Acuarela ( inglés americano ) o acuarela ( inglés británico ; ver diferencias ortográficas ), también aquarelle ( francés: [akwaʁɛl] ; del diminutivo italiano del latín aqua 'agua'), [1] es un método de pintura [2] en el que las pinturas están hechas de pigmentos suspendidos en una solución a base de agua [3] . La acuarela se refiere tanto al medio como a la obra de arte resultante . Los expertos llaman aquarellum atramento ( latín para "acuarela hecha con tinta") a las acuarelas pintadas con tinta de color soluble en agua en lugar de las modernas acuarelas . Sin embargo, este término ha tendido a caer en desuso. [4] [5]
El soporte convencional y más común —material al que se aplica la pintura— para las pinturas de acuarela es el papel de acuarela . Otros soportes o sustratos incluyen piedra, marfil, seda, junco, papiro , papeles de corteza, plásticos, vitela , cuero , tela , madera y lienzo de acuarela (recubierto con un yeso especialmente formulado para su uso con acuarelas). El papel de acuarela a menudo se fabrica total o parcialmente con algodón. [6] [7] Esto le da a la superficie la textura adecuada y minimiza la distorsión cuando está mojado. [8] Los papeles de acuarela suelen ser papeles prensados en frío que brindan una mejor textura y apariencia con un peso de al menos 300 g/m² (140 lb). Por lo general, menos de 300 g/m² (140 lb) no se recomienda para nada que no sea bocetos. [9] [10] La transparencia es la característica principal de las acuarelas. [11] Las acuarelas también se pueden hacer opacas agregando blanco chino . Este no es un método para usar en "acuarela verdadera" (tradicional). [12]
La pintura de acuarela es una forma antigua de pintura, si no la forma de arte más antigua en sí misma. [2] En el este de Asia, la pintura de acuarela [13] con tintas se conoce como pintura con pincel o pintura con pergamino. En la pintura china , coreana y japonesa [14] ha sido el medio dominante, a menudo en negro o marrón monocromo, a menudo utilizando tinta en barra u otros pigmentos. India, Etiopía y otros países también tienen una larga tradición de pintura con acuarela.
Muchos artistas occidentales, especialmente a principios del siglo XIX, utilizaban la acuarela principalmente como herramienta de dibujo en preparación para la obra "terminada" en óleo o grabado. [15] Hasta finales del siglo XVIII, las acuarelas tradicionales se conocían como "dibujos coloreados". [16]
El arte de la acuarela se remonta a las pinturas rupestres de la Europa paleolítica [17] y se ha utilizado para la ilustración de manuscritos al menos desde la época egipcia , con especial prominencia en la Edad Media europea . [18] Sin embargo, su historia continua como medio artístico comienza con el Renacimiento . El artista alemán del Renacimiento del norte Alberto Durero (1471-1528), que pintó varias acuarelas finas de botánica, vida silvestre y paisajes, generalmente se considera uno de los primeros ejemplos de acuarela. [19] Una importante escuela de pintura de acuarela en Alemania fue dirigida por Hans Bol (1534-1593) como parte del Renacimiento de Durero .
A pesar de este comienzo temprano, las acuarelas fueron generalmente utilizadas por los pintores de caballete barrocos solo para bocetos, copias o caricaturas (dibujos de diseño a escala real) [20] Los primeros practicantes notables de la pintura con acuarela fueron Van Dyck [21] (durante su estancia en Inglaterra), Claude Lorrain , Giovanni Benedetto Castiglione y muchos artistas holandeses y flamencos . [22] Sin embargo, la ilustración botánica y la ilustración de la vida silvestre quizás formen las tradiciones más antiguas e importantes en la pintura con acuarela. Las ilustraciones botánicas se hicieron populares durante el Renacimiento, tanto como ilustraciones en xilografía coloreadas a mano en libros o sábanas y como dibujos en tinta coloreada sobre pergamino o papel. Los artistas botánicos han sido tradicionalmente algunos de los pintores de acuarela más exigentes y consumados, e incluso hoy, las acuarelas, con su capacidad única para resumir, aclarar e idealizar a todo color, se utilizan para ilustrar publicaciones científicas y de museos. La ilustración de la vida silvestre alcanzó su apogeo en el siglo XIX con artistas como John James Audubon , y hoy en día muchas guías de campo naturalistas todavía se ilustran con pinturas de acuarela.
