Charles Parker Jr. (29 de agosto de 1920 - 12 de marzo de 1955), apodado " Bird " o " Yardbird ", fue un saxofonista , director de banda y compositor de jazz estadounidense. [1] Parker fue un solista muy influyente y figura principal en el desarrollo del bebop , [2] una forma de jazz caracterizada por tempos rápidos, técnica virtuosa y armonías avanzadas. Fue un virtuoso e introdujo ideas rítmicas y armónicas revolucionarias en el jazz, incluidos acordes de paso rápido , nuevas variantes de acordes alterados y sustituciones de acordes . Parker era principalmente un intérprete de saxofón alto .
Parker fue un ícono de la subcultura hipster y más tarde de la Generación Beat , personificando al músico de jazz como un artista e intelectual intransigente más que un simple animador. [3]
Charles Parker Jr. nació en 852 Freeman Avenue en Kansas City, Kansas , hijo de Charles Parker Sr. y Adelaide "Addie" Bailey, quien era de ascendencia mixta choctaw y afroamericana. Se crió en Kansas City, Missouri , cerca de Westport Road. [4] Su padre a menudo tenía que viajar por trabajo, pero proporcionó cierta influencia musical porque era pianista, bailarín y cantante en el circuito de Theatre Owners Booking Association (TOBA), y más tarde se convirtió en camarero de Pullman o chef en los ferrocarriles. La madre de Parker trabajaba de noche en la oficina local de Western Union durante la década de 1920. [5]
Parker asistió primero a una escuela católica y cantó en su coro, pero sus padres se separaron en 1930 debido al alcoholismo de su padre y los efectos de la Gran Depresión . Cuando estaba en la escuela secundaria, Parker, su medio hermano mayor John y su madre Addie vivían cerca de la calle 15 y la calle Olive y ella trabajaba como limpiadora para poder pagar la vivienda. [6] [4]
Parker comenzó a tocar el saxofón a los 11 años y a los 14 se unió a la banda de la Lincoln High School [7] , donde estudió con el director de banda Alonzo Lewis. Su madre compró un nuevo saxofón alto por la misma época. La mayor influencia de Parker en su adolescencia fue un joven trombonista llamado Robert Simpson, quien le enseñó los conceptos básicos de la improvisación. [8]
Parker se retiró de la escuela secundaria en diciembre de 1935, se unió al sindicato de músicos local y decidió dedicarse a su carrera musical a tiempo completo. [9]
Al terminar la escuela secundaria, Parker comenzó a tocar con bandas locales en clubes de jazz de Kansas City y, a menudo, participó con ambición en sesiones de improvisación con músicos más experimentados. A principios de 1936, en una de esas sesiones de improvisación con la orquesta de Count Basie , perdió la noción de los cambios de acordes mientras improvisaba. Esto provocó que Jo Jones quitara con desprecio un platillo de su batería y lo arrojara a sus pies como señal para que abandonara el escenario. [10] [11]
En lugar de desanimarse, Parker se comprometió a practicar más. Dominó la improvisación y, según sus comentarios en una entrevista con Paul Desmond , pasó los siguientes tres o cuatro años practicando hasta 15 horas al día. [12] [13] [14] Parker le propuso matrimonio a Rebecca Ruffin, su novia cuatro años mayor que él, y los dos se casaron el 25 de julio de 1936. [15] Tuvieron dos hijos juntos antes de divorciarse en 1939, en gran parte debido a su creciente adicción a las drogas. [16] [17]
A finales de 1936, Parker y una banda de Kansas City viajaron a los Ozarks para la inauguración del Musser's Resort al sur de Eldon, Missouri . En el camino, la caravana de músicos tuvo un accidente automovilístico y Parker se rompió tres costillas y se fracturó la columna vertebral. [18] A pesar de su experiencia cercana a la muerte en el camino a los Ozarks en 1936, Parker regresó a la zona en el verano de 1937, donde pasó mucho tiempo trabajando y desarrollando su sonido. [4] [19] Trabajando con dos músicos en instrumentos de acordes, un pianista y un guitarrista respectivamente, pudo practicar la improvisación sobre los cambios de acordes y comenzó a desarrollar la capacidad de tocar solos con fluidez en acordes y escalas. [20]
