Andrei Arsenyevich Tarkovsky (ruso: Андрей Арсеньевич Тарковский , IPA: [ɐnˈdrʲej ɐrˈsʲenʲjɪvʲɪtɕ tɐrˈkofskʲɪj] ; 4 de abril de 1932 [1] - 29 de diciembre de 1986) fue Director de cine y guionista ruso. [2] Ampliamente considerado uno de los directores más grandes e influyentes de la historia del cine, las películas de Tarkovsky exploran temas espirituales y metafísicos, y se destacan por su ritmo lento y tomas largas , imágenes visuales oníricas y preocupación por la naturaleza y la memoria. [3] [4]
Tarkovsky estudió cine en el VGIK de Moscú con el cineasta Mikhail Romm y posteriormente dirigió sus primeros cinco largometrajes en la Unión Soviética : Ivan's Childhood (1962), Andrei Rublev (1966), Solaris (1972), Mirror (1975) y Stalker (1979). . Varias de sus películas de este período se encuentran entre las mejores películas jamás realizadas . Después de años de conflicto creativo con las autoridades cinematográficas estatales , Tarkovsky abandonó el país en 1979 e hizo sus dos últimas películas en el extranjero; Nostalghia (1983) y The Sacrifice (1986) fueron producidas en Italia y Suecia respectivamente. En 1986 publicó también un libro sobre cine y arte titulado Sculpting in Time . Murió más tarde ese año de cáncer, una condición posiblemente causada por los lugares tóxicos utilizados en el rodaje de Stalker . [5]
Tarkovsky recibió varios premios en el Festival de Cine de Cannes a lo largo de su carrera, incluido el premio FIPRESCI , el Premio del Jurado Ecuménico y el Gran Premio Especial del Jurado . También recibió el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia por su primera película, Ivan's Childhood . En 1990, recibió póstumamente el prestigioso Premio Lenin de la Unión Soviética . Tres de sus películas, Andrei Rublev , Mirror y Stalker, aparecieron en la encuesta de 2012 de Sight & Sound sobre las 100 mejores películas de todos los tiempos . [6]
Andrei Tarkovsky nació en el pueblo de Zavrazhye en el distrito Yuryevetsky del óblast industrial de Ivanovo (hoy distrito Kadyysky del óblast de Kostroma , Rusia) hijo del poeta y traductor Arseny Aleksandrovich Tarkovsky , nativo de Yelysavethrad (ahora Kropyvnytskyi , Ucrania) y Maria Ivanova Vishnyakova, graduada del Instituto de Literatura Maxim Gorky que luego trabajó como correctora; Nació en Moscú en la finca de la familia Dubasov.
El abuelo paterno de Andrei, Aleksandr Karlovich Tarkovsky (en polaco: Aleksander Karol Tarkowski ), era un noble polaco que trabajaba como empleado de banco. Su esposa Maria Danilovna Rachkovskaya era una profesora de lengua rumana que llegó de Iași . [7] La abuela materna de Andrei, Vera Nikolayevna Vishnyakova (de soltera Dubasova), pertenecía a una antigua familia Dubasov de la nobleza rusa cuya historia se remonta al siglo XVII; entre sus familiares se encontraba el almirante Fyodor Dubasov , hecho que tuvo que ocultar durante la época soviética. Estaba casada con Ivan Ivanovich Vishnyakov, un nativo de la gobernación de Kaluga que estudió derecho en la Universidad Estatal de Moscú y se desempeñó como juez en Kozelsk . [8] [9]
Según la leyenda familiar, los antepasados de Tarkovsky por parte de su padre eran príncipes del Shamkhalate de Tarki , Daguestán, aunque su hermana, Marina Tarkovskaya, que llevó a cabo una investigación detallada sobre su genealogía, lo llamó "un mito, incluso una especie de broma". destacando que ningún documento confirma esta narrativa. [7]
Tarkovsky pasó su infancia en Yuryevets . [10] Sus amigos de la infancia lo describieron como activo y popular, que tenía muchos amigos y que normalmente estaba en el centro de la acción. [11] Su padre dejó a la familia en 1937 y posteriormente se ofreció como voluntario para el ejército en 1941. Regresó a casa en 1943, después de haber recibido una Estrella Roja después de recibir un disparo en una de sus piernas (que eventualmente tendría que amputar debido a gangrena). ). [12] Tarkovsky se quedó con su madre y se mudó con ella y su hermana Marina a Moscú, donde trabajó como correctora en una imprenta.
En 1939, Tarkovsky se matriculó en la Escuela No. 554 de Moscú. Durante la guerra, los tres fueron evacuados a Yuryevets, viviendo con su abuela materna. En 1943 la familia regresó a Moscú. Tarkovsky continuó sus estudios en su antigua escuela, donde el poeta Andrei Voznesensky era uno de sus compañeros. Estudió piano en una escuela de música y asistió a clases en una escuela de arte. La familia vivía en la calle Shchipok del distrito Zamoskvorechye de Moscú. Desde noviembre de 1947 hasta la primavera de 1948 estuvo en el hospital con tuberculosis. Muchos temas de su infancia (la evacuación, su madre y sus dos hijos, el padre retraído, el tiempo en el hospital) ocupan un lugar destacado en su película Mirror .
