Pinchas Cohen Gan ( en hebreo : פנחס כהן גן ) (nacido el 3 de noviembre de 1942) es un pintor y artista de medios mixtos marroquí . Fue galardonado con el Premio Sandberg (1979), el premio del Ministerio de Cultura y Deportes por su trabajo de toda una vida (2005) y el Premio Israel de Arte (2008).
Pinchas Cohen Gan nació en 1942 en Meknes , Marruecos , en una familia judía observante de clase media alta. Su padre, Moshe HaCohen, era un pintor que dejó su arte para apoyar a su familia como comerciante; y su madre, Rivka Gan, trabajaba como profesora de francés. Estudió en un Talmud Torá donde también enseñaban matemáticas . [1] En 1949 hizo aliá a Israel con sus padres y cuatro hermanos en el barco “Kedma”, y creció en Kiryat Bialik , en un barrio de inmigrantes alemanes. En su juventud, Cohen Gan también trabajó en la construcción para ayudar a mantener a su familia. Más tarde describió sus sentimientos de soledad como judío oriental que creció en la sociedad israelí en los primeros días del Estado. [1] De niño ya estaba interesado en el arte y estudió escultura con Aharon Ashkenazi.
En 1954 se unió al movimiento juvenil “ Hashomer Hatzair ” [La Guardia Juvenil] y continuó como consejero en el movimiento hasta que entró en el ejército. [2] Hizo su servicio militar en una unidad de Nahal [unidad que combina el servicio militar con el trabajo en un asentamiento agrícola]. En 1962 dejó el kibutz Lehavot HaBashan y se mudó a Jerusalén , donde comenzó estudios en la Academia de Artes y Diseño Bezalel , pero tuvo que abandonar sus estudios después de aproximadamente una semana por falta de fondos. Regresó a Haifa , donde estudió dibujo con Marcel Janco y escultura con Michael Gross en Oranim Academic College . En 1967 comenzó a estudiar por segunda vez en Bezalel. En 1968, durante sus estudios allí, fue herido en un ataque terrorista en el Mercado Mahane Yehuda.
Durante la década de 1970, Cohen Gan creó una variedad de actividades, algunas de ellas de arte escénico . El 22 de febrero de 1972, se inauguró una exposición de 20 de sus grabados , incluidos los creados mientras trabajaba en el establo del Kibbutz Nirim . Las obras, que estaban colgadas sobre los abrevaderos de las vacas, utilizaban las técnicas del grabado fotográfico combinado con el aguatinta. Los temas incluían imágenes de edificios o seres humanos, a algunos de los cuales Cohen Gan agregó hilos de colores que pegó al papel. [3] La publicidad de la exposición, como un experimento para romper los hábitos establecidos de mirar arte, además de la naturaleza anecdótica del evento, llevaron a Cohen Gan a hacerse famoso y a que sus obras se exhibieran en la Galería Dugit en Tel Aviv. [4]
Otros proyectos adquirieron un carácter más vanguardista, en el sentido de que no puso un objeto de arte conservador en su centro. Como parte de “The Dead Sea Project”, que se creó entre 1972 y 1973, Cohen Gan creó mangas de plástico que se extendían desde un manantial en Ein Feshkha , al sur de Einot Tzukim (“Cliff Springs”), hasta el Mar Muerto y flotaban sobre él. Dentro de las mangas de plástico Cohen Gan crió peces , como símbolo de aislamiento cultural y en un intento de integrar principios esenciales en el paisaje. Otros proyectos fueron de naturaleza más marcadamente política. En “Activities in Refugee Camps in Jericho” (10 de febrero de 1974), por ejemplo, Cohen Gan erigió una tienda de campaña en un campo de refugiados cerca de Jericó. En “Touching the Border” (7 de enero de 1974) Cohen Gan colocó información demográfica sobre Israel en barras de acero que colocó en cuatro de las fronteras del país, en lugares donde las fuerzas de seguridad lo detuvieron. Estas actividades y otras se exhibieron en una exposición en el Museo de Israel en 1974. [5]
Aunque el contenido evidente de estas obras insinúa cuestiones políticas, cuestiones como la alienación, la inmigración, los refugiados y los estados mentales, expresados en la cuestión del estatus de los diversos grupos étnicos en la sociedad israelí, conforman el contenido oculto. [6] En 1974 conoció a su pareja, la arquitecta Aya Wald, en la inauguración de una exposición de las obras de Robert Rauschenberg en el Museo de Israel. Ambos estuvieron juntos hasta 1980. [7]
Durante la segunda mitad de la década de 1970, Cohen Gan vivió en la ciudad de Nueva York y estudió en la Universidad de Columbia . Entre otras cosas, estudió con el historiador de arte Meyer Schapiro . Durante este período montó varias exposiciones en la galería de Bertha Urdang y en las galerías de Max Protech en Nueva York y Washington, DC. Algunas de las obras fueron pintadas sobre manteles adquiridos de un hotel que se había declarado en quiebra. [8]
El arte que Cohen Gan comenzó a producir a partir de este período abandonó la “actividad” conceptual en favor de objetos artísticos más tradicionales. En 1978 montó una exposición individual de nuevas obras en el Museo de Arte de Tel Aviv bajo el nombre de “Obras después del concepto”. Sarah Breitberg Semel, curadora de la exposición, presentó las nuevas obras de Cohen Gan como una expresión de su decepción con la combinación de ciencia y arte, una combinación que caracterizó las primeras obras conceptuales de Cohen Gan. [9] Al mismo tiempo, Cohen Gan declaró que no estaba interesado en concentrarse en la calidad gráfica de las obras de arte, sino más bien en un intento de disminuir la distancia entre la idea y su expresión visual. [10] A los ojos de los críticos de arte, las obras fueron percibidas como “pintura conceptual”, [11] y como un retroceso del conceptualismo severo de las primeras obras de Cohen Gan. Adam Baruch comentó sobre la exposición que Cohen Gan estaba tratando de crear una “imagen de la idea” humana. [12]
