Les Demoiselles d'Avignon ( Las señoritas de Aviñón , originalmente titulada El burdel de Aviñón )[2]es un óleo de gran tamaño creado en 1907 por el artista españolPablo Picasso. Parte de la colección permanente delMuseo de Arte Modernode Nueva York, retrata a cincoprostitutasen unburdelen Carrer d'Avinyó, una calle deBarcelona, España. Las figuras son confrontativas y no convencionalmentefemeninas, y se representan con formas corporales angulares e inconexas, algunas en un grado amenazador. La figura del extremo izquierdo exhibe rasgos faciales y vestimenta de estilo egipcio o del sur de Asia. Las dos figuras adyacentes son deibéricode la España de Picasso, mientras que las dos de la derecha tienende máscara africana. Picasso dijo que elprimitivismoevocado en estas máscaras lo impulsó a "liberar un estilo artístico completamente original de fuerza convincente, incluso salvaje", lo que lo llevó a agregar un aspecto chamánico a su proyecto.[3][4][5]
Partiendo del primitivismo tribal y evitando los dictados centrales de la perspectiva y la verosimilitud renacentistas en favor de un plano pictórico comprimido utilizando una composición barroca y empleando el enfoque confrontativo de Velázquez visto en Las Meninas , Picasso buscó tomar el liderazgo de la vanguardia de Henri Matisse . John Richardson dijo que Demoiselles convirtió a Picasso en el artista más importante de la pintura occidental desde Giotto y abrió un camino a seguir para Picasso y Georges Braque en su desarrollo conjunto del cubismo , cuyos efectos en el arte moderno fueron profundos e insuperables en el siglo XX.
Les Demoiselles fue revolucionario, controvertido y provocó una ira y un desacuerdo generalizados, incluso entre los amigos y asociados más cercanos del pintor. Henri Matisse consideró la obra como una broma de mal gusto, pero reaccionó indirectamente en su Bañistas con una tortuga de 1908 . A Georges Braque tampoco le gustó al principio el cuadro, pero lo estudió con gran detalle. Su posterior amistad y colaboración con Picasso condujeron a la revolución cubista. [6] [7] Su parecido con Los bañistas de Cézanne , la estatua Oviri de Paul Gauguin y la Apertura del Quinto Sello de El Greco ha sido ampliamente discutida por críticos posteriores.
En el momento de su primera exposición en 1916, la pintura se consideró inmoral. [8] Pintado en el estudio de Picasso en el Bateau-Lavoir de Montmartre , París, fue visto públicamente por primera vez en el Salón d'Antin en julio de 1916, en una exposición organizada por el poeta André Salmon . Fue en esta exposición que Salmon, que anteriormente había titulado la pintura en 1912 Le bordel philosophique , la renombró con su título actual, menos escandaloso, Les Demoiselles d'Avignon , en lugar del título originalmente elegido por Picasso, Le Bordel d'Avignon. . [2] [6] [9] [10] Picasso, que siempre se refirió a él como mon bordel ("mi burdel"), [8] o Le Bordel d'Avignon , [9] nunca le gustó el título de Salmon y en su lugar le hubiera gustado prefirió la exaltación Las chicas de Avignon ("Las chicas de Avignon"). [2]
Picasso se destacó como un artista importante durante la primera década del siglo XX. Llegó a París desde España a principios de siglo como un pintor joven y ambicioso que buscaba hacerse un nombre. Durante varios años alternó vida y trabajo en Barcelona, Madrid y el campo español, y realizó frecuentes viajes a París.
En 1904, estaba plenamente establecido en París y había establecido varios estudios y relaciones importantes tanto con amigos como con colegas. Entre 1901 y 1904, Picasso comenzó a conseguir reconocimiento por sus pinturas del Período Azul . En general, se trataba de estudios sobre la pobreza y la desesperación basados en escenas que había visto en España y París a principios de siglo. Los temas incluían familias demacradas, figuras ciegas y encuentros personales; Otras pinturas representaban a sus amigos, pero la mayoría reflejaba y expresaba una sensación de tristeza y desesperación. [11]
Siguió su éxito desarrollando su Período Rosa de 1904 a 1907, que introdujo un fuerte elemento de sensualidad y sexualidad en su trabajo. Las representaciones del período Rosa de acróbatas, artistas de circo y personajes teatrales están representadas en colores más cálidos y brillantes y son mucho más esperanzadoras y alegres en sus representaciones de la vida bohemia en la vanguardia parisina y sus alrededores. El período Rosa produjo dos grandes obras maestras importantes: La familia de Saltimbanques (1905), que recuerda la obra de Gustave Courbet (1819-1877) y Édouard Manet (1832-1883); y Niño guiando un caballo (1905–06), que recuerda La bañista (1885–1887) de Cézanne y San Martín y el mendigo (1597–1599) de El Greco . Aunque ya contaba con un número considerable de seguidores a mediados de 1906, Picasso disfrutó de un mayor éxito con sus pinturas de mujeres desnudas de gran tamaño, figuras escultóricas monumentales que recordaban la obra de Paul Gauguin y mostraban su interés por las culturas primitivas (africanas, micronesias , nativas americanas ). arte. Comenzó a exponer su trabajo en las galerías de Berthe Weill (1865-1951) y Ambroise Vollard (1866-1939), ganando rápidamente una reputación creciente y seguidores entre las comunidades artísticas de Montmartre y Montparnasse . [11]
Picasso se convirtió en el favorito de los coleccionistas de arte estadounidenses Gertrude Stein y su hermano Leo alrededor de 1905. El hermano mayor de los Stein, Michael, y su esposa Sarah también se convirtieron en coleccionistas de su obra. Picasso pintó retratos tanto de Gertrude Stein como de su sobrino Allan Stein . [12]
Gertrude Stein comenzó a adquirir dibujos y pinturas de Picasso y a exponerlos en su salón informal en su casa de París. En una de sus reuniones en 1905 conoció a Henri Matisse (1869-1954), quien se convertiría en aquellos días en su principal rival, aunque en años posteriores se convertiría en un amigo íntimo. Los Stein presentaron a Picasso a Claribel Cone (1864-1929) y a su hermana Etta Cone (1870-1949), también coleccionistas de arte estadounidenses, quienes comenzaron a adquirir las pinturas de Picasso y Matisse. Con el tiempo, Leo Stein se mudó a Italia y Michael y Sarah Stein se convirtieron en importantes mecenas de Matisse, mientras que Gertrude Stein seguía coleccionando a Picasso. [13]