En sus años escolares, Tarkovsky era un alborotador y un mal estudiante. [13] [14] Aún así logró graduarse y de 1951 a 1952 estudió árabe en el Instituto Oriental de Moscú, una rama de la Academia de Ciencias de la Unión Soviética . Aunque ya hablaba algo de árabe y fue un estudiante exitoso en sus primeros semestres, no terminó sus estudios y abandonó los estudios para trabajar como buscador en el Instituto de Metales No Ferrosos y Oro de la Academia de Ciencias. Participó en una expedición de investigación de un año de duración al río Kureyka cerca de Turukhansk en la provincia de Krasnoyarsk . Durante este tiempo en la taiga , Tarkovsky decidió estudiar cine.
Al regresar de la expedición de investigación en 1954, Tarkovsky presentó su solicitud en el Instituto Estatal de Cinematografía ( VGIK ) y fue admitido en el programa de dirección cinematográfica. Estaba en la misma clase que Irma Raush (Irina), con quien se casó en abril de 1957. [15]
Los primeros años de la era Jruschov ofrecieron buenas oportunidades para los jóvenes directores de cine. Antes de 1953, la producción cinematográfica anual era baja y la mayoría de las películas estaban dirigidas por directores veteranos. Después de 1953, se produjeron más películas, muchas de ellas de directores jóvenes. El deshielo de Khrushchev relajó un poco las restricciones sociales soviéticas y permitió una afluencia limitada de literatura, películas y música europeas y norteamericanas. Esto permitió a Tarkovsky ver películas de los neorrealistas italianos , la Nueva Ola francesa y de directores como Kurosawa , Buñuel , Bergman , Bresson , Wajda (cuya película Cenizas y diamantes influyó en Tarkovsky) y Mizoguchi .
El maestro y mentor de Tarkovsky fue Mikhail Romm , quien enseñó a muchos estudiantes de cine que luego se convertirían en directores de cine influyentes. En 1956, Tarkovsky dirigió su primer cortometraje estudiantil, The Killers , a partir de un cuento de Ernest Hemingway . En 1959 siguió la película para televisión más larga Hoy no habrá permiso. Ambas películas fueron una colaboración entre los estudiantes de VGIK. Su compañero de clase Aleksandr Gordon , que se casó con la hermana de Tarkovsky, dirigió, escribió, editó y actuó en las dos películas con Tarkovsky.
Una influencia importante en Tarkovsky fue el director de cine Grigory Chukhray , que enseñaba en el VGIK. Impresionado por el talento de su alumno, Chukhray le ofreció a Tarkovsky un puesto como asistente de dirección para su película Clear Skies . Tarkovsky inicialmente mostró interés pero luego decidió concentrarse en sus estudios y sus propios proyectos. [15]
Durante su tercer año en el VGIK, Tarkovsky conoció a Andrei Konchalovsky . Encontraron mucho en común: les gustaban los mismos directores de cine y compartían ideas sobre cine y películas. En 1959 escribieron el guión Antártida – País lejano , que luego se publicó en Moskovsky Komsomolets . Tarkovsky envió el guión a Lenfilm , pero fue rechazado. Tuvieron más éxito con el guión La apisonadora y el violín , que vendieron a Mosfilm . Este se convirtió en el proyecto de graduación de Tarkovsky, lo que le valió su diploma en 1960 y el primer premio en el Festival de Cine Estudiantil de Nueva York en 1961.
El primer largometraje de Tarkovsky fue La infancia de Iván en 1962. Había heredado la película del director Eduard Abalov, quien tuvo que abortar el proyecto. La película le valió a Tarkovsky el reconocimiento internacional y ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia en el año 1962. Ese mismo año, el 30 de septiembre, nació su primer hijo, Arseny (llamado Senka en los diarios de Tarkovsky), Tarkovsky.
En 1965 dirigió la película Andrei Rublev sobre la vida de Andrei Rublev , el pintor de iconos ruso del siglo XV . Andrei Rublev , excepto durante una única proyección en Moscú en 1966, no fue puesto en libertad inmediatamente después de su finalización debido a problemas con las autoridades soviéticas. Tarkovsky tuvo que cortar la película varias veces, lo que resultó en varias versiones diferentes de diferentes duraciones. La película se estrenó ampliamente en la Unión Soviética en una versión reducida en 1971. Sin embargo, la película tenía un presupuesto de más de 1 millón de rublos, una suma significativa para ese período. [16] Una versión de la película se presentó en el Festival de Cine de Cannes en 1969 y ganó el premio FIPRESCI .
Se divorció de su esposa, Irina, en junio de 1970. Ese mismo año se casó con Larisa Kizilova (de soltera Egorkina), que había sido asistente de producción de la película Andrei Rublev (vivían juntos desde 1965). Su hijo, Andrei Andreyevich Tarkovsky (apodado Andriosha, que significa "pequeño Andre" o "Andre Junior") nació el mismo año, el 7 de agosto. [17]
En 1972 completó Solaris , una adaptación de la novela Solaris de Stanisław Lem . Ya en 1968 trabajó en esto junto con el guionista Friedrich Gorenstein. La película se presentó en el Festival de Cine de Cannes , ganó el Gran Premio Especial del Jurado y fue nominada a la Palma de Oro .
