Arie Aroch (en hebreo אריה ארוך; nacido en Rusia en 1908 - Israel, 15 de octubre de 1974) fue un pintor y diplomático israelí nacido en Járkov , ahora Ucrania y luego parte del Imperio ruso. La obra de Aroch fue una mezcla de arte pop y arte abstracto , junto con elementos de su biografía . Además, muchos estudiosos de la historia del arte israelí han señalado el uso pionero de temas judíos por parte de Aroch en sus obras. Su estilo pictórico incluía garabatos y dibujos no estructurados, e influyó en una amplia gama de artistas, incluidos Raffi Lavie , Aviva Uri , etc. Sarah Breitberg Semel, en su artículo Agrippa versus Nimrod (1988), sugirió a Aroch como modelo para el nuevo Concepto israelí del diseño en el arte, y sugirió su pintura, la calle Agrippas era la representante de la identidad judía. En 1971, Aroch recibió el Premio Israel de Pintura por su trabajo.
Arie Aroch nació en noviembre de 1908 en Járkov , que entonces formaba parte del Imperio ruso y hoy forma parte de Ucrania . Su nombre era Lyova Nisselvich, el menor de los tres hijos de Rivka-Shulamit y Haim Nisselvich. En el momento de su nacimiento, Járkov se encontraba fuera de la zona de asentamiento judía del Imperio Ruso.
Su padre era un rico comerciante activo en los círculos políticos sionistas de la Rusia zarista. Entre otras cosas, su padre fue uno de los fundadores del gimnasio “Tarbut” en Rusia. En casa recibió una educación secular que incluía lecciones de música y exposición a la literatura y la poesía . Durante su infancia dibujaba todo el tiempo. En una entrevista años después dijo que a los 6 años ya hacía dibujos al carboncillo de quien estaba en la casa. [1] Además, Nisselvich estuvo expuesto a exposiciones de arte en Járkov. Entre las exposiciones que se sabe que vio se encuentra una exposición de Emmanuel Mane-Katz .
En 1924, Nisselvich hizo aliá a Palestina con sus padres y su hermana, mientras su hermano mayor permanecía en la Unión Soviética. Durante 1925 y 1926 estudió arte en “ Bezalel ”. Entre sus compañeros se encontraban Avigdor Stematsky , Moshe Castel , Sionah Tagger , Yehezkel Streichman , etc. Entre sus profesores se encontraban el pintor Shmuel Ben David , el esmaltista Aaron Shaul Schur y Jacob Eisenberg , en cuyos talleres fabricaba baldosas cerámicas ornamentales, para carteles, entre otras cosas. Además, se desarrolló una amistad entre él y el artista Chaim Gliksberg , quien le enseñó el arte de pintar con pinturas al óleo. [2]
En 1926 estudió en la carrera de ciencias en Gymnasia Herzlia en Tel Aviv . Allí nació el apodo de “Aroch” (largo) que se le quedó pegado por su altura. Nisselvich finalmente adoptó este apodo como su apellido. En 1929-1930, Aroch pasó un año y medio en el Technion estudiando arquitectura. En 1932 estudió durante un breve tiempo en el estudio de pintura que había abierto Joseph Zaritsky . Además, fue aceptado en la Asociación de Pintores y Escultores de Israel, en el marco de la cual expuso en la exposición general de la asociación.
A la muerte de su padre en 1932, Aroch erigió una lápida en el cementerio de Trumpeldor y grabó en ella un poema de David Shimoni , su profesor en Gymnasia Herzlia. En 1934, también murió su madre.
En 1934 Aroch fue a París y estudió allí en la Académie Colarossi . Entre otras cosas, Aroch participó en numerosas lecciones impartidas por el pintor cubista Fernand Léger . En el cuadro “Interior con silla” (1935), que Aroch pintó durante su estancia en París, se representa con rápidos trazos de pincel el interior de una habitación azul, con una silla roja en el centro de la habitación sobre la que se encuentran varios objetos. de ropa están esparcidas. El estilo de esta pintura, típico de Aroch durante este período, tipifica el expresionismo tenue que Aroch adoptó bajo la influencia de artistas de la " Escuela de París ", como Chaïm Soutine , Marc Chagall , Isaac Frenkel y Mané-Katz . En el cuadro “Retrato” de los años 30, Aroch también utiliza pinceladas expresionistas para crear este retrato melancólico. A diferencia de las de otros pintores, las pinturas de Aroch no exceden los límites de la representación artística y sus pinceladas expresivas no se convierten en una descripción con fundamentos abstractos.