El Salón de Otoño de 1905 dio notoriedad y atención a las obras de Henri Matisse y el grupo Les Fauves . Estos últimos obtuvieron su nombre después de que el crítico Louis Vauxcelles describiera su trabajo con la frase " Donatello chez les fauves" ("Donatello entre las fieras"), [15] contrastando las pinturas con una escultura de tipo renacentista que compartía la habitación con ellos. [16] Henri Rousseau (1844-1910), un artista a quien Picasso conocía y admiraba y que no era fauve, tenía su gran escena de la jungla El león hambriento se arroja sobre el antílope también colgada cerca de las obras de Matisse y que pudo haber tenido una influencia en el particular término sarcástico utilizado en la prensa. [17] El comentario de Vauxcelles se imprimió el 17 de octubre de 1905 en el diario Gil Blas y pasó a ser de uso popular. [16] [18]
Aunque las imágenes fueron ampliamente ridiculizadas (“Se ha arrojado un bote de pintura a la cara del público”, declaró la crítica Camille Mauclair (1872-1945), también atrajeron cierta atención favorable. [16] La pintura que recibió más ataques fue La mujer con sombrero de Matisse ; La compra de esta obra por parte de Gertrude y Leo Stein tuvo un efecto muy positivo en Matisse, que sufría desmoralización por la mala acogida de su obra. [dieciséis]
La notoriedad y preeminencia de Matisse como líder del nuevo movimiento en la pintura moderna continuaron aumentando a lo largo de 1906 y 1907, y Matisse atrajo a artistas como Georges Braque (1880-1963), André Derain (1880-1954), Maurice de Vlaminck ( 1876-1958). La obra de Picasso había pasado por su período Azul y su período Rosa y, aunque tenía un número considerable de seguidores, su reputación era mansa en comparación con la de su rival Matisse. El tema más amplio de la influyente obra Le bonheur de vivre de Matisse , una exploración de "La Edad de Oro", evoca el tema histórico de las "Edades del Hombre" y el potencial de una nueva era provocativa que ofreció la era del siglo XX. Una pintura igualmente audaz y de temática similar titulada La edad de oro , terminada por Derain en 1905, muestra la transferencia de las edades humanas de una manera aún más directa. [19]
Matisse y Derain sorprendieron nuevamente al público francés en la Société des Artistes Indépendants de marzo de 1907 cuando Matisse expuso su pintura Desnudo azul y Derain contribuyó con Los bañistas . Ambas pinturas evocan ideas sobre los orígenes humanos (comienzos del mundo, evolución), un tema cada vez más importante en París en esta época. [19] El Desnudo Azul fue una de las pinturas que más tarde crearía sensación internacional en el Armory Show de 1913 en la ciudad de Nueva York. [20]
Desde octubre de 1906, cuando comenzó los trabajos preparatorios de Les Demoiselles d'Avignon , hasta su finalización en marzo de 1907, Picasso compitió con Matisse por ser percibido como el líder de la pintura moderna. Una vez terminada, la conmoción y el impacto de la pintura impulsaron a Picasso al centro de la controversia y casi sacaron a Matisse y al fauvismo del mapa, prácticamente poniendo fin al movimiento al año siguiente. En 1907, Picasso se incorporó a la galería de arte que Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979) había inaugurado recientemente en París . Kahnweiler fue un historiador y coleccionista de arte alemán que se convirtió en uno de los principales marchantes de arte francés del siglo XX. Se destacó en París a partir de 1907 por estar entre los primeros defensores de Picasso, y especialmente de su cuadro Las señoritas de Aviñón . Antes de 1910 Picasso ya era reconocido como uno de los líderes importantes del arte moderno junto a Henri Matisse, que había sido el líder indiscutible del fauvismo y que era más de diez años mayor que él, y sus contemporáneos el fauvista André Derain y el ex fauvista. y su colega cubista , Georges Braque. [21]
En su ensayo de 1992 Reflexiones sobre Matisse , el crítico de arte Hilton Kramer escribió:
Sin embargo, después del impacto de Les Demoiselles d'Avignon , Matisse nunca más fue confundido con un incendiario de vanguardia. Con la extraña pintura que horrorizó y electrizó a los conocedores , que entendieron que Les Demoiselles era al mismo tiempo una respuesta a Le bonheur de vivre (1905-1906) de Matisse y un asalto a la tradición de la que derivaba, Picasso se apropió efectivamente del papel de vanguardia. Bestia salvaje de guardia , papel que, en lo que respecta a la opinión pública, nunca abandonaría. [22]
Kramer continúa diciendo,
Mientras que Matisse se había basado en una larga tradición de pintura europea (desde Giorgione , Poussin y Watteau hasta Ingres , Cézanne y Gauguin ) para crear una versión moderna de un paraíso pastoral en Le bonheur de vivre , Picasso había recurrido a una tradición extraña de pintura europea. arte primitivo para crear en Les Demoiselles un inframundo de dioses extraños y emociones violentas. Entre las ninfas mitológicas de Le bonheur de vivre y las grotescas efigies de Les Demoiselles, no había duda de cuál era la más impactante o la que tenía más intención de ser impactante. Picasso había desatado una vena de sentimiento que habría de tener inmensas consecuencias para el arte y la cultura de la era moderna, mientras que la ambición de Matisse llegó a parecer, como dijo en sus Notas de un pintor, más limitada , es decir, limitada al ámbito de la placer estético. Se abrió así, en la primera década del siglo y en la obra de sus dos más grandes artistas, el abismo que ha seguido dividiendo el arte de la era moderna hasta nuestros días. [23]
Picasso creó cientos de bocetos y estudios en preparación para la obra final. [9] [24] Durante mucho tiempo reconoció la importancia del arte español y la escultura ibérica como influencias en la pintura. Los críticos creen que la obra está influenciada por las máscaras tribales africanas y el arte de Oceanía , aunque Picasso negó la conexión; Muchos historiadores del arte se muestran escépticos ante sus negaciones. Picasso pasó una tarde de octubre de 1906 estudiando de cerca una figura de Teke del Congo que entonces era propiedad de Matisse. Esa misma noche se crearon los primeros estudios de Picasso para lo que se convertiría en Les Demoiselles d'Avignon . [19] Varios expertos sostienen que, como mínimo, Picasso visitó el Musée d'Ethnographie du Trocadéro (conocido más tarde como Musée de l'Homme ) en la primavera de 1907, donde vio y buscó inspiración en las artes africanas y otras artes en poco tiempo. antes de completar Les Demoiselles. [25] [26] Había venido a este museo originalmente para estudiar moldes de yeso de esculturas medievales, y luego también consideró ejemplos de arte "primitivo". [19]
