [22] Bill Mathieu era muy escéptico sobre la decisión de grabar su música como Cuban Fire! en un salón de baile cavernoso. Mathieu agrega: "Stan y el productor Lee Gillette tenían toda la razón: la banda suena viva y despierta (lo cual no es fácil cuando se graban muchas horas de música de ritmo lento en un estudio), y lo más importante, los músicos podían escucharse bien en la sala en vivo. El resultado final es que la banda suena fuerte y cohesionada, y el álbum está bien grabado". [23] Esta es la última serie de fechas de estudio antes de que Kenton reestructurara toda la orquesta en 1960.
La orquesta de Kenton había estado en un lento declive en ventas y popularidad a fines de la década de 1950 al tener que competir con artistas musicales más nuevos y populares como Elvis Presley , Bobby Darin y The Platters . El punto más bajo de este declive fue alrededor de 1958 y coincidió con una recesión que afectaba a todo el país. [2] Había muchas menos grandes bandas en la carretera y era difícil reservar lugares de música en vivo para la orquesta de Kenton. La banda terminaría 1959 golpeada por la poca asistencia a los conciertos y teniendo que depender mucho más de las salas de baile que de los verdaderos conciertos de jazz. [23] La banda se reformaría en 1960 con una nueva apariencia, un nuevo sonido, un grupo más grande con una sección de " mellophonium " agregada y un aumento en la popularidad de Kenton. [2] [23]
El nuevo instrumento fue utilizado por Kenton para "cerrar la brecha" en rango, color y tonalidad entre sus secciones de trompeta y trombón. Esencialmente crea un sonido cónico de rango medio que es común en un entorno sinfónico con un instrumento ( corno francés ) pero la campana del instrumento mira hacia adelante. La grabación de Kenton de 1961 The Romantic Approach para Capitol es el primero de 11 LP que presentarían a la " banda de melofonio ". Kenton arregló todo el primer álbum de melofonio él mismo y fue muy bien recibido en una reseña de septiembre de 1961 en Down Beat . [24]
Me encantaba tocar la música de Johnny y a Stan también. West Side Story fue probablemente el álbum más difícil que he grabado jamás...
—Jerry McKenzie [23]
La Kenton Orchestra de 1960 a 1963 tuvo numerosos éxitos; la banda tenía un calendario de grabaciones implacable. Los álbumes Kenton's West Side Story (arreglos de Johnny Richards ) y Adventures In Jazz , ganaron premios Grammy en 1962 y 1963 respectivamente. Ralph Carmichael escribió un magnífico conjunto de gráficos navideños para Kenton que se tradujo en una de las grabaciones más populares del líder de la banda hasta la fecha: A Merry Christmas!. Además , la suite Adventures in Time de Johnny Richards (grabada en 1962) fue la culminación de todas las cosas que la banda de melofonio era capaz de hacer. [2] [25] Después de que la gira de otoño de 1963 por Estados Unidos y el Reino Unido terminara en noviembre, la encarnación de melofonio de las bandas de Kenton terminó. Las condiciones del divorcio de Stan de la cantante de jazz Ann Richards fueron que un juez le ordenó a Stan que se tomara un año fuera de la carretera para ayudar a criar a sus dos hijos o perder la custodia por completo. [26] Kenton no volvería a formar otra banda itinerante hasta 1965.
Kenton tenía vínculos con la escritura anterior de canciones country/western que fueron un éxito con Capitol y nuevamente probó suerte en ese género a principios de la década de 1960. En un mercado musical que se estaba volviendo cada vez más estricto, en 1962 lanzó el exitoso sencillo " Mama Sang a Song "; su último Top 40 ( No. 32 Billboard , No. 22 Music Vendor). La canción era una narración escrita por el cantante de country Bill Anderson y hablada por Kenton. El sencillo también recibió una nominación al Grammy el año siguiente en la categoría de Mejor Documental o Grabación Hablada. El otro intento que hizo en ese mercado fue el mucho menos exitoso Stan Kenton! Tex Ritter!, lanzado en 1962 como un LP completo.
