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Artes visuales en Israel o arte israelí se refiere al arte visual o arte plástico creado por artistas israelíes o pintores judíos primero en la región de Palestina , desde finales del siglo XIX hasta 1948 y posteriormente en Israel y los territorios palestinos ocupados por artistas israelíes. . El arte visual en Israel abarca un amplio espectro de técnicas, estilos y temas que reflejan un diálogo con el arte judío a lo largo de los siglos e intentos de formular una identidad nacional. [1]
En la Palestina del siglo XIX, el arte decorativo era dominante y se restringía en gran medida a temas religiosos y relacionados con Tierra Santa, atendiendo a las necesidades de los visitantes y locales. La pintura normalmente permaneció dentro de los límites del orientalismo, y la fotografía temprana tendía a imitarlo.
En las décadas de 1920 y 1930, muchos pintores judíos que huían de los pogromos en Europa se establecieron en Tel Aviv. [1]
En 1925 Yitzhak Frenkel , también conocido como Alexandre Frenel, considerado el padre del arte moderno israelí, trajo a la Palestina moderna la influencia de la École de Paris ; enseñando y asesorando a muchos de los grandes artistas emergentes del estado naciente. [2] [3] [4] [5] [6] Además, él, junto con otros artistas, dirigió el movimiento de artistas israelíes al Barrio de los Artistas de Tzfat , lo que condujo a una edad de oro del arte en la ciudad durante las décadas de 1950, 1960 y Década de 1970. [7] [6]
En Israel surgieron diferentes movimientos artísticos, incluidos los movimientos cananeo y Nuevos Horizontes .
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El arte temprano en la Palestina del siglo XIX era principalmente arte decorativo de naturaleza religiosa (principalmente judío o árabe cristiano ), producido para peregrinos religiosos , pero también para la exportación y el consumo local. Estos objetos incluían tablillas decoradas, jabones repujados, sellos de caucho, etc., la mayoría de los cuales estaban decorados con motivos procedentes de las artes gráficas . [8] En los asentamientos judíos los artistas trabajaban en orfebrería , platería y bordado, produciendo sus obras en pequeños talleres artesanales. Una parte de estas obras estaban destinadas a ser amuletos. Uno de los artistas judíos más conocidos, Moshe Ben Yitzhak Mizrachi de Jerusalén, hizo Shiviti (o Shivisi, en la pronunciación asquenazí, placas meditativas utilizadas en algunas comunidades judías para la contemplación del nombre de Dios) sobre vidrio y amuletos sobre pergaminos, con motivos como como el Sacrificio de Isaac, el Libro de Ester y vistas del Monte del Templo y el Muro Occidental . [9] También se produjeron objetos de artes aplicadas en la escuela "Torah ve-Melakhah" ("Torá y trabajo") fundada en 1882 por la Alianza Israélite Universelle . [10] Esta escuela abrió departamentos para la producción de objetos de arte en estilos neoclásico y barroco , producidos combinando trabajo manual con máquinas modernas.
Una gran cantidad de obras artísticas fueron producidas por artistas europeos, principalmente pintores cristianos, que vinieron a documentar los sitios y paisajes de la " Tierra Santa ". El motivo de estas obras era orientalista y religioso y se centraba en la documentación –primero mediante la pintura y después mediante la fotografía– de los lugares sagrados y el modo de vida en Oriente , y en la presentación de pueblos exóticos. [11] Las fotografías de Tierra Santa, que también sirvieron de base para pinturas, se centraron en documentar estructuras y personas a plena luz del día, debido a las limitaciones de la fotografía de la época. [12] Por lo tanto, un enfoque etnográfico se evidencia en las fotografías, que presentan una imagen estática y estereotipada de las figuras que representan. En las fotografías del fotógrafo francés Felix Bonfils , por ejemplo en sus destacadas fotografías de Tierra Santa de las últimas décadas del siglo XIX, vemos incluso un fondo desértico artificial, frente al cual posan sus figuras. A finales del siglo XIX y principios del XX comenzaron a aparecer fotógrafos locales, el más importante de los cuales es Khalil Raad , que se centró en una descripción etnográfica de la realidad de Tierra Santa, en gran parte colonial. Además había otros fotógrafos, muchos de ellos armenios, que trabajaban como fotógrafos comerciales en la Tierra de Israel y los países vecinos.
Hasta principios del siglo XX no existía ninguna tradición de bellas artes en Palestina [ cita necesaria ] aunque artistas europeos vinieron como visitantes y pintaron la "Tierra Santa". Artistas y artesanos de objetos judaicos y otras artes aplicadas constituían la mayoría de los artistas que trabajaban en la Tierra de Israel. Aunque la "Escuela de Artes y Oficios de Bezalel", conocida como " Bezalel ", no fue la primera escuela de arte establecida en el asentamiento judío, su importancia para establecer los límites de la tradición del arte moderno en Palestina fue muy grande, y Es costumbre considerar su establecimiento como el comienzo del arte israelí. [ cita necesaria ] La escuela fue fundada en 1906 por Boris Schatz con el apoyo de directores de instituciones judías y sionistas . En Bezalel se puso énfasis en objetos de arte aplicado con una dimensión metafísica.
En la escuela de arte se hizo evidente la influencia del Art Nouveau europeo , además de otros movimientos sociales como el movimiento británico " Arts and Crafts ". En el logo de la revista trimestral " Yalkut Bezalel ", diseñado por Ze'ev Raban , vemos dentro del marco adornado querubines con un pintor y un escultor a cada lado y un fabricante de lámparas y un tejedor de alfombras al lado de ellos. Debajo de la ilustración se puede leer el título "El trabajo es el fruto; el arte es el brote; el arte sin alma es como la oración sin convicción". [13]
Junto a la escuela de arte, dentro de sus diferentes ámbitos, se abrieron estudios para la producción de joyas, tapices, pinturas y objetos ceremoniales judíos que se vendían en las tiendas de Jerusalén. La visión de Schatz incluía la idea de polinización cruzada entre las distintas partes de la institución. "El estudio del arte tiene un lado práctico", escribió Schatz, "la escuela siempre necesita nuevos dibujos para las alfombras y los objetos de plata. Por eso necesitamos una serie de artistas que hayan absorbido el espíritu predominante de la escuela en su arte, haber estudiado con el maestro experto que encarna este espíritu". [14]
En el arte creado en Bezalel durante este período dominan los motivos judíos y religiosos, por ejemplo, descripciones de los lugares sagrados, escenas de la diáspora, etc. Las obras son decorativas y están fuertemente grabadas en el estilo "oriental". Las descripciones buscaban una conexión entre el período bíblico, el regreso a Sión [desde el exilio babilónico] y el Reino Asmoneo de Israel [140-37 a.C.], y las aspiraciones sionistas de desarrollar un asentamiento judío, impulsadas por tendencias ideológicas y sionistas. sentimientos Los artistas hicieron esto tomando prestados motivos históricos que percibían como motivos "judíos" y diseños que percibían como "orientales". La tipografía ocupó un lugar central en sus diseños. En ocasiones, el texto incluso se convertía en el elemento principal de sus composiciones. [15]
El trabajo del propio Schatz consistió principalmente en esculturas a pequeña escala de temas judíos, así como relieves y placas conmemorativas en honor de varios líderes sionistas. Su escultura más famosa es Mattathias (1894), que fue influenciada por la escultura renacentista y en particular por la escultura de Donatello . Un espíritu completamente diferente llevó a Samuel Hirszenberg (1865-1908) a la institución para unirse al personal docente de Bezalel. Hirszenberg llevó la pintura académica europea a Bezalel y pintó temas judíos dentro de este marco. El artista Ze'ev Raban creó muchas obras gráficas en el espíritu del Art Nouveau, también conocido como " Jugendstil " ("Estilo juvenil" en alemán). Los temas de estas obras fueron paisajes "orientalistas" de Tierra Santa y figuras de la Biblia dibujadas en estilo neoclásico. Entre otros artistas conocidos que enseñaron en Bezalel se encontraban Ephraim Moses Lilien , Arnold (Aaron) Lachovsky , Adolf Behrman , Shmuel Levi (Ophel) y otros.
Debido a dificultades financieras y luchas políticas internas, la escuela cerró en 1929. El museo, que albergaba muchas obras de arte, permaneció en el edificio Bezalel. Esta colección finalmente sirvió como base para el ala de arte del Museo de Israel en Jerusalén.
A principios del siglo XX algunos de los estudiantes de Bezalel comenzaron a rebelarse contra la rígida tradición artística que se seguía en la institución y se volcaron hacia un arte más "subjetivo". Este período a menudo se denomina " Período de la Torre de David ". Uno de los artistas más destacados fue el escultor Avraham Melnikov . [16] Melnikov sugirió un enfoque formal diferente, extraído del arte del Antiguo Oriente. Este enfoque se ofreció como reemplazo de las formas de arte europeas que dominaron a Bezalel durante el reinado de Schatz y Lilien.
El monumento "El León Rugiente" que Melnikov erigió en Tel Hai , en memoria de la batalla de Tel Hai, diseñado en estilo "asirio-mesopotámico", reflejaba el ideal estético de Melnikov. "Durante muchas generaciones", afirmó Melnikov, "los judíos estuvieron separados de la tradición figurativa en el arte; hay muchas maneras de expresar el gusto artístico, pero el gusto que estaba de moda era el arte europeo basado en la cultura griega y romana, y como Mientras Atenas fue la inspiración del arte en Europa, el judío fue instintivamente excluido de ella". [17]
Otros artistas jóvenes ofrecieron enfoques artísticos alternativos, recurriendo al arte moderno, que Schatz y Melnikov desaprobaban firmemente. Esto se reflejó también en las exposiciones que organizaron. En 1920, por ejemplo, se formó la "Asociación de Artistas Hebreos"; organizó la exposición anual y durante los años 1923 a 1928 celebró una "Exposición de artistas de la Tierra de Israel" en la Torre de David en la Ciudad Vieja de Jerusalén, organizada por Joseph Zaritsky , Shmuel (Ophel) Levy , Melnikov y otros. En estas exposiciones se exhibió arte en el estilo "Bezalel Art" junto con arte influenciado por los estilos postimpresionista y expresionista europeos. Otras exposiciones de arte moderno se llevaron a cabo en la cabaña adjunta al teatro Ohel de Tel Aviv entre 1926 y 1929.
Otra organización de artistas israelíes se llamó "Egged" (Amalgamación) e incluía artistas como Arieh (Leo) Lubin , Pinchas Litvinovsky , Sionah Tagger , Chana Orloff , Yossef Zaritsky, Chaim Gliksberg , Reuven Rubin , Arieh Allweil y Nachum Gutman . Algunos de sus miembros, como Orloff y Tagger, mostraron influencias del cubismo francés en sus obras. El grupo realizó una exposición en 1929 en un apartamento de la calle Allenby de Tel Aviv, frente al cine Mograbi . En 1930 se celebró otra exposición de arte moderno en el Museo de Tel Aviv y se llamó "Los inicios del modernismo en la pintura israelí, 1920-1930".