En 1907, cuando Picasso comenzó a trabajar en Les Demoiselles , uno de los viejos maestros pintores que admiraba mucho era El Greco (1541-1614), que en ese momento era en gran medida oscuro y subestimado. El amigo de Picasso, Ignacio Zuloaga (1870-1945), adquirió la obra maestra de El Greco, La Apertura del Quinto Sello , en 1897 por 1.000 pesetas . [27] [28] La relación entre Les Demoiselles d'Avignon y la Apertura del Quinto Sello se identificó a principios de la década de 1980, cuando se analizaron las similitudes estilísticas y la relación entre los motivos y las cualidades visualmente identificativas de ambas obras. [29] [30]
La pintura de El Greco, que Picasso estudió repetidamente en la casa de Zuloaga, inspiró no sólo el tamaño, el formato y la composición de Les Demoiselles d'Avignon , sino también su poder apocalíptico. [31] Más tarde, hablando de la obra en Dor de la Souchère en Antibes, Picasso dijo: "En cualquier caso, sólo cuenta la ejecución. Desde este punto de vista, es correcto decir que el cubismo tiene un origen español y que yo inventó el cubismo. Hay que buscar la influencia española en Cézanne. Las cosas mismas lo necesitan, la influencia de El Greco, un pintor veneciano, sobre él. Pero su estructura es cubista." [32]
También se ha discutido la relación del cuadro con otros retratos de grupo de tradición occidental, como Diana y Calisto de Tiziano (1488-1576), y el mismo tema de Rubens (1577-1640), en el Prado . [33]
Tanto a Paul Gauguin (1848-1903) como a Paul Cézanne (1839-1906) se les concedieron importantes exposiciones retrospectivas póstumas en el Salón de Otoño de París entre 1903 y 1907, y ambos fueron importantes influencias en Picasso e instrumentales para la creación de Les Demoiselles. . Según el historiador de arte, coleccionista y autor inglés de La época cubista , Douglas Cooper , ambos artistas fueron particularmente influyentes en la formación del cubismo y especialmente importantes para las pinturas de Picasso durante 1906 y 1907. [34] Cooper continúa con Sin embargo, a menudo se hace referencia erróneamente a Les Demoiselles como la primera pintura cubista. El explica,
Las señoritas suelen considerarse el primer cuadro cubista. Esto es una exageración, porque aunque fue un primer paso importante hacia el cubismo, todavía no es cubista. El elemento disruptivo y expresionista que contiene es incluso contrario al espíritu del cubismo, que miraba el mundo con un espíritu distante y realista. Sin embargo, Las señoritas es el cuadro lógico a tomar como punto de partida del cubismo, porque marca el nacimiento de un nuevo lenguaje pictórico, porque en él Picasso derriba violentamente las convenciones establecidas y porque todo lo que siguió surgió de él. [35]
Aunque no era muy conocido por el público en general antes de 1906, la reputación de Cézanne era muy apreciada en los círculos de vanguardia , como lo demuestra el interés de Ambroise Vollard en mostrar y coleccionar su obra, y el interés de Leo Stein . Picasso estaba familiarizado con gran parte de la obra de Cézanne que vio en la galería Vollard y en la casa Stein. Después de la muerte de Cézanne en 1906, sus pinturas se exhibieron en París en una retrospectiva a gran escala similar a un museo en septiembre de 1907. La retrospectiva de Cézanne de 1907 en el Salón de Otoño tuvo un gran impacto en la dirección que tomó la vanguardia en París, dando crédito a su posición como uno de los artistas más influyentes del siglo XIX y hasta el advenimiento del cubismo. La exposición de Cézanne de 1907 fue enormemente influyente a la hora de establecer a Cézanne como un pintor importante cuyas ideas tuvieron especial resonancia, especialmente entre los artistas jóvenes de París. [11] [36]
Tanto Picasso como Braque encontraron la inspiración para sus obras protocubistas en Paul Cézanne, quien decía observar y aprender a ver y tratar la naturaleza como si estuviera compuesta de formas básicas como cubos, esferas, cilindros y conos. Las exploraciones de Cézanne sobre la simplificación geométrica y los fenómenos ópticos inspiraron a Picasso , Braque , Metzinger , Gleizes , Robert Delaunay , Le Fauconnier , Gris y otros a experimentar con múltiples visiones cada vez más complejas del mismo tema y, finalmente, con la fractura de la forma. Cézanne desencadenó así una de las áreas de investigación artística más revolucionarias del siglo XX, que afectaría profundamente el desarrollo del arte moderno . [36]
Durante finales del siglo XIX y principios del XX, la élite cultural europea descubrió el arte africano , oceánico y nativo americano . Artistas como Paul Gauguin, Henri Matisse y Picasso quedaron intrigados e inspirados por el poder absoluto y la simplicidad de los estilos de esas culturas. Alrededor de 1906, Picasso, Matisse, Derain y otros artistas de París habían adquirido interés por el primitivismo, la escultura ibérica , [38] el arte africano y las máscaras tribales , en parte debido a las convincentes obras de Paul Gauguin que de repente habían alcanzado el centro del escenario en la círculos vanguardistas de París. Las poderosas exposiciones retrospectivas póstumas de Gauguin en el Salón de Otoño de París en 1903 [39] y una aún mayor en 1906 [40] tuvieron una influencia sorprendente y poderosa en las pinturas de Picasso. [11]
En el otoño de 1906, Picasso siguió sus éxitos anteriores con pinturas de mujeres desnudas de gran tamaño y figuras escultóricas monumentales que recordaban la obra de Paul Gauguin y mostraban su interés por el arte primitivo. Las pinturas de figuras masivas de Pablo Picasso de 1906 fueron influenciadas directamente por la escultura, la pintura y también la escritura de Gauguin. [11]