Tras la disolución de la banda de mellophonium , Kenton / Wagner (1964) fue un importante proyecto discográfico que el propio Kenton arregló, moviéndose de nuevo hacia el "jazz progresivo" o la música de tercera corriente . Este álbum no fue un éxito financiero, pero mantuvo a Kenton a la vanguardia de la interpretación de la "música artística" en el mundo de la música comercial. Stan Kenton Conducts the Los Angeles Neophonic Orchestra (1965) fue un éxito artístico que le valió otra nominación al Grammy al líder de la banda. Durante esta época, Kenton también coescribió la música de la breve serie de televisión de la NBC Mister Roberts (1965-66).
Los lanzamientos de Capitol de 1966-1969 para Stan Kenton fueron un punto bajo severo para su carrera discográfica. El productor de Capitol, Lee Gillette, estaba tratando de explotar las posibilidades de hacer dinero de numerosos éxitos populares para incluir el musical de 1968 Hair con música rock contemporánea . [2] Debido a la falta de promoción por parte de Capitol , cuatro LP fueron fracasos financieros; este sería el último lanzamiento de Kenton bajo la égida del productor de Kenton de larga data, Lee Gillette, y Capitol . [2] De hecho, en el momento en que se grabó, Kenton no tenía participación en el LP Hair , excepto por el nombre de Kenton colocado en la portada; Ralph Carmichael y Lennie Niehaus fueron puestos a cargo del proyecto. Dos excepciones a este período de finales de la década de 1960 son el sencillo en las listas de Billboard, el corte de la banda del tema Dragnet (1967) y otro lanzamiento de Kenton presenta que presenta la música del compositor y ex miembro de la banda Dee Barton : The Jazz Compositions of Dee Barton (1967). El álbum con la música de Barton fue otro éxito artístico no reconocido para la banda de Kenton, aunque fue poco visto comercialmente por el público oyente de música. [2]
La transición de Capitol a Creative World Records en 1970 estuvo plagada de dificultades en una época en la que el negocio de la música estaba cambiando rápidamente. Como artista de jazz viable que intentaba mantener un público fiel pero cada vez más reducido, Kenton recurrió a arreglistas como Hank Levy y Bob Curnow para escribir material que atrajera a un público más joven. [2] Los primeros lanzamientos del sello Creative World fueron conciertos en vivo y Kenton tenía el control que quería sobre el contenido, pero carecía de recursos sustanciales para diseñar, mezclar y promocionar lo que Capitol había respaldado en el pasado. Kenton se arriesgaría mucho para eludir la industria discográfica actual y depender mucho más de las listas de correo directo de los fanáticos del jazz que el sello recién formado Creative World necesitaría para vender discos. [27] Kenton también puso su música impresa a disposición de bandas de escenario de universidades y escuelas secundarias con varias editoriales. Kenton continuó liderando y haciendo giras con su gran banda hasta su última actuación el 20 de agosto de 1978, cuando disolvió el grupo debido a su mala salud. [28]
En junio de 1973, Bob Curnow había empezado como nuevo artista y gerente de repertorio, supervisando toda la operación de Creative World Records. [29] Fue justo el año anterior (en 1972) cuando la orquesta de Kenton grabó el doble LP National Anthems of the World con 40 arreglos, todos hechos por Curnow. [30] Según el propio Curnow:
"Fue una época muy difícil y memorable para mí. Yo dirigía la compañía discográfica (de Stan) sin ninguna experiencia en el mundo de los negocios, escribía música como un loco, vivía en un lugar y una cultura nuevos ( Los Ángeles era otro mundo), viajaba MUCHO (salía con la banda al menos una semana al mes) y trataba de mantenerme en casa".
— Bob Curnow (2013) [31]
Cuando Kenton salió de gira a principios de los años 70 (una en Londres en 1972) y hasta su última gira, llevó consigo a músicos veteranos experimentados (John Worster, Willie Maiden, Warren Gale, Graham Ellis y otros) asociándolos con artistas jóvenes relativamente desconocidos, y se utilizaron nuevos arreglos (incluidos los de Hank Levy , Bill Holman , Bob Curnow , Willie Maiden y Ken Hanna). Muchos ex alumnos asociados con Kenton de esta época se convirtieron en educadores (Mike Vax, John Von Ohlen, Chuck Carter, Lisa Hittle y Richard Torres), y algunos continuaron llevando sus carreras musicales al siguiente nivel, [ aclaración necesaria ] como Peter Erskine , Douglas Purviance y Tim Hagans . [ cita requerida ]
Kenton fue una figura importante en la escena musical estadounidense y dejó una marca indeleble en el estilo de arreglos de jazz de big band. La música de Kenton evolucionó con el tiempo desde 1940 hasta la década de 1970. Estuvo a la vanguardia de la promoción del jazz y la improvisación de jazz a través de su servicio como educador a través de sus Stan Kenton Band Clinics . El "estilo Kenton" sigue permeando las big bands en el nivel de la escuela secundaria y la universidad, y el marco que diseñó para la " clínica de jazz " todavía se usa ampliamente en la actualidad.