En 1938, Parker se unió a la banda territorial del pianista Jay McShann . [21] Su primer concierto con la banda fue durante el verano o principios del otoño en el Continental Club en Kansas City, donde Parker trabajó como saxofonista alto sustituto de Edward "Popeye" Hale. [22] [23] En diciembre, se unió a los Rockets de Harlan Leonard ; la banda tocó en bailes, incluido un baile de Navidad para el cual Parker fue incluido en un periódico local como uno de los miembros del personal de los Rockets. [24]
En 1939, Parker se mudó a la ciudad de Nueva York para seguir su carrera musical, pero trabajó en empleos a tiempo parcial para ganarse la vida. Uno de los trabajos más significativos desde el punto de vista musical fue el de lavaplatos por nueve dólares a la semana en Jimmie's Chicken Shack, donde actuaba el pianista Art Tatum . [25] Luchando contra la pobreza, Parker fue a la casa de su compañero saxofonista alto, Buster Smith , para pedir ayuda. Smith le permitió a Parker vivir en su apartamento durante seis meses y le dio conciertos en su banda. La forma de tocar de Parker en estos conciertos impresionó a varios músicos de Nueva York, incluido el pianista y director de banda Earl Hines . [17]
Mientras vivía en Nueva York, Parker logró su gran éxito musical, desarrollando un nuevo vocabulario improvisado que más tarde se conocería como " bebop ". Al tocar " Cherokee " en una sesión de práctica con el guitarrista William "Biddy" Fleet, se dio cuenta de que los 12 semitonos de la escala cromática pueden llevar melódicamente a cualquier tonalidad, rompiendo algunos de los límites de los solos de jazz más simples. Parker recordó: "Me estaba aburriendo de los cambios estereotipados que se usaban todo el tiempo en ese momento, y seguía pensando que seguramente había algo más. A veces podía escucharlo, pero no podía tocarlo... Bueno, esa noche estaba trabajando en "Cherokee" y, mientras lo hacía, descubrí que al usar los intervalos más altos de un acorde como una línea melódica y respaldarlos con cambios relacionados apropiadamente, podía tocar lo que había estado escuchando. Cobré vida". [26]
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En 1940, regresó a Kansas City para tocar con Jay McShann y asistir al funeral de su padre, Charles Sr. El joven Parker pasó el verano en la banda de McShann tocando en Fairyland Park para audiencias blancas; el trompetista Bernard Anderson le presentó a Dizzy Gillespie . [4] [19] La banda también realizó giras por clubes nocturnos y otros lugares del suroeste, así como por Chicago y la ciudad de Nueva York , [27] [28] y Parker hizo su debut discográfico profesional con la banda de McShann ese año. [29] Cuando estaba en Nueva York, para experimentar con sus nuevas ideas musicales que iban más allá de los límites del grupo de McShann, Parker se unió a un grupo de jóvenes músicos que tocaban en clubes nocturnos en lugares de Harlem , incluido Uptown House de Clark Monroe . Los músicos compañeros en los lugares incluían a los beboppers en desarrollo Gillespie, el pianista Thelonious Monk , el guitarrista Charlie Christian y el baterista Kenny Clarke . Una pianista y una de las pioneras del bebop, Mary Lou Williams , ofreció una explicación adicional de que las sesiones after-hours eran una oportunidad "para desafiar la práctica de los músicos del centro que venían a la zona alta y 'robaban' la música". [30]
Parker dejó la banda de McShann en 1942 y tocó durante un año con Hines, cuya banda también incluía a Gillespie. Sin embargo, las actuaciones de esta banda y, por lo tanto, el papel de Parker en ellas están prácticamente indocumentados debido a la huelga de 1942-1944 de la Federación Estadounidense de Músicos , durante la cual se realizaron pocas grabaciones profesionales. De hecho, gran parte del desarrollo crítico inicial del bebop no fue capturado para la posteridad debido a la prohibición y, como resultado, el nuevo género obtuvo una exposición radial limitada. [31] [32] Las pocas grabaciones en las que participó Parker en 1943 tuvieron lugar en Chicago e incluyeron una grabación de jam session con Gillespie y el bajista Oscar Pettiford , otra sesión con Billy Eckstine tocando la trompeta, algunas sesiones de práctica grabadas informalmente y un dúo con la pianista Hazel Scott . [29] El tiempo que Parker pasó con la banda de Hines y sus viajes entre Nueva York y Chicago le permitieron modelar su estilo en, según sus propias palabras, una "combinación del ritmo del Medio Oeste y los tempos rápidos de Nueva York". Parker comenzó a escribir composiciones gracias a su creciente amistad con Gillespie, quien comenzó a escribir los solos de Parker como melodías. Entre estas primeras composiciones de Parker se encontraban "Koko", " Anthropology " y " Confirmation ". [33]