En gran medida, los pintores modernos comenzaron a crear una versión "hebrea" de la pintura postimpresionista utilizando una paleta de colores claros, una atracción por las pinceladas expresivas y una tendencia hacia la pintura ingenua y plana. Además de los temas tradicionales como los retratos, muchos artistas representaron la Tierra de Israel en paisajes que añadían una perspectiva romántica a sus sujetos. Este estilo de estas obras a veces se denomina "Escuela de la Tierra de Israel". [ cita necesaria ]
Entre los artistas identificados con este estilo destaca el artista Nachum Gutman. Gutman pintó muchas representaciones de la ciudad de Tel Aviv, pero también de los ciudadanos árabes del país, muchos de los cuales conoció en Jaffa. Su famoso cuadro "Descansando al mediodía" (1926) muestra a Fellahin (granjeros árabes) descansando en el campo después de su jornada de trabajo. Un examen del estilo de Gutman en estos años muestra una tendencia hacia la simplificación de las formas, en la tradición de la pintura expresiva, y hacia el uso de colores fuertes. Algunos críticos sienten que este estilo ingenuo de pintura revela el enfoque romántico de Gutman hacia los paisajes de la Tierra de Israel y sus habitantes árabes.
Este enfoque también es típico de otros artistas de este período. Sionah Tagger, por ejemplo, creó una descripción del "Cruce ferroviario de la calle Herzl" (1920) en un estilo expresivo que enfatizaba la modernidad de la nueva ciudad hebrea. Israel Paldi (Feldman) representó escenas del país medio vacío en una paleta de tonos y colores brillantes. Otro artista, Abel Pann , expresó este enfoque romántico centrándose en temas de la Biblia representados en ilustraciones de estilo fantástico.
Reuven Rubin también describió con frecuencia la vida judía en la Palestina del Mandato. Por ejemplo, en "Sophie, Bujarin Jewess" (1924) y "Dancers from Miron" (1926) destaca su tendencia hacia la planitud y un estilo decorativo, mostrando la influencia del arte moderno e incluso del Art Nouveau . En "Primicias" (1923) Rubin presenta figuras típicas de la década de 1920, entretejidas con un poderoso elemento fantástico. Como en otras obras suyas de esta época, en "Primicias" muestra una cosmovisión que combina sionismo y orientalismo en una sola canasta; así, representa a judíos y árabes, parejas de pioneros e inmigrantes de Yemen y pastores beduinos con sus trajes nativos sosteniendo frutas: una granada, naranjas, una sandía y un racimo de plátanos. Y junto a ellos animales locales: cabras y un camello.
A pesar de su distancia del centro de la actividad artística en la Palestina del Mandato, las obras de Hermann Struck , que emigró a la región en 1922, cuando ya era un artista maduro con reputación mundial, también muestran algunas de las características iconográficas del arte visual. arte en Palestina. Las palmeras y los paisajes vacíos son temas centrales de su obra. Junto con las pinturas de la ciudad de Jerusalén y sus habitantes, la luz especial de la Tierra de Israel, que tanto preocupaba a los jóvenes artistas, se traduce en sus grabados en un fuerte contraste que enfatiza las imágenes oscuras sobre el fondo claro.
En 1919, el gobierno del Mandato Británico extendió una invitación a un grupo de artistas armenios , supervivientes del genocidio armenio, para renovar los azulejos de la Cúpula de la Roca . Este experimento reflejó el interés británico por el arte tradicional en el espíritu del Movimiento Arts and Crafts . El arte cerámico armenio comenzó en el siglo XV en las ciudades turcas de Iznik y Kutahya , pero el encuentro con el arte antiguo de la Tierra de Israel y con motivos cristianos dio lugar a una síntesis artística única.
El artista central durante estos primeros años fue David Ohannessian (1884-1953), quien se especializó en cerámica decorativa para estructuras y monumentos, muchos de ellos por invitación del gobierno británico. Entre las principales obras que Ohannessian creó en Jerusalén se encuentran: azulejos para el American Colony Hotel (1923), la base de la fuente del Saint John Eye Hospital Group , la entrada abovedada del Museo Rockefeller , etc. Entre los motivos que aparecen en sus decoraciones se encuentran los cipreses. , tulipanes y vides, todos ellos típicos del arte tradicional otomano . [18] A medida que trasplantaba su arte a Jerusalén y continuaba desarrollándolo, añadió imágenes inspiradas en las tradiciones locales y los manuscritos iluminados armenios, utilizando con frecuencia el mosaico del pájaro en objetos y paneles de azulejos.
Los artistas Megherdich Karakashian y Neshan Balian, que en 1922 abandonaron el estudio de Ohannessian y fundaron un taller conjunto, desarrollaron un estilo independiente en el que aparecieron imágenes figurativas ajenas al arte tradicional turco. Por ejemplo, los dos utilizaron imágenes de mosaicos antiguos encontrados en la Tierra de Israel, como el Mosaico del Pájaro de una capilla armenia del siglo VI o el mosaico del Palacio de Hisham . A menudo estas imágenes estaban imbuidas de una interpretación teológica cristiana. [19] Su taller conjunto permaneció activo hasta 1964, cuando Stepan Karakashian y Marie Balian , los herederos de los artistas fundadores, establecieron dos talleres independientes que utilizaron diseños que se habían desarrollado en el pasado y crearon algunos nuevos propios.
Cuando Isaac Frenkel regresó de París en 1925, abrió el estudio de arte Histadrut en Tel Aviv . Allí enseñaría a los estudiantes las técnicas que aprendió en Francia y difundiría el mensaje del modernismo parisino. [4] [3] Varios de estos estudiantes se convertirían en su día en algunos de los artistas más destacados de Israel. Además, varios estudiantes de arte de Bezalel , como Moshe Castel y Avigdor Stematsky, estudiaron los fines de semana en el estudio de Frenkel, por lo que también ellos se sumergieron en la nueva luz del arte francés. Con el surgimiento del nuevo arte moderno, Tel Aviv se convirtió con el tiempo en el punto focal del arte y la cultura israelíes en lugar de Jerusalén . Los estudiantes que aprendieron en el estudio de Tel Aviv incluyen a David Hendler , Ori Reisman , Yechezkel Streichman , Arie Aroch , Shimshon Holzman , Mordechai Levanon , Joseph Kossonogi , Genia Berger y otros. [4] [3]
La influencia de la Escuela de París en el arte del Yishuv fue especialmente marcada desde 1925 hasta finales de los años 40, con el uso de marrones y la pintura de pinturas rurales israelíes como si estuvieran en el campo del sur de Francia. Otros se inspiraron en los artistas judíos de la Escuela de París como Chaim Soutine , Kikoine , Pascin , Chagall y otros. Después de estudiar en el estudio de Frenkel , su maestro animó a muchos de los jóvenes artistas a aventurarse en Francia y específicamente en París. París en ese momento era el centro del mundo cultural y específicamente el mundo artístico y gente de cultura de todas las nacionalidades partieron hacia París. [20] [21] y estudiar allí, así una ola de artistas israelíes estudió en París , específicamente en el barrio de Montparnasse , y luego regresaría a Israel varios años después trayendo consigo la influencia del arte francés y específicamente el del judío parisino. Expresionismo . [4] [22] [23] Como característica del expresionismo judío parisino, el arte era dramático e incluso trágico, tal vez en conexión con el sufrimiento del alma judía. [24]
Uno de los temas principales de la Escuela de Parejas fue la representación de la humanidad y la emoción evocada a través de la expresión facial humana. [25] Gran parte del arte producido fue en cierto modo una antítesis del espíritu agrícola del movimiento sionista en ese momento, aunque no fue hecho deliberadamente. [26] El arte se centró ampliamente en Tel Aviv y su cultura bohemia de cafés , en desnudos, personas vestidas con atuendos de clase media europea; en marcada diferencia con la imagen de los pioneros agrícolas. [4] Además, en la década de 1930, los pintores a veces pintaban escenas en Israel en un estilo impresionista y con una luz parisina, más tenue y más gris, en contraste con el poderoso sol del Mediterráneo. Esto también se reflejó en las obras de artistas que anteriormente pintaban escenas de Oriente con una luz fuerte y que en ese período cambiaron a una paleta de colores más europea. [27] [28]
El regreso de los artistas judíos de Europa en la década de 1930 a la Palestina del Mandato dio lugar a una variedad de influencias del arte moderno en el arte de la Tierra de Israel. Al mismo tiempo, estas influencias no motivaron a los artistas hacia el arte vanguardista y abstracto en su pintura y escultura. [29] Dos de las influencias más fuertes fueron el arte francés y el arte alemán. Gideon Efrat afirmó que estas influencias crearon dos tendencias diferentes en las artes plásticas. Mientras que la influencia "parisina" se expresó en una "suavidad dinámica que funde estructuras pesadas", el arte alemán y la " Nueva Objetividad " (Neue Sachlichkeit) que trajo consigo una monumentalidad estática y escultórica. [30]
La influencia más típica de la vanguardia europea es evidente en los estilos arquitectónicos internacionales de la Palestina del Mandato, traídos por arquitectos graduados de la " Bauhaus ". La considerable influencia del realismo francés también se puede encontrar en las obras de un grupo de artistas que fueron influenciados por la tendencia hacia el realismo de los escultores franceses de principios del siglo XX, como Auguste Rodin , Aristide Maillol y otros. Este mensaje simbólico en contenido y forma aparece también en las obras de artistas del grupo Tierra de Israel, como Moses Sternschuss, Rafael Chamizer, Moshe Ziffer , Joseph Constant (Constantinovsky) y Dov Feigin , la mayoría de los cuales estudiaron en algún momento del siglo XIX. Francia.
Un escultor influenciado por el cubismo fue Zeev Ben Zvi quien, en 1928, tras completar sus estudios en Bezalel, se fue a estudiar a Francia. A su regreso se desempeñó durante un breve período como profesor de escultor en Bezalel y en el "Nuevo Bezalel". En 1932 Ben Zvi tuvo su primera exposición en el museo nacional de antigüedades, "Bezalel", y un año más tarde tuvo una exposición en el Museo de Tel Aviv . [31] En lugar de hacer uso del cubismo como un medio para subvertir el objeto artístico, las esculturas de Ben Zvi utilizan el cubismo como un medio para intensificar la sensación de monumentalidad de la imagen. También en la obra de artistas como Chana Orloff y Shalom Sebba, el lenguaje cubista en el que plasmaron sus obras no les llevó a abandonar el realismo y los límites de la representación tradicional. En su conocida obra "El vellocino" (1947), por ejemplo, Sebba utilizó el lenguaje cubista para intensificar la monumentalidad de sus imágenes, utilizando ángulos de observación inspirados en la fotografía.