A partir de los últimos días de la era de las big bands, Kenton encontró muchas maneras de hacer progresar su forma de arte. En sus manos, el tamaño de la orquesta de jazz se expandió enormemente, a veces superando los cuarenta músicos. El rango de frecuencia (notas altas y bajas) también se incrementó con el uso de trombones bajos y tubas, y saxofones barítonos y bajos. El rango dinámico se amplió en ambos extremos; la banda podía tocar más suave y más fuerte que cualquier otra big band. Kenton fue el principal líder de la banda responsable de trasladar la big band del salón de baile a la sala de conciertos; uno de los músicos más importantes y exitosos del movimiento Third Stream .
El interés por su música ha experimentado un cierto resurgimiento, con un "redescubrimiento" crítico de su música y muchas reediciones de sus grabaciones. Una banda de ex alumnos que lleva su nombre realiza giras, liderada por el trompetista principal Mike Vax, que interpreta no solo arreglos clásicos de Kenton, sino también música nueva escrita e interpretada por los miembros de la banda (muy similar a los propios grupos de Kenton). Kenton donó toda su biblioteca a la biblioteca de música de la North Texas State University [32] (ahora la University of North Texas ), y el Stan Kenton Jazz Recital Hall recibió su nombre en su honor, aunque recientemente se cambió debido a las preocupaciones sobre su historial de mala conducta sexual. Sus arreglos ahora son publicados por Sierra Music Publications. [33]
En comparación con las cuatro orquestas de jazz de gira más antiguas (Stan Kenton, Woody Herman , Count Basie y Duke Ellington ), la banda de Kenton tuvo la mayor rotación de personal: Bob Gioga, Buddy Childers y Dick Shearer se encuentran entre los pocos que tocaron para Kenton durante más de una década. Otros solistas importantes como Lennie Niehaus , Bill Perkins y Chico Alvarez también tuvieron largas estancias en la banda. La lista completa de notables músicos de jazz, músicos de estudio, etc. que sirvieron durante un período es en sí misma impresionante, como lo es la consistencia del grupo como una empresa en marcha desde 1941 hasta la década de la muerte de Kenton en 1979. El liderazgo y la visión musical de Kenton organizaron las numerosas fuerzas de un conjunto diverso y cambiante de músicos y arreglistas durante casi cuatro décadas.
