El Museo de Arte Americano Amon Carter ( el Carter ) está ubicado en Fort Worth, Texas , en el distrito cultural de la ciudad. La colección permanente del museo incluye pinturas , fotografías , esculturas y obras en papel de artistas destacados que trabajaron en los Estados Unidos y sus territorios norteamericanos en los siglos XIX y XX. La mayor concentración de obras corresponde al período comprendido entre la década de 1820 y la de 1940. Las fotografías, grabados y otras obras en papel producidas hasta la actualidad también son un área de fortaleza en los fondos del museo.
La colección se construyó a partir de representaciones del Viejo Oeste de Frederic Remington y Charles M. Russell , obras de arte que representan el expansionismo y la colonización del continente norteamericano en el siglo XIX y obras maestras que son emblemáticas de los principales puntos de inflexión en la historia del arte estadounidense. El "espectro completo" de la fotografía estadounidense está documentado por 45.000 impresiones con calidad de exposición, que datan desde los primeros años del medio hasta la actualidad. [2] Una selección rotativa de obras de la colección permanente está en exhibición durante todo el año durante el horario regular del museo, y varios miles de estas obras se pueden estudiar en línea utilizando la pestaña Colección en el sitio web oficial de Carter's. La entrada al museo para todas las exhibiciones, incluidas las exhibiciones especiales, es gratuita.
El Museo de Arte Americano Amon Carter abrió sus puertas en 1961 como Museo de Arte Occidental Amon Carter. La colección original del museo, compuesta por más de 300 obras de arte de Frederic Remington y Charles M. Russell, fue reunida por el editor de periódicos y filántropo de Fort Worth Amon G. Carter Sr. (1879-1955). [3] Carter pasó los últimos diez años de su vida sentando las bases legales, financieras y filosóficas para la creación del museo. [4]
Más de 400 obras de arte de Frederic Remington (1861-1909) y Charles M. Russell (1864-1926) forman la colección principal de arte del Viejo Oeste del Carter . Estas posesiones incluyen dibujos, cartas ilustradas, grabados, pinturas al óleo, esculturas y acuarelas producidas por Remington y Russell durante sus vidas. Más de sesenta de las obras de Remington y más de 250 de las obras de Russell fueron adquiridas por el homónimo del museo, Amon G. Carter Sr., en un lapso de veinte años a partir de 1935. [3] Las adiciones a las posesiones originales de Amon G. Carter por parte de los curadores del museo han dado como resultado una colección que contiene múltiples ejemplos de los mejores trabajos de Remington y Russell en cada etapa de sus respectivas carreras. [5]
Frederic Remington y Charles M. Russell fueron los ilustradores del Oeste más conocidos e influyentes de Estados Unidos. Remington trabajaba en su estudio de Nueva York, excepto cuando viajaba, y produjo imágenes coloridas y masculinas de la vida en el Viejo Oeste que moldearon la percepción pública de la experiencia de la frontera estadounidense para un público oriental ávido de información. [6] Charles Russell, residente de Montana, con su vestimenta de vaquero, su manera lacónica y su destreza para contar historias, personificó, a principios del siglo XX, la imagen del artista vaquero a los ojos de la prensa oriental. [7]
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Aunque ninguno de los dos había vivido en la frontera en el apogeo de la expansión de Estados Unidos hacia el oeste, sus dibujos, pinturas y esculturas estaban impregnados de la acción y el realismo convincente de la observación directa. Russell se mudó al Territorio de Montana en 1880, nueve años antes de convertirse en estado, y había trabajado como vaquero durante más de una década antes de comenzar su carrera como artista profesional. [8] Remington recorrió Montana en 1881, más tarde fue dueño de un rancho de ovejas en Kansas y había atravesado el Territorio de Arizona en 1886 como ilustrador para Harper's Weekly . [9] Estas y otras experiencias permitieron a ambos artistas retratar de manera convincente una amplia variedad de temas del Viejo Oeste basándose en experiencias del mundo real, evidencia histórica y su imaginación artística.
Entre las obras de arte más destacadas de la colección Carter realizadas por Remington y Russell se incluyen: 1) Frederic Remington, A Dash for the Timber (1889; véase la galería siguiente), una obra que estableció a Remington como pintor serio cuando se exhibió en la Academia Nacional de Diseño en 1889. [10] 2) Frederic Remington, The Broncho Buster (1895), el primer intento de Remington de modelar en bronce y la obra que le dio inicio a una larga carrera secundaria como escultor. 3) Frederic Remington, The Fall of the Cowboy (1895), una evocación del desvanecimiento del mítico vaquero de la leyenda, que anticipa la célebre novela de Owen Wister, The Virginian (1902). [11] 4) Charles M. Russell, Medicine Man (1908), un retrato detallado de un chamán Blackfeet, que refleja la empatía de Russell con la cultura nativa americana. [12] 5) Charles M. Russell, Meat for Wild Men (1924): una escultura de bronce que evoca la "gran agitación" que se produce cuando una banda de cazadores montados ataca a una manada de búfalos pastando. [13]
El Carter alberga una amplia selección de mapas y obras de artistas documentalistas europeos y estadounidenses que, en los siglos XIX y XX, viajaron por el continente norteamericano en busca de nuevos paisajes y descubrimientos. Algunos de estos artistas trabajaron de forma independiente, centrándose en temas o zonas del país de su propia elección. Otros trabajaron como documentalistas en expediciones de descubrimiento continental enviadas por el gobierno de los EE. UU. o por patrocinadores europeos. En estas funciones, los artistas estaban en una posición única para registrar la topografía, la vida animal y vegetal, y la diversa cultura indígena de América y sus fronteras. Encontrar y recopilar dibujos, pinturas al óleo, acuarelas y litografías publicadas de estos artistas documentalistas europeos y estadounidenses fue uno de los primeros objetivos del museo. [14] Entre los artistas documentales representados en la colección se encuentran John James Audubon (1785–1851), Karl Bodmer (1809–1893), George Catlin (1796–1872), Charles Deas (1818–1867), Seth Eastman (1808–1875), Edward Everett (1818–1903), Francis Blackwell Mayer (1827–1899), Alfred Jacob Miller (1810–1874), Peter Moran (1841–1914), Thomas Moran (1837–1926), Peter Rindisbacher (1806–1834), John Mix Stanley (1814–1872), William Guy Wall (1792–después de 1864), Carl Wimar (1828–1862) y otros. Véase Obras en papel (a continuación) para obtener más información sobre el arte expedicionario estadounidense.