Un motivo común en estas obras es el conflicto entre “arte” y “ciencia”. Este conflicto significó lo que Cohen Gan llamó “la teoría del arte relativo”, una epistemología en el marco de las leyes de la creatividad artística percibida como un sistema de atribuciones dinámicas de la cultura y las leyes cambiantes de la naturaleza. [13]
En la serie de obras titulada “Conflictos en la fórmula y la pintura” (1982), por ejemplo, Cohen Gan dividió el lienzo en dos partes. En la parte superior del lienzo, Cohen Gan pintó una obra expresiva de colores intensos con figuras humanas anatómicas que la adornaban, lo que supuso una innovación en la pintura cuando se la vio en el contexto del arte conceptual en Israel y los Estados Unidos . En la parte inferior de la pintura había partes del cuerpo tridimensionales y fórmulas sobre un fondo blanco. [14] Las fórmulas eran una expresión de textos filosófico-estéticos, en los que Cohen Gan dividió la actividad artística en unidades y las conexiones entre ellas, y las presentó como un sistema lingüístico-matemático.
En otras obras de este período, como “La otra ciencia en gris” (1982) o “El paradigma israelí del hijo pródigo nº 1” (1982), aparecen numerosas imágenes. Mordechai Omer señalaba en relación con la relación entre las imágenes y el fondo en estas obras que crean un espacio cerrado que, a pesar de su tangibilidad, “no somos capaces de percibir”. [15]
Otra expresión de su preocupación por el concepto de espacio aparece en obras como las expuestas en la serie titulada “Area Drawings, Space Drawings, Abyss Drawings” (1981) en la Galería Gimel, Jerusalén, y en la instalación “Programmed Figure in Curved Space, or Painted Solution to Advance Problem no. 457617” (1981) en la Galería Noemi Givon, Tel Aviv. En esta instalación Cohen Gan construyó sofisticados cuerpos geométricos en marcos de madera cubiertos de lienzo pintado que comprendían un intento de examinar las convenciones de la geometría euclidiana como expresión de su ocupación con la epistemología del arte.
Durante la década de 1980, Cohen Gan convirtió la imagen de la figura anónima en la imagen de la cabeza sin cuerpo. [16] El uso de esta imagen flotante también posibilitó el cambio en la composición de las obras de Cohen Gan, que se volvieron más expresivas. La cabeza suelta, según Mordechai Omer, simboliza la falta de fusión entre el cuerpo y el alma. [17] En los lugares en los que Cohen Gan continuó utilizando una figura entera, utilizó dibujos lineales, similares a monigotes. [18]
A pesar de que ya en sus primeras obras se relaciona con cuestiones políticas y sociales, en los años 1980 y 1990 presta más atención a los acontecimientos históricos. En una entrevista a un periódico, Cohen Gan sostuvo que “toda la filosofía sobre el doloroso problema humano lo ha convertido en un problema estético”. [18]
Además de su tratamiento de la relación entre Oriente y Occidente en la cultura, Cohen Gan dedicó un espacio considerable en su obra al Holocausto . En 1988, por ejemplo, encabezó una manifestación frente al Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York , en el que se exhibía en ese momento una exposición de la obra del artista Anselm Kiefer . Llevaban un cartel que decía “Anselm Kiefer es el artista que Adolf Hitler no fue”, en protesta contra el proceso de legitimación que estaba viviendo Alemania bajo los auspicios del arte de Kiefer. [19] Dentro de su tratamiento de este tema, las obras que más se destacan son las de la exposición “And These Are the Names”, que se montó como parte de la exposición israelí en la Bienal de Estambul , Turquía, en octubre de 1992. En esta exposición Cohen exhibió obras dedicadas a varias comunidades judías de Europa y Oriente Próximo que perecieron en el Holocausto. [20]
En 1991, a raíz de su contribución de 300 de sus obras al Museo de Arte de Tel Aviv , se montó una exposición retrospectiva de sus obras en papel en el Pabellón Helena Rubinstein de Arte Contemporáneo. En ese momento, Cohen Gan vivía en París, donde le habían asignado un estudio durante medio año en el barrio de artistas de “la Cité”. [21]
Además de su trabajo como artista, durante estos años Cohen Gan continuó escribiendo artículos sobre estética en los que también incluyó varios tratamientos biográficos. El más importante de ellos es “Diccionario de la sintaxis de la pintura y la escultura”, que contenía un diccionario ficticio de 200 entradas traducidas a 6 idiomas. [22] Su libro, “Arte, derecho y orden social”, documenta su batalla legal de 1993 contra la Academia Bezalel de Artes y Diseño en un intento de recibir las mismas condiciones que reciben los profesores de ciencias para un profesor de arte. [23]
En 1995 recibió el Premio Dizengoff por su obra y en 2008 ganó el Premio Israel de Pintura.