Empezaron a aparecer tendencias vanguardistas aún más llamativas en el trabajo de los fotógrafos judíos, la mayoría de los cuales estaban influenciados por la vanguardia alemana y los expresionistas de los años 1920 y 1930. La fotografía en la tierra de Israel se desarrolló bajo el estímulo y la guía del establishment sionista, bajo los auspicios de grupos como el Fondo Nacional Judío , que encargaba fotografías que difundirían el mensaje sionista. Artistas como Zoltan Kluger , Yaakov (Jack) Rosner y otros documentaron la empresa sionista y el asentamiento judío, a veces utilizando ángulos fotográficos, composiciones y vistas que se inspiraron en el comunismo soviético en Rusia. Otros fotógrafos buscaron utilizar estas técnicas para fotografía artística o comercial.
Helmar Lerski creó retratos fotográficos en el típico estilo expresionista, expresado en el uso de la luz y en el ángulo de la fotografía. En 1936, Larski creó 175 fotografías del hombre, en las que intentó abarcar su personalidad en su totalidad, utilizando una técnica llamada "metamorfosis por medio de la luz"; esta técnica utilizaba espejos, e incluso la enseñó en talleres en el techo de su casa en Tel Aviv. Otro artista, Alfons Himmelreich, creó fotografías publicitarias que enfatizaban el comercialismo industrial utilizando una distorsión de los estándares habituales, primeros planos y luz para enfatizar, como diseñador del comercialismo. Entre los fotógrafos que trabajaron en una tradición más artística se encuentran Richard Levy (Ereel), que creó fotomontajes de figuras semiabstractas; Tim (Nahum) Gidal, y las hermanas Charlotte y Gerda Meyer, quienes se especializaron en fotografía de arquitectura. [32]
La intensificación de la disputa palestino-israelí influyó en los trabajos de fotógrafos árabes con una conciencia política desarrollada, como Ali Zaarur, Chalil Rissas y otros. Actuaron por su cuenta o como agentes de diversas agencias de información y crearon fotografías en estilo periodístico. Sólo a partir de la década de 1990 los investigadores comenzaron a investigar estas obras como parte de la historiografía y como la representación visual del pasado, con objetivos políticos, ideológicos y nacionalistas en mente. [33]
En 1943, el poeta israelí Yonatan Ratosh (1908-1981) publicó la "Epístola a la juventud hebrea", la proclamación, el manifiesto, la primera comunicación escrita de " Los cananeos ", un movimiento literario y artístico activo desde hacía algún tiempo. En este ensayo, Ratosh llamó a los jóvenes de habla hebrea a convertirse en un amortiguador contra el judaísmo. Declaró que entre los jóvenes que se habían asentado en la Tierra de Israel y los judíos de la diáspora no existía una verdadera conexión. Este se convirtió en el grito característico de los cananeos, cuyos miembros propusieron un regreso al pasado mitológico para crear una nación de habla hebrea con una identidad independiente.
La expresión visual de esta aspiración fue el uso de formas y estilos arcaicos, bajo la influencia del arte de la Media Luna Fértil. Esta tendencia reflejaba, en gran medida, el interés por el arte y la escultura primitivos que prevalecía en Europa a principios del siglo XX. A menudo, este estilo proarcaico era una expresión de simbolismo.
Uno de los artistas más importantes del movimiento "cananeo" fue el escultor Itzhak Danziger . Regresó a Palestina en 1938 después de estudiar en Gran Bretaña y demostró una nueva perspectiva nacional en su obra que, en contraste con lo que era aceptable en Europa, estaba llena de sensualidad y exotismo oriental. Este arte se ajusta a los sentimientos y sentido de identidad de gran parte de la población del asentamiento judío en el país. El sueño de los contemporáneos de Danziger, escribe Amos Keinan después de la muerte de Danziger, era "unirse con la tierra de Israel y la tierra que la compone, para crear una imagen específica con signos reconocibles, algo que es de aquí y somos nosotros, y dejar en la historia la huella de ese algo especial que somos nosotros". [34] Además del nacionalismo, sus esculturas demostraron un estilo expresionista-simbolista similar en espíritu a la escultura británica del mismo período.
Danziger abrió un estudio de escultura en el patio del hospital de su padre en Tel Aviv, y allí criticó y enseñó a jóvenes escultores como Benjamin Tammuz , Kosso Eloul , Yechiel Shemi , Mordechai Gumpel, etc. [35] Además de sus alumnos, sus El estudio también se convirtió en un lugar de encuentro popular para artistas de otros campos. En este estudio Danziger creó sus primeras obras importantes, las esculturas " Nimrod " (1939) y "Shabazia" (1939). Cuando se dio a conocer "Nimrod", se convirtió en el foco de una importante disputa en los círculos culturales judíos palestinos obligatorios; La escultura representa la figura de Nimrod, el cazador bíblico según la literatura religiosa judía, como un joven delgado, desnudo e incircunciso, con una espada en la mano y un halcón al hombro. La escultura se remonta a las culturas anteriores de los asirios, los egipcios y los griegos, al mismo tiempo que mostraba similitudes con la escultura europea de la época. La escultura expresaba una combinación de belleza homoerótica e idolatría pagana. Esta combinación estuvo en el centro de las críticas en los círculos religiosos del asentamiento judío. Las críticas contra "Nimrod" y los cananeos se escucharon no sólo en los círculos religiosos, que se oponían a los aspectos paganos e idólatras de la obra, sino también en los círculos seculares entre aquellos que se oponían al rechazo del "judaísmo". "Nimrod" intensificó en gran medida una disputa que ya existía antes de su aparición. Al mismo tiempo, otras voces lo llamaron el nuevo modelo del "Nuevo Hombre Judío". El periódico Boker [Mañana] escribió en 1942 que "Nimrod no es sólo una escultura. Es carne de nuestra carne, espíritu de nuestro espíritu. Es un hito y es un monumento. Es la apoteosis de la visión y la audacia y rebelión juvenil que distingue a toda una generación... Nimrod será joven para siempre". [36]
A pesar de que Danziger más tarde tuvo sus reservas sobre "Nimrod" como modelo para la cultura israelí, muchos artistas adoptaron el estilo y el punto de vista "cananeo" en su escultura. Figuras que recuerdan a ídolos e imágenes de estilo "primitivo" aparecieron en el arte israelí hasta los años 1970. Además, la influencia del movimiento cananeo fue evidente en el arte del grupo " Nuevos Horizontes ". [37]
Durante las décadas de 1950, 1960 y 1970, Safed (nombre hebreo: Tzfat) sirvió como faro de inspiración para los artistas israelíes. Docenas de artistas diferentes, entre ellos Yitzhak Frenkel Frenel , Moshe Castel , Shalom Moskovitz , Rosentalis, Shimshon Holzman y otros, establecieron su hogar en Tzfat (muchos de los artistas solían pasar el verano en el más fresco Tzfat y el invierno en el más cálido Tel Aviv , otros como ya que Yitzhak Frenkel Frenel se desplazaría entre Francia y Tzfat / Tel Aviv ). [38] Varios movimientos artísticos hicieron de Safed su hogar, el más destacado de ellos fue la Escuela de París , cuyos miembros incluían a Isaac Frenkel , Moshe Castel , Mordejai Levanon y otros. [4] [39] [40]
Safed había atraído durante mucho tiempo a artistas debido a sus cualidades místicas y románticas. Safed fue un semillero de diferentes temas para el artista israelí. Presentaba una visión y diversidad de la vida tradicional judía, ya fueran las comunidades klezmer , sefardíes o asquenazíes , las comunidades jasídicas , las sinagogas; mientras que también por su geografía tiene una disposición montañosa y una vista hacia el Monte Merón . [4] [41] Todos estos trajeron a muchos artistas mayores y menores a viajar y vivir en la ciudad antigua; Reconocer el potencial artístico de la ciudad. Algunos han comparado la actividad artística de Safed con la del grupo Barbizon , en las afueras de Fontainbleu , que atraía a pintores naturalistas e impresionistas . [4] [42]
Frenkel Frenel , Rolly Sheffer y otros artistas israelíes y judíos se inspiraron en gran medida en los impresionantes panoramas y vistas que Tzfat les ofreció del monte Meron , algo que es muy visible en su trabajo. Tzfat, una de las cuatro ciudades santas del judaísmo, proporcionó un poderoso escenario emocional a los artistas que la visitaron. Frenkel Frenel y otros que fueron influenciados por la Escuela de París mostraron los místicos de Tzfat con los movimientos de vanguardia a los que pertenecían, pintando con colores que reflejan el dinamismo y la espiritualidad de la antigua ciudad, pintando las ardientes o serenas puestas de sol sobre el Monte Meron. [41] Marc Chagall caminaba por las calles y pintaba retratos de niños religiosos. [38]
El primer artista que visitó y trabajó en Safed fue Isaac Frenkel , que llegó allí en 1920 después de haber oído hablar de él a los pasajeros del Ruslan . En las décadas de 1930 y 1940, varios de sus antiguos alumnos también se aventuraron a Safed, incluidos Mordejai Levanon y Moshe Castel . Tras la guerra de Independencia (1948), el barrio árabe quedó desocupado y Tzfat decidió conceder viviendas a los grandes artistas de Israel. A finales de la década de 1940 y principios de la de 1950, Isaac Frenkel abrió una Academia de Arte en su casa, sin embargo, debido a dificultades financieras, no duró. En la década de 1950, Siona Tagger , Yosl Bergner y otros pintores no afiliados directamente a la Escuela de París se instalaron en Safed por temporadas, concretamente durante el verano. [43] [4]
El barrio de los artistas de Safed no estaba unido por una ideología común, sin embargo, había un claro bastión de los artistas de la Escuela de París que en Safed. Se evidencia así un estilo artístico que recuerda al expresionismo judío de Soutine , Kikoine y Pascin . Safed también fue el hogar de artistas como Sionna Tagger y Moshe Ziffer que no pertenecían al movimiento artístico. Varios pintores del movimiento Ofakim Hadashim pintaron y trabajan en Safed, entre ellos Castel , Stematsky , Streichman y otros. [44] [45] Aunque Safed fue un tema importante en el arte israelí, no fue reconocido como un lugar que dictó el curso del arte israelí desde la década de 1950 en adelante. En cambio, se dice que las tendencias artísticas en Jerusalén y, lo que es más importante, en Tel Aviv fueron las que dirigieron el desarrollo del arte israelí; según esto, los artistas de Safed, muchos de los cuales vivían en Tel Aviv o Jerusalén durante el invierno, reflejaban estas tendencias. [4] La edad de oro de Safed duró hasta la década de 1970. [46]
Aunque mucho menos activo que una vez. En Tzfat quedan varias galerías que custodian el antiguo patrimonio del arte en Safed como la galería Beit Castel , el Museo Frenkel Frenel y otras... [47] [48]
En las décadas de 1950 y 1960, los artistas israelíes comenzaron a explorar el lenguaje de la corriente de vanguardia en Europa y Estados Unidos. Los artistas inmigrantes trajeron tendencias a Israel, y artistas israelíes influyentes pasaron temporadas en Europa, especialmente en Francia. Algunos de estos artistas buscaron un estilo universal, mientras que otros buscaron desarrollar una vanguardia exclusivamente israelí, en el espíritu del socialismo nacionalista y el sionismo. [49]
El germen del movimiento "Nuevos Horizontes" ("Ofakim Hadashim") se puede encontrar en un grupo de artistas que montaron una exposición en el teatro nacional Habima de Tel Aviv en diciembre de 1942, bajo el nombre de "el Grupo de los Ocho", pero el grupo cristalizó en el movimiento artístico dominante sólo después de la fundación del estado en 1948. Entre los miembros de la escuela se encontraban Arie Aroch , Zvi Meirowitch, Avraham Naton (Natanson), Avigdor Stematsky y Yehezkel Streichman . La obra del escultor Dov Feigin también apareció en el catálogo de la exposición de 1942, aunque no se mostró. En febrero de 1947, cinco de los miembros originales del grupo se unieron a Joseph Zaritsky para una exposición llamada "El Grupo de los Siete" en el Museo de Arte de Tel Aviv . [50] Los miembros del grupo afirmaron que "El grupo se basa en el modernismo, especialmente el francés, pero busca un estilo único que exprese nuestra propia realidad". [51]
Para estos artistas, esto no era sólo una declaración de filosofía, sino un plan de trabajo práctico. Zaritsky, quien se desempeñó como presidente de la Liga de Pintores y Escultores de la Tierra de Israel, se opuso a la filosofía de igualdad entre artistas de la liga. En 1948, con motivo de la inauguración de la casa de artistas que se convertiría en la sede permanente de la Liga, se le encomendó la selección de obras para la Bienal de Venecia. Su elección causó tal indignación entre los miembros que fue destituido de su cargo. Salió con un grupo de artistas y fundó un movimiento alternativo, los "Nuevos Horizontes". El 9 de noviembre de 1948, el Museo de Arte de Tel Aviv inauguró la primera exposición que llevaba el nombre del movimiento. Entre los artistas que participaron se encontraban Pinchas Abramovich, Marcel Janco , Aharon Kahana, Yohanan Simon , Avshalom Okashi y Moshe Castel , así como los fundadores del movimiento Zaritsky, Streichman y Feigin.