Según el biógrafo de Gauguin, David Sweetman , Pablo Picasso ya en 1902 se convirtió en un aficionado de la obra de Gauguin cuando conoció y se hizo amigo del escultor y ceramista español expatriado Paco Durrio , en París. Durrio tenía a mano varias de las obras de Gauguin porque era amigo de Gauguin y agente no remunerado de su obra. Durrio intentó ayudar a su amigo de Tahití, asolado por la pobreza, promocionando su obra en París. Después de conocerse, Durrio le presentó a Picasso el gres de Gauguin, lo ayudó a hacer algunas piezas de cerámica y le dio a Picasso una primera edición de La Plume de Noa Noa: El diario de Tahití de Paul Gauguin. [41]
Respecto al impacto de Gauguin en Picasso, el historiador de arte John Richardson escribió:
La exposición de 1906 de la obra de Gauguin dejó a Picasso más esclavizado que nunca por este artista. Gauguin demostró que los tipos de arte más dispares (por no hablar de elementos de la metafísica, la etnología, el simbolismo, la Biblia, los mitos clásicos y mucho más) podían combinarse en una síntesis propia de su época pero atemporal. Un artista también podría confundir las nociones convencionales de belleza, demostró, uniendo sus demonios a los dioses oscuros (no necesariamente a los tahitianos) y aprovechando una nueva fuente de energía divina. Si en años posteriores Picasso restó importancia a su deuda con Gauguin, no hay duda de que entre 1905 y 1907 sintió un parentesco muy estrecho con este otro Paul, que se enorgullecía de los genes españoles heredados de su abuela peruana. ¿No hubiera sido que Picasso hubiera firmado "Paul" en honor de Gauguin? [42]
Tanto David Sweetman como John Richardson señalan el Oviri de Gauguin (que literalmente significa "salvaje"), una espantosa representación fálica de la diosa tahitiana de la vida y la muerte destinada a la tumba de Gauguin. Expuesto por primera vez en la retrospectiva de 1906, probablemente tuvo una influencia directa en Les Demoiselles. Sweetman escribe,
La estatua Oviri de Gauguin , expuesta de forma destacada en 1906, estimularía el interés de Picasso tanto por la escultura como por la cerámica, mientras que las xilografías reforzarían su interés por el grabado, aunque fue el elemento primitivo en todos ellos el que más condicionó la creación. dirección que tomaría el arte de Picasso. Este interés culminaría en el seminal Les Demoiselles d'Avignon . [43]
Según Richardson,
El interés de Picasso por el gres se vio estimulado aún más por los ejemplos que vio en la retrospectiva de Gauguin de 1906 en el Salón de Otoño. La más inquietante de esas cerámicas (una que Picasso quizás ya haya visto en Vollard's) fue la espantosa Oviri. Hasta 1987, cuando el Museo de Orsay adquirió esta obra poco conocida (expuesta sólo una vez desde 1906), nunca había sido reconocida como la obra maestra que es, y mucho menos reconocida por su relevancia para las obras que condujeron a Las Señoritas. Aunque mide poco menos de 30 pulgadas de alto, Oviri tiene una presencia impresionante, como corresponde a un monumento destinado a la tumba de Gauguin. Picasso quedó muy impresionado por Oviri. Cincuenta años después, se alegró mucho cuando [Douglas] Cooper y yo le dijimos que habíamos encontrado esta escultura en una colección que también incluía el yeso original de su cabeza cubista. ¿Ha sido una revelación, como la escultura íbera? El encogimiento de hombros de Picasso fue de mala gana. Siempre se mostró reacio a admitir el papel de Gauguin a la hora de encaminarlo hacia el primitivismo. [44]
Durante los siglos XIX y XX, la colonización europea de África dio lugar a muchos encuentros económicos, sociales, políticos e incluso artísticos. A partir de estos encuentros, los artistas visuales occidentales se interesaron cada vez más por las formas únicas del arte africano, en particular las máscaras de la región de Níger-Congo. En un ensayo de Dennis Duerden, autor de African Art (1968), The Invisible Present (1972), y ex director del Servicio Mundial de la BBC , la máscara se define como "muy a menudo un tocado completo y no sólo esa parte". que oculta el rostro". [45] Esta forma de arte visual e imagen atrajo a los artistas visuales occidentales, lo que llevó a lo que Duerden llama el "descubrimiento" del arte africano por parte de practicantes occidentales, incluido Picasso.
Las fuentes estilísticas de las cabezas de las mujeres y su grado de influencia han sido muy discutidas y debatidas, en particular la influencia de las máscaras tribales africanas , el arte de Oceanía , [46] y las esculturas ibéricas prerromanas . Los contornos redondeados de los rasgos de las tres mujeres de la izquierda pueden relacionarse con la escultura ibérica, pero no obviamente con los planos fragmentados de las dos de la derecha, que de hecho parecen influenciados por máscaras africanas. [47] Lawrence Weschler dice que,
En muchos sentidos, gran parte del fermento cultural e incluso científico que caracterizó la primera década y media del siglo XX y que sentó las bases de gran parte de lo que hoy consideramos moderno se remonta a formas en que Europa ya estaba luchando con su conocimiento de mala fe, a menudo enérgicamente reprimido, de lo que había estado haciendo en África. Es obvio el ejemplo de Picasso que prácticamente lanzó el cubismo con sus Desmoiselles d'Avignon de 1907 , en respuesta al tipo de máscaras africanas y otros botines coloniales que encontraba en el Musée de l'Homme de París. [5]
También fueron importantes las colecciones privadas y los libros ilustrados sobre el arte africano de este período. Mientras que Picasso negaba enfáticamente la influencia de las máscaras africanas en el cuadro: "¿Arte africano? ¡Nunca había oído hablar de él!" (¿ L'art nègre? Connais pas! ), [9] [48] esto se desmiente por su profundo interés en las esculturas africanas propiedad de Matisse y su amigo cercano Guiliaume Apollinaire . [19] Dado que ninguna de las máscaras africanas que alguna vez se pensó que influyeron en Picasso en esta pintura estaba disponible en París en el momento en que se pintó la obra, ahora se cree que estudió las formas de las máscaras africanas en un volumen ilustrado del antropólogo Leo Frobenius . [19] El primitivismo continúa en su obra durante, antes y después de la pintura de Les Demoiselles d'Avignon, desde la primavera de 1906 hasta la primavera de 1907. Las influencias de la antigua escultura ibérica también son importantes. [11] [49] Algunos relieves íberos de Osuna , entonces recientemente excavados, se exhibieron en el Louvre desde 1904. También se ha reivindicado la influencia de la escultura griega arcaica .