De 1973 a 1974 rodó la película Mirror , una película muy autobiográfica y de estructura poco convencional que se basa en su infancia e incorpora algunos de los poemas de su padre. En esta película, Tarkovsky retrató la difícil situación de la infancia afectada por la guerra. Tarkovsky había trabajado en el guión de esta película desde 1967, bajo los títulos consecutivos Confesión , Día blanco y Un día blanco, blanco . Desde el principio, la película no fue bien recibida por las autoridades soviéticas debido a su contenido y su naturaleza elitista percibida. Las autoridades soviéticas colocaron la película en la "tercera categoría", una distribución muy limitada, y sólo permitieron su exhibición en cines de tercera categoría y clubes de trabajadores. Se hicieron pocas copias y los realizadores no recibieron devoluciones. Las películas de tercera categoría también pusieron a los cineastas en peligro de ser acusados de malgastar fondos públicos, lo que podría tener graves consecuencias para su futura productividad. [18] Se presume que estas dificultades hicieron que Tarkovsky jugara con la idea de ir al extranjero y producir una película fuera de la industria cinematográfica soviética. [19]
Durante 1975, Tarkovsky también trabajó en el guión Hoffmanniana , sobre el escritor y poeta alemán ETA Hoffmann . En diciembre de 1976 dirigió Hamlet , su única obra de teatro, en el Teatro Lenkom de Moscú. El papel principal lo desempeñó Anatoly Solonitsyn , quien también actuó en varias de las películas de Tarkovsky. A finales de 1978 también escribió el guión Sardor junto con el escritor Aleksandr Misharin.
La última película que Tarkovsky completó en la Unión Soviética fue Stalker , inspirada en la novela Roadside Picnic de los hermanos Arkady y Boris Strugatsky . Tarkovsky conoció a los hermanos por primera vez en 1971 y estuvo en contacto con ellos hasta su muerte en 1986. Inicialmente quería rodar una película basada en su novela Dead Mountaineer's Hotel y desarrolló un guión en bruto. Influenciado por una discusión con Arkady Strugatsky cambió su plan y comenzó a trabajar en el guión basado en Roadside Picnic . El trabajo en esta película comenzó en 1976. La producción estuvo sumida en problemas; El revelado inadecuado de los negativos había arruinado todas las tomas exteriores. La relación de Tarkovsky con el director de fotografía Georgy Rerberg se deterioró hasta el punto en que contrató a Alexander Knyazhinsky como nuevo primer director de fotografía. Además, Tarkovsky sufrió un ataque cardíaco en abril de 1978, lo que provocó un mayor retraso. La película se completó en 1979 y ganó el Premio del Jurado Ecuménico en el Festival de Cine de Cannes . En una sesión de preguntas y respuestas en el Edinburgh Filmhouse el 11 de febrero de 1981, Tarkovsky rechazó tajantemente las sugerencias de que la película fuera impenetrablemente misteriosa o una alegoría política . [20]
En 1979, Tarkovsky comenzó la producción de la película El primer día (ruso: Первый День Pervyj Dyen ), basada en un guión de su amigo y colaborador de largo plazo Andrei Konchalovsky . La película se desarrolló en la Rusia del siglo XVIII durante el reinado de Pedro el Grande y fue protagonizada por Natalya Bondarchuk y Anatoli Papanov . Para que Goskino aprobara el proyecto , Tarkovsky presentó un guión diferente al original, omitiendo varias escenas que criticaban el ateísmo oficial en la Unión Soviética . Después de rodar aproximadamente la mitad de la película, Goskino detuvo el proyecto cuando se hizo evidente que la película difería del guión presentado a los censores. Según los informes, Tarkovsky se enfureció por esta interrupción y destruyó la mayor parte de la película. [21]
Durante el verano de 1979, Tarkovsky viajó a Italia, donde rodó el documental Viaje en el tiempo junto con su viejo amigo Tonino Guerra . Tarkovsky regresó a Italia en 1980 para un largo viaje, durante el cual él y Guerra completaron el guión de la película Nostalghia . Durante este período, tomó fotografías Polaroid que representan su vida personal. [22]
Tarkovsky regresó a Italia en 1982 para empezar a rodar Nostalghia , pero Mosfilm luego se retiró del proyecto, por lo que buscó y recibió apoyo financiero de la RAI italiana . Tarkovsky completó la película en 1983 y se presentó en el Festival de Cine de Cannes , donde ganó el premio FIPRESCI y el Premio del Jurado Ecuménico. Tarkovsky también compartió un premio especial llamado Grand Prix du cinéma de Creation con Robert Bresson . Las autoridades soviéticas presionaron para evitar que la película ganara la Palma de Oro , [23] un hecho que endureció la decisión de Tarkovsky de no volver a trabajar nunca más en la Unión Soviética. Después de Cannes viajó a Londres para montar y coreografiar la ópera Boris Godunov en la Royal Opera House bajo la dirección musical de Claudio Abbado .