El grupo buscó un estilo que reflejara la lucha por el sionismo y el modernismo. Este estilo fue dictado en gran medida por los principales artistas del grupo: Zaritsky, Stematsky, Meirovich y Streichman. En la práctica, este estilo fue una variante del modernismo europeo. El estilo ha sido llamado "lírico abstracto", pero en realidad había poco arte puramente abstracto, sino más bien obras arraigadas en el paisaje visual local. Este estilo esencialmente figurativo fue empujado hacia lo abstracto mediante pinceladas atrevidas y un fuerte uso de colores brillantes típicos del estilo "Tierra de Israel", que reflejan la fuerte luz del Mediterráneo. Los formatos eran generalmente bastante pequeños y el estilo era similar al arte abstracto europeo antes de la Segunda Guerra Mundial, similar al arte de Wassily Kandinsky y diferente al arte abstracto que prevalecía en los Estados Unidos en ese momento.
Por ejemplo, en su serie "Yehiam" (1949-1952), Zaritsky describe escenas del establecimiento del Kibbutz Yehiam en el norte de Israel. Las primeras pinturas de esta serie (en su mayoría acuarelas) representan los paisajes naturales de la región, mientras que las pinturas posteriores son (en su mayoría al óleo) abstracciones de estas escenas anteriores. Esta progresión, sostiene el crítico de arte y curador Mordecai Omer, refleja la creencia de Zaritsky de que la realidad visual externa es la base de la originalidad artística. [52]
Zvi Meirovich, un miembro destacado de Okakim Hadashim, pintaba en el estilo lírico abstracto, pero a diferencia de sus colegas se inclinaba más por una paleta alemana que francesa. Su atrevido uso del negro y el rojo, especialmente en los gouaches. El gran avance se produjo en los pasteles al óleo, que sólo él realizaba en gran formato. Usar una superficie fotográfica del espacio profundo en lugar de un papel plano fue un momento pionero.
Otros miembros del grupo, sin embargo, se desviaron de este estilo. Marcel Janco, de fama internacional por su participación en el movimiento dadaísta en Europa en la década de 1930, no adoptó este enfoque de la abstracción; más bien, su arte utiliza estilos cubistas y expresionistas europeos para crear una narrativa judío-sionista. Moshe Castel también pasó por una transformación durante la década de 1950 de la abstracción al expresionismo característico del movimiento cananeo.
En el campo de la escultura, el grupo introdujo nuevos medios. Yechiel Shemi , Dov Feigin y, tras una estancia en Gran Bretaña, Itzhak Danziger , introdujeron el acero soldado como un nuevo medio. Esta nueva forma liberó a estos artistas del carácter figurativo de la talla en piedra y madera, para una obra más puramente abstracta. Sin embargo, aquí también hay referencias frecuentes a la figuratividad y al simbolismo cananeos.
De hecho, durante la década de 1950, el grupo "New Horizons" tendió cada vez más hacia lo abstracto y se alejó de lo figurativo. Zaritsky lideró este cambio, que estaba arraigado en lo que él consideraba una ideología rectora. Algunos miembros del grupo, sin embargo, rechazaron esta ideología y finalmente abandonaron el movimiento. Entre ellos se encontraban Janco, Alexander Bogen , Aharon Kahana y Yehiel Simon. [53]
Si bien las obras abstractas y seculares del grupo New Horizons tuvieron una profunda influencia en el curso del arte en Israel, en ese momento se las consideraba al margen del arte convencional, que era principalmente figurativo y a menudo contenía mensajes judíos y sionistas explícitos. . Esta tendencia explícitamente nacionalista en el arte israelí fue denunciada por sus oponentes como "regionalismo". [54] Los críticos de New Horizon, que sostenían que el arte era internacional y universal, se opusieron a la ideología de la Escuela Bezalel en ese momento. Mordechai Ardon , jefe de Bezalel, escribió en 1954: "Todo artista, como todo ciudadano, debe servir a su país en el corazón y en el alma". [55] Artistas como Simon Zabar, Moshe Gat y Ruth Schloss crearon obras que reflejaban las tensiones sociales nacionales, una inclinación política claramente socialista y la glorificación del trabajador. Otros, como Naftali Bezem y Miron Sima, Moshe Bromberg (Bar-Am) retrataron los dramáticos acontecimientos de la época: la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto. Sus obras eran explícitamente judías, aunque adoptaban los estilos de la vanguardia europea de principios del siglo XX.
La búsqueda de una conexión entre el artista y la sociedad se refleja también en las obras monumentales en las paredes de los edificios públicos que fueron encargadas a partir de los años cincuenta. Los ejemplos incluyen los mosaicos de Mordejai Gumpel en las paredes de edificios públicos en Petach Tikva, Holon y otros lugares, que representan a colonos judíos construyendo la nación, en un estilo que se inspira mucho en los cananeos; o el mural de Yohanan Simon sobre jóvenes del kibutz en el Kibbutz Gan Shmuel , que muestra a jóvenes viviendo el sueño socialista. [56]
Los artistas de New Horizons también, a pesar de su declarada adhesión a una filosofía de universalidad, a menudo expresaron en sus obras sentimientos de nacionalismo, sionismo y socialismo. Por ejemplo, Zaritsky, uno de los principales ideólogos de la escuela universalista, produjo una serie de pinturas centradas en los kibutzim israelíes: su serie "Yehiam" y una serie similar sobre Naan (un kibutz en el centro de Israel), 1950-1952. Ambas series incluyen abstracciones del paisaje israelí. Zvi Meirovich, uno de los fundadores de New Horizons, produjo una serie de grandes pinturas al óleo llamadas Mizpe Ramon centradas en el desierto israelí. El escultor Dov Feigin produjo "Gavillas de trigo" en 1956, y el dadaísta Janco pintó "Soldados", "Alarmas antiaéreas" y "Maabarot" (comunidades construidas de mala manera que albergaron a nuevos inmigrantes judíos en la década de 1950). Algunos de los artistas de New Horizons pertenecían al "Centro de Cultura Avanzada" dirigido por el movimiento juvenil socialista-sionista " Hashomer Hatzair ". [57] Esta actividad culminó con la fundación del pueblo de artistas Ein Hod por un grupo de artistas encabezados por Marcel Janco. Allí, Janco esperaba fundar una nueva utopía socialista y artística.
El trabajo de Mordechai Ardon se destaca del de otros artistas de New Horizons por abordar lo místico e histórico, en lugar de concentrarse en el presente. Sus lienzos suelen representar episodios de la historia judía, desde escenas bíblicas hasta el Holocausto. Por ejemplo, su cuadro "Puerta de la Luz" (1953), muestra el árbol de la vida, símbolo de gran significado bíblico y cabalístico, dentro de un paisaje surrealista que recuerda la obra de Paul Klee y otros.
Desde entonces, el surrealismo ha desempeñado un papel importante en el arte israelí, y algunos de sus defensores más talentosos e influyentes incluyen artistas como Zeev Kun , Samuel Bak , Baruch Elron , Joel Tal-Mor y Yosl Bergner .
Durante las décadas de 1950, 1960 y 1970, el trabajo de Ofakim Hadashim (Nuevos Horizontes) influyó en las nuevas tendencias artísticas en Israel. Algunos artistas, como Yechiel Shemi y Aviva Uri , continuaron el trabajo del grupo después de su disolución, trabajando principalmente en un modo abstracto no objetivo.