La Escuela del río Hudson , uno de los movimientos más importantes de la pintura de paisajes estadounidense del siglo XIX, es un foco importante de la colección Carter. Dos óleos importantes de Thomas Cole (1801-1848) y uno del protegido de Cole, Frederic Edwin Church (1826-1900), son la base de la colección del museo de pinturas emblemáticas de la Escuela del río Hudson. The Narrows from Staten Island (1866-68), una representación panorámica de Staten Island y el puerto de Nueva York de Jasper Francis Cropsey (1823-1900), es un ejemplo notable de la preocupación de la Escuela del río Hudson por los paisajes a lo largo del valle del río Hudson y sus alrededores (véase la galería de imágenes a continuación).
El movimiento prerrafaelita , un movimiento británico que influyó brevemente entre algunos artistas de la Escuela del río Hudson a mediados del siglo XIX, se ejemplifica en Woodland Glade (1860) de William Trost Richards (1833-1905) y Hudson River, Above Catskill (1865) de Charles Herbert Moore (1840-1930). La pintura de Moore representa una parte identificable del río Hudson adyacente a la casa de Thomas Cole, por lo que es probable que la pintura fuera concebida como un homenaje a Cole.
En la colección Carter también se encuentran pinturas de la Escuela del río Hudson que reflejan la influencia del luminismo . Entre ellas se encuentran obras de Sanford Robinson Gifford (1823-1880), Martin Johnson Heade (1819-1904), John Frederick Kensett (1816-1872) y Fitz Henry Lane (1804-1865). Muchos observadores consideran que la pintura de Heade, Tormenta eléctrica en la bahía de Narragansett (1868), es la obra maestra del artista debido a su "misterio oscuro y melancólico" . [15]
Otros artistas de la Escuela del río Hudson representados en la colección por importantes pinturas al óleo son Robert Seldon Duncanson (1821-1872), David Johnson (1827-1908) y Worthington Whittredge (1820-1910). William Stanley Haseltine (1835-1900) está representado por un estudio preliminar de la costa rocosa a lo largo de la bahía de Narragansett , Rhode Island.
La influencia de la Escuela del río Hudson y el luminismo se centró en una ubicación del oeste de los Estados Unidos alrededor de 1870, cuando Albert Bierstadt (1830-1902) produjo Sunrise, Yosemite Valley . Este grandioso ejemplo de la obra del artista se completó después del tercer viaje de Bierstadt al oeste americano. [16] Se agregó a la colección Carter en 1966. Otro pintor de la Escuela del río Hudson que se dirigió al oeste fue Thomas Moran (1837-1926). Moran, famoso por sus pinturas de la región de Yellowstone en Wyoming, está representado en la colección Carter por su óleo de 1874 Cliffs of Green River (ver la galería de imágenes a continuación).
Las pinturas de figuras, retratos y cuadros de género (representaciones de la vida cotidiana) del siglo XIX representan un capítulo importante en la historia del desarrollo del arte estadounidense, y varios ejemplos de este tipo de pinturas se encuentran en la colección Carter. Swimming (1885) de Thomas Eakins (1844-1916) es una de las pinturas de figuras realistas más conocidas en la historia del arte estadounidense. [17] Swimming , un resumen de la técnica de pintura y el sistema de creencias de Eakins, fue adquirido para la colección Carter en 1990. [18] Crossing the Pasture (1871-72) de Winslow Homer (adquirido en 1976) combina las habilidades del artista como pintor de figuras con su don para contar historias para crear una imagen encantadora de la vida rural de Nueva York.
Grupo indio (1845) de Charles Deas (1818-1867) explora la apariencia física de los sujetos nativos americanos de Deas y los peligros asociados con su estilo de vida nómada (ver galería de imágenes a continuación). El alfarero (1889) de George de Forest Brush (1855-1941) es otro ejemplo en la colección Carter del método exigente y matizado de un artista para representar a un modelo indígena americano. ¡ Atención, compañía! (1878) de William M. Harnett (1848-1892) es la única composición figurativa conocida de este maestro estadounidense de la pintura trampantojo ("engañar a la vista"). [19]
En la colección Carter se encuentra una importante pintura de género histórico de William T. Ranney (1813-1857). Marion cruzando el río Pedee (1850) de Ranney muestra la gran habilidad del artista como pintor de figuras y el uso de esa habilidad para entretener y educar a su público del siglo XIX. En la colección Carter también se encuentran pinturas de género notables de Conrad Wise Chapman (1842-1910), Francis William Edmonds (1806-1863), Thomas Hovenden (1840-1895) y Eastman Johnson (1824-1906).
El retratista John Singer Sargent (1856-1925) está representado en la colección del museo por retratos formales de dos sujetos estadounidenses, Alice Vanderbilt Shepard (1888) y Edwin Booth (1890; ver la galería de imágenes a continuación).
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Las pinturas de trampantojo y las naturalezas muertas clásicas constituyen un componente destacado de la colección Carter. Ease (1887) de William M. Harnett (1848-1892) es un ejemplo grande y elocuente del género del trampantojo y uno que demuestra ampliamente el atractivo de las ilusiones de trampantojo de Harnett para sus mecenas del siglo XIX. [20] John Frederick Peto (1854-1907), un contemporáneo de William Harnett que trabajó en relativa oscuridad, está representado en la colección por dos composiciones de trampantojo muy logradas, Lamps of Other Days (1888) y A Closet Door (1904-06). Otras pinturas trampantojo de la colección Carter fueron creadas por De Scott Evans (1847-1898) y John Haberle (1853-1933).