En una conferencia de prensa en Milán el 10 de julio de 1984, anunció que nunca regresaría a la Unión Soviética y permanecería en Europa Occidental. Dijo: "No soy un disidente soviético, no tengo ningún conflicto con el gobierno soviético", pero si regresara a casa, añadió, "estaría desempleado". [24] En ese momento, su hijo Andriosha todavía estaba en la Unión Soviética y no se le permitía salir del país. El 28 de agosto de 1985, Tarkovsky fue procesado como desertor soviético en un campo de refugiados en Latina , Italia, registrado con el número de serie 13225/379 y oficialmente bienvenido a Occidente. [25] [26]
Tarkovsky pasó la mayor parte de 1984 preparando la película El sacrificio . Finalmente se rodó en 1985 en Suecia, y muchos miembros del equipo eran alumnos de las películas de Ingmar Bergman , incluido el director de fotografía Sven Nykvist . La visión que Tarkovsky tenía de su película estuvo muy influenciada por el estilo de Bergman.
Mientras que El sacrificio trata sobre un apocalipsis y una muerte inminente, fe y posible redención, en el documental de realización dirigido por Andrei Tarkovsky , en una escena particularmente conmovedora, el escritor y director Michal Leszczylowski sigue a Tarkovsky en un paseo mientras expresa sus sentimientos sobre muerte: afirma ser inmortal y no teme morir. Irónicamente, a finales de año, a Tarkovsky le diagnosticaron un cáncer de pulmón terminal. En enero de 1986, comenzó su tratamiento en París y allí se le unió su hijo, André Jr., a quien finalmente se le permitió salir de la Unión Soviética. A él se dedicó la que sería la última película de Tarkovsky.
El Sacrificio se presentó en el Festival de Cine de Cannes y recibió el Gran Premio Especial del Jurado , el premio FIPRESCI y el Premio del Jurado Ecuménico. Como Tarkovsky no pudo asistir debido a su enfermedad, los premios fueron recogidos por su hijo.
En la última entrada del diario de Tarkovsky (15 de diciembre de 1986), escribió: "Pero ahora no me quedan fuerzas, ese es el problema". Los diarios también se conocen a veces como Martirologio y se publicaron póstumamente en 1989 y en inglés en 1991.
Tarkovsky murió en París el 29 de diciembre de 1986. Su ceremonia fúnebre se celebró en la catedral Alexander Nevsky . Fue enterrado el 3 de enero de 1987 en el cementerio ruso de Sainte-Geneviève-des-Bois en Francia. La inscripción en su lápida, erigida en 1994, fue concebida por la esposa de Tarkovsky, Larisa, y dice: Al hombre que vio al ángel . Larisa murió en 1998 y está enterrada junto a su marido. [27]
Una teoría de la conspiración surgió en Rusia a principios de la década de 1990 cuando se alegó que Tarkovsky no murió por causas naturales, sino que fue asesinado por la KGB . La evidencia de esta hipótesis incluye testimonios de ex agentes de la KGB que afirman que Viktor Chebrikov dio la orden de erradicar a Tarkovsky para limitar lo que el gobierno soviético y la KGB vieron como propaganda antisoviética de Tarkovsky. Otras pruebas incluyen varios memorandos que surgieron después del golpe de 1991 y la afirmación de uno de los médicos de Tarkovsky de que su cáncer no pudo haberse desarrollado por una causa natural. [28]
Tarkovsky, su esposa Larisa y el actor Anatoly Solonitsyn murieron del mismo tipo de cáncer . Vladimir Sharun, diseñador de sonido de Stalker , estaba convencido de que los tres murieron debido a la exposición a sustancias químicas liberadas por una planta química aguas arriba de donde se rodó la película. [5]
Tarkovsky se convirtió en director de cine a mediados y finales de la década de 1950, un período conocido como el Deshielo de Khrushchev , durante el cual la sociedad soviética se abrió a las películas, la literatura y la música extranjeras, entre otras cosas. Esto le permitió a Tarkovsky ver películas de directores europeos, estadounidenses y japoneses, una experiencia que influyó en su propia realización cinematográfica. Su profesor y mentor en la escuela de cine, Mikhail Romm , permitió a sus alumnos una libertad considerable y enfatizó la independencia del director de cine.