Varios factores contribuyeron a la difusión de la pintura con acuarela durante el siglo XVIII, particularmente en Inglaterra. [23] Entre las clases elitistas y aristocráticas, la pintura con acuarela era uno de los adornos incidentales de una buena educación; los cartógrafos, oficiales militares e ingenieros la valoraban por su utilidad para representar propiedades, terrenos, [24] fortificaciones, geología de campo y para ilustrar obras públicas o proyectos encargados. Los artistas de acuarela solían participar en expediciones geológicas o arqueológicas, financiadas por la Sociedad de Dilettanti (fundada en 1733), para documentar descubrimientos en el Mediterráneo, Asia y el Nuevo Mundo. Estas expediciones estimularon la demanda de pintores topográficos, que producían pinturas de recuerdo de lugares famosos (y vistas) a lo largo del Gran Tour a Italia que emprendía todo joven elegante de la época. [25]
A finales del siglo XVIII, el clérigo inglés William Gilpin escribió una serie de libros muy populares en los que describía sus pintorescos viajes por la Inglaterra rural y los ilustró con acuarelas monocromáticas sentimentalizadas de su propia factura de valles fluviales, castillos antiguos e iglesias abandonadas. [26] Este ejemplo popularizó las acuarelas como una forma de diario turístico personal. La confluencia de estos intereses culturales, de ingeniería, científicos, turísticos y amateurs culminó en la celebración y promoción de la acuarela como un "arte nacional" claramente inglés. William Blake publicó varios libros de poesía grabada coloreada a mano, proporcionó ilustraciones para el Infierno de Dante y también experimentó con grandes obras de monotipia en acuarela. [27] Entre los muchos otros acuarelistas importantes de este período se encontraban Thomas Gainsborough , [28] John Robert Cozens , Francis Towne , [29] Michael Angelo Rooker , William Pars , [30] Thomas Hearne , [31] y John Warwick Smith . [32]
Desde finales del siglo XVIII hasta el siglo XIX, el mercado de libros impresos y arte doméstico contribuyó sustancialmente al crecimiento del medio. [33] Las acuarelas se utilizaron como el documento básico a partir del cual se desarrollaron grabados de paisajes o turísticos coleccionables, y los originales de acuarela pintados a mano o las copias de pinturas famosas contribuyeron a muchas carteras de arte de la clase alta. Los panfletos satíricos de Thomas Rowlandson , muchos de ellos publicados por Rudolph Ackermann , también fueron extremadamente populares.
Los tres artistas ingleses a los que se atribuye el mérito de establecer la acuarela como un medio pictórico maduro e independiente son Paul Sandby (1730-1809), a menudo llamado el "padre de la acuarela inglesa"; Thomas Girtin (1775-1802), que fue pionero en su uso para la pintura de paisajes románticos o pintorescos de gran formato; y Joseph Mallord William Turner (1775-1851), [34] que llevó la acuarela a su máximo nivel de potencia y refinamiento, [35] y creó cientos de magníficas acuarelas históricas, topográficas, arquitectónicas y mitológicas. Su método de desarrollar la pintura de acuarela en etapas, comenzando con grandes áreas de color vagas establecidas sobre papel húmedo, y luego refinando la imagen mediante una secuencia de aguadas y veladuras, [36] le permitió producir una gran cantidad de pinturas con "eficiencia de taller" [37] y lo convirtió en multimillonario, en parte por las ventas de su galería de arte personal, la primera de su tipo. Entre los contemporáneos importantes y de gran talento de Turner y Girtin se encuentran John Varley , John Sell Cotman , [38] Anthony Copley Fielding , Samuel Palmer , [39] William Havell , [40] y Samuel Prout . El pintor suizo Abraham-Louis-Rodolphe Ducros también fue ampliamente conocido por sus pinturas románticas de gran formato en acuarela.