La última exposición de New Horizons fue en 1963. Varios artistas jóvenes se unieron a la exposición, entre ellos Raffi Lavie , Moshe Kupferman e Igael Tumarkin . En 1964, se formó un nuevo grupo de unos 30 artistas, llamado "Tazpit" ("Perspectiva"), que llevó la antorcha del arte abstracto durante las décadas de 1960 y 1970. [58]
Uno de los artistas marginales del grupo "New Horizons" que desarrolló un nuevo estilo fue Arie Aroch . En contraste con el ideal del resto del grupo, las obras de Aroch mostraron, además de la abstracción lírica, una tendencia hacia el contenido sustantivo. Por ejemplo, "Red House (How Are Things at Home?)" (1960), [59] "Sarajevo Manuscript" (1966) y otros insinuaron un contenido de importancia histórica judía junto con la influencia del arte pop de la época. . En sus obras "El Alto Comisionado" (1966) y "La calle Agripas" (1964), por ejemplo, las muchas interpretaciones que recibieron estas obras incluyeron la percepción generalizada de ellas como pinturas históricas en las que el judaísmo y la tradición judía ocupan un lugar de prominencia. [60] Estas pinturas en particular, y el trabajo de Aroch en general, generalmente se consideran la antítesis del enfoque "caananita" visto, por ejemplo, en las primeras obras de Itzhak Danziger. [61]
Aviva Uri creó expresivos dibujos abstractos con motivos e imágenes que recordaban pájaros, imágenes de circo y paisajes. Otra artista, Lea Nikel, pintó abstractos muy coloridos al estilo del arte francés de ese período. Avigdor Arikha también pintó en Israel durante esos años según los principios trazados por el grupo "Nuevos Horizontes". Arikha pintó grandes obras en colores oscuros hasta que emigró a Europa, donde comenzó a realizar pequeños cuadros figurativos. El arte abstracto se fusionó con el arte conceptual en Israel en los años 1960 y 1970.
Moshe Kupferman , que había estudiado pintura con Chaim Atar (Aptaker), Zaritsky, Alexander Bogen y otros, desarrolló un estilo identificable caracterizado por un uso reducido del color y por un proceso de borrar y borrar el dibujo una y otra vez hasta formar una cuadrícula expresiva. . Durante muchos años, Kupferman se negó a identificar sus obras con temas externos, a pesar de los intentos de los críticos de etiquetar sus pinturas como una reacción al Holocausto. [62] Alternativamente, sus obras han sido descritas como un proceso fenomenológico: como capas construidas en un proceso dialéctico que acumula "experiencia de vida a medida que se acumulan las capas". [63]
Hasta la década de 1970, el arte israelí dominante abordaba un amplio espectro artístico y personal pero, en su mayor parte, ignoraba las cuestiones políticas. Incluso los artistas que retrataban contenido cultural o judío en sus obras eran considerados anacrónicos por el establishment artístico de la época. [64]
En la década de 1960, las influencias artísticas estadounidenses comenzaron a llegar a Israel, especialmente el expresionismo abstracto, el arte pop y, más tarde, incluso el arte pauvre del arte conceptual. Además de traer nuevas formas artísticas, estas influencias también introdujeron un compromiso directo con las cuestiones políticas y sociales. Los acontecimientos de la Guerra de los Seis Días y la Guerra de Yom Kippur intensificaron estas influencias y dieron lugar a una variedad de expresiones artísticas con carga política que se convirtieron en la marca registrada de toda una generación de artistas más jóvenes. Bajo la influencia del arte conceptual estadounidense, incluso se desarrolló entre los artistas israelíes una tendencia a enfatizar la dimensión de la creatividad artística, es decir, el discurso "ars poetica", y cómo lo percibe el espectador del arte dentro de la sociedad. En este espíritu, la actividad artística en Israel a menudo se consideraba parte de la realidad sociopolítica del país.
Entre los primeros artistas que comenzaron a expresar estas influencias artísticas en sus obras se encontraba el escultor y pintor Igael Tumarkin , cuyo arte expresaba su compromiso con cuestiones políticas candentes. Animado por Yona Fischer y Sam Dubiner, Tumarkin regresó a Israel en 1961 desde Berlín Oriental, donde había sido director de escena de la compañía de teatro Berliner Ensemble, bajo la dirección de Berthold Brecht . [65] Sus primeras obras, como "Panic Over Pants" (1961), fueron creadas como ensamblajes expresivos. En su escultura "Take Me Under Your Wings" (1964-1965) (la primera línea del conocido poema de Hayyim Nahman Bialik ), Tumarkin creó una especie de carcasa de acero de la que sobresalían cañones de rifle. La mezcla de nacionalismo, lirismo e incluso erotismo de la escultura se convirtió en el sello distintivo de Tumarkin en las décadas de 1960 y 1970. [66] Esta técnica se puede ver también en su famosa escultura "Caminó por los campos" (1967) (el mismo nombre que la famosa historia de Moshe Shamir ), que protestó contra la imagen del "Sabra mitológico"; Tumarkin se quita la "piel" y deja al descubierto sus entrañas desgarradas de las que sobresalen armas y municiones y su estómago, que contiene una bomba redonda que se parece sospechosamente a un útero. Durante la década de 1970, el arte de Tumarkin evolucionó para incluir nuevos materiales influenciados por el " Arte de la Tierra ", como tierra, ramas de árboles y trozos de tela. De esta manera, Tumarkin buscó afinar el foco de su protesta política contra lo que consideraba el enfoque unilateral de la sociedad israelí hacia el conflicto árabe-israelí.
Después de la Guerra de los Seis Días, el arte israelí comenzó a alejarse de la descripción de la guerra y su contenido simbólico. [67] La escultura de Tumarkin todavía se ocupaba de ello, pero comenzó a expresarlo en una variedad de formas más abstractas.
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A mediados de la década de 1960 apareció en escena un grupo llamado "10+". Este grupo, liderado por el artista Raffi Lavie , buscaba una alternativa a la "abstracción lírica" del grupo New Horizons. Las innovaciones más importantes de esta escuela fueron la importación del arte pop y el arte de vanguardia a Israel, el desarrollo de un estilo sin pulir y la combinación de fotografía, Readymade y collage. Entre los muchos artistas del grupo se encontraban Buky Schwartz , Ziona Shimshi , Pinchas Eshet, Tuvia Beeri , Uri Lifschitz y otros. Como aparentemente carecía de una ideología clara, el grupo se centró en organizar una serie de exposiciones en galerías que intentaban enfatizar la idea de la confusión de las distinciones entre diferentes tipos de medios en el arte contemporáneo. Además, el grupo fue una fuerza pionera en la introducción del videoarte en Israel. Aunque "10+" se disolvió oficialmente en 1970, los miembros del grupo continuaron con su espíritu y estilo, tomando su forma final de un grupo que giraba en torno a la escuela de arte "The College" (ha-Midrashah). El principio estético de este grupo pasó a denominarse "La falta de materia".
El fundamento teórico de este grupo fue establecido por la curadora Sara Breitberg-Semel, en la exposición "La falta de materia: una cualidad en el arte israelí", que tuvo lugar en marzo de 1986 en el Museo de Tel Aviv. Las raíces de este estilo podrían encontrarse, según ella, en la amplia aceptación del arte europeo y americano en Israel, especialmente el arte pop, el art pauvre y el arte conceptual. Estas influencias se expresaron mediante el uso de materiales industriales, como madera contrachapada, pinturas industriales, collages y ensamblajes, etc. Otro elemento, que en opinión de Breitberg-Semel no fue menos central, fue el enfoque "no estético", las raíces de que supuestamente podría encontrarse en la tradición judía de los estudios talmúdicos, que sitúan el texto, y no la forma, en el centro de la cultura.
Según Breitberg-Semel, "La falta de materia" comenzó con la pintura del grupo " New Horizons ". Los miembros de este grupo desarrollaron un estilo que llegó a denominarse "abstracción lírica", en cuyo marco los pintores crearon una forma abstracta de la realidad con connotaciones expresionistas. Las obras de sus seguidores, Aviva Uri y Arie Aroch , utilizaron un modelo estético nacional llamado "La falta de materia", utilizando en su arte materiales compatibles con su perspectiva ascética y combinando la abstracción con una iconografía implícita.
Visualmente, el estilo " Want of Matter " destiló sus características de estas diversas influencias, prefiriendo la pintura a la escultura tridimensional. En general, este estilo se puede resumir en centrarse en el uso de materiales de bajo costo identificados con el establecimiento de Israel, como madera contrachapada, cartón, collages, fotografías dispuestas como collages, pinturas industriales y escritura y garabatos dentro de la obra. El uso de estos materiales dio una apariencia intencionalmente humilde a la superficie de las pinturas, una apariencia que pretendía agregar una dimensión de crítica por parte de los artistas hacia la sociedad israelí.
En un artículo que acompaña a la exposición "The Want of Matter", Breitberg-Semel se centra en Raffi Lavie como representante típico de este estilo. La obra de Lavie "tipifica el espíritu de Tel Aviv", que es el modernismo sionista europeo mezclado con negligencia y abandono. A lo largo de los años, la imagen del propio Raffi Lavie, vestido con pantalones cortos descuidados y chanclas de goma, intencionalmente "nativo" y "Sabra" en su apariencia, se mostró como expresión de este enfoque estético problemático. [68] Las pinturas de Lavie, que incluyen garabatos "infantiles", collages de fotografías de revistas, carteles que anuncian eventos culturales de Tel Aviv, pegatinas con las palabras "cabeza" o "geranio" impresas y, lo más reconocible, hojas de madera contrachapada recortadas. pintado de blanco tiza, [69] llegó a personificar el estilo "La falta de materia".