Parker dejó la banda de Hines y formó un pequeño grupo con Gillespie, el pianista Al Haig , el bajista Curley Russell y el baterista Stan Levey . El grupo se distinguía de sus contemporáneos, ya que estaba racialmente integrado y carecía de un guitarrista para el apoyo rítmico. Este nuevo formato permitió a los solistas liberarse de las restricciones armónicas y rítmicas, y a finales de 1944 el grupo consiguió un concierto en el club Three Deuces de Nueva York. El reconocimiento del nombre del grupo se extendió por la calle 52 y su estilo fue bautizado como "bebop" por primera vez. Los músicos de otros clubes vinieron a escuchar bebop y reaccionaron negativamente porque, según el bajista Charles Mingus , lo vieron como una amenaza a su estilo existente de jazz. [34]
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No fue hasta 1945, después de que se levantara la prohibición de grabaciones de la AFM, que las colaboraciones de Parker con Dizzy Gillespie , Max Roach y otros tuvieron un efecto sustancial en el mundo del jazz. Una de sus primeras actuaciones en grupo pequeño fue redescubierta en 2004 y lanzada en 2005: un concierto en el Town Hall de Nueva York el 22 de junio de 1945. El bebop pronto ganó un atractivo más amplio entre los músicos y los fanáticos. [35] [36]
El 26 de noviembre de 1945, Parker dirigió una sesión de grabación para Savoy Records , promocionada como la «mejor sesión de jazz de la historia». Grabando como Charlie Parker's Reboppers, Parker reclutó a los acompañantes Gillespie y Miles Davis en la trompeta, Curley Russell en el bajo y Max Roach en la batería. Las pistas grabadas durante esta sesión incluyen « Ko-Ko », « Billie's Bounce » y « Now's the Time ». [37]
En diciembre de 1945, la banda de Parker viajó a un compromiso fallido en el club de Billy Berg en Los Ángeles . La mayoría del grupo regresó a Nueva York, pero Parker permaneció en California, cobrando su boleto de regreso para comprar heroína. Sin embargo, después de que Parker dedicara una de sus composiciones al traficante de drogas local " Moose the Mooche " en una sesión de estudio en la primavera, el traficante fue arrestado; y sin acceso a la heroína, Parker recurrió a la adicción al alcohol. Sufrió un colapso físico y mental después de una sesión de estudio en julio de 1946 para Dial Records , y fue encarcelado brevemente después de prender fuego a las sábanas de su habitación de hotel de Los Ángeles y luego correr desnudo por el vestíbulo mientras estaba intoxicado, después de lo cual fue internado en el Hospital Mental Estatal de Camarillo durante seis meses. [38] [39] [40]
Cuando Parker recibió el alta del hospital, estaba sano y libre de su adicción a las drogas. Antes de dejar California, grabó " Relaxin' at Camarillo ", en referencia a su estancia en el hospital psiquiátrico, en una de dos sesiones de grabación exitosas. La primera de estas sesiones se llevó a cabo con un septeto, mientras que la segunda emparejó a Parker con el trío del pianista Erroll Garner y el vocalista Earl Coleman . Sin embargo, al regresar a Nueva York en 1947, Parker reanudó su consumo de heroína. [41] Grabó docenas de lados para los sellos Savoy y Dial , que siguen siendo algunos de los puntos culminantes de su producción discográfica. Muchos de estos fueron con su nuevo quinteto, incluidos Davis y Roach. [42] Parker y Davis no estaban de acuerdo sobre quién debería ser el pianista del quinteto, y Parker originalmente contrató a Bud Powell para una sesión de grabación en mayo de 1947, pero luego favoreció al arreglista de Gillespie, John Lewis ; Davis prefirió a Duke Jordan . Finalmente, el quinteto utilizó a ambos pianistas, ya que Parker quería equilibrar el liderazgo del grupo con la tutoría de músicos más jóvenes como Davis. [43]