La primera pintora de naturalezas muertas reconocida de Estados Unidos, Raphaelle Peale (1774-1825), está representada en la colección Carter por una composición de 1813 Melocotones y uvas en una cesta de exportación china . Otras naturalezas muertas clásicas estadounidenses que presentan frutas o flores incluyen Naranjas envueltas (1889) de William J. McCloskey (1859-1941) y Abundancia (después de 1848) de Severin Roesen (1815-después de 1872).
La colección de esculturas de Carter's proporciona un contexto histórico a la gran cantidad de esculturas de bronce de Frederic Remington y Charles M. Russell que posee el museo, además de reconocer la importancia de la escultura en la historia más amplia del arte estadounidense. Como tal, la colección contiene obras creadas por personalidades destacadas tanto del siglo XIX como del XX. La elección de la flecha (1849) de Henry Kirke Brown (1814-1886) es uno de los primeros bronces fundidos en Estados Unidos. Las esculturas de bronce ligeramente posteriores, El cazador indio (1857-1859) y El liberto (1863), ambas de John Quincy Adams Ward (1830-1910), también se encuentran en la colección. El busto de un esclavo griego (posterior a 1846) de Hiram Powers (1805-1873) es un ejemplo de una obra neoclásica estadounidense tallada en mármol.
Dos escultores estadounidenses que gozaron de un gran éxito durante su vida, Frederick MacMonnies (1863-1937) y Augustus Saint-Gaudens (1848-1907), están representados en la colección Carter por obras de bronce fundido creadas a finales del siglo XIX. Alexander Phimister Proctor (1860-1950) y Anna Hyatt Huntington (1876-1973) están representados por bronces creados a finales del siglo XIX y principios del XX respectivamente. Una escultura de bronce de Solon Borglum (1868-1922), que, como Remington y Russell, se especializó en representaciones de temas del Viejo Oeste, y un bronce de dos piezas de Paul Manship (1885-1966), Cazador indio y antílope berrendo (1914), también están en la colección.
La experimentación de los artistas de principios del siglo XX con la abstracción basada en la naturaleza y las técnicas de tallado directo a partir de materiales naturales se puede apreciar en las obras de John Flannagan (1895-1942), Robert Laurent (1890-1970) y Elie Nadelman (1882-1946). Las obras emblemáticas de Alexander Calder (1898-1976) y Louise Nevelson (1899-1988) se encuentran entre las piezas escultóricas de mediados del siglo XX de la colección. El Paisaje lunar de Nevelson es una gran construcción de madera pintada que data de 1959-60 (ver galería de imágenes a continuación).
La colección Carter contiene varios ejemplos del impresionismo americano .
Horas de inactividad (alrededor de 1894) de William Merritt Chase (1849-1916) es la pieza clave de la colección de pinturas impresionistas estadounidenses de la ACMAA. El alumno y protegido de Chase, Julian Onderdonk (1882-1922), está representado por una escena de Texas, Un día nublado, lupinos cerca de San Antonio, Texas (1918). Banderas en el Waldorf (1916) es una obra emblemática de Nueva York de Childe Hassam (1859-1935). Otros pintores impresionistas estadounidenses conocidos que tienen piezas en la colección son Mary Cassatt (1844-1926), Willard Metcalf (1858-1925) y Dennis Miller Bunker (1861-1890; véase la galería de imágenes a continuación).
El fotógrafo neoyorquino Alfred Stieglitz (1864-1946) se hizo amigo y apoyó a varios de los pintores modernos más visionarios que surgieron en los Estados Unidos a principios del siglo XX. Cinco artistas modernos que se identificaron estrechamente con el círculo de Stieglitz están representados en la colección Carter. Son Charles Demuth (1883-1935), Arthur G. Dove (1880-1946), Marsden Hartley (1877-1943), John Marin (1870-1953) y Georgia O'Keeffe (1887-1986). La colección alberga obras tempranas de Demuth, Dove, Hartley y O'Keeffe, producidas entre 1908 y 1918, y un grupo centrado en pinturas posteriores de Dove, Hartley, Marin y O'Keeffe que capturan su respuesta a la luz y el color del paisaje de Nuevo México cerca de Taos. La obra Chimenea y torre de agua (1931) de Charles Demuth , pintada en la ciudad natal del artista, Lancaster, Pensilvania, representa una fábrica local de linóleo como una cuadrícula de formas austeras y monumentales y pasajes de color gris acero, azul y rojo intenso. [21] Chimenea y torre de agua entró en la colección Carter en 1995.
En el Museo de Arte Estadounidense Amon Carter se conservan varias pinturas importantes del modernista estadounidense Stuart Davis (1892-1964), entre ellas un autorretrato temprano pintado en 1912 y una obra de su serie Egg Beater, Egg Beater No. 2 (1928). Entre los modernistas estadounidenses representados en la colección Carter también se encuentran Josef Albers (1888-1976), Will Barnet (1911-2012), Oscar Bluemner (1867-1938), Morton Schamberg (1881-1918), Ben Shahn (1898-1969), Charles Sheeler (1883-1965), Joseph Stella (1877-1946) y otros (véase la galería de imágenes a continuación).
El Museo de Arte Americano Amon Carter es uno de los principales repositorios de fotografías históricas y de bellas artes del país. [22] El Carter tiene más de 350.000 obras fotográficas en su colección, incluidas 45.000 copias con calidad de exposición. Estas colecciones abarcan la historia completa de los procesos fotográficos utilizados en Estados Unidos, desde los daguerrotipos hasta la fotografía digital. El papel central de la fotografía en la documentación de la cultura y la historia estadounidenses, y la evolución del medio como una forma de arte significativa e influyente desde el siglo XX hasta la actualidad, son los temas en torno a los cuales se organiza la colección de fotografía del Carter.
Los archivos personales de los fotógrafos Carlotta Corpron (1901–1988), Nell Dorr (1893–1988), Laura Gilpin (1891–1979), Eliot Porter (1901–1990), Erwin E. Smith (1886–1947) y Karl Struss (1886–1981) son importantes recursos de colección. [2] Hay ayudas y guías de búsqueda para estas y otras colecciones monográficas disponibles en línea en las pestañas Colecciones/Fotografías/Más información en el sitio web de Carter.