Las controversias sobre la influencia de la escultura africana se alimentaron en 1939 cuando Alfred Barr dijo que el primitivismo de las Demoiselles derivaba del arte de Costa de Marfil y el Congo francés. [50] Posteriormente, Picasso insistió en que el editor de su catálogo raissonne, Christian Zervos, publicara un descargo de responsabilidad en el que Picasso certificaba que no conocía el arte africano hasta después de completar Les Demoiselles , sino que se había basado en el arte ibérico que había visto aproximadamente un año antes. , en particular de los relieves de Osuna del Louvre. [51] [52] Contrariamente, en 1944 Picasso relató haber visto arte africano y haberse sentido muy conmovido por él durante la creación de Demoiselles , y agregó que la experiencia fue reveladora y un momento crucial en la formulación de la pintura. A André Malraux le dijo que las revelaciones de la escultura africana le vinieron de la visita al Museo Etnográfico del Trocadero . Como recordó Picasso: "Cuando fui al Trocadero, era asqueroso. El mercadillo, el olor. Estaba completamente solo. Quería escaparme, pero no me fui. Me quedé, me quedé. Entendí que "Era muy importante. Algo me estaba pasando, ¿verdad? Las máscaras no eran como otras piezas escultóricas, en absoluto. Eran cosas mágicas". [9] [53] [54] A Maurice de Vlaminck a menudo se le atribuye haber introducido a Picasso en la escultura africana de extracción Fang en 1904. [55]
El biógrafo de Picasso, John Richardson, relata en Una vida de Picasso, el rebelde cubista 1907-1916 el recuerdo del marchante de arte Daniel-Henry Kahnweiler de su primera visita al estudio de Picasso en julio de 1907. Kahnweiler recuerda haber visto "montones de lienzos polvorientos" en el estudio de Picasso y "Esculturas africanas de majestuosa severidad". Richardson comenta: "tanto por la historia de Picasso que aún no era consciente del arte tribal ". [56] En la página 27 de ese mismo volumen se encuentra una fotografía de Picasso en su estudio rodeado de esculturas africanas , c.1908. [57]
Suzanne Preston Blier dice que, al igual que Gauguin y varios otros artistas de esta época, Picasso utilizó libros ilustrados para muchos de sus estudios preliminares para esta pintura. Además del libro de Frobenius, sus fuentes incluyeron una publicación de 1906 de un manuscrito de arte medieval del siglo XII sobre escultura arquitectónica de Villiard de Honnecourt y un libro de Carl Heinrich Stratz de pseudopornografía que muestra fotografías y dibujos de mujeres de todo el mundo organizadas. evocar ideas sobre los orígenes y la evolución humanos. Blier sugiere que esto ayuda a explicar la diversidad de estilos que Picasso empleó en sus cuadernos de bocetos llenos de imágenes para esta pintura. Estos libros, y otras fuentes como las caricaturas, escribe Blier, también ofrecen pistas sobre el significado más amplio de esta pintura. [19]
Maurice Princet , [58] matemático y actuario francés , jugó un papel en el nacimiento del cubismo como asociado de Pablo Picasso, Guillaume Apollinaire , Max Jacob , Jean Metzinger , Robert Delaunay , Juan Gris y más tarde Marcel Duchamp . Princet se hizo conocido como "le mathématicien du cubisme" ("el matemático del cubismo"). [59] [60]
A Princet se le atribuye haber presentado el trabajo de Henri Poincaré y el concepto de " cuarta dimensión " a los artistas del Bateau-Lavoir . [61] Princet llamó la atención de Picasso, Metzinger y otros, un libro de Esprit Jouffret , Traité élémentaire de géométrie à quatre Dimensions ( Tratado elemental sobre la geometría de las cuatro dimensiones , 1903), [62] una popularización de La ciencia y la ciencia de Poincaré . Hipótesis en la que Jouffret describió hipercubos y otros poliedros complejos en cuatro dimensiones y los proyectó sobre una superficie bidimensional. Los cuadernos de bocetos de Picasso para Les Demoiselles d'Avignon ilustran la influencia de Jouffret en la obra del artista. [63]
Aunque Les Demoiselles tuvo una enorme y profunda influencia en el arte moderno , su impacto no fue inmediato y el cuadro permaneció en el estudio de Picasso durante muchos años. Al principio, sólo el círculo íntimo de artistas, marchantes, coleccionistas y amigos de Picasso conocían la obra. Poco después de finales del verano de 1907, Picasso y su amante de toda la vida Fernande Olivier (1881-1966) se separaron. La repintación de las dos cabezas en el extremo derecho de Les Demoiselles alimentó la especulación de que era una indicación de la división entre Picasso y Olivier. Aunque luego se reunieron por un tiempo, la relación terminó en 1912. [64]
Una fotografía de Les Demoiselles se publicó por primera vez en un artículo de Gelett Burgess titulado "Los hombres salvajes de París, Matisse, Picasso y Les Fauves", The Architectural Record , mayo de 1910. [65]
Les Demoiselles no se exhibiría hasta 1916 y no sería ampliamente reconocido como un logro revolucionario hasta principios de la década de 1920, cuando André Breton (1896-1966) publicó la obra. [24] El cuadro fue reproducido nuevamente en Cahiers d'art (1927), dentro de un artículo dedicado al arte africano. [66]
Richardson continúa diciendo que Matisse se enfureció al ver a las Demoiselles en el estudio de Picasso. Hizo saber que consideraba la pintura como un intento de ridiculizar el movimiento moderno; se indignó al encontrar su sensacional Desnudo azul , por no hablar de Bonheur de vivre , superado por las "espantosas" putas de Picasso. Prometió vengarse y hacer que Picasso suplicara clemencia. Así como la Bonheur de vivre había impulsado la competitividad de Picasso, Les Demoiselles ahora impulsaba la de Matisse. [67]
Entre el círculo cerrado de amigos y compañeros de Picasso había opiniones mezcladas sobre Las señoritas . Al principio, Georges Braque y André Derain se sintieron preocupados por ello, aunque apoyaban a Picasso. Según William Rubin , dos amigos de Picasso, el crítico de arte André Salmon y el pintor Ardengo Soffici (1879-1964), estaban entusiasmados con la idea, mientras que Guillaume Apollinaire (1880-1918) no. Sin embargo , tanto el marchante y coleccionista de arte Wilhelm Uhde (1874-1947) como Kahnweiler se mostraron más entusiasmados con la pintura. [68]
Según Kahnweiler Les Demoiselles fue el comienzo del cubismo. El escribe:
A principios de 1907, Picasso comenzó un extraño cuadro de gran tamaño que representaba mujeres, frutas y cortinas, que dejó inacabado. No puede decirse que no esté terminado, aunque representa un largo período de trabajo. Iniciado en el espíritu de las obras de 1906, contiene en una sección los esfuerzos de 1907 y, por lo tanto, nunca constituye un todo unificado.
Los desnudos, de ojos grandes y tranquilos, permanecen rígidos, como maniquíes. Sus cuerpos rígidos y redondos son de color carne, blanco y negro. Ese es el estilo de 1906.
En primer plano, sin embargo, ajeno al estilo del resto del cuadro, aparecen una figura agachada y un frutero. Estas formas están dibujadas en forma angular, no redondeadas, modeladas en claroscuro. Los colores son un azul delicioso, un amarillo estridente, junto al blanco y negro puro. Este es el comienzo del cubismo, el primer auge, un choque titánico desesperado con todos los problemas a la vez.