La confluencia de la actividad amateur, los mercados editoriales, el coleccionismo de arte de clase media y la técnica del siglo XIX condujo a la formación de sociedades de pintura en acuarela inglesas: la Society of Painters in Water Colours (1804, ahora conocida como Royal Watercolour Society ) y la New Water Colour Society (1832, ahora conocida como Royal Institute of Painters in Water Colours ). ( En 1878 se fundó una Scottish Society of Painters in Water Colour , ahora conocida como Royal Scottish Society of Painters in Watercolour ). [41] Estas sociedades proporcionaban exposiciones anuales y referencias de compradores para muchos artistas. También se involucraron en pequeñas rivalidades de estatus y debates estéticos, particularmente entre los defensores de la acuarela tradicional ("transparente") y los primeros en adoptar el color más denso posible con color corporal o gouache (acuarela "opaca"). Los últimos períodos georgiano y victoriano produjeron el apogeo de la acuarela británica, entre las obras sobre papel más impresionantes del siglo XIX, [42] gracias a los artistas Turner, Varley, Cotman, [43] David Cox , Peter de Wint [44] William Henry Hunt , John Frederick Lewis , [45] Myles Birket Foster , [46] Frederick Walker , [47] Thomas Collier , Arthur Melville y muchos otros. En particular, las acuarelas elegantes, lapidarias y atmosféricas ("pinturas de género") de Richard Parkes Bonington [48] crearon una moda internacional por la pintura de acuarela, especialmente en Inglaterra y Francia en la década de 1820. En la segunda mitad del siglo XIX, el retratista Frederick Havill se convirtió en un actor clave en el establecimiento de la acuarela en Inglaterra. El crítico de arte Huntly Carter describió a Havill como un "fundador de la escuela de la acuarela". [49]
La popularidad de las acuarelas estimuló muchas innovaciones, incluidos papeles verjurados más gruesos y de mayor tamaño , y pinceles (llamados "lápices") fabricados expresamente para la acuarela. Los tutoriales de acuarela fueron publicados por primera vez en este período por Varley, Cox y otros, estableciendo las instrucciones de pintura paso a paso que aún caracterizan el género en la actualidad; The Elements of Drawing , un tutorial de acuarela del crítico de arte inglés John Ruskin , ha estado agotado solo una vez desde que se publicó por primera vez en 1857. Se comercializaron marcas comerciales de acuarela y las pinturas se envasaron en tubos de metal o como tortas secas que se podían "frotar" (disolver) en porcelana de estudio o usar en cajas de pintura portátiles de metal en el campo. Los avances en química hicieron que muchos pigmentos nuevos estuvieran disponibles, incluido el azul ultramar sintético , el azul cobalto , el viridiano , el violeta de cobalto , el amarillo de cadmio , la aureolina ( cobaltinitrito de potasio ), el blanco de zinc y una amplia gama de lacas de carmín y rubia . Estos pigmentos, a su vez, estimularon un mayor uso del color en todos los medios pictóricos, pero en las acuarelas inglesas, particularmente por parte de la Hermandad Prerrafaelita .
La pintura con acuarela también se hizo popular en los Estados Unidos durante el siglo XIX; entre los primeros practicantes destacados se encuentran John James Audubon , así como los primeros pintores de la Escuela del río Hudson, como William H. Bartlett y George Harvey . A mediados de siglo, la influencia de John Ruskin provocó un creciente interés por las acuarelas, en particular el uso de un estilo "ruskiniano" detallado por parte de artistas como John W. Hill Henry, William Trost Richards , Roderick Newman y Fidelia Bridges . La Sociedad Estadounidense de Pintores en Acuarela (ahora Sociedad Estadounidense de Acuarela ) se fundó en 1866. Entre los exponentes estadounidenses de este medio a finales del siglo XIX se encuentran Thomas Moran , Thomas Eakins , John LaFarge , John Singer Sargent , [50] Childe Hassam y, sobre todo, Winslow Homer .
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La acuarela fue menos popular en Europa continental. En el siglo XVIII, el gouache fue un medio importante para los artistas italianos Marco Ricci y Francesco Zuccarelli , cuyas pinturas de paisajes fueron ampliamente coleccionadas. [51] El gouache también fue utilizado por varios artistas en Francia. En el siglo XIX, la influencia de la escuela inglesa ayudó a popularizar la acuarela "transparente" en Francia, y se convirtió en un medio importante para Eugène Delacroix , François Marius Granet , Henri-Joseph Harpignies y el satírico Honoré Daumier . Otros pintores europeos que trabajaron frecuentemente en acuarela fueron Adolph Menzel en Alemania y Stanisław Masłowski en Polonia.
La adopción de tintes de anilina de colores brillantes derivados del petróleo (y pigmentos compuestos a partir de ellos), que se desvanecen rápidamente con la exposición a la luz, y los esfuerzos por conservar adecuadamente las veinte mil pinturas de JMW Turner heredadas por el Museo Británico en 1857, llevaron a una reevaluación negativa de la permanencia de los pigmentos en acuarela. [52] Esto provocó una marcada disminución de su estatus y valor de mercado. Sin embargo, los practicantes aislados continuaron prefiriendo y desarrollando el medio hasta el siglo XX. Paul Signac creó acuarelas de paisajes y marítimas, y Paul Cézanne desarrolló un estilo de pintura de acuarela que consistía enteramente en pequeñas veladuras superpuestas de color puro.