La colección de fotografías de Carter contiene imágenes tempranas de estadounidenses en guerra, entre las que destacan 55 daguerrotipos de la Guerra México-Estadounidense (1847-1848). La colección alberga una copia de la obra en dos volúmenes de Alexander Gardner, Gardner's Photographic Sketch Book of the Civil War y una copia de Photographic Views of Sherman's Campaign (1865) de George Barnard. Un grupo de más de 1400 retratos de nativos americanos de los siglos XIX y principios del XX que se originaron en la Oficina de Etnología Estadounidense es otro de los aspectos destacados de la colección, junto con un conjunto completo de The North American Indian de Edward Curtis .
La colección de fotografías de paisajes del siglo XIX de Carter incluye imágenes de John K. Hillers (1843-1925), William Henry Jackson (1843-1942), Timothy H. O'Sullivan (1840-1882), Andrew J. Russell (1830-1902) y Carleton E. Watkins (1829-1916). Las imágenes maestras del siglo XX de Ansel Adams (1902-1984) se complementan con paisajes de finales del siglo XX de los estudios de William Clift (nacido en 1944), Frank Gohlke (nacido en 1942) y Mark Klett (nacido en 1952).
Las fotografías de bellas artes de Alfred Stieglitz (1864-1946) son las obras más significativas de la colección del movimiento de la fotosecesión de finales del siglo XX , una cruzada que Stieglitz lideró. El trabajo de los fotosecesionistas y otros fotógrafos destacados del período también está documentado en series completas de Camera Notes (publicada entre 1897 y 1903), Camera Work (publicada entre 1903 y 1917) y 291 (publicada entre 1915 y 1916).
Entre los fondos sustanciales de fotografías documentales del siglo XX se incluyen obras de Berenice Abbott (1898-1991); grabados producidos durante veinticinco años en relación con el ensayo fotográfico The American Country Woman de Dorothea Lange ; imágenes de Texas de la Colección Standard Oil de Nueva Jersey; y fotografías de proyectos de la encuesta estatal de 1986 Contemporary Texas: A Photographic Portrait . Además, en la colección del museo se encuentran fotografías documentales del siglo XX de Russell Lee (1903-1986), Arthur Rothstein (1915-1985), Marion Post Wolcott (1910-1990) y muchos otros.
Otros grupos importantes de fotografías del siglo XX en la colección Carter están organizados en torno a las carreras de Robert Adams (nacido en 1937), Barbara Crane (nacida en 1928), Frank Gohlke (nacido en 1942), Robert Glenn Ketchum (nacido en 1947), Clara Sipprell (1885-1975), Brett Weston (1911-1993) y Edward Weston (1886-1958).
El Carter posee un conjunto completo de grabados de la serie In the American West de Richard Avedon , un proyecto encargado por el Carter en 1979. En los últimos años, el museo se ha centrado principalmente en adquirir y exhibir fotografías de artistas contemporáneos, incluidos Dawoud Bey (nacido en 1953), Sharon Core (nacida en 1965), Katy Grannan (nacida en 1969), Todd Hido (nacido en 1968), Alex Prager (nacido en 1979), Mark Ruwedel (nacido en 1954) y Larry Sultan (1946-2009).
Gran parte de la historia estética, económica y social de Estados Unidos se encuentra en obras sobre papel, una categoría que incluye dibujos, grabados y acuarelas. [23] El Carter comenzó a coleccionar activamente obras sobre papel en 1967. [24] La colección actual cuenta con varios miles de artículos de artistas destacados de los siglos XIX y XX hasta la actualidad. [25] Los dibujos y pinturas varían desde estudios preliminares hasta composiciones completamente realizadas. La mayoría de los grabados del siglo XIX se originaron como reproducciones destinadas a su difusión al público y representan temas relevantes para la experiencia estadounidense. Los grabados del siglo XX y posteriores son impresiones de bellas artes realizadas mediante una variedad de procesos como medio de autoexpresión artística.
Los grabados que proceden de las primeras inspecciones del oeste realizadas por el Departamento de Guerra de los Estados Unidos y el Departamento del Interior de los Estados Unidos son componentes importantes de la colección de obras sobre papel. Estos grabados se basaban generalmente en bocetos de campo realizados por los artistas que acompañaban a las expediciones. Ofrecen vistas únicas del paisaje occidental, la vida indígena, la historia natural, la antigua cultura española y la vida en las comunidades fronterizas estadounidenses del siglo XIX. Las expediciones Frémont (1842-1844), Emory (1846-1847), Abert (1846-1847) y Simpson (1849) se encuentran entre las fuentes de grabados de inspecciones del oeste recopilados por Carter.
La colección de grabados del siglo XIX de Carter también incluye una copia del emblemático Hudson River Portfolio (1821-1825), basado en el trabajo del pintor William Guy Wall (1792-después de 1864) y el grabador John Hill (1770-1850); grabados originales en cobre de nativos americanos representados en estudios de campo de Karl Bodmer (1809-1893); un conjunto completo de grabados planográficos del North American Indian Portfolio de George Catlin (1844); y grabados ornitológicos del emblemático libro de John James Audubon The Birds of America (publicado entre 1827 y 1838).
Entre los ejemplos de obras de otros artistas expedicionarios destacados que se encuentran en la colección se incluyen estudios de campo del siglo XIX de Edward Everett (1818-1903), Richard H. Kern (1821-1853), John HB Latrobe (1803-1891), Alfred Jacob Miller (1810-1874) y Peter Rindisbacher (1806-1834); vistas del siglo XIX del Oeste americano de John Mix Stanley (1814-1872) y Henry Warre (1819-1898); y vistas tempranas de San Francisco de Thomas A. Ayres (1816-1858). Consulte Arte expedicionario y representaciones de la vida de los nativos americanos (arriba) para obtener más información sobre el arte y los artistas expedicionarios estadounidenses.