A su regreso a Palestina en 1936, Aroch se ganó la vida como agrimensor. Se casó con Ellen Albeck (Elroy), a quien conoció en el barco de regreso de París. Este matrimonio duró poco tiempo. En cuanto a su arte, Aroch continuó pintando bajo la influencia de la Escuela de París. Participó en una exposición colectiva en el Museo de Arte de Tel Aviv y diseñó el decorado de “El círculo blanco” (1936), una leyenda japonesa dirigida por Friedrich Lobe en el Teatro “Ohel”, y para la obra “HaShomrin”. ”, de Ever-Hadani en el Teatro Habima . [3]
Aroch pasó los años 1938-1939 en Ámsterdam . La influencia de Vincent van Gogh se puede apreciar en “Jarrón de flores y naturaleza muerta” (1938), en el que destacan las pinceladas enérgicas y la temática propia de Van Gogh. En su obra “A través de una ventana” (1938), por ejemplo, Aroch representa un paisaje urbano holandés visto a través de una ventana. En esta obra, y en otras de este período, Aroch utilizó el énfasis en las líneas horizontales y verticales de la pintura para dividir la composición de una manera casi geométrica y plana. El 21 de enero de 1939 se inauguró una exposición individual de Aroch en la galería “Santa Landwer” de Ámsterdam. La exposición fue cubierta por la prensa local y se mencionó la influencia parisina en Aroch. [4]
En 1939 regresó a Tel Aviv, donde montó una exposición individual en la Galería Katz de muchas de las obras que había producido en Ámsterdam. Sus obras de la década de 1940 continuaron con el estilo que había cristalizado en los Países Bajos, basado en una composición dominada por una clara división geométrica. Durante estos años Aroch pintó muchos paisajes. A principios de la década, Aroch pintó una serie de escenas de Zichron Yaakov y Haifa , en las que vivió de vez en cuando desde 1942 hasta 1946, mientras servía en el ejército británico. Además, diseñó uniformes para la primera Lahakat Tsahal (la Banda Militar nacional de lo que entonces era la Tierra de Israel), que dio sus primeros programas en 1942 y 1943.
Durante toda la primera mitad de la década presentó su obra en exposiciones colectivas realizadas en el edificio “Habima”. Cuando participó en la “Exposición de los Ocho” que se celebró en diciembre de 1942 en el edificio “Habima”, Haim Gamzu destacó su uso del color, influenciado por Van Gogh, [5] y fue galardonado con el Premio Meir Dizengoff por una Artista Joven por la municipalidad de Tel Aviv. En 1943 se casó con Dvora Koenig. Después de la liberación de Aroch del ejército en 1946, la pareja se mudó al número 120 de la calle Hayarkon en Tel Aviv, donde él abrió un estudio en el pequeño patio adjunto a su casa.
En 1947 Aroch participó en la Exposición de “Los Siete” en el Museo de Arte de Tel Aviv. En esta exposición se mostraron diez obras suyas, entre ellas “Hombres en el paseo” (1943) y pinturas de otras escenas. Eugene Kolb publicó un artículo crítico halagador sobre el trabajo de Aroch y describió su transición del posimpresionismo a un énfasis en las "formas construidas" y la "simplicidad del color". [6] Sus obras de mediados de la década muestran una tendencia hacia el esquematismo y la deconstrucción de la escena en partes geométricas al estilo de los cubistas. Este fenómeno se puede ver también en obras anteriores, como “El autobús rojo” (1944-1946), de su serie “Autobús en las montañas”.
De 1956 a 1959, Arie Aroch se desempeñó como embajador de Israel en Brasil . Paralelamente se desempeñó como Embajador en Venezuela (1957 - 1958). [7] Durante estos años no pintó mucho. En 1959, Aroch fue nombrado embajador de Israel en Suecia . Su estancia en Suecia desencadenó en él una gran explosión de energía creativa. Entre 1960 y 1962 comenzó a producir su obra más significativa, que se diferenciaba del estilo de la pintura israelí de los demás miembros de “ New Horizons ” en todo lo relacionado con la inclusión de imágenes simbólicas extraartísticas.