Tras la creación de un quinteto regular, Parker firmó con Mercury Records y el promotor de Jazz at the Philharmonic, Norman Granz, fue su productor. La asociación le permitió a Parker trabajar con músicos de otros géneros, como el percusionista y director de banda de jazz latino Machito , y aparecer en conciertos en el Carnegie Hall como parte de la serie Jazz at the Philharmonic. [44] Además, Granz pudo cumplir un deseo de larga data de Parker de actuar con una sección de cuerdas . Era un estudioso entusiasta de la música clásica y sus contemporáneos informaron que estaba más interesado en la música y las innovaciones formales de Ígor Stravinski y anhelaba participar en un proyecto similar a lo que más tarde se conocería como Third Stream , un nuevo tipo de música que incorporaba elementos tanto de jazz como clásicos en lugar de simplemente incorporar una sección de cuerdas en la interpretación de estándares de jazz. El 30 de noviembre de 1949, Norman Granz hizo arreglos para que Parker grabara un álbum de baladas con un grupo mixto de músicos de jazz y orquesta de cámara . [45] Seis tomas maestras de esta sesión se convirtieron en el álbum Charlie Parker with Strings : « Just Friends », « Everything Happens to Me », « April in Paris », « Summertime », « I Didn't Know What Time It Was » y « If I Should Lose You ». [29]
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En 1950, Parker y Gillespie grabaron Bird and Diz , un álbum que resultó ser una de las pocas veces que Parker trabajó con el pianista de bebop Thelonious Monk ; la música fue lanzada en 1952. [46] Mientras tanto, el grupo habitual de Parker mantuvo el éxito popular con una gira europea en 1950 [44] y los conciertos en vivo en clubes nocturnos de Nueva York continuaron, lo que llevó a los álbumes en vivo One Night in Birdland (con Fats Navarro y Powell) y Summit Meeting at Birdland (con Gillespie y Powell). Sin embargo, Parker se sintió frustrado y desilusionado porque, debido a la discriminación racial, estaba llegando a los límites de lo que podría lograr en su carrera. [47]
En 1953, Parker actuó en el Massey Hall de Toronto, acompañado por Gillespie, Mingus, Powell y Roach. [48] El concierto ocurrió al mismo tiempo que un combate de boxeo de peso pesado televisado entre Rocky Marciano y Jersey Joe Walcott , por lo que el evento musical tuvo poca asistencia. [49] Mingus grabó el concierto, que resultó en el álbum Jazz at Massey Hall . [49] En este concierto, Parker tocó un saxofón Grafton de plástico . [50]
A principios de los años 50 se realizaron otras grabaciones en directo, a menudo piratas , de Parker, con frecuencia con grupos distintos de su quinteto habitual. Entre las grabaciones más notables, en particular desde la perspectiva de los críticos, se encuentran Charlie Parker in Sweden (grabada durante su gira por Suecia en 1950), Bird at St. Nick's (con Red Rodney), Inglewood Jam (grabada en 1952 con Chet Baker ), Live at Rockland Palace (grabada en directo con su quinteto y acompañamiento de cuerdas), Charlie Parker at Storyville (con Herb Pomeroy y Red Garland ) y The Washington Concerts (grabada sin ensayar en 1953 con una big band). [48]
Desde 1950, Parker había estado viviendo en la ciudad de Nueva York con su esposa de hecho , Chan Berg , la madre de su hijo, Baird (1952-2014), [51] y su hija, Pree (que murió a los 3 años). [52] Consideraba a Chan su esposa, aunque nunca se casó con ella; tampoco se divorció de su esposa anterior, Doris, con quien se había casado en 1948. [44]
La muerte de la hija de Parker, Pree, por neumonía en 1954 lo devastó y, después de ser despedido de Birdland en septiembre de ese año, intentó suicidarse. Fue hospitalizado y se recuperó parcialmente a principios de 1955 antes de que su salud volviera a empeorar en marzo. [44] El último concierto de Parker el 4 de marzo en Birdland terminó cuando Powell se negó a tocar en su grupo y la actuación derivó en una discusión entre los músicos. Parker se emborrachó y unos días después visitó la suite de la baronesa Pannonica en el Hotel Stanhope en la ciudad de Nueva York con mala salud. Se negó a ir al hospital y murió el 12 de marzo de 1955 mientras veía The Dorsey Brothers ' Stage Show en televisión. Las causas oficiales de muerte fueron neumonía lobar y una úlcera sangrante , pero Parker también tenía cirrosis avanzada y había sufrido un ataque cardíaco y una convulsión. El forense que realizó su autopsia estimó erróneamente que el cuerpo de 34 años de Parker tenía entre 50 y 60 años de edad. [53] [54]