Artistas estadounidenses destacados de finales del siglo XIX y principios del XX, como Winslow Homer (1836-1910), George Inness (1825-1894), John La Farge (1835-1910) y los famosos expatriados John Singer Sargent (1856-1925) y James Abbott McNeill Whistler (1834-1903), están representados por dibujos y/o pinturas de alta calidad en la colección de obras sobre papel de Carter. [24]
Otros artistas de la colección de obras sobre papel asociados con los principales movimientos del arte estadounidense son los prerrafaelistas estadounidenses Fidelia Bridges (1834-1923), Henry Farrer (1844-1903), John Henry Hill (1839-1922), Henry Roderick Newman (1833-1918) y William Trost Richards (1833-1905); el ilustrador de la Escuela Ashcan John Sloan (1871-1951); y los principales modernistas del siglo XX Charles Demuth (1883-1935), Arthur Dove (1880-1946), John Marin (1870-1953), Georgia O'Keeffe (1887-1986), Morton Livingston Schamberg (1881-1918) y Abraham Walkowitz (1878-1965). [26]
Una colección maestra de más de 200 litografías del pintor realista estadounidense George Wesley Bellows (1882-1925) es uno de los elementos más destacados de la colección de obras sobre papel de Carter. Los principales grabadores estadounidenses Martin Lewis (1881-1962), Louis Lozowick (1892-1973) y Reginald Marsh (1898-1954) están representados por múltiples ejemplos de su obra gráfica. También se encuentran en la colección las primeras obras de Edward Hopper (1882-1967) y una serie completa de grabados del modernista Stuart Davis (1892-1964). Una acuarela temprana de Jacob Lawrence (1917-2000), adquirida en 1987, marca el ascenso de la carrera de este importante artista.
La colección Carter alberga casi 2.500 litografías de bellas artes realizadas en el Taller de Litografía Tamarind de Los Ángeles, California, entre 1960 y 1978. El museo también alberga una importante colección de dibujos, acuarelas y grabados del artista texano Bror Utter (1913-1993), incluidos los estudios de Utter de 1957-58 sobre la arquitectura de Fort Worth en vías de desaparición. Más recientemente, el Carter agregó dos importantes series de litografías a estas colecciones, una de Glenn Ligon (nacido en 1960) y otra de Sedrick Huckaby (nacido en 1975).
La biblioteca Carter es una biblioteca de referencia de arte con 150.000 artículos que está disponible para el uso de conservadores de museos, investigadores y miembros interesados del público. La biblioteca proporciona acceso a una colección de 50.000 libros, aumentada por colecciones relacionadas de microformas, publicaciones periódicas y revistas, catálogos de subastas y material efímero. [27] Los fondos de la biblioteca no circulan y están organizados en torno al estudio del arte, la fotografía y la cultura estadounidenses desde la época colonial hasta la actualidad, con énfasis en materiales que mejoran la comprensión de los objetos de la colección de arte permanente del museo y el entorno en el que se crearon estos objetos.
Los fondos de microformas de la biblioteca Carter incluyen 14.000 rollos de microfilm de periódicos, publicaciones periódicas, libros y otro material primario del siglo XIX. Estos fondos también incluyen más de 50.000 microfichas de catálogos de subastas y exposiciones, material efímero y otro material. Los conjuntos de microformas específicos incluyen la Biblioteca Knoedler en Microficha (catálogos de subastas y exposiciones de arte), el Archivo de Artistas de la Biblioteca Pública de Nueva York , el Archivo de Grabados de la Biblioteca Pública de Nueva York y América , 1935-1946 (fotografías de la Administración de Seguridad Agrícola y la Oficina de Información de Guerra en la División de Grabados y Fotografías, Biblioteca del Congreso ). [27] El Museo de Arte Americano Amon Carter es la filial de investigación del centro del país de los Archivos de Arte Americano , Institución Smithsonian . [27] En esta función, la biblioteca Carter ofrece acceso a 7.500 rollos de microfilm de material sin restricciones de los Archivos de Arte Estadounidense, que representan alrededor de quince millones de documentos primarios inéditos relacionados con artistas, galerías y coleccionistas estadounidenses. [28]
La colección de Archivos Verticales/Efímeras de la biblioteca contiene una amplia variedad de material suelto y pequeñas publicaciones sobre artistas, museos, galerías comerciales y otras organizaciones artísticas. En esta colección se incluyen archivos biográficos, ordenados por nombre, con cobertura de unos 9.000 artistas, fotógrafos y coleccionistas. [27] Estos archivos biográficos ofrecen a los investigadores una gran cantidad de recortes de periódicos, pequeños catálogos de exposiciones, currículums, artículos de revistas y periódicos, reproducciones, invitaciones y anuncios de eventos, portafolios, bibliografías y material similar del que extraer información.
La biblioteca Carter alberga una serie de libros ilustrados poco comunes. Estos títulos son útiles por su información textual y valiosos como obras de arte por sus impresiones originales. Entre los libros ilustrados de la colección de la biblioteca se encuentran American Ornithology, or, the Natural History of the Birds of the United States (Filadelfia: Bradford and Inskeep, 1809-1814), el primer libro sobre aves publicado en los Estados Unidos y el primer libro estadounidense de láminas en color destacado; y The Aboriginal Port-folio (Filadelfia: JO Lewis, 1835-1836), el primer libro de láminas en color publicado sobre los indios norteamericanos. Otros libros ilustrados que posee la biblioteca se destacan en la pestaña Colección del sitio web de Carter, y muchas de las ilustraciones de estos libros están digitalizadas y se pueden buscar. [29]
Los archivos del museo contienen documentos y registros privados de personas, generalmente artistas o fotógrafos, que a menudo están relacionados de manera integral con la colección de arte del museo. Entre estos registros se encuentran los archivos personales de los fotógrafos Laura Gilpin (1891-1979), Eliot Porter (1901-1990) y Karl Struss (1886-1981). [30] Los archivos también albergan los registros comerciales de Roman Bronze Works (fundada en 1897 y cerrada en 1988) de Queens, Nueva York, durante mucho tiempo una de las principales fundiciones de bronce artístico de Estados Unidos, y una variedad de documentos relacionados con la historia institucional de Carter's.