Entre los muchos artistas del siglo XX que produjeron obras importantes en acuarela se encuentran Wassily Kandinsky , Emil Nolde , Paul Klee , Egon Schiele y Raoul Dufy . En Estados Unidos, los principales exponentes incluyeron a Charles Burchfield , Edward Hopper , Georgia O'Keeffe , Charles Demuth y John Marin (el 80% de su obra total es acuarela). En este período, la pintura de acuarela estadounidense a menudo emulaba el impresionismo y el posimpresionismo europeos, [53] pero floreció un individualismo significativo en los estilos "regionales" [54] de pintura de acuarela desde la década de 1920 hasta la de 1940. En particular, la " Escuela de Cleveland " o "Escuela de Ohio" de pintores centrada en el Museo de Arte de Cleveland , y los pintores de la Escena de California [55] a menudo se asociaban con estudios de animación de Hollywood o el Instituto de Arte Chouinard (ahora Instituto de las Artes de California ). Los pintores de California explotaron la variada geografía de su estado, el clima mediterráneo y la " automovilidad " para revitalizar la tradición al aire libre o "plein air". Los más influyentes entre ellos fueron Phil Dike , Millard Sheets , Rex Brandt , Dong Kingman y Milford Zornes . La California Water Color Society, fundada en 1921 y luego rebautizada como National Watercolor Society, patrocinó importantes exposiciones de su trabajo. La acuarela más grande del mundo en este momento (con 9 pies (3 m) de alto y 16 pies (5 m) de ancho) es Building 6 Portrait: Interior. [56] Producida por la artista estadounidense Barbara Prey por encargo para MASS MoCA , [57] la obra se puede ver en el edificio Robert W. Wilson de MASS MoCA. [58]
Aunque el auge del expresionismo abstracto y la influencia trivializadora de los pintores aficionados y los estilos de pintura influenciados por la publicidad o el taller llevaron a un declive temporal en la popularidad de la pintura con acuarela después de c. 1950 , [59] las acuarelas continúan siendo utilizadas por artistas como Martha Burchfield , Joseph Raffael , Andrew Wyeth , Philip Pearlstein , [60] Eric Fischl , Gerhard Richter , Anselm Kiefer y Francesco Clemente . En España, Ceferí Olivé creó un estilo innovador seguido por sus estudiantes, como Rafael Alonso López-Montero y Francesc Torné Gavaldà. En México , los principales exponentes son Ignacio Barrios , Edgardo Coghlan , Ángel Mauro, Vicente Mendiola y Pastor Velázquez . En las Islas Canarias , donde esta técnica pictórica tiene muchos seguidores, hay artistas destacados como Francisco Bonnín Guerín, José Comas Quesada y Alberto Manrique.
La pintura de acuarela consta de cuatro ingredientes principales: [61] un pigmento ; goma arábiga [62] [63] como aglutinante para mantener el pigmento en suspensión; aditivos como glicerina , hiel de buey , [64] miel y conservantes para alterar la viscosidad , la cobertura, la durabilidad o el color de la mezcla de pigmento y vehículo; y agua evaporada, como disolvente utilizado para diluir la pintura para su aplicación.
El término más general , "pintura al agua", se refiere a cualquier medio pictórico que utilice agua como disolvente y que pueda aplicarse con pincel , bolígrafo o pulverizador. Esto incluye la mayoría de las tintas , acuarelas , témperas , caseínas , gouaches y pinturas acrílicas modernas .
El término "acuarela" se refiere a pinturas que utilizan carbohidratos complejos solubles en agua como aglutinante. Originalmente (entre los siglos XVI y XVIII), los aglutinantes de las acuarelas eran azúcares y/o colas de piel, pero desde el siglo XIX, el aglutinante preferido es la goma arábiga natural , con glicerina y/o miel como aditivos para mejorar la plasticidad y solubilidad del aglutinante, y con otros productos químicos añadidos para mejorar la vida útil del producto.
El término " color de cuerpo " se refiere a la pintura que es opaca en lugar de transparente. Por lo general, se refiere a la acuarela opaca, conocida como gouache . [65] Las pinturas acrílicas modernas utilizan una dispersión de resina acrílica como aglutinante.