Tarkovsky estaba, según su compañero de estudios Shavkat Abdusalmov, fascinado por las películas japonesas. Le sorprendió cómo cada personaje en la pantalla es excepcional y cómo eventos cotidianos como un samurái cortando pan con su espada se elevan a algo especial y se ponen en primer plano. [29] Tarkovsky también ha expresado interés en el arte del Haiku y su capacidad para crear "imágenes de tal manera que no signifiquen nada más allá de sí mismas". [30]
Tarkovsky también era un cristiano ortodoxo profundamente religioso , que creía que el gran arte debería tener un propósito espiritual superior. Era un perfeccionista no dado al humor ni a la humildad: su estilo característico era pesado y literario, con muchos personajes que reflexionaban sobre temas religiosos y cuestiones relativas a la fe. [31]
Tarkovsky percibió que el arte del cine sólo había sido verdaderamente dominado por muy pocos cineastas, afirmando en una entrevista de 1970 con Naum Abramov que "se pueden contar con los dedos de una mano". [32] En 1972, Tarkovsky le contó al historiador de cine Leonid Kozlov sus diez películas favoritas. La lista incluye: Diario de un sacerdote rural y Mouchette de Robert Bresson ; Luz de invierno , Fresas silvestres y Persona de Ingmar Bergman ; Nazarín, de Luis Buñuel ; Luces de la ciudad , de Charlie Chaplin ; Ugetsu, de Kenji Mizoguchi ; Los siete samuráis de Akira Kurosawa y La mujer en las dunas de Hiroshi Teshigahara . Entre sus directores favoritos estaban Buñuel, Mizoguchi, Bergman, Bresson, Kurosawa, Michelangelo Antonioni , Jean Vigo y Carl Theodor Dreyer . [33]
Con la excepción de City Lights , la lista no contiene ninguna película de principios de la era del cine mudo. La razón es que Tarkovsky veía el cine como un arte como un fenómeno relativamente reciente, y la realización cinematográfica temprana constituía sólo un preludio. La lista tampoco incluye películas ni directores de la Rusia natal de Tarkovsky, aunque valoró muy positivamente a directores soviéticos como Boris Barnet , Sergei Parajanov y Alexander Dovzhenko . De la Tierra de Dovzhenko dijo: "He vivido mucho entre agricultores muy sencillos y he conocido a personas extraordinarias. Transmitían calma, tenían tanto tacto, transmitían un sentimiento de dignidad y mostraban una sabiduría que rara vez he encontrado en tal escala. Dovzhenko obviamente había comprendido dónde reside el sentido de la vida. [...] Esta traspasación de la frontera entre la naturaleza y la humanidad es un lugar ideal para la existencia del hombre. Dovzhenko entendió esto." [34]
Tampoco era fanático de los éxitos de taquilla ni de la ciencia ficción, y en gran medida descartaba esta última por sus adornos de "cómic" y su comercialismo vulgar. Sin embargo, en notables excepciones, Tarkovsky elogió la exitosa película de James Cameron Terminator , diciendo que su "visión del futuro y la relación entre el hombre y su destino está traspasando la frontera del cine como arte". Criticó la "brutalidad y la baja capacidad de actuación", pero aun así quedó impresionado por la película. Según su hijo, Andrei A. Tarkovsky, le gustó igualmente Star Wars de George Lucas . [35] [36] [37]
En una entrevista de 1962, Tarkovsky argumentó: "Todo arte, por supuesto, es intelectual, pero para mí, todas las artes, y más aún el cine, deben ser ante todo emocionales y actuar sobre el corazón". [38] Sus películas se caracterizan por temas metafísicos , tomas extremadamente largas e imágenes a menudo consideradas por los críticos como de una belleza excepcional. Los motivos recurrentes son los sueños, la memoria, la infancia, el agua corriente acompañada de fuego, la lluvia en el interior, los reflejos, la levitación y los personajes que reaparecen en primer plano mediante largos movimientos panorámicos de la cámara. Una vez dijo: "Yuxtaponer a una persona con un entorno que no tiene límites, compararla con un número incontable de personas que pasan cerca y lejos de ella, relacionar a una persona con el mundo entero, ese es el significado del cine".
Tarkovsky incorporó escenas de levitación en varias de sus películas, entre las que destaca Solaris . Para él, estas escenas poseen un gran poder y se utilizan por su valor fotogénico y su mágica inexplicabilidad. [39] El agua, las nubes y los reflejos fueron utilizados por él por su belleza surrealista y valor fotogénico, así como por su simbolismo, como olas o las formas de arroyos o agua corriente. [40] Las campanas y las velas también son símbolos frecuentes. Estos son símbolos del cine, la vista y el sonido, y la película de Tarkovsky frecuentemente tiene temas de autorreflexión. [41]
Tarkovsky desarrolló una teoría del cine que llamó "esculpir en el tiempo". Con esto quiso decir que la característica única del cine como medio era tomar nuestra experiencia del tiempo y alterarla. El metraje de película sin editar transcribe el tiempo en tiempo real . Al utilizar tomas largas y pocos cortes en sus películas, pretendía dar a los espectadores una sensación del paso del tiempo, del tiempo perdido y de la relación de un momento con otro.
Hasta su película Mirror , inclusive , Tarkovsky centró sus trabajos cinematográficos en explorar esta teoría. Después de Mirror , anunció que centraría su trabajo en explorar las unidades dramáticas propuestas por Aristóteles : una acción concentrada, que sucede en un lugar, en el lapso de un solo día.