En 1996, la biblioteca Carter se asoció con las bibliotecas del Museo de Arte Kimbell y el Museo de Arte Moderno de Fort Worth para crear el Consorcio de Bibliotecas del Distrito Cultural (CDLC). El propósito del consorcio era explorar nuevas formas de compartir los recursos de las tres instituciones de Fort Worth a través del acceso público en línea. En 1998, con la asistencia técnica de la biblioteca de la Universidad Cristiana de Texas , los tres museos lanzaron un catálogo CDLC en línea que permite a los visitantes del sitio web acceder a las colecciones combinadas de las tres bibliotecas de los museos de arte. [31] Hoy, el catálogo CDLC también brinda acceso a las bibliotecas del Museo Nacional de las Vaqueras y el Salón de la Fama y el Instituto de Investigación Botánica de Texas (BRIT). Para buscar en los fondos de la biblioteca Carter, haga clic en Buscar en el catálogo de la biblioteca Carter en la sección Enlaces externos (a continuación).
Se ofrece asistencia profesional y acceso a los artículos de la biblioteca del Museo de Arte Estadounidense Amon Carter en la sala de lectura de la biblioteca durante el horario de atención establecido. Hay más información disponible en la pestaña Biblioteca del sitio web de Carter.
Amon G. Carter Sr. (1879-1955), editor del Fort Worth Star-Telegram , un periódico diario de gran circulación de Fort Worth, Texas, concibió un museo de arte occidental al que se pudiera acceder gratuitamente. Carter y su esposa, Nenetta Burton Carter, dieron un paso clave hacia la creación del museo en 1945 cuando se formó la Fundación Amon G. Carter, una fundación sin fines de lucro de Texas, y los Carter transfirieron gran parte de su riqueza a la misma con el fin de proporcionar capital inicial para apoyar una serie de causas cívicas. [32] En el momento en que se constituyó la fundación, Amon Carter había estado coleccionando activamente arte de Frederic Remington y Charles M. Russell durante una década. [33]
El 3 de octubre de 1950, Carter informó a la ciudad de Fort Worth de su intención de "erigir y equipar" un museo y presentarlo a la ciudad. [34] En 1951, la Fundación Amon G. Carter compró una parte del futuro sitio del museo para proteger el terreno de la invasión comercial. [35] Después de la muerte de Amon Carter en junio de 1955, su última voluntad y testamento autorizó a la fundación a proporcionar un museo para albergar su colección de arte y "ser operado como una empresa artística sin fines de lucro para el beneficio del público y para ayudar en la promoción del espíritu cultural en la ciudad de Fort Worth y sus alrededores, para estimular la imaginación artística entre los jóvenes que residen allí". [36]
Un encuentro casual entre la hija de Amon Carter y el neoyorquino Philip C. Johnson (1906-2005) en una cena en Houston condujo a la contratación de Johnson como arquitecto principal del futuro museo. [37] Ruth Carter Stevenson (que en ese momento era Ruth Carter Johnson y no tenía relación con el arquitecto) había asumido el papel de directora de proyecto para el nuevo museo y estaba en condiciones de ofrecerle el trabajo a Philip Johnson. [38] En febrero de 1959, la ciudad de Fort Worth y la Fundación Amon G. Carter firmaron un contrato para la creación de un museo de arte occidental, y la ciudad proporcionaría el resto del terreno necesario para construir el museo. [39] La construcción comenzó en 1960 y el Museo de Arte Occidental Amon Carter abrió al público el 21 de enero de 1961 (ver la historia de la construcción a continuación).
Raymond T. Entenmann, director del Centro de Arte de Fort Worth, se desempeñó como administrador interino del Carter durante los primeros meses del museo. [40] Mitchell A. Wilder (1913-1979), un experimentado director de museo que trabajaba en Los Ángeles, llegó en agosto de 1961 para comenzar a trabajar como director del museo. [41]
Los estatutos y reglamentos del museo se aprobaron en el otoño de 1961, y se nombró una Junta de Síndicos. [42] En sus primeras discusiones, Wilder y la junta decidieron que los programas y la colección permanente del museo debían reflejar muchos aspectos de la cultura estadounidense, tanto histórica como contemporánea. [42] Esta decisión allanó el camino para una expansión de la colección permanente que primero se centró en la adquisición de arte estadounidense del siglo XIX y, más tarde, del XX. Bajo la guía de Wilder, el museo coleccionó en gran medida en las áreas de arte y fotografía estadounidense del siglo XIX. Wilder también estableció una presencia editorial académica y construyó un historial de organización de exposiciones innovadoras. El museo publicó Paper Talk: The Illustrated Letters of Charles M. Russell en 1962, el primero de muchos libros sobre el arte del Oeste americano que se originaron en Amon Carter. [43] En 1966, Wilder reintrodujo las pinturas de Georgia O'Keeffe (1887-1986) en la nación al organizar una retrospectiva de noventa y cinco piezas de su trabajo. [44]
Al año siguiente, 1967, American Art–20th Century: Image to Abstraction trajo más de cien pinturas de los principales modernistas tempranos de Estados Unidos a Fort Worth desde Nueva York. Blips and Ifs (1963-64), la última pintura de Stuart Davis (1892-1964), fue adquirida para el museo de esta exposición, lo que marcó una redefinición fundamental del alcance de la colección del museo. [45] La aceptación por parte de Mitchell Wilder del mandato de colección del museo llevó a dos ampliaciones del edificio durante su mandato, incluida una importante adición en 1977 que duplicó el tamaño del museo (ver la historia del edificio a continuación).
Mitchell Wilder murió en 1979 tras una breve enfermedad. Otros cuatro directores han dirigido el museo en los años posteriores: Jan Keene Muhlert (1980-1995), Rick Stewart (1995-2005), Ron Tyler (2006-2011) y Andrew J. Walker (2011-presente). Cada uno trabajó en estrecha colaboración con la hija de Amon Carter, Ruth Carter Stevenson (1923-2013), para determinar el rumbo del museo. Stevenson había pasado los últimos años de la vida de su padre conversando con él sobre sus conceptos para un museo y el papel que debería desempeñar en la vida cívica de Fort Worth. [38] Fue esta familiaridad con su visión y sus estándares extraordinariamente altos lo que llevaría a Stevenson a un papel de liderazgo en el desarrollo del museo.