—Kahnweiler , 1920 [69]
Del 16 al 31 de julio de 1916 Les Demoiselles se expuso al público por primera vez en el Salón d'Antin , exposición organizada por André Salmon titulada L'Art moderne en France . El espacio expositivo del 26 de la rue d'Antin fue cedido por el famoso modisto y coleccionista de arte Paul Poiret . El Salon d'Automne y el Salon des Indépendants más grandes habían estado cerrados debido a la Primera Guerra Mundial, lo que la convertía en la única exposición cubista en Francia desde 1914. [70] El 23 de julio de 1916 se publicó una reseña en Le Cri de Paris : [71 ]
Los cubistas no esperan a que termine la guerra para reiniciar las hostilidades contra el buen sentido. En la Galerie Poiret exponen mujeres desnudas cuyas partes dispersas están representadas en las cuatro esquinas del lienzo: aquí un ojo, allá una oreja, allá una mano, un pie arriba, una boca abajo. M. Picasso, su líder, es posiblemente el menos desaliñado de todos. Ha pintado, o más bien pintado, a cinco mujeres que, a decir verdad, están todas descuartizadas y, sin embargo, sus extremidades de alguna manera logran mantenerse unidas. Tienen, además, caras de cerdos y ojos que vagan negligentemente por encima de las orejas. Un entusiasta amante del arte ofreció al artista 20.000 francos por esta obra maestra. El señor Picasso quería más. El amante del arte no insistió. [70] [71]
Picasso se refirió a su única entrada en el Salon d'Antin como su pintura de burdel llamándola Le Bordel d'Avignon , pero André Salmon, que originalmente había etiquetado la obra, Le Bordel Philosophique, la retituló Les Demoiselles d'Avignon para disminuir su escandaloso impacto en el público. Sin embargo, a Picasso nunca le gustó el título y prefirió "las chicas de Avignon", pero el título de Salmon se mantuvo. [2] Leo Steinberg etiqueta sus ensayos sobre la pintura según su título original. Según Suzanne Preston Blier, la palabra bordel en el título de la pintura, en lugar de evocar una casa de prostitución ( une maison close ), hace referencia con mayor precisión en francés a una situación compleja o un desastre. Esta pintura, dice Blier, explora no la prostitución per se, sino el sexo y la maternidad en general, junto con las complejidades de la evolución en el mundo multirracial colonial. El nombre Aviñón , sostienen los estudiosos, [ ¿quién? ] no sólo hace referencia a la calle donde Picasso alguna vez compró sus materiales de pintura (que tenía algunos burdeles), sino también a la casa de la abuela de Max Jacob, a quien Picasso identifica jocosamente como uno de los diversos temas modernos de la pintura. [19]
La única otra vez que la pintura pudo haber sido exhibida al público antes de una exhibición en Nueva York en 1937 fue en 1918, en una exposición dedicada a Picasso y Matisse en la Galerie Paul Guillaume de París, aunque existe muy poca información sobre esta exposición o el presencia (si es que existe) de Les Demoiselles . [70]
Posteriormente, la pintura fue enrollada y permaneció con Picasso hasta 1924 cuando, con la insistencia y la ayuda de Breton y Louis Aragon (1897-1982), la vendió al diseñador Jacques Doucet (1853-1929), por 25.000 francos. [72] [73]
Entre septiembre de 1984 y enero de 1985, Les Demoiselles se exhibió en una exposición titulada "Primitivismo" en el arte del siglo XX: afinidad de lo tribal y lo moderno en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York. [74] La exposición mostró piezas modernas de artistas como Henri Matisse, Paul Gauguin y Pablo Picasso junto con artefactos de grupos tribales de África, Oceanía y América del Norte para revelar cómo los artistas modernos han interpretado el arte tribal. La exhibición de esta pintura entre máscaras tribales africanas tenía como objetivo correlacionar las máscaras como inspiración para los rasgos que Picasso pintó en las mujeres de Les Demoiselles . [75]
El catálogo de la exposición afirma que las connotaciones etnográficas y políticas peyorativas del "primitivismo" no fueron el lente de la curaduría de la exposición. Sin embargo, la exposición fue controvertida, ya que algunos críticos creían que ejemplificaba la intriga occidental con la noción "diferente" y dañina de que la cultura occidental es el futuro moderno e "ideal". [75] El intento del museo de eliminar la implicación del vocabulario del título fue criticado como falsa inocencia por críticos que dijeron que la exposición enmarcaba la cultura tribal como un simbolismo extraño y "diferente" y trataba los objetos tribales únicamente como una parte de la historia cuyo único propósito moderno es servir a la interpretación artística. [76] [75]
,_oil_on_canvas,_61.4_x_47.6_cm,_The_Museum_of_Modern_Art,_New_York.jpg/1280px-Pablo_Picasso,_1907,_Head_of_a_Sleeping_Woman_(Study_for_Nude_with_Drapery),_oil_on_canvas,_61.4_x_47.6_cm,_The_Museum_of_Modern_Art,_New_York.jpg)
Picasso dibujó cada una de las figuras de Les Demoiselles de forma diferente. La mujer que corre la cortina en la parte superior derecha está representada con pintura pesada. Compuesta por formas geométricas marcadas , su cabeza es la más estrictamente cubista de las cinco. [77] La cortina parece mezclarse parcialmente con su cuerpo. La cabeza cubista de la figura agachada (abajo a la derecha) sufrió al menos dos revisiones desde una figura ibérica hasta su estado actual. También parece haber sido dibujada desde dos perspectivas diferentes a la vez, creando una figura confusa y retorcida. La mujer que está encima de ella es bastante varonil, de rostro oscuro y pecho cuadrado. Toda la imagen tiene un estilo bidimensional, con una perspectiva abandonada.
.jpg/1280px-Pablo_Picasso,_1907,_Les_Demoiselles_d'Avignon_(detail,_figure_upper_right).jpg)
.jpg/1280px-Pablo_Picasso,_1907,_Les_Demoiselles_d'Avignon_(detail,_figure_lower_right).jpg)
.jpg/1280px-Pablo_Picasso,_1907,_Nu_aux_bras_lev%C3%A9s_(Nude).jpg)
Gran parte del debate crítico que ha tenido lugar a lo largo de los años se centra en intentar dar cuenta de esta multiplicidad de estilos dentro de la obra. La comprensión dominante durante más de cinco décadas, adoptada sobre todo por Alfred Barr , primer director del Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York y organizador de importantes retrospectivas de la carrera del artista, ha sido que puede interpretarse como evidencia de una transición. período en el arte de Picasso, un esfuerzo por conectar su obra anterior con el cubismo, el estilo que ayudaría a inventar y desarrollar durante los siguientes cinco o seis años. [1] Suzanne Preston Blier dice que los estilos divergentes de la pintura se agregaron intencionalmente para transmitir a cada mujer atributos de "estilo" artístico de las cinco áreas geográficas que cada mujer representa. [19]
El crítico de arte John Berger , en su controvertida biografía de 1965 El éxito y el fracaso de Picasso , [78] interpreta Les Demoiselles d'Avignon como la provocación que condujo al cubismo:
Debilitados por la insolencia de tanto arte reciente, probablemente tendemos a subestimar la brutalidad de Les Demoiselles d'Avignon. Todos sus amigos que lo vieron en su estudio quedaron al principio impactados. Y estaba destinado a sorprender...
Un burdel puede que en sí mismo no sea escandaloso. Pero las mujeres pintadas sin encanto ni tristeza, sin ironía ni comentario social, mujeres pintadas como las empalizadas de una empalizada a través de ojos que miran como si estuvieran muertas, eso es impactante. E igualmente el método de pintar. El propio Picasso ha dicho que en su momento estuvo influenciado por la escultura arcaica española (ibérica). También estuvo influenciado –particularmente en las dos cabezas de la derecha– por las máscaras africanas... aquí parece que las citas de Picasso son simples, directas y emotivas. No le preocupan en absoluto los problemas formales. Las dislocaciones de esta imagen son el resultado de la agresión, no de la estética; es lo más cerca que puedes estar en un cuadro de un ultraje...