Además de cristalizar un lenguaje visual claro, Lavie tuvo cuidado de mantener la discusión de su trabajo en un nivel formalista. En las entrevistas evitó sistemáticamente toda interpretación de su obra fuera del ámbito de su "lenguaje artístico" en forma modernista. A pesar de las claras imágenes iconográficas en su trabajo, Lavie insistió en que estas imágenes no tenían importancia histórica. Además, según Lavie y Breitberg-Semel, el uso de collages y otros materiales que carecían del "halo" de aprobación artística tenía como objetivo socavar y socavar la importancia de las imágenes visuales. [70] Los estudiantes de Lavie continuaron el enfoque formalista en su arte, relacionándose consistentemente con la tradición modernista, pero en sus obras comenzaron a aparecer imágenes visuales que dificultaron mantener la separación didáctica de forma y "contenido" de Lavie. [71]
La conexión de Yair Garbuz con Lavie data desde que éste era muy joven. Durante varios años, Lavie fue la profesora privada de Garbuz. [44] Posteriormente Garbuz pasó de ser alumno a ser profesor titular en "El Colegio". La obra de Garbuz de estos años combina características del espíritu sionista, reflejado en la cultura popular, con la crítica política y social. Sus obras bidimensionales de la década de 1970 incluyen una mezcla de fotografías de periódicos, fotografías documentales, textos y otros objetos, combinados en composiciones que no tienen una jerarquía clara. Algunas de sus obras, como "Las tardes (árabes) pasan tranquilamente" (1979) y "La aldea árabe en Israel se parece mucho a la vida de nuestros antepasados en la antigüedad" (1981), criticaron los estereotipos rampantes en la sociedad israelí. En su instalación "Si no es un gigante, al menos en su jardín" (1981), Garbuz creó un ambiente saturado de imágenes fotográficas, algunas de las cuales son ampliadas y convertidas en esculturas en el espacio. Entre las imágenes hay fotografías de campos de tránsito de nuevos inmigrantes y ciudades en desarrollo, de un padre leyendo el periódico Davar a su hija, etc. De fondo se escucha la grabación de un silbato de juguete que crea el ruido de un "bosque de juguetes". [72]
Las obras de Michal Na'aman de la década de 1970 utilizaron la fotografía para crear collages. En estas obras, Na'amán creó imágenes que enfatizaban la insuficiencia del lenguaje y la visión descriptivos y, de esta manera, mostraban la posibilidad de interpretaciones diferentes e imaginativas de las representaciones visuales. Las implicaciones prácticas de un debate o de una frase axiomática demostraban para ella el fracaso del lenguaje descriptivo. [73] En el contexto de la dimensión visual del estilo "The Want of Matter", aparecieron textos escritos en estilo comercial [74] o manuscritos, que reflejan el colapso semiótico de la presentación de imágenes. Se pueden encontrar ejemplos de este enfoque en "El pez y el pájaro leales" (1977) o "El mensaje según el pájaro" (1977), en los que Na'amán fusiona imágenes de peces y pájaros en monstruos híbridos. En otras obras, como su serie "El retoque azul" (1975) vemos una protesta contra los principios morales y estéticos aceptados por la sociedad.
A pesar de las claras conexiones feministas, en las obras de Yehudit Levin vemos un enfoque más personal y menos intelectual que en las obras de otros estudiosos de Raffi Lavie. Muchas de las obras de Levin están hechas de madera contrachapada y fueron construidas a finales de los años 1970 y principios de los años 1980. En estas obras, Levin creó composiciones de madera contrachapada aserrada y pintada, a menudo acompañadas de fotografías apoyadas contra la pared. Los nombres de estas obras, como "Bicicleta" (1977) o "La princesa en el palacio" (1978), sugieren una conexión doméstica. Si bien estas obras son tridimensionales, su principal interés radica en la compleja conexión entre el dibujo y el área visible de la obra. La obra "estalla" fuera de su marco y se expande en el espacio.
Los artistas de instalaciones conceptuales posminimalistas Avital Geva, Joshua Neustein , Micha Ullman , Buky Schwartz , Benni Efrat , Zvi Goldstein , Yocheved Weinfeld , Adina Bar-On , Nahum Tevet , Or Ner, Michael Gitlin , Pinchas Cohen Gan descartaron las convenciones del gusto. la heroicidad de la autenticidad y la narrativa provinciana. Por pura fuerza y poder de evadir el "gusto" sin dejar de permanecer en el contexto del arte, se podía redefinir el arte, expandir su campo y liberar al artista para lograr una existencia y un valor únicos. (ver Clemente Greenberg)
Los axiomas de ese grupo de los años 1970 eran la indiferencia hacia la estética sionista; un disgusto general por el regionalismo, los mitos nacionales y los actos heroicos individuales. El Intercambio de Culturas de Avital Geva llevó a aldeanos árabes y kibutzniks a intercambiar libros entre sí. Para definir un propósito para el arte, trasladó su actividad al Invernadero para cultivar vegetales y estanques de peces con estudiantes resistentes, para hacer del arte una herramienta educativa.
La Biblioteca Ullman de Berlín creó un estándar para la escultura conmemorativa. Sus esculturas de espacio negativo a menudo se hacían excavando bajo tierra. Buky Schwartz realizó corrección de perspectiva y el videoarte más antiguo del país. Neustein (en colaboración con Marx y Batlle) realizó el primer trabajo medioambiental. El Proyecto del Río Jerusalén de 1971 era un río sano en el borde del desierto de Judea. Botas en Bet Omanim Jerusalén era una aglomeración –cinco camiones cargados- de botas militares dejadas por varios ejércitos de la región, apiladas en montones aleatorios.
Las cinco Ash Cities de Joshua Neustein fueron ambivalencias geográficas realizadas en cinco museos de Estados Unidos, Alemania, Polonia e Israel. Las ciudades de Ash eran mapas en relieve en el suelo hechos con toneladas de cenizas y una lámpara de araña.
El Ararat Express 1986 de Efrat es una procesión de caballos que recorren las calles. Cada caballo llevaba un televisor en la silla. Un documental proyectado en las pantallas de televisión mostraba a multitudes de personas desplazadas por desastres, hambrunas o guerras, vagando.
Efrat, Neustein y Gitlin también produjeron gráficos metódicos, básicos y severos que redefinieron los materiales, las herramientas y los roles del espectador. Las sedas dobles y las piezas de sombras de Efrat abordaron el aspecto concreto de las superficies pictóricas. Las obras en papel rasgado de Neustein, los dibujos borrados, los campos magnéticos, la lana de acero y los dibujos al carbón se adhirieron a la unidad e incluso a la uniformidad en la creación de objetos o imágenes. Transformó el dibujo en una práctica tridimensional. Yigal Zalmona, Josef Maschek, Robert Pincus Witten y otros críticos internacionales llamaron a ese tipo de arte "abstracción epistémica". Gitlin cortó tableros de madera contrachapada con la estrategia ideada por Neustein de remoción y reemplazo. Las esculturas de Gitlin, sin embargo, tenían una orientación más arquitectónica. El trabajo de Nahum Tevet resumido por James Trainor: Los elementos básicos que componen el vocabulario formal de unidades escultóricas de Tevet, tanto para sus pequeñas obras murales como para las grandes, extensas y enciclopédicamente heroicas instalaciones escultóricas, son simples, rayando en lo arquetípico platónico: la mesa, la silla, la caja, el casco del barco, el plano rectilíneo, el bloque en forma de libro, la armadura, etc. Como escribió Sarit Shapira: En cualquier contexto posible, se identifican como mutantes de un territorio, o como agentes de transformación. territorialización. La disposición cuasi modelada de estas obras presenta lo que no es un modelo de un determinado mecanismo de producción de objetos, o lo que siempre se distinguirá de tal modelo; a lo sumo, se trata de una propuesta de modelo para un mecanismo de objetos que aún no existe. Para ello, Tevet replica sus piezas en series limitadas (también es limitado el número de piezas replicadas en cada obra, así como el número de veces que Tevet replica obras enteras o parte importante de ellas), alejándolas así de cualquier sistema automático y motorizado. —es decir, obediente y “ciego”—mecanismo reproductivo.
Esta docena de artistas no eran un movimiento organizado, no había un manifiesto sino opiniones fuertes y una ideología, un parentesco oportuno que encontró un deseo común de una agenda colectiva. A veces se les llamaba Post Minimal o Conceptual, para elaborar la cultura visual israelí y escapar de la hegemonía de un solo grupo. Sus exposiciones públicas distintivas se produjeron en cinco exposiciones: Concepto + Información 1971 (Musag + Informazia), Más allá del dibujo 1974, exposición The Kibbutz Ashdod Mikum Kivun 1978, Museo de Tel Aviv de los años 70 2008 "Arte y lenguaje", Museo de Tel Aviv 2006 "Ojos de la Nación" de Ellen Ginton 2008.
La percepción de "The Want of Matter" como el "centro" del arte israelí que creció a raíz de la influencia de Breitberg-Semel empujó a muchos artistas hacia ese centro. Gideon Ofrat , que en aquellos años no sólo era crítico de arte y curador independiente, sino también colaborador de diversas iniciativas artísticas, se opuso a la "Escuela de Tel Aviv", "La Escuela de la Nueva Jerusalén", término cuyo origen en una interpretación metafísica cristiana de la ciudad de Jerusalén. La diferencia central entre la definición de este grupo y la "Escuela de Tel Aviv", según la interpretación de Ariella Azoulay , radica en la diferencia en la forma en que definieron el estatus del arte en relación con el espacio público. Mientras que la Escuela de Tel Aviv tendía a crear su arte dentro de definiciones tradicionales, los artistas de "Jerusalén" buscaban establecer un eruv (un recinto ritual) entre el arte y la vida. [75] Una interpretación diferente, formulada por Itamar Levy, vio en estos dos enfoques dos conceptos dialécticos que oponían "conceptualidad" a "pintoresco", abstracción universal a localidad específica. [76]
Otro rasgo de esta escuela artística es la influencia del arte conceptual y de medios innovadores como la instalación y la performance o exhibición. Vale la pena señalar que en este momento los límites entre todos estos tipos de medios se desdibujaron y el uso de términos como "actividad" y "concepto", en lugar de términos como "instalación" y "exhibición", que fueron acuñados sólo en 1976, se refería más a las intenciones del artista que al resultado artístico final. También la fotografía, que a partir de los años 70 comenzó a ser también un medio de expresión para los artistas, fue vista como una herramienta para combinar imágenes en el arte conceptual y como un medio para documentar instalaciones y exhibiciones. [77] Al mismo tiempo, y a diferencia del arte estadounidense de la época, sólo una pequeña cantidad del arte creado en Israel representaba arte conceptual que era enteramente minimalista o "concreto", es decir, arte que constituye toda la razón de ser de Israel. lo que iba a negar la definición del arte como representación o imitación. [78] Entre los artistas cuyo trabajo representó en parte este enfoque se encontraban Benni Efrat , Buky Schwartz , Michael Gitlin y otros.
Ellen Ginton, en su artículo "Los ojos de la nación: arte visual en un país sin fronteras" (1998) presentó el arte de los años 1970 como una respuesta a los problemas políticos y sociales de Israel durante ese período. El formalismo artístico se percibe no sólo como un marco para el contenido social y político, sino que además, según la formulación de Itamar Levy, cada elemento de una obra artística se percibe al mismo tiempo como una actividad de diseño y un concepto ideológico. [79] Ginton afirmó que estas expresiones políticas, que aumentaron en intensidad después de la crisis política y social que siguió a la Guerra del Joven Kippur, continuaron hasta la década de 1980, momento en el que la mayoría de los artistas abandonaron estas prácticas artísticas subversivas y regresaron a una actividad artística más tradicional. [80]
Uno de los primeros proyectos realizados en Israel bajo la bandera del Arte Conceptual fue realizado por el escultor Joshua Neustein . En 1970, Neustein colaboró con Georgette Batlle y Gerard Marx para crear el "Proyecto del río Jerusalén". En esta instalación, en el wadi seco de Jerusalén Este del barrio de Abu Tor , entre el Monasterio de Santa Clara y el Valle de Kidron , se proyectaron sonidos de agua grabados a través de altavoces. El río imaginario no sólo creó un ambiente artístico fuera de los límites del museo, sino que también insinuó irónicamente el concepto de redención mesiánica que apareció después de la Guerra de los Seis Días en el espíritu del Libro de Ezequiel (capítulo 47) y el Libro de Zacarías (Capítulo 14). [81]
Esta obra también puede verse como una indicación del creciente número de artistas que se podían encontrar en medio del paisaje israelí, bajo la influencia de la tendencia estadounidense hacia el " Land Art ". Muchas de estas obras expresaron una relación dialéctica y ambigua con los paisajes de la "Tierra de Israel" y el "Oriente", que a su vez expresaron una creciente crítica política. En muchas obras que incluyeron aspectos metafísicos y rituales se puede ver claramente el desarrollo e influencia de la escultura caananita y la abstracción de la escuela "Nuevos Horizontes".