Varias de las películas de Tarkovsky tienen secuencias en color o en blanco y negro. Esto ocurre por primera vez en la obra monocromática de Andrei Rublev , que presenta un epílogo en color de las auténticas pinturas de iconos religiosos de Rublev . Posteriormente, todas sus películas contienen secuencias monocromáticas y, en el caso de Stalker , sepia , aunque por lo demás son en color. En 1966, en una entrevista realizada poco después de terminar Andrei Rublev , Tarkovsky descartó las películas en color como un "truco comercial" y arrojó dudas sobre la idea de que las películas contemporáneas utilicen el color de manera significativa. Afirmó que en la vida cotidiana uno no se da cuenta conscientemente de los colores la mayor parte del tiempo, por lo que en el cine el color debería usarse principalmente para enfatizar ciertos momentos, pero no todo el tiempo, ya que esto distrae al espectador. Para él, las películas en color eran como pinturas o fotografías en movimiento, demasiado bellas para ser una representación realista de la vida. [42]
El director Ingmar Bergman comentó sobre Tarkovsky: [43]
Mi descubrimiento de la primera película de Tarkovsky fue como un milagro. De repente, me encontré ante la puerta de una habitación cuyas llaves hasta entonces nunca me habían sido entregadas. Era una habitación en la que siempre había querido entrar y donde él se movía libre y plenamente a gusto. Me sentí encontrada y estimulada: alguien expresaba lo que yo siempre había querido decir sin saber cómo. Tarkovsky es para mí el más grande, el que inventó un nuevo lenguaje, fiel a la naturaleza del cine, que capta la vida como un reflejo, la vida como un sueño.
Por el contrario, sin embargo, Bergman reconoció la verdad en la afirmación hecha por un crítico que escribió que "con Sonata de otoño Bergman hace Bergman", añadiendo: "Tarkovsky comenzó a hacer películas de Tarkovsky, y que Fellini comenzó a hacer películas de Fellini [...] Buñuel casi siempre hacía películas de Buñuel." Este pastiche del propio trabajo ha sido denominado despectivamente "auto-karaoke". [44]
Tarkovsky trabajó en estrecha colaboración con el director de fotografía Vadim Yusov de 1958 a 1972, y gran parte del estilo visual de las películas de Tarkovsky puede atribuirse a esta colaboración. [45] Tarkovsky pasaba dos días preparándose para que Yusov filmara una sola toma larga y, debido a la preparación, generalmente solo se necesitaba una sola toma. [46]
En su última película, El sacrificio , Tarkovsky trabajó con el director de fotografía Sven Nykvist , quien había trabajado en muchas películas con el director Ingmar Bergman . (Nykvist no estaba solo: varias personas involucradas en la producción habían colaborado previamente con Bergman, en particular el actor principal Erland Josephson , quien también había actuado para Tarkovsky en Nostalghia ). Nykvist se quejó de que Tarkovsky frecuentemente miraba a través de la cámara e incluso dirigía a los actores a través de ella. , pero finalmente afirmó que elegir trabajar con Tarkovsky fue una de las mejores decisiones que había tomado. [46]
Tarkovsky es conocido principalmente como director de cine. Durante su carrera dirigió siete largometrajes, así como tres cortometrajes de su paso por VGIK. Sus características son:
También escribió varios guiones. Además, dirigió la obra Hamlet para teatro en Moscú, dirigió la ópera Boris Godunov en Londres y dirigió una producción radiofónica del cuento Turnabout de William Faulkner . También escribió Sculpting in Time , un libro sobre teoría cinematográfica.
El primer largometraje de Tarkovsky fue Ivan's Childhood en 1962. Luego dirigió Andrei Rublev en 1966, Solaris en 1972, Mirror en 1975 y Stalker en 1979. El documental Voyage in Time se produjo en Italia en 1982, al igual que Nostalghia en 1983. Su último La película The Sacrifice se produjo en Suecia en 1986. Tarkovsky participó personalmente en la escritura de los guiones de todas sus películas, a veces con un coguionista. Tarkovsky dijo una vez que un director que realiza el guión de otro sin intervenir en él se convierte en un mero ilustrador, lo que da como resultado películas muertas y monótonas. [47] [48]
Concentrate ( Концентрат , Kontsentrat ) es un guión nunca filmado de 1958 de Tarkovsky. El guión se basa en el año que Tarkovsky pasó en la taiga como miembro de una expedición de investigación, antes de matricularse en la escuela de cine. [49] Se trata del líder de una expedición geológica, quien espera el barco que trae de regreso los concentrados recolectados por la expedición. La expedición está rodeada de misterio y su propósito es un secreto de estado.