Una de las cosas que motivó este estallido de creatividad fue la exposición de Aroch a las exposiciones de arte contemporáneo de ese período que se llevaron a cabo en el Museo de la ciudad de Estocolmo durante esos años. Entre otros, en 1962 Aroch asistió a una exposición de obras de artistas del “Pop Art”, entre ellos Robert Rauschenberg y Jasper Johns . El uso por parte de artistas estadounidenses de objetos Ready-made “modificados” como parte de sus obras artísticas, y los estilos abstractos conocidos como “ Tachisme ” y el “Informel” francés, combinados en la obra de Aroch en un estilo delicado que se conoció como “concreto”. abstracción." Para Aroch y sus intérpretes, el significado de este estilo era una combinación de imágenes figurativas que tenían un significado simbólico para el artista y el diseño como abstracción para crear una forma nueva e independiente.
Entre sus obras más conocidas de este período se encuentra una serie de pinturas conocidas como “Tzakpar” que Aroch comenzó a pintar en 1961. Estas obras se basan en una imagen del signo de un zapatero de la memoria de Aroch, una imagen de una bota, que Aroch recordó. desde su niñez. Aroch creó variaciones de esta imagen, llegando al final a una especie de forma abstracta colocada dentro de un marco ovalado. En una entrevista posterior, Aroch explicó el desarrollo de esta imagen como la base de la “abstracción concreta”: “La imagen que se desarrolló a partir de la bota parecía una imagen concreta (en contraposición a una abstracta), cuyo derecho a existir es el derecho de existencia que quería encarnar en un objeto abstracto, en un objeto que correspondiera a una definición que había creado previamente”. [8]
En 1963 Aroch regresó de Suecia y se instaló en Jerusalén . Estableció contacto profesional con Bertha Urdang , directora de la Galería Rina, Jerusalén, quien montó una exposición de sus obras durante este año. Además, fue nombrado Director de Asuntos Culturales del Ministerio de Asuntos Exteriores , donde permaneció hasta su jubilación en 1971. Mientras participaba en una reunión en Roma, como parte de su trabajo en el Ministerio de Asuntos Exteriores, adquirió el concepto de utilizar " Panda", pastel al óleo, y comenzó a trabajar en una gran cantidad de obras utilizando esta técnica, algunas de ellas en reproducciones y páginas de revistas (Gideon Efrat afirma que fue Aroch quien introdujo el término "Panda" en hebreo como término genérico para este tipo de tiza pastel). [ cita necesaria ] En 1964, Aroch exhibió 34 de sus pinturas en la exposición israelí en la Bienal de Venecia , algunas de ellas dibujadas utilizando la técnica de los colores "Panda". En 1966, la Galería Masada de Tel Aviv realizó una exposición de 23 de sus dibujos en color Panda, organizada por Raffi Lavie.
Otra serie de obras en las que trabajó Aroch durante la década de 1960 se basó en una representación de la Creación, una representación del Éxodo de Egipto y una representación de Moisés con los Diez Mandamientos tal como aparecen en la Hagadá de Sarajevo del siglo XIV . Estas obras, como “Jewish Motif” (1961), “Arch in Blue-Purple” (1961) o “The Creation, Sarajevo Haggadah” (1966), exhiben símbolos abstractos de significado metafísico. En estas obras, afirma Gideon Efrat, Aroch combinó “la abstracción lírica israelí, que Zaritsky y sus colegas habían exportado desde París, con la memoria del pueblo judío, una combinación de Nuevos Horizontes y Viejos Horizontes”. [9] y el judaísmo con el universalismo.
En sus obras "El Alto Comisionado" (1966) y "La calle Agripas" (1964), Aroch creó su combinación más típica de percepciones locales "concretas" y "arte pop" internacional. En "Agripas Street", la obra más analizada de todas las obras de Aroch, Aroch combinó símbolos del período que pasó en Bezalel en Jerusalén que enfatizaron su interés en el simbolismo religioso y secular de la autoridad y el gobierno. En "El Alto Comisionado", que continúa su interés por estos símbolos, Aroch utilizó elementos iconográficos adicionales, basados en la historia del arte occidental, que estaban destinados a aparecer también en sus obras posteriores. Entre estos elementos, la combinación del Destacan los colores rojo y azul y la duplicación de imágenes.