En el arte de Yitzhak Danziger , cuyo trabajo se ocupaba desde hacía años de paisajes locales, se expresaba el aspecto conceptual de la variación israelí del "Land Art". Danziger sintió que era necesaria la reconciliación y la mejora de la dañada relación entre el hombre y su entorno. Esta convicción lo llevó a planificar proyectos que combinaban la rehabilitación de sitios con la ecología y la cultura. La "reparación" del paisaje como acontecimiento artístico fue desarrollada por Danziger en su proyecto "La rehabilitación de la cantera Nesher", en la vertiente norte de las montañas Carmel. Este proyecto surgió como una colaboración entre Danziger, el ecologista Zeev Naveh y el investigador de suelos Joseph Morin, que intentó crear, utilizando diversos medios tecnológicos y ecológicos, un nuevo entorno entre los fragmentos de piedra abandonados en la cantera. "No se debe devolver la naturaleza a su estado natural", afirmó Danziger. "Es necesario encontrar un sistema para reutilizar la naturaleza creada como material para un concepto completamente nuevo". [82] Después de la primera etapa del proyecto, el intento de rehabilitación se exhibió en 1972 en una exposición en el Museo de Israel.
Otro ejemplo de este tipo de experimento se creó en 1977 en una ceremonia en la que se plantaron 350 árboles jóvenes de roble en los Altos del Golán para crear un espacio que inmortalizara a los soldados caídos de la Unidad Egoz . Danziger sugirió que el énfasis de este monumento se pusiera en la vista misma y en la creación de un sitio que difiriera de la calidad funcional de un monumento conmemorativo. Este concepto se implementó utilizando las ideas detrás de los sitios rituales beduinos y palestinos en toda la Tierra de Israel, sitios en los que se utilizan árboles junto a las tumbas de líderes venerados como foco ritual y, en palabras de Danziger, "brillantes trozos de tela en azul y de las ramas se cuelgan verdes […] Impulsadas por una necesidad espiritual, la gente viene a colgar estos trozos de tela en las ramas y a pedir un deseo" [83]
En 1972, un grupo de jóvenes artistas que estaban en contacto con Danziger e influenciados por sus ideas crearon un grupo de actividades que se conoció como "Metzer-Messer" en el área entre el Kibbutz Metzer y el pueblo árabe Meiser en la sección noroeste de la Shomrón. Micha Ullman , con la ayuda de jóvenes tanto del kibutz como de la aldea, cavó un hoyo en cada una de las comunidades e implementó un intercambio de tierra roja simbólica entre ellas. Moshe Gershuni convocó una reunión de los miembros del kibutz y les entregó la tierra del Kibbutz Metzer allí, y Avital Geva creó en el área entre las dos comunidades una biblioteca improvisada de libros reciclados de Amnir Recycling Industries. [84] Otro artista influenciado por las ideas de Danziger fue Igael Tumarkin quien, a finales de la década de 1970, creó una serie de obras tituladas "Definiciones de olivos y robles", en las que creó esculturas temporales alrededor de los árboles. Al igual que Danziger, Tumarkin también se relacionó en estas obras con las formas de vida de la cultura popular, particularmente en los pueblos árabes y beduinos, y creó a partir de ellas una especie de lenguaje artístico-morfológico, utilizando métodos de bricolaje "empobrecidos". Algunas de las obras se relacionaban no sólo con la coexistencia y la paz, sino también con el panorama político israelí más amplio. En obras como "Earth Crucifixion" (1981) y "Bedouin Crucifixion" (1982), Tumarkin se refirió a la expulsión de palestinos y beduinos de sus tierras, y creó "pilares de crucifixión" [85] para estas tierras.
Otro grupo que operó con un espíritu similar, aunque al mismo tiempo enfatizaba la metafísica judía, fue el grupo conocido como los "Leviathians", presidido por Avraham Ofek , Michail Grobman y Shmuel Ackerman. El grupo combinó arte conceptual y "land art" con simbolismo judío. De los tres, Avraham Ofek tenía el mayor interés por la escultura y su relación con el simbolismo y las imágenes religiosas. En una serie de sus obras, Ofek utilizó espejos para proyectar letras hebreas, palabras con significado religioso o cabalístico y otras imágenes sobre el suelo o estructuras hechas por el hombre. En su obra "Cartas de luz" (1979), por ejemplo, las letras fueron proyectadas sobre personas, telas y el suelo del desierto de Judea. En otra obra, Ofek proyectó las palabras "América", "África" y "Tarjeta verde" en las paredes del patio de Tel Hai durante un simposio sobre escultura. [86]
El paisaje como espacio para la performance y las expresiones de género , que ocupó un lugar central en el arte estadounidense de este período, nunca tuvo tanta aceptación en Israel como lo hizo en Estados Unidos. Ilana Tannenbaum afirmó que, a diferencia de los artistas de todo el mundo, las obras de los artistas israelíes eran restringidas en su lenguaje artístico y tendían a ser reduccionistas con respecto a las formas. [87] En las obras de muchos artistas israelíes, como Moshe Gershuni , Tamar Getter y otros, la relación con el cuerpo fue asimilada a un significado sociopolítico. En su obra "Carta a Beuys" (1974), por ejemplo, Getter escribió una carta ficticia al artista Joseph Beuys. La carta incluía tres biografías diferentes y pedía a Beuys que le hiciera un abrigo y unos zapatos.
En su obra "Vía Dolorosa" (1973), Motti Mizrachi , que caminaba con muletas, creó una serie de fotografías que documentan su recorrido por la vía Dolorosa con muletas mientras llevaba un gran retrato de sí mismo a la espalda. Las obras de Gideon Gechtman durante este período abordaron la compleja relación entre el arte y la vida del artista, y la dialéctica entre la representación artística y la vida real. [88] En la exposición "Exposure" (1975), Gechtman describió el ritual de afeitarse el vello corporal como preparación para la cirugía cardíaca a la que se había sometido, y utilizó documentación fotográfica como cartas de médicos y radiografías que mostraban la válvula cardíaca artificial implantada. en su cuerpo. En otras obras, como "Brushes" (1974-1975), utiliza cabellos de su cabeza y de los jefes de sus familiares y los adhiere a diferentes tipos de pinceles, que exhibe en cajas de madera, a modo de caja de ruinas. (un relicario). Estas cajas fueron creadas según estrictos estándares estéticos minimalistas.
Después de la Guerra de Yom Kippur hubo una palpable intensificación de la protesta en el arte israelí contra todo lo que se percibía como militarismo israelí o su relación con los palestinos, cuyo medio dominante era la performance.
Uno de los artistas destacados de este movimiento de protesta fue Pinchas Cohen Gan , quien creó una serie de obras de carácter político durante estos años. En su obra "Tocando la frontera" (7 de enero de 1974), se enviaron a la frontera de Israel cuatro misiles de hierro, con información demográfica israelí escrita en ellos. Los misiles fueron enterrados en el lugar donde fueron arrestados los israelíes que los portaban. En "Actuación en un campo político en Jericó", que tuvo lugar el 10 de febrero de 1974 en la sección noreste de la ciudad de Jericó , cerca de Khirbat al-Mafjar (Palacio de Hisham), Cohen creó un vínculo entre su experiencia personal como inmigrante y la experiencia del inmigrante palestino, al construir una tienda de campaña y una estructura que parecía la vela de un barco, que también estaba hecha de tela. Al mismo tiempo, Cohen Gan inició una conversación sobre "Israel dentro de 25 años", en el año 2000, entre dos refugiados, y acompañada de la declaración: "Un refugiado es una persona que no puede regresar a su patria". [89]
Los artistas Gabi Klasmer y Sharon Keren ("Gabi y Sharon") ofrecieron una serie de espectáculos de carácter político y basados en la actualidad en lugares públicos de Jerusalén. El 24 de abril de 1973, los dos dibujaron aviones, tanques y soldados en las calles de Jerusalén, acompañados del título "¿Quién necesita un desfile?". El mismo día, los dos se presentaron en la ceremonia de la Medalla al Coraje y la Medalla al Valor en el Teatro de Jerusalén envueltos en vendas y ataviados con medallas militares.
Efrat Natan creó una serie de performances que abordaban la disolución de la conexión entre el espectador y la obra de arte, al mismo tiempo que criticaba el militarismo israelí después de la Guerra de los Seis Días. Entre sus obras importantes se encuentra "Escultura de cabeza", en la que Natan consultaba una especie de escultura de madera que llevaba a modo de máscara en la cabeza. Natan usó la escultura el día después del desfile militar anual del ejército en 1973 y caminó con ella a varios lugares centrales de Tel Aviv. La forma de la máscara, en forma de letra "T", se parecía a una cruz o a un avión y restringía su campo de visión". [90]
Se puede ver una mezcla de crítica política y artística con poética en una serie de pinturas e instalaciones que Moshe Gershuni creó en la década de 1970. Para Gershuni, que comenzó a ser famoso durante estos años como escultor conceptual, el arte y la definición de la estética eran percibidos como paralelos e inseparables de la política en Israel. Así, en su obra "A Gentle Hand" (1975-1978), Gershuni yuxtapuso un artículo periodístico que describía el abuso de un palestino con una famosa canción de amor de Zalman Shneur (llamada: "All Her Heart She Gave Him" y las primeras palabras de que son "Una mano suave", cantada con una melodía árabe de los días de la Segunda Aliá (1904-1914). Gershuni cantó como un muecín en un altavoz colocado en el techo del Museo de Tel Aviv. En otra obra, "Quién ¿Es sionista y quién no lo es?" (1979) Gershuni escribió estas palabras en las paredes de una galería con pasteles rojo rosado. En estas obras la ética minimalista y conceptualista sirvió como herramienta para criticar el sionismo y la sociedad israelí. [91 ]
Still Life 1983 de Joshua Neustein tenía la forma de un Phantom Jet hecho con neumáticos de coche quemados en la frontera con el Líbano.