Aunque algunos autores afirman que el guión fue filmado, según Marina Tarkovskaya, hermana de Tarkovsky (y esposa de Aleksandr Gordon, compañero de estudios de Tarkovsky durante sus años en la escuela de cine), el guión nunca fue filmado. Tarkovsky escribió el guión durante su examen de ingreso en el Instituto Estatal de Cinematografía ( VGIK ) en una sola sesión. Obtuvo la calificación más alta posible, "excelente" ( отлично ) por este trabajo. En 1994, se filmaron fragmentos de Concentrate y se utilizaron en el documental Taiga Summer de Andrei Tarkovsky de Marina Tarkovskaya y Aleksandr Gordon. [50]
Hoffmanniana ( Гофманиана ) es un guión nunca filmado de 1974 de Tarkovsky. El guión está basado en la vida y obra del autor alemán ETA Hoffmann . En 1974, un conocido de Tallinnfilm se acercó a Tarkovsky para escribir un guión sobre un tema alemán. Tarkovsky consideró a Thomas Mann y ETA Hoffmann, y también pensó en Peer Gynt de Ibsen . Al final Tarkovsky firmó un contrato para un guión basado en la vida y obra de Hoffmann. Planeaba escribir el guión durante el verano de 1974 en su dacha . Escribir no estuvo exento de dificultades: menos de un mes antes de la fecha límite no había escrito ni una sola página. Finalmente terminó el proyecto a finales de 1974 y envió el guión final a Tallinnfilm en octubre. [51]
Aunque el guión fue bien recibido por los funcionarios de Tallinnfilm, hubo consenso en que nadie más que Tarkovsky podría dirigirlo. El guión fue enviado a Goskino en febrero de 1976 y, aunque se concedió la aprobación para continuar con la realización de la película, el guión nunca se realizó. En 1984, durante su exilio en Occidente, Tarkovsky revisó el guión e hizo algunos cambios. También consideró finalmente dirigir una película basada en el guión, pero finalmente abandonó la idea. [51]
Tarkovsky recibió numerosos premios a lo largo de su vida.
Bajo la influencia de la Glasnost y la Perestroika , Tarkovsky fue finalmente reconocido en la Unión Soviética en el otoño de 1986, poco antes de su muerte, mediante una retrospectiva de sus películas en Moscú. Después de su muerte, se dedicó a Tarkovsky un número completo de la revista de cine Iskusstvo Kino . En sus obituarios, el comité cinematográfico del Consejo de Ministros de la Unión Soviética y la Unión de Cineastas Soviéticos expresaron su pesar porque Tarkovsky tuvo que pasar los últimos años de su vida en el exilio. [53]
De forma póstuma, recibió el Premio Lenin en 1990, uno de los más altos honores estatales de la Unión Soviética. En 1989 se creó el Premio en Memoria de Andrei Tarkovsky , cuyo primer destinatario fue el animador ruso Yuri Norstein . En tres eventos consecutivos, el Festival Internacional de Cine de Moscú otorgó el Premio Andrei Tarkovsky en 1993, 1995 y 1997. [54] [55] [56]
En 1996, se inauguró el Museo Andrei Tarkovsky en Yuryevets , la ciudad de su infancia. [57] Un planeta menor , 3345 Tarkovskij , descubierto por la astrónoma soviética Lyudmila Karachkina en 1982, lleva su nombre. [58]
Tarkovsky ha sido objeto de varios documentales. El más notable es el documental de 1988 Elegía de Moscú , del director de cine ruso Alexander Sokurov . El propio trabajo de Sokurov ha estado fuertemente influenciado por Tarkovsky. La película consiste principalmente en narraciones sobre imágenes de archivo de las películas de Tarkovsky. Dirigida por Andrei Tarkovsky es una película documental de 1988 de Michal Leszczylowski , editor de la película El sacrificio . El director de cine Chris Marker produjo el documental televisivo Un día en la vida de Andrei Arsenevich como homenaje a Andrei Tarkovsky en 2000. [59]
A la entrada del Instituto Gerasimov de Cinematografía de Moscú , hay un monumento que incluye estatuas de Tarkovsky, Gennady Shpalikov y Vasily Shukshin . [60]
Andrei Tarkovsky y sus obras han recibido elogios de muchos cineastas, críticos y pensadores.