Los detalles que rodearon la muerte de Parker fueron controvertidos. Doris Parker afirmó que ella, la madre de Parker y Art Blakey estaban al tanto de la muerte de Parker antes del 14 de marzo, cuando Pannonica afirmó que ella reveló la noticia por primera vez en una llamada telefónica a Chan. Pannonica, sin embargo, visitó un club nocturno el 13 de marzo, el día después de que Parker muriera en su apartamento, pero antes de informar a Chan de la muerte de Parker. Además, los periódicos informaron incorrectamente que la edad de Parker era de 53 años cuando murió, y la lápida de Parker afirmaba incorrectamente que murió el 23 de marzo. [55]
El estado civil de Parker complicó la liquidación de su patrimonio y, en última instancia, frustró su deseo de ser enterrado en la ciudad de Nueva York. [55] Dizzy Gillespie pagó los arreglos del funeral, [56] que incluyeron una procesión por Harlem oficiada por el congresista y reverendo Adam Clayton Powell Jr. en la Iglesia Bautista Abisinia [55] y un concierto conmemorativo. El cuerpo de Parker fue trasladado en avión de regreso a Misuri, de acuerdo con los deseos de su madre. Chan criticó a Doris y a la familia de Parker por darle un funeral cristiano a pesar de que sabían que era ateo . [57] Parker fue enterrado en el cementerio de Lincoln en Misuri, en una aldea conocida como Blue Summit , ubicada cerca de la I-435 y East Truman Road. [58]
Después del entierro de Parker en la zona de Kansas City, se generó cierta controversia. Su tumba tenía grabada la imagen de un saxofón tenor, aunque a Parker se lo asocia principalmente con el saxofón alto. Más tarde, algunas personas quisieron trasladar los restos de Parker para reforzar la reurbanización de la histórica zona de 18th y Vine. [59]
Parker adquirió el apodo de "Yardbird" al principio de su carrera mientras estaba de gira con Jay McShann . [60] Este, y la forma abreviada "Bird", se usaron como apodos para Parker por el resto de su vida e inspiraron los títulos de varias composiciones de Parker, como " Yardbird Suite ", " Ornithology ", "Bird Gets the Worm" y "Bird of Paradise".
La vida de Parker estuvo plagada de problemas de salud mental y de una adicción a la heroína . [61] Aunque no está claro cuál de los dos fue el primero, su adicción a los opiáceos comenzó a los 16 años, cuando resultó herido en un accidente de coche y un médico le recetó morfina para el dolor. La adicción que se derivó de este incidente le llevó a perderse actuaciones y a ser considerado poco fiable. [61] En la escena del jazz, el consumo de heroína era frecuente y la sustancia podía adquirirse sin demasiada dificultad. [62]
Aunque produjo muchas grabaciones brillantes durante este período, el comportamiento de Parker se volvió cada vez más errático. La heroína era difícil de obtener una vez que se mudó a California, donde la droga era menos abundante, por lo que usó alcohol como sustituto. Una grabación para el sello Dial del 29 de julio de 1946 proporciona evidencia de su condición. Antes de esta sesión, Parker bebió un litro de whisky . Según las notas de Charlie Parker en Dial Volume 1 , Parker se perdió la mayoría de los primeros dos compases de su primer estribillo en la canción "Max Making Wax". Cuando finalmente entró, se balanceó salvajemente y una vez giró completamente, lejos de su micrófono. En la siguiente canción, " Lover Man ", el productor Ross Russell sostuvo físicamente a Parker. En "Bebop" (la última canción que Parker grabó esa noche), comienza un solo con unos primeros ocho compases sólidos; en sus segundos ocho compases, sin embargo, comienza a luchar, y un desesperado Howard McGhee , el trompetista de esta sesión, le grita "¡Sopla!". Charles Mingus consideró que esta versión de "Lover Man" estaba entre las mejores grabaciones de Parker, a pesar de sus defectos. [63] Sin embargo, Parker odiaba la grabación y nunca perdonó a Ross Russell por publicarla. Volvió a grabar la melodía en 1951 para Verve . La vida de Parker empeoró en marzo de 1954 cuando su hija de tres años, Pree, murió de fibrosis quística y neumonía . [52] Intentó suicidarse dos veces en 1954, lo que lo llevó una vez más a un hospital psiquiátrico. [64]