Los pintores de acuarela antes del cambio de siglo XVIII tenían que fabricar sus propias pinturas utilizando pigmentos comprados a un boticario o a un "colorista" especializado, y mezclándolos con goma arábiga u otro aglutinante. Las primeras pinturas comerciales eran pequeños bloques resinosos que debían humedecerse y "frotarse" laboriosamente en agua para obtener una intensidad de color utilizable. William Reeves comenzó su negocio como colorista alrededor de 1766. En 1781, él y su hermano, Thomas Reeves, recibieron la Paleta de Plata de la Sociedad de las Artes , por la invención de la torta de pintura de acuarela húmeda , una comodidad que ahorraba tiempo, introducida en la "edad de oro" de la pintura de acuarela inglesa. La "torta" se disolvía inmediatamente cuando se tocaba con un pincel húmedo. [66]
Las acuarelas comerciales modernas están disponibles en tubos, pastillas y líquidos. [67] La mayoría de las pinturas que se venden hoy en día se presentan en pequeños tubos de metal plegables en tamaños estándar y formuladas con una consistencia similar a la de la pasta de dientes al estar ya mezcladas con un determinado componente de agua. Para su uso, esta pasta debe diluirse aún más con agua. Las pinturas en pastillas (en realidad, pequeñas pastillas o barras de pintura secas en un recipiente de plástico abierto) generalmente se venden en dos tamaños, pastillas completas y medias pastillas.
Gracias a la química orgánica industrial moderna , la variedad, saturación y permanencia de los colores para artistas disponibles en la actualidad ha mejorado enormemente. Ahora existen colores primarios correctos y no tóxicos gracias a la introducción del amarillo de hansa , el azul de ftalo y la quinacridona (PV 122). A partir de este conjunto de tres colores, en principio se pueden mezclar todos los demás, ya que en una técnica clásica no se utiliza el blanco. El desarrollo moderno de los pigmentos no fue impulsado por la demanda artística. La industria de los materiales artísticos es demasiado pequeña para ejercer alguna influencia de mercado en la fabricación global de tintes o pigmentos. Con raras excepciones como la aureolina, todas las pinturas de acuarela modernas utilizan pigmentos que tienen un uso industrial más amplio. Los fabricantes de pinturas compran, según los estándares industriales, suministros muy pequeños de estos pigmentos, los muelen con el vehículo, el disolvente y los aditivos, y los envasan. El proceso de molienda con pigmentos inorgánicos, en marcas más caras, reduce el tamaño de las partículas para mejorar el flujo de color cuando la pintura se aplica con agua.
En los debates partidistas del mundo artístico inglés del siglo XIX, se contrastaba enfáticamente el gouache con las acuarelas tradicionales y se lo denigraba por su alto poder cubriente o su falta de "transparencia"; se exaltaban las acuarelas "transparentes". La aversión a la pintura opaca tenía su origen en el hecho de que hasta bien entrado el siglo XIX se utilizaba blanco de plomo para aumentar la calidad de cubrición. Ese pigmento tendía a decolorarse rápidamente hasta volverse negro bajo la influencia de la contaminación atmosférica sulfúrica, arruinando totalmente la obra de arte. [68] La afirmación tradicional de que las acuarelas "transparentes" ganan "luminosidad" porque funcionan como un panel de vidrio de colores colocado sobre papel (el color se intensifica porque la luz pasa a través del pigmento, se refleja en el papel y pasa una segunda vez a través del pigmento en su camino hacia el espectador) es falsa. Las pinturas de acuarela normalmente no forman una capa de pintura cohesiva, como lo hacen las pinturas acrílicas o al óleo , sino que simplemente dispersan partículas de pigmento al azar por la superficie del papel ; la transparencia se debe a que el papel es visible entre las partículas. [69] Las acuarelas pueden parecer más vívidas que las acrílicas o los óleos porque los pigmentos se depositan en una forma más pura, con pocos o ningún relleno (como el caolín) que oculte los colores del pigmento. Por lo general, la mayor parte o la totalidad de la goma aglutinante será absorbida por el papel, lo que evitará que la goma aglutinante cambie la visibilidad del pigmento. [69] La goma que se absorbe no disminuye sino que aumenta la adhesión del pigmento al papel, ya que sus partículas penetrarán las fibras más fácilmente. De hecho, una función importante de la goma es facilitar el "levantamiento" (eliminación) del color, en caso de que el artista quiera crear una mancha más clara en un área pintada. [69] Además, la goma evita la floculación de las partículas de pigmento. [69]