El cineasta sueco Ingmar Bergman fue citado diciendo: "Para mí, Tarkovsky es el más grande [de todos nosotros], el que inventó un nuevo lenguaje, fiel a la naturaleza del cine, ya que captura la vida como un reflejo, la vida como un sueño. ". [61]
El cineasta japonés Akira Kurosawa comentó sobre las películas de Tarkovsky: "Su inusual sensibilidad es a la vez abrumadora y asombrosa. Casi alcanza una intensidad patológica. Probablemente no haya igual entre los directores de cine que viven ahora". Kurosawa también comentó: "Amo todas las películas de Tarkovsky. Amo su personalidad y todas sus obras. Cada corte de sus películas es una imagen maravillosa en sí misma. Pero la imagen terminada no es más que la realización imperfecta de su idea. Sus ideas sólo se realizan en parte. Y tuvo que conformarse con ello." [62]
El cineasta iraní Abbas Kiarostami comentó que: "Las obras de Tarkovsky me separan completamente de la vida física y son las películas más espirituales que he visto". [62]
El cineasta polaco Krzysztof Kieślowski comentó que: "Andrei Tarkovsky fue uno de los más grandes directores de los últimos años" [62] y consideró la película de Tarkovsky Ivan's Childhood como una influencia en su propio trabajo. [63]
El cineasta turco Nuri Bilge Ceylan dijo que cuando descubrió por primera vez las películas de Andrei Tarkovsky cuando era estudiante universitario, sin estar seguro de lo que quería hacer con su vida, quedó completamente desconcertado por el elogiado maestro ruso. Salió de una proyección de Solaris a mitad de camino y detuvo una cinta VHS de Mirror en un momento similar. Hoy considera que esta última es la mejor película jamás realizada. "Lo he visto unas 20 veces", dice. [64]
El cineasta armenio Sergei Parajanov remarcó que ver la película de Tarkovsky, La infancia de Iván fue su principal inspiración para convertirse en cineasta al decir: "No sabía hacer nada y no habría hecho nada si no hubiera existido La infancia de Iván ". [63]
El cineasta austriaco Michael Haneke votó por Mirror entre sus 10 mejores películas en la encuesta de directores de Sight & Sound de 2002 [65] [66] y luego afirmó que había visto la película al menos 25 veces. [67] [68]
El cineasta estadounidense Stan Brakhage dijo que: "Personalmente creo que las tres mayores tareas del cine en el siglo XX son (1) Hacer la epopeya, es decir, contar las historias de las tribus del mundo. (2) Mantener "Es personal, porque sólo en las excentricidades de nuestra vida personal tenemos alguna posibilidad de encontrar la verdad. (3) Hacer el trabajo de los sueños, es decir, iluminar las fronteras del inconsciente. El único cineasta que conozco que hace todo esto "Tres cosas iguales en cada película que hace es Andrei Tarkovsky, y por eso creo que es el mejor cineasta narrativo vivo". [69] [70]
El cineasta alemán Wim Wenders dedicó su película Wings of Desire a Tarkovsky (junto con François Truffaut y Yasujirō Ozu ). [71]
El cineasta francés Chris Marker dirigió un documental como homenaje a Tarkovsky llamado Un día en la vida de Andrei Arsenevich y utilizó el concepto de Tarkovsky de "La Zona" (de la película Stalker ) para su ensayo cinematográfico de 1983 , Sans Soleil . [72]
El cineasta griego Theo Angelopoulos consideró la película Stalker de Tarkovsky como una de las películas que lo influyeron. [73]
El cineasta polaco Andrzej Żuławski comentó que: "Si alguien influyó en alguien, soy yo, influenciado por Tarkovsky, y no al revés", y calificó la película de Tarkovsky Andrei Rublev como una "obra maestra". [74]
El cineasta greco-australiano Alex Proyas estaba "extremadamente influenciado" por el trabajo de Tarkovsky y citó a Stalker como una de sus películas favoritas. [75]
El filósofo francés Jean-Paul Sartre elogió mucho la película de Tarkovsky La infancia de Iván , diciendo que era una de las películas más bellas que jamás había visto. [76]
El cineasta de anime japonés Mamoru Oshii , conocido por sus obras como Ghost in the Shell , fue influenciado por Tarkovsky. [77]
El novelista británico-estadounidense nacido en India Salman Rushdie elogió a Tarkovsky y su obra Solaris calificándola de "una obra maestra de ciencia ficción". [78]
El historiador de cine Steven Dillon dice que gran parte de las películas posteriores estuvieron profundamente influenciadas por las películas de Tarkovsky. [79]
El cineasta mexicano Alejandro González Iñarritu es un gran admirador de Tarkovsky. Una vez dijo en una entrevista: " Andrei Rublev es quizás mi película favorita de todos los tiempos", y en otra entrevista añadió: "Recuerdo que la primera vez que vi una película de Tarkovsky me quedé impactado. No sabía qué". hacer. Me sorprendió. Me fascinó, porque de repente me di cuenta de que la película podía tener muchas más capas de las que había imaginado antes". Hay muchas referencias directas y homenajes ocultos a las películas de Tarkovsky en el drama de Iñarritu, ganador del Oscar en 2015, The Revenant . [80]
El director de cine danés Lars von Trier es un ferviente admirador de Tarkovsky. Le dedicó su película Anticristo de 2009 y, mientras la comentaba con el crítico David Jenkins, le preguntó: "¿Has visto Mirror ? ¡Estaba hipnotizado! Lo he visto 20 veces. Es lo más parecido que tengo a una religión". – para mí es un dios". [81]
Se han nombrado dos festivales de cine en su honor:
Notas
Incluso Wim Wenders, el gran creador de la road movie, dedicó sus "Alas del deseo" a Tarkovsky y Ozu (junto al francés François Truffaut), señalando que estos tres productores cinematográficos se centraron "en la verdad perdurable, que perduró desde la primera escena". hasta el ultimo."
Debemos darnos cuenta, sin embargo, de que Angelopoulos es una paradoja inusual en la historia del cine: es claramente "griego", como he demostrado, y, sin embargo, es un cineasta internacional que ha sido influenciado por cineastas de todo el mundo. Ha observado: "Saco técnicas de todo lo que he visto... Sigo amando... mucho las películas de Murnau, Mizoguchi, Antonioni. Más recientemente: Stalker de Tarkovsky, Sálvese quien pueda de Godard y, por supuesto, Ordenar....
Bibliografía