El estilo de composición de Parker implicaba la interpolación de melodías originales sobre formas y estándares de jazz existentes, una práctica conocida como contrafacto y que todavía es común en el jazz actual. Algunos ejemplos incluyen " Ornithology " (que toma prestada la progresión de acordes del estándar de jazz " How High the Moon " y se dice que fue coescrita con el trompetista Little Benny Harris) y " Moose The Mooche " (una de las muchas composiciones de Parker basadas en la progresión de acordes de " I Got Rhythm "). La práctica no era poco común antes del bebop, pero se convirtió en una característica del movimiento cuando los artistas comenzaron a alejarse de los arreglos de estándares populares y a centrarse en la composición de su propio material. Quizás el contrafacto más conocido de Parker sea "Koko", que se basa en los cambios de acordes de la popular melodía de bebop "Cherokee", escrita por Ray Noble. [65]
Mientras que temas como "Now's The Time", " Billie's Bounce ", " Au Privave ", "Barbados" , "Relaxin' at Camarillo", " Bloomdido " y "Cool Blues" se basaban en los cambios de blues convencionales de 12 compases , Parker también creó una versión única del blues de 12 compases para temas como " Blues for Alice ", "Laird Baird" y "Si Si". Estos acordes únicos se conocen popularmente como " Bird Changes ". Al igual que sus solos, algunas de sus composiciones se caracterizan por líneas melódicas largas y complejas y un mínimo de repetición, aunque empleó el uso de la repetición en algunos temas, sobre todo en "Now's The Time". [ cita requerida ]
Parker contribuyó en gran medida al solo de jazz moderno, en el que se utilizaban tresillos y notas acentuadas de forma poco ortodoxa para dar paso a tonos de acordes, lo que otorgaba al solista más libertad para utilizar tonos de paso , que los solistas evitaban anteriormente. Sus grabaciones se utilizaron para un libro de transcripciones de solos, el Charlie Parker Omnibook , publicado póstumamente . [ cita requerida ]
Otras composiciones conocidas de Parker incluyen " Ah-Leu-Cha ", "Anthropology" (coescrita con Gillespie), "Confirmation" , "Constellation" , " Moose the Mooche ", " Scrapple from the Apple " y " Yardbird Suite ", cuya versión vocal se llama "What Price Love", con letra de Parker. [ cita requerida ]
Miles Davis dijo una vez: "Se puede contar la historia del jazz en cuatro palabras: Louis Armstrong , Charlie Parker". [66]
Premio Grammy
Salón de la Fama de los Grammy
Las grabaciones de Charlie Parker fueron incluidas en el Salón de la Fama de los Grammy , que es un premio Grammy especial establecido en 1973 para honrar grabaciones que tengan al menos veinticinco años de antigüedad y que tengan "importancia cualitativa o histórica".
Inducciones
En 1995, el Servicio Postal de Estados Unidos emitió un sello postal conmemorativo de 32 centavos en honor a Parker. [69]
En 2002, la Biblioteca del Congreso honró su grabación " Ko-Ko " (1945) agregándola al Registro Nacional de Grabaciones . [ cita requerida ]
De 1950 a 1954, Parker vivió con Chan Berg en la planta baja de la casa adosada del 151 de la Avenida B, frente al parque Tompkins Square en el East Village de Manhattan . El edificio de estilo neogótico , construido alrededor de 1849, [72] se añadió al Registro Nacional de Lugares Históricos en 1994 [73] y fue designado monumento de la ciudad de Nueva York en 1999. La Avenida B entre las calles East 9th y East 10th recibió la designación honoraria de "Charlie Parker Place" en 1992. [ cita requerida ]
A finales de la década de 1940, el quinteto clásico de Charlie Parker, que incluía al trompetista Miles Davis, el baterista Max Roach, el bajista Tommy Potter y el pianista Bud Powell, produjo una serie de obras maestras que alcanzaron lo más alto de las escalas de calificación.
Charles Mingus la eligió una vez cuando le pidieron que nombrara sus grabaciones favoritas de Parker. "Me gustan todas", dijo, "ninguna más que la otra, pero elegiría "Lover Man" por el sentimiento que tenía en ese momento y su capacidad para expresar ese sentimiento".
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