El certificado de nacimiento de Kenton indicaba que nació el 15 de diciembre de 1911, según el biógrafo británico Michael Sparke. [21]
Kenton fue concebido fuera del matrimonio, y sus padres le dijeron que había nacido el 19 de febrero de 1912, dos meses después de la fecha real, para ocultar este hecho. Kenton creyó hasta bien entrada la edad adulta que la fecha de febrero era su cumpleaños, y grabó el álbum de conciertos Birthday In Britain el 19 de febrero de 1973. [34]
La fecha real permaneció en secreto y su lápida muestra la fecha de nacimiento incorrecta, febrero. [21]
Kenton se casó tres veces. Tuvo tres hijos de los dos primeros matrimonios. Su primer matrimonio fue con Violet Rhoda Peters en 1935 y duró 15 años. La pareja tuvo una hija en 1941, Leslie . En sus memorias de 2010 Love Affair , Leslie Kenton escribió que, de 1952 a 1954, cuando tenía entre 11 y 13 años, su padre abusó sexualmente de ella. [35] No obstante, mantuvo una relación cercana con él, aunque afirma que la experiencia la marcó emocionalmente. [36] [37] [38] [39] Dijo que el abuso ocurrió cuando estaba borracho. 20 años después se disculpó. [40] [36] [37]
En 1955, Stan Kenton se casó con la cantante nacida en San Diego Ann Richards , que era 23 años menor que él. Tuvieron dos hijos. En 1961, Richards posó desnuda para un diseño en la edición de junio de 1961 de la revista Playboy . [41] Ella firmó un contrato para grabar con Atco Records , sin el conocimiento de su marido. [42] La sesión de fotos de Playboy se hizo sin el conocimiento de Kenton; se enteró mientras tocaba en el Aragon Ballroom en Chicago cuando Charles Suter, quien era el editor de la revista Down Beat en ese momento, le entregó la revista . [43] Richards no solía estar de gira con la banda, aunque había grabado el álbum Two Much! con Kenton en 1960. Richards solicitó el divorcio en agosto de 1961; [44] se finalizó en 1962. Conservó la custodia de sus dos hijos. [45] [2]
El tercer matrimonio de Kenton fue con la asistente de producción de KABC, Jo Ann Hill, en 1967. Este también terminó en una separación en 1969 y el divorcio siguió en 1970. [2]
En sus últimos años vivió con su secretaria de relaciones públicas y última gerente comercial, Audree Coke Kenton, aunque nunca se casaron. [ cita requerida ]
El consumo excesivo de alcohol por parte de Kenton contribuyó a los frecuentes accidentes y a las dificultades físicas que enfrentó durante los últimos 10 años de su vida. [46] [40]
El hijo de Kenton, Lance, se convirtió en miembro de la controvertida comunidad de nueva era Synanon en California y sirvió como uno de sus "marines imperiales", un grupo encargado de cometer actos de violencia contra antiguos miembros y otras personas consideradas enemigas de la comunidad. En 1978 fue arrestado por ayudar a poner una serpiente de cascabel en el buzón de un abogado anti-Synanon y fue sentenciado a un año de prisión. [47] [48]
Kenton sufrió dos caídas graves, una a principios de los años 1970 y otra en mayo de 1977 mientras estaba de gira en Reading, Pensilvania , [49] la segunda de las cuales le fracturó el cráneo. El 17 de agosto de 1979, fue ingresado en el Hospital Midway cerca de su casa en Los Ángeles después de un derrame cerebral; murió ocho días después, el 25 de agosto. Kenton fue enterrado en el cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles. [47] [3]
Discos de oro
(Canciones que alcanzaron la cima de las listas de éxitos de Estados Unidos o el Reino Unido)
Entre 1944 y 1967, Stan Kenton tuvo numerosos éxitos en las listas de Billboard. [50]
(Álbumes que aparecen en la historia de la revista Billboard)
Salón de la Fama de los Grammy
Premios EMPixx – Premio Platino en la Categoría Documental/Premio Platino en la Categoría Uso de Música.
Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos
Las composiciones de Stan Kenton incluyen "Artistry in Rhythm", publicada como V-Disc No. 285B, "Opus in Pastels", "Artistry Jumps", "Reed Rapture", "Eager Beaver", publicada como V-Disc 285B, "Fantasy", "Southern Scandal", que fue lanzada como V-Disc No. 573B, "Monotony", lanzada como V-Disc No. 854B, en 1948, con una introducción hablada de Kenton, "Harlem Folk Dance", "Painted Rhythm", "Concerto to End All Concertos", "Easy Go", "Concerto for Doghouse", "Shelly Manne", "Balboa Bash", "Flamenco" y "Sunset Tower". [58]
Muchas composiciones son colaboraciones entre Stan Kenton y Pete Rugolo, como "Artistry in Boogie", "Collaboration" y "Theme to the West". Kenton fue reconocido como coautor del clásico de jazz de 1944 " And Her Tears Flowed Like Wine ".
Muchos de los arreglos de la banda de Kenton han sido populares entre los cuerpos de tambores , donde la dinámica contrastante y la exigente interpretación de los metales son particularmente adecuadas para la naturaleza competitiva de la actividad. [59] De particular interés son la interpretación ganadora del campeonato Madison Scouts de Malaguena en 1988, el repertorio de 1986 de Suncoast Sound basado en Adventures in Time y la suite de 1992 de Blue Devils Drum and Bugle Corps de Cuban Fire .
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