Destaco el aspecto violento e iconoclasta de esta pintura porque suele ser consagrada como el gran ejercicio formal que fue el punto de partida del cubismo. Fue el punto de partida del cubismo, en la medida en que impulsó a Braque a comenzar a pintar a finales de año su propia respuesta, mucho más formal, a Les Demoiselles d'Avignon... sin embargo, si lo hubieran dejado solo, este cuadro nunca habría aparecido. han llevado a Picasso al cubismo o a cualquier forma de pintar remotamente parecida a él... No tiene nada que ver con esa visión del futuro del siglo XX que fue la esencia del cubismo.
Sin embargo, provocó el comienzo del gran período de excepción en la vida de Picasso. Nadie puede saber exactamente cómo empezó el cambio dentro de Picasso. Sólo podemos observar los resultados. Les Demoiselles d'Avignon, a diferencia de cualquier pintura anterior de Picasso, no ofrece evidencia de habilidad. Al contrario, es torpe, sobrecargado de trabajo e inacabado. Es como si su furia en la pintura fuera tan grande que destruyó sus dones…
Al pintar Les Demoiselles d'Avignon, Picasso provocó el cubismo. Fue la insurrección espontánea y, como siempre, primitiva a partir de la cual, por buenas razones históricas, se desarrolló la revolución del cubismo. [78]
La historiadora del arte y profesora Anna C. Chave está de acuerdo con Berger en que Les Demoiselles d'Avignon puede considerarse el catalizador del estilo del cubismo en su artículo de 1994, New Encounters with Les Desmoiselles d'Avignon: Gender, Race, and the Origins of Cubismo . Chave también ofrece una nueva e interesante perspectiva sobre la pieza en su artículo, la de una mujer, que contrasta marcadamente con las numerosas otras reseñas de la pintura proporcionadas por hombres. Además, su artículo se centra no solo en la obra en sí, sino también en las críticas y evaluaciones que han surgido en las décadas transcurridas desde que se exhibió inicialmente, lo que lleva a los lectores a pensar profundamente en lo que las reacciones a la pintura dicen sobre los espectadores y la sociedad en general. . [79]
En 1972, el crítico de arte Leo Steinberg, en su ensayo The Philosophical Brothel, propuso una explicación completamente diferente para la amplia gama de atributos estilísticos. Utilizando los bocetos anteriores, que habían sido ignorados por la mayoría de los críticos, argumentó que lejos de ser evidencia de que un artista estuviera atravesando una rápida metamorfosis estilística, la variedad de estilos puede leerse como un intento deliberado, un plan cuidadoso, para capturar la mirada del artista. espectador. Señala que las cinco mujeres parecen inquietantemente desconectadas, de hecho, totalmente inconscientes unas de otras. Más bien, se centran únicamente en el espectador, y sus estilos divergentes sólo aumentan la intensidad de su resplandor. [1]
Los primeros bocetos muestran a dos hombres dentro del burdel; un marinero y un estudiante de medicina (a quien a menudo se le representaba sosteniendo un libro o una calavera, lo que hizo que Barr y otros leyeran la pintura como un memento mori , un recordatorio de la muerte). Queda un rastro de su presencia en una mesa en el centro: el borde sobresaliente de una mesa cerca de la parte inferior del lienzo. El espectador, dice Steinberg, ha sustituido a los hombres sentados, obligados a enfrentarse de frente a la mirada de las prostitutas, invocando lecturas mucho más complejas que una simple alegoría o la lectura autobiográfica que intenta comprender la obra en relación con la propia historia de Picasso con mujer. Entonces se hace posible un mundo de significados, sugiriendo la obra como una meditación sobre el peligro del sexo, el "trauma de la mirada" (para usar una frase inventada por Rosalind Krauss ) y la amenaza de violencia inherente a la escena y relaciones sexuales en general. [1]
Según Steinberg, la mirada invertida, es decir, el hecho de que las figuras miran directamente al espectador, así como la idea de la mujer dueña de sí misma, que ya no está allí únicamente para el placer de la mirada masculina, se remonta a a Olimpia de Manet de 1863. [1] William Rubin (1927-2006), ex director del Departamento de Pintura y Escultura del MoMA, escribió que "Steinberg fue el primer escritor que abordó el tema sexual de Las señoritas ". [80]
Unos años después de escribir El burdel filosófico , Steinberg escribió más sobre la naturaleza revolucionaria de Les Demoiselles :
Picasso estaba decidido a deshacer las continuidades de forma y campo que el arte occidental había dado por sentado durante tanto tiempo. La famosa ruptura estilística de la derecha resultó ser simplemente una consumación. De la noche a la mañana, las coherencias artificiales del arte representacional (las unidades fingidas de tiempo y lugar, las consistencias estilísticas) fueron declaradas ficticias. Las señoritas se confesaba un cuadro concebido en duración y entregado en espasmos. En esta obra, Picasso descubrió que las demandas de la discontinuidad podían satisfacerse en múltiples niveles: escindiendo la carne representada; por elisión de miembros y abreviatura; cortando la red de espacio conector; por cambios abruptos de posición ventajosa; y por un repentino cambio de estilo en el clímax. Finalmente, se descubrió que el insistente staccato de la presentación intensificaba la dirección y la carga simbólica de la imagen: el espectador, en lugar de observar una habitación llena de putas holgazanes, es blanco de todos lados. Lejos de suprimir al sujeto, el modo de organización realza su flagrante erotismo. [81]
Al final del primer volumen de su (hasta ahora) tres volúmenes de biografía de Picasso: Una vida de Picasso. The Prodigy, 1881-1906, John Richardson comenta sobre Les Demoiselles. Richardson dice:
Es en este momento, principios de 1907, cuando me propongo poner fin a este primer volumen. Picasso, de 25 años, está a punto de evocar un quinteto de señoritas dionisíacas en su enorme lienzo nuevo. La ejecución de esta pintura supondría un clímax dramático para estas páginas. Sin embargo, implicaría que la gran obra revolucionaria de Picasso constituye una conclusión a todo lo que ha sucedido antes. No es asi. A pesar de que Las señoritas tiene sus raíces en el pasado de Picasso, por no hablar de precursores como los íberos de la Edad del Hierro , El Greco , Gauguin y Cézanne , es esencialmente un comienzo: la pintura más innovadora desde Giotto . Como veremos en el próximo volumen, estableció una nueva sintaxis pictórica; permitió a la gente percibir las cosas con nuevos ojos, nuevas mentes y nueva conciencia. Les Demoiselles d'Avignon es la primera obra maestra inequívoca del siglo XX, un detonador principal del movimiento moderno, la piedra angular del arte del siglo XX . Para Picasso sería también un rito de iniciación: lo que él llamaba un exorcismo.' Abrió el camino al cubismo. También desterró los demonios del artista. Más tarde, estos demonios regresarían y requerirían más exorcismo. Sin embargo, durante la siguiente década, Picasso se sentiría tan libre, creativo y «tan sobrecargado de trabajo» como Dios. [82]