Jan Keene Muhlert supervisó un agresivo programa de adquisiciones que incorporó obras de William Merritt Chase (1849-1916), Thomas Cole (1801-1848), Arthur Dove (1880-1946), Childe Hassam (1859-1935) y David Johnson (1827-1908) a la colección, coronada por la adquisición en 1990 de Swimming de Thomas Eakins (1844-1916). [46] La compra de la obra maestra de Eakins requirió una campaña de capital para recaudar diez millones de dólares y recurrió a todos los recursos disponibles para Muhlert. Rick Stewart, el sucesor de Muhlert, es un erudito reconocido a nivel nacional en la obra de Frederic Remington y Charles M. Russell. Durante su mandato como director, Stewart añadió importantes obras a la colección del museo de Stuart Davis (1892-1964), Marsden Hartley (1877-1943) y John Singer Sargent (1856-1925). Stewart supervisó el desafiante cierre de dos años durante el cual se demolieron dos ampliaciones anteriores y la planta física del museo. En su lugar se erigió una instalación mucho más grande, que culminó con una gran reapertura en 2001. [47] Cuando Stewart renunció como director, fue nombrado curador principal de pintura y escultura occidentales del museo.
Ron Tyler regresó al Carter en 2006 como director. (Tyler comenzó su carrera en el museo en el museo de 1969 a 1986). Durante su mandato como director, el museo presentó importantes exposiciones de la obra de Alfred Jacob Miller (1810-1874) y William Ranney (1813-1857), y una importante exposición de arte afroamericano de la colección privada de Harmon y Harriet Kelley. Durante la administración de Tyler, se añadieron a la colección permanente del museo pinturas de George de Forest Brush (1855-1941) y Charles Sheeler (1883-1965), así como un conjunto completo de 20 volúmenes de The North American Indian (1907-1930) de Edward Sheriff Curtis. [48] Andrew J. Walker ha dirigido el Carter desde 2011. Bajo su dirección, el Carter ha acogido importantes exposiciones de obras de George Caleb Bingham (1811-1879), Will Barnet (1911-2012) y del círculo de modernistas de Nueva York liderado por el artista John Graham (1886-1961). Ha supervisado las incorporaciones a la colección permanente de obras de Robert Seldon Duncanson (1821-1872), Raphaelle Peale (en memoria de Ruth Carter Stevenson) y John Singer Sargent (1856-1925), y ha iniciado importantes mejoras en la presencia digital del museo, incluido el proyecto de digitalización Connecting to Exhibitions , una iniciativa de dos años que permitirá el acceso en línea a muchas de las exposiciones de arte anteriores del museo. [49]
En 1977, con motivo de la inauguración de la ampliación diseñada por Philip Johnson, el Museo Amon Carter de Arte Occidental pasó a llamarse Museo Amon Carter. En 2011, con motivo del 50º aniversario del museo, el museo pasó a llamarse Museo Amon Carter de Arte Estadounidense.
El arquitecto Philip C. Johnson (1906-2005) mantuvo una asociación de cuarenta años con el Museo de Arte Americano Amon Carter como diseñador del edificio original de la institución y de dos ampliaciones importantes. La Fundación Amon G. Carter encargó por primera vez a Johnson en 1958 que diseñara un edificio para el museo que exhibiría una colección central de arte occidental y también serviría como monumento al fundador del museo. [50] En el momento en que Johnson ganó este encargo, también estaba supervisando la construcción del nuevo Museo de Arte del Instituto de Artes Munson-Williams-Proctor en Utica, Nueva York. [51] Johnson encontró el proyecto del museo Carter particularmente inspirador debido a la vista espectacular desde el sitio de construcción del museo propuesto en una ladera de suave pendiente con vistas al centro de Fort Worth. [52] Amon G. Carter Sr. había elegido personalmente el sitio en 1951. [35] Johnson colocó el edificio del museo lo más arriba posible en la ladera para maximizar esta vista panorámica hacia el este. [53]
Johnson diseñó un pórtico de dos pisos con cinco arcos que miraban al este hacia el horizonte de la ciudad. Los arcos y sus columnas de soporte cónicas estaban revestidos de piedra de concha de Texas de color crema. Los tres lados restantes del edificio de 20.000 pies cuadrados también estaban cubiertos con revestimiento de piedra de concha. Protegida por el pórtico arqueado, la pared frontal del museo consistía en una cortina de dos pisos de ventanas de vidrio con parteluces de bronce. [35] Johnson identificó la Loggia dei Lanzi de Florencia y el Felderrnhalle de Múnich como precedentes del pórtico de estilo "cajas con frentes". [54] La entrada principal conducía directamente a un salón de dos pisos adornado con el mismo tipo de piedra de concha utilizada en el exterior, revestimientos de paredes de teca y un piso de granito rosa y gris. Más allá del salón principal había cinco pequeñas galerías de igual tamaño para la exhibición de arte. En el nivel del entrepiso había cinco galerías similares, cada una con un balcón que daba al salón principal. Estas galerías del entrepiso servían como biblioteca y espacios de oficina. [35] Para aprovechar la extensión entre el pórtico de dos pisos y el límite oriental del sitio, Johnson diseñó una serie de amplios escalones y terrazas que se extendían desde el edificio, con una amplia plaza hundida y cubierta de césped como pieza central, apuntando hacia el centro de la ciudad. [36]
El museo y sus instalaciones abrieron al público el 21 de enero de 1961, bajo el nombre de Museo Amon Carter de Arte Occidental. La reacción de los críticos al diseño de Philip Johnson fue en general favorable. En un artículo de marzo de 1961, "Portico on a Plaza", el Architectural Forum lo describió como "un edificio sumamente hermoso, bellamente situado y bellamente iluminado". [55] Russell Lynes, escribiendo en el Harper's de mayo de 1961, resumió su reacción llamándolo "el joyero del señor Johnson". [56]
Aunque el museo fue concebido como una pequeña institución conmemorativa, casi inmediatamente se convirtió en un museo de colección, y el espacio que ofrecía la instalación existente rápidamente se volvió inadecuado. [57] En 1964, tres años después de la apertura del museo por primera vez, se completó una ampliación de 14.250 pies cuadrados en el lado oeste del edificio original para proporcionar espacio para oficinas, una librería, una biblioteca de investigación y una bóveda de almacenamiento de arte. [35] Joseph R. Pelich (1894-1968) de Fort Worth, un arquitecto asociado del edificio original, llevó a cabo el trabajo después de que Philip Johnson expresara poco interés en asumir el proyecto. [58]
El museo abrió una segunda ampliación importante, diseñada por Philip Johnson y su socio, John Burgee, en 1977. La ampliación de 1977, que dejó intactos el edificio de 1961 y la ampliación de 1964, amplió el área del museo en 36.600 pies cuadrados, más del doble de su tamaño original. [35] La ampliación, que incluyó una sección de tres pisos, encerró el espacio triangular en el extremo occidental del sitio de construcción, llevando así la planta física a su límite más occidental. [58] La ampliación de Johnson de 1977 creó un ala administrativa, un auditorio de 105 asientos, una bóveda de almacenamiento de dos pisos, una biblioteca espaciosa y dos patios interiores con césped que aislaban a los ocupantes de la biblioteca y las oficinas administrativas del tráfico pesado que pasaba cerca.