Entre 1967 y 1970, Aroch participó en varias exposiciones colectivas. En 1968, Yona Fischer fue comisario de una exposición de 48 obras de Aroch en el Museo de Israel . Además el Museo le otorgó el Premio Sandberg . En 1970, Aroch se sometió a una operación para extirpar un tumor. En 1971, Aroch recibió el Premio Israel de Pintura.
En su último año, Aroch incluyó muchos elementos ars poetica en su obra. Como parte de este enfoque, Aroch incluyó en su obra muchas variaciones de personajes tomados de la literatura. Los ejemplos incluyen su pintura “Dos cubos” (1968) y su serie de pinturas de botes de remos de 1968 a 1970, en las que se citan detalles del libro de texto de Christian Ludolph Reinhold, “Al estilo del 'Baile de soldados en Suresnes' de Derain”. (1967), basada en la obra de André Derain . etc. Otro motivo del ars poetica es el perfil de Adán.
Durante los últimos años de su vida, Aroch planeó dos proyectos monumentales: un tapiz para la casa del soldado en Afeka y un relieve hecho con tubos recortados para la Biblioteca de la Universidad Hebrea . Sin embargo su grave enfermedad le impidió finalizar estos proyectos. Murió el 15 de octubre de 1974.
Durante años, el trabajo de Arie Aroch fue percibido como en la periferia del arte abstracto israelí. Como ocurre con muchos de los artistas del grupo “ Nuevos Horizontes ”, sus primeras obras estuvieron influenciadas por el postimpresionismo y el expresionismo de la Escuela de París (Ecole de Paris). Si bien en sus obras las imágenes pasaron por un proceso de reducción formal, es decir, de abstracción, la fórmula que Joseph Zaritsky cristalizó en “Nuevos Horizontes” estaba muy alejada del interés de Aroch por el significado de las imágenes. Aroch dedicó su tiempo a numerosas entrevistas con el fin de resaltar su interés por el formalismo, por sus formas y por su manera de construir una pintura. Sin embargo, muchas de las formas e imágenes abstractas fueron el resultado del proceso de “abstracción concreta”, en el que las formas conservaron, para Aroch, su significado simbólico.
La técnica pictórica que creó Aroch, que incluía garabatos, grabados y "garabatos", junto con la pintura abstracta racional, influyó en varios pintores identificados con el movimiento " falta de materia ", en particular Raffi Lavie , que fue visto, junto con Aviva Uri, como allanando el camino para la nueva pintura israelí.
A partir de la década de 1980, comenzó a surgir una nueva interpretación de las obras de Aroch. En lugar de enfatizar el aspecto formalista, los críticos de arte comenzaron a centrarse en el contenido de las obras de Aroch, incluidos los elementos de la tradición judía. Se percibía que Aroch había establecido la conexión entre el judaísmo israelí local y el universalismo. En su artículo “Agrippa versus Nimrod” (1988), Sarah Breitberg-Semel presentó el trabajo de Aroch como modelo para el diseño de un nuevo concepto israelí. En su artículo ataca el concepto canónico en la literatura de investigación sobre la historia del arte israelí, en relación con “Nimrod” (1939) de Itzhak Danziger, que veía en él al representante exclusivo del nacionalismo judío. Ella propuso “Agripas Street” como una alternativa más valiosa como obra que combina los valores “judíos” con los valores sionistas. [10]
Arie Aroch, a pesar de ser miembro de “New Horizons”, ofreció en sus obras una alternativa a la “abstracción lírica”. En lugar de una abstracción informe, sugirió concentrarse en las formas; en lugar de objetividad, basar la creación en la escritura personal; en lugar de profesionalismo, empobrecimiento del proceso –uso de técnicas no tradicionales para dar origen a formas; en lugar de identificarse con el arte abstracto francés, citando y utilizando imágenes que pertenecen a diversos conceptos artísticos. Así nacieron en sus obras formas a partir de pinturas infantiles, el uso de objetos cotidianos, imágenes populares o tradicionales o imágenes conectadas a recuerdos de la infancia. Arie Aroch influyó más en los artistas jóvenes por su pensamiento, por su forma de combinar diferentes imágenes entre sí en sus pinturas, por la aparentemente vacía falta de patetismo que caracteriza su obra, por sus técnicas (borrados, grabados, garabatos). Aviva Uri , y después Raffi Lavie, se encuentran entre esos artistas.