Suzanne Preston Blier aborda la historia y el significado de Les Demoiselles d'Avignon en un libro de 2019 de una manera diferente, que se basa en su experiencia en arte africano y una variedad de fuentes recién descubiertas que desenterró. Blier aborda la pintura no como una simple escena de burdel, sino como la interpretación de Picasso de la diversidad de mujeres de todo el mundo que Picasso encontró en parte a través de fotografías y esculturas vistas en libros ilustrados. Estas representaciones, sostiene Blier, son fundamentales para comprender la creación de la pintura y ayudan a identificar a las señoritas como figuras globales: madres, abuelas, amantes y hermanas, que viven en el mundo colonial que habitó Picasso. Ella dice que Picasso ha reunido a estas mujeres diversas en este extraño entorno parecido a una cueva (y que se asemeja a un útero) como una especie de "máquina del tiempo" global: cada mujer hace referencia a una época, un lugar de origen y un estilo artístico concomitantes diferentes, como parte de las edades más amplias del hombre los hicieron importantes para el nuevo siglo, en el que los temas centrales de la evolución asumieron un papel cada vez más importante. Los dos hombres (un marinero y un médico) representados en algunos de los dibujos preparatorios anteriores de la pintura, sugiere Blier, probablemente representen a los autores masculinos de dos de los libros ilustrados que empleó Picasso: el antropólogo Leo Frobenius como marinero, uno viaja por el mundo a . Explore varios puertos de escala y al médico vienés Karl Heinrich Stratz, que sostiene un cráneo humano o un libro que coincide con los estudios anatómicos detallados que proporciona. [19]
Blier puede fechar la pintura a finales de marzo de 1907, inmediatamente después de la inauguración del Salón de los Independientes, donde Matisse y Derain habían exhibido sus propios cuadros audaces y cargados de emociones con el tema de los "orígenes". La gran escala del lienzo, dice Blier, complementa el importante tema científico e histórico. La reunión de las madres de cada "raza" dentro de este marco evolutivo humano, sostiene Blier, también constituye la "filosofía" más amplia detrás del título original de la pintura, le bordel philosophique , que evoca el potente "desorden" y la "situación compleja" ( le bordel ). que Picasso estaba explorando en esta obra. En contraste con Leo Steinberg y William Rubin, quienes argumentaron que Picasso había borrado a las dos señoritas de la derecha para repintar sus rostros con máscaras africanas en respuesta a una crisis derivada de temores mayores a la muerte o a las mujeres, una de las primeras fotografías de la pintura en el estudio de Picasso, Blier indica que el artista había retratado máscaras africanas en estas mujeres desde el principio en consonancia con sus identidades como progenitoras de estas razas. Blier sostiene que la pintura se completó en gran parte en una sola noche después de un debate sobre filosofía con amigos en una brasserie local de París. [19]
Jacques Doucet había visto el cuadro en el Salón d'Antin, pero sorprendentemente parece haber comprado Les Demoiselles sin pedirle a Picasso que lo desenrollara en su estudio para poder verlo nuevamente. [70] André Breton describió más tarde la transacción:
Recuerdo el día en que compró el cuadro a Picasso, quien, por extraño que parezca, pareció sentirse intimidado por Doucet y ni siquiera ofreció resistencia cuando el precio se fijó en 25.000 francos: "Bueno, entonces está acordado, señor Picasso". Doucet dijo entonces: "Recibirás 2.000 francos al mes, a partir del mes próximo, hasta alcanzar la suma de 25.000 francos. [70]
John Richardson cita a Breton en una carta a Doucet sobre el escrito de Les Demoiselles :
a través de él se penetra en el corazón del laboratorio de Picasso y porque es el meollo del drama, el centro de todos los conflictos que Picasso ha suscitado y que durarán para siempre... Es una obra que, en mi opinión, trasciende la pintura; es el teatro de todo lo que ha sucedido en los últimos 50 años. [83]
Al final, parece que Doucet pagó 30.000 francos en lugar del precio acordado. [70] Unos meses después de la compra, Doucet hizo tasar el cuadro entre 250.000 y 300.000 francos. Richardson especula que Picasso, que en 1924 estaba en la cima del mundo del arte y no necesitaba vender la pintura a Doucet, lo hizo y a ese bajo precio porque Doucet prometió que Les Demoiselles iría al Louvre en su testamento. Sin embargo, después de la muerte de Doucet en 1929, no dejó la pintura al Louvre en su testamento y se vendió, como la mayor parte de la colección de Doucet, a través de comerciantes privados. [70]
En noviembre de 1937, la galería de arte Jacques Seligman & Co. de la ciudad de Nueva York celebró una exposición titulada "20 años en la evolución de Picasso, 1903-1923" que incluía Les Demoiselles. El Museo de Arte Moderno adquirió la pintura por 24.000 dólares. El museo recaudó 18.000 dólares para el precio de compra mediante la venta de una pintura de Degas y el resto provino de donaciones de los copropietarios de la galería Germain Seligman y César de Hauke. [84]
El Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York montó una importante exposición de Picasso el 15 de noviembre de 1939 que permaneció abierta hasta el 7 de enero de 1940. La exposición, titulada Picasso: 40 años de su arte , fue organizada por Alfred H. Barr (1902-1981 ). ), en colaboración con el Instituto de Arte de Chicago . La exposición contenía 344 obras, entre ellas el importante cuadro Guernica y sus estudios de 1937, así como Les Demoiselles. [85]
En julio de 2007, Newsweek publicó un artículo de dos páginas sobre Les Demoiselles d'Avignon describiéndola como "la obra de arte más influyente de los últimos 100 años". [86] El crítico de arte Holland Cotter argumentó que Picasso "cambió la historia con esta obra. Había reemplazado el ideal benigno del desnudo clásico con una nueva raza de seres peligrosos y sexualmente armados". [87]
La pintura ocupa un lugar destacado en la obra de Steve Martin de 1993 , Picasso en el Lapin Agile , sobre un encuentro ficticio del joven Picasso y Albert Einstein en un café de París, y en la temporada 2018 de la serie de televisión Genius , que se centra en la vida de Picasso y trabajar.
En 2003, un examen de la pintura mediante espectroscopía de fluorescencia de rayos X realizado por conservadores del Museo de Arte Moderno confirmó la presencia de los siguientes pigmentos: blanco plomo , negro hueso , bermellón , amarillo cadmio , azul cobalto , verde esmeralda y nativo. pigmentos terrestres (como el marrón ocre ) que contienen hierro. [88] [89]
{{cite web}}: Mantenimiento CS1: estado de la URL ( enlace )