El 17 de noviembre de 1998, los administradores del museo anunciaron planes para ampliar el museo una vez más. El personal del museo había estado en conversaciones con Philip Johnson durante algún tiempo sobre la necesidad de modificar la ampliación de Johnson de 1977. [57] La solución de Johnson fue demoler tanto las ampliaciones de 1964 como de 1977 y crear una nueva estructura mucho más grande detrás del edificio de 1961. Philip Johnson encabezó el nuevo diseño en colaboración con su socio Alan Ritchie. Sería uno de los últimos proyectos en los que Johnson trabajó. [57] En agosto de 1999, el museo se cerró al público durante un período prolongado mientras se remodelaba el edificio de 1961, se eliminaban las ampliaciones de 1964 y 1977 y se construía la nueva ampliación.
El edificio actual del museo reabrió sus puertas al público el 21 de octubre de 2001. La ampliación de 2001, que aumentó el espacio disponible del museo en 50.000 pies cuadrados, se basa en el mismo espacio que las ampliaciones anteriores. [57] Está revestido de granito árabe oscuro para alejarse visualmente de la piedra de concha de color claro del edificio de 1961. [57] La característica más llamativa de la ampliación es un atrio ubicado en el centro, que se eleva cincuenta y cinco pies sobre el suelo y está rematado por un techo curvo con ventanas laterales, conocido como la Linterna. [57] Las paredes interiores del atrio están revestidas de la característica piedra de concha. Una escalera doble da acceso desde el atrio a un complejo de galerías del segundo piso donde se exhiben selecciones de la colección permanente del museo, junto con exposiciones especiales. [57] En esta nueva disposición, la mayoría de las galerías del edificio de 1961, incluida la zona del entrepiso donde antes se ubicaban la biblioteca y las oficinas, se utilizan para exposiciones rotativas de pinturas y esculturas de Remington y Russell de la colección original de Amon G. Carter.
Otras características de la ampliación de Philip Johnson en 2001 incluyen un auditorio de 160 asientos, completo con tecnología de aprendizaje a distancia; bóvedas con clima controlado para el almacenamiento de fotografías tanto frías como calientes; espacio de laboratorio para la conservación de fotografías y obras en papel; una biblioteca de investigación y una instalación de almacenamiento de archivos; y una librería de museo. [59]
En el verano de 2019, el edificio del museo se cerró para una renovación del edificio y las galerías. La firma de arquitectura Schwartz/Silver Architects, con sede en Boston, supervisó las renovaciones; a diferencia de los cierres de 1977 y 2001, hubo pocas alteraciones en la estructura del edificio del museo. En cambio, el museo rediseñó partes del interior organizando la exhibición de su colección de manera temática en lugar de cronológica. La renovación amplió el área de exhibición mediante la instalación de paredes modulares móviles. Los espacios de la galería, que anteriormente habían estado alfombrados, fueron reemplazados por pisos de madera de roble blanco estadounidense. Siguiendo la visión original de Johnson de una iluminación natural expansiva, se instalaron nuevos LED y tragaluces en las galerías. La instalación de un sistema de sombreado automático permitió la exhibición de obras de arte en el vestíbulo. Seven and Seven Flower del escultor tejano James Surls y Puente Nuevo de Justin Favela estuvieron entre las primeras obras de arte a gran escala exhibidas en el pasillo de la planta baja que conecta el edificio de 1961 con la expansión de 2001 como parte del rediseño.
Las renovaciones de 2019 recibieron comentarios positivos de la prensa local. James Russell elogió las galerías rediseñadas en el Fort Worth Weekly, señalando que crearon "una atmósfera para la exploración". [60] El crítico de arquitectura del Dallas Morning News, Mark Lamster, lamentó que el rediseño haya alterado la "yuxtaposición del gran acceso formal con... esas galerías más íntimas" del diseño original, pero en general consideró que las galerías renovadas eran "una gran mejora". [61]
Además de las galerías rediseñadas, las cámaras frigoríficas de almacenamiento de fotografías fueron renovadas para dar cabida a la creciente colección y proporcionar tecnologías de conservación actualizadas. [62] El filántropo de Fort Worth, Ed Bass, ayudó a financiar un Centro de Estudios Gentling ubicado en la Biblioteca del Museo dedicado a las obras de arte de los hermanos de Fort Worth, Stuart W. y Scott G. Gentling. La creación del Centro de Estudios Gentling complementa las exposiciones y publicaciones planificadas del Museo Amon Carter sobre los hermanos Gentling. [63] El diseño interior del Centro de Estudios refleja los revestimientos de teca de las paredes y los muebles de mediados de siglo que caracterizan el diseño original de Johnson. El crítico de arquitectura, Mark Lamster, destacó la Biblioteca Gentling por su "gestalt agradablemente de mediados de siglo". [61]
Medios relacionados con el Museo Amon Carter en Wikimedia Commons
![Albert Sands Southworth (1811–1894) y Josiah Hawes (1818–1901), [Dos mujeres posando con una silla], ca. 1850](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/60/P1999-13_s.jpg/1280px-P1999-13_s.jpg)
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