La mayoría de los artistas que trabajaron en la década de 1970 como artistas conceptualistas en una variedad de medios cambiaron su estilo en la década de 1980 y regresaron en su mayor parte al medio de la pintura. Este, bajo la influencia del arte europeo y americano, se caracterizó durante esos años por una mezcla de estilos todos agrupados bajo la estética aceptada del minimalismo, incluido el estilo " Neo-Geo " americano, el estilo "Pop Art" de artistas como Jeff Koons , y el estilo expresivo de moda, también conocido como " Bad Painting ", de artistas como Georg Baselitz y Julian Schnabel , que definió el espíritu posmodernista en el arte de todo el mundo.
Estas tendencias internacionales se filtraron en el arte israelí, que reflejaba el intento de socavar los valores de la sociedad israelí contemporánea. En el arte de esta década, especialmente hacia su final, se desarrolló un discurso de identidades, un discurso que era incompatible con la hegemonía institucional; La pintura narrativa regresó y recuperó su estatus entre los artistas locales, combinando intencionalmente el uso posmodernista de "lo alto" y "lo bajo" en todos los aspectos de la implementación y los temas de las obras de arte. [92]
El estilo expresivo de la pintura fue adoptado en Israel por muchos artistas. Michal Na'aman , que creó collages y otro arte conceptual en la década de 1970, pasó a pinturas a gran escala con connotaciones psicológicas y psicoanalíticas. Moshe Gershuni pasó de la escultura conceptual y minimalista a la pintura llena de empaste (pintura espesa) en la que combinó el simbolismo homoerótico con imágenes de soldados con asociaciones judías, como versos de la Biblia y de otras fuentes judeocristianas. Otro aspecto destacado del arte de esos años fue el uso de referencias al Holocausto y a la cultura judía en Europa. Las técnicas pictóricas de Gershuni incluían aplicar pintura con las manos, sin utilizar pincel, transformando el acto de pintar en una especie de actuación en solitario.
Paralelamente al enfoque expresionista, otros artistas trabajaron con un enfoque más formalista. El pintor Diti Almog expuso cuadros de gran tamaño con motivos textiles, como botones, telas para camisas, etc. Las obras son de estilo abstracto y decorativo. La brecha entre el enfoque calculado, formalista (formal) y el uso de temas cotidianos fue resultado del enfoque feminista que derivó de él. En las obras de pintores como Isaac Golombek y Nahum Tevet también es muy evidente esta preocupación por deconstruir la narrativa personal abordando de manera formalista la relación entre forma y contenido.
Si en la década de 1970 el arte israelí está lleno de mensajes sociales y políticos, el arte de la década de 1980 está más preocupado por la "protesta". Este atributo es especialmente evidente en la segunda mitad de la década de 1980, bajo la influencia de acontecimientos como la Guerra del Líbano de 1982 y el estallido de la Primera Intifada . El pintor David Reeb , por ejemplo, pintó obras de claro carácter político, como "Green Line With Green Eyes" (1987), que mostraba las fronteras de Israel sin la tierra que fue conquistada en la Guerra de los Seis Días , más allá de la línea verde, combinada con retratos de árabes con el rostro cubierto y la costa de la playa de Tel Aviv . Otro pintor, Tsibi Geva , creó figuras orientales, dibujadas en un estilo expresivo e ingenuo, combinadas con leyendas como "Aquí está Arara" o "Umm Al-Fahm".
Larry Abramson presentó una visión crítica del sionismo israelí en su serie de pinturas abstractas titulada "Tsoba". de donde se asoman fragmentos de la aldea árabe que ocupó el lugar del Kibbutz Tzuba hasta la Guerra de la Independencia. Esta serie fue creada como contrapunto a las pinturas abstractas del mismo nombre de Joseph Zaritsky , en las que "borró", por así decirlo, todos los restos de la aldea árabe.
La fotografía artística ganó estatus durante este período, emergiendo del lugar que había ocupado durante muchos años como un área insignificante del arte. Un gran número de artistas regresaron de estudiar fotografía en Estados Unidos, entre ellos Avi Ganor, Oded Yedaya, Yigal Shem Tov, Simcha Shirman , Deganit Berest , etc. En el Museo de Arte Ein Harod a mediados de los años 1980 se celebró una Bienal de Se llevó a cabo Fotografía Israelí, presentando fotografía israelí por primera vez en un museo a gran escala.
También en la prensa la fotografía adquirió a veces un nuevo aspecto, como fotografía escénica , en las obras de fotógrafos como Micha Kirshner. En sus retratos, Kirshner utilizó recursos artísticos como maquillaje, iluminación y composición en un intento de crear el efecto deseado en la forma en que sus sujetos serían percibidos socialmente. En su retrato de la modelo Tami Ben-Ami (1982), Kirshner destacó la artificialidad de la imagen pública de la modelo y la brecha entre esta imagen y la persona privada.
El arte escénico también comenzó a desarrollarse. El grupo más importante que operaba en esta zona se llamaba "Refugio 209", por el número del refugio antiaéreo de Tel Aviv en el que actuaban. Los miembros de este grupo eran Danny Zackheim, Tamar Raban y Anat Shen. Otro grupo, el "Grupo Zik", creó imágenes de cucarachas de gran tamaño, que se quemaban en complejas ceremonias que incluían elementos rituales.
La década de 1990 trajo consigo una apertura a las tendencias contemporáneas del arte internacional. Entre los responsables de esto se encuentran la revista mensual 'Studio', editada por Sara Breitberg-Semel, que expuso al público israelí al arte internacional contemporáneo; la apertura de nuevas galerías que exhibían arte israelí de la época; el aumento de exposiciones que presentan colaboraciones entre artistas israelíes y artistas extranjeros; y el fortalecimiento de los museos periféricos (como el Museo de Arte Contemporáneo de Herzliya , que cambió sus políticas durante estos años). Esta tendencia tuvo eco en el establishment artístico oficial con la fundación del proyecto "Art Focus" (1994), que aspiraba a ser una bienal de arte internacional, y en otros proyectos durante la década de 2000.
Como parte de la influencia internacional, hubo un crecimiento significativo en la importancia artística y comercial de varios tipos de medios, como la fotografía, las instalaciones y el video performance. Las nuevas tecnologías, como la edición de vídeos en línea y el procesamiento de archivos de imágenes en programas gráficos, facilitaron el uso de estos medios para los artistas israelíes. Otra tendencia de la década de 1990 fue el retorno a la pintura figurativa realista, es decir, la pintura creada mirando el objeto que se estaba pintando. El pintor Israel Hershberg fue el líder de esta corriente e incluso abrió una escuela de pintura para formar a jóvenes artistas en este tipo de pintura.
En las obras de los escultores locales de los años 1990 se puede observar una tendencia hacia instalaciones grandes y detalladas. A menudo demostraban una especie de protesta contra los valores sociales utilizando símbolos artísticos. Michal Rovner utilizó el videoarte para crear texturas ricas y complejas compuestas de imágenes de personas y que producían un efecto primitivo-primitivo. Guy Ben-Ner creó vídeos cuyas narrativas desmantelan la institución de la familia mediante el uso de efectos cómicos y poéticos.
En obras como "Temple Mount" (1995) o "Country" (2002), Sigalit Landau creó ambientes ricos en objetos con una apariencia expresiva que reflejaba su interés por las situaciones de transición y la crítica sociopolítica. La crítica social se puede ver también en las obras de Ohad Meromi , quien exhibió obras que combinaban imágenes "primitivas" con valores modernistas. En su obra "La Clínica" (1999), Meromi presentó arquitecturas locales tradicionales y las confrontó con imágenes primitivas o extranjeras. En su obra "El niño del sur de Tel Aviv" (2001), por ejemplo, Meromi creó una enorme estatua de una figura negra parada frente a lo que parece un control de carretera. [93]
Incluso la generación anterior de escultores recurrió a la narrativa histórica de naturaleza más personal y a la reflexión sobre la naturaleza del arte. Philip Rantzer, por ejemplo, creó esculturas e instalaciones que recrearon su experiencia infantil de ser un nuevo inmigrante y un extraño en Israel. Penny Yassour creó obras que invocaban la memoria del Holocausto, junto con otras experiencias personales. Nahum Tevet creó construcciones escultóricas que se esforzaban por reflejar las percepciones del espectador, la memoria, el objeto y la obra de arte. Gideon Gechtman enfatizó esta conexión a través de diversos medios. En su exposición "Yotam" (1999), Gechtman mostró una serie de obras relacionadas con la muerte de su hijo, en un marco de obras relacionadas con los medios de replicación y reproducción posmodernistas.
También en el campo de la pintura vemos un intento de criticar a la sociedad utilizando el lenguaje del arte. Nurit David y Meira Shemesh, por ejemplo, crearon pinturas figurativas que reflejan el intento fallido de perfección familiar y perfección artística. El artista Tal Matzliach creó pinturas decorativas cuyo significado era mostrar la falta de adecuación sexual. Tsibi Geva continuó su trabajo de la década de 1980 con imágenes como "Keffiyah" y "Biladi", que yuxtaponen el arte abstracto estadounidense con imágenes locales.
La tendencia hacia la preocupación por los símbolos centrales puede verse principalmente entre los artistas que se consideraban representantes de un grupo minoritario dentro de la sociedad israelí. El artista Assam Abu Shakra, por ejemplo, utilizó el símbolo "Sabra", que los israelíes consideraban un símbolo sionista, como parte de un proceso para establecer una identidad árabe israelí. Otro artista, Sharif Waked, creó en su serie "Jericho First" (2002) una metamorfosis de la imagen del cazador en el mosaico del suelo de Khirbat al Mafjar, al norte de Jericó, como medio de crítica política.
El fotógrafo Adi Nes utilizó fotografías de soldados israelíes, posados en diversas situaciones existenciales, combinándolas con imágenes de significado homoerótico y de muerte. En la fotografía sin título (1999) que se conoce como "La Última Cena", los soldados se sientan alrededor de una mesa en un cuadro que recuerda a "La Última Cena" de Leonardo da Vinci.
Desde el nacimiento del arte israelí, hubo una larga discusión sobre el papel del contenido judío y dónde encaja dentro del discurso del arte israelí. La fundación de la Bienal de Jerusalén en 2013 fue una reacción y una solución parcial a esta discusión. La Bienal de Jerusalén tiene como objetivo crear una plataforma para artistas y curadores contemporáneos que buscan abordar el contenido y las tradiciones judías a través de sus obras. [94] Artistas israelíes modernos como Sigalit Landau , Motti Mizrachi y Maya Zack han contribuido con su trabajo a la Bienal y las exposiciones también han mostrado obras de artistas fuera de Israel. [95] La cuarta Bienal tuvo lugar en octubre-noviembre de 2019.
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