El videoarte es una forma de arte que se basa en el uso de la tecnología de video como medio visual y de audio. El videoarte surgió a finales de la década de 1960 cuando nuevas tecnologías de video para el consumidor, como las grabadoras de video, estuvieron disponibles fuera de las transmisiones corporativas. El vídeoarte puede adoptar muchas formas: grabaciones que se difunden ; instalaciones vistas en galerías o museos; obras transmitidas en línea, distribuidas en cintas de vídeo o DVD ; y actuaciones que pueden incorporar uno o más televisores , monitores de vídeo y proyecciones, que muestren imágenes y sonidos en vivo o grabados. [1]
El videoarte lleva el nombre de la cinta de video analógica original , que fue la tecnología de grabación más utilizada en gran parte de la historia de la forma hasta la década de 1990. Con la llegada de los equipos de grabación digital , muchos artistas comenzaron a explorar la tecnología digital como una nueva forma de expresión.
Una de las diferencias clave entre el videoarte y el cine teatral es que el videoarte no necesariamente se basa en muchas de las convenciones que definen el cine teatral. El videoarte no puede emplear el uso de actores , no puede contener diálogos , no puede tener una narrativa o trama discernible y no puede adherirse a ninguna de las otras convenciones que generalmente definen las películas como entretenimiento. Esta distinción también distingue al videoarte de subcategorías del cine como el cine de vanguardia , los cortometrajes o el cine experimental .
Nam June Paik , un artista coreano-estadounidense que estudió en Alemania, es ampliamente considerado como un pionero del videoarte. [2] [3] En marzo de 1963, Nam June Paik presentó en la Galerie Parnass de Wuppertal la Exposición de Música – Televisión Electrónica . [4] [5] En mayo de 1963, Wolf Vostell mostró la instalación 6 TV Dé-coll/age en la Galería Smolin de Nueva York y creó el vídeo Sun in your head en Colonia. Originalmente, Sun in your head se hizo en una película de 16 mm y se transfirió a una cinta de vídeo en 1967. [6] [7] [8]
A menudo se dice que el videoarte comenzó cuando Paik usó su nuevo Sony Portapak para filmar imágenes de la procesión del Papa Pablo VI por la ciudad de Nueva York en el otoño de 1965 [9] . Más tarde, ese mismo día, al otro lado de la ciudad, en un café de Greenwich Village , Paik reprodujo las cintas y nació el videoarte.
Antes de la introducción de los equipos de vídeo de consumo, la producción de imágenes en movimiento sólo estaba disponible de forma no comercial a través de películas de 8 mm y 16 mm . Después de la introducción del Portapak y su posterior actualización cada pocos años, muchos artistas comenzaron a explorar la nueva tecnología.
Muchos de los primeros videoartistas destacados estuvieron involucrados con movimientos simultáneos en el arte conceptual, la performance y el cine experimental. Entre ellos se encuentran los estadounidenses Vito Acconci , Valie Export , John Baldessari , Peter Campus , Doris Totten Chase , Maureen Connor , Norman Cowie , Dimitri Devyatkin , Frank Gillette , Dan Graham , Gary Hill , Joan Jonas , Bruce Nauman , Nam June Paik , Bill Viola , Shigeko Kubota , Martha Rosler , William Wegman y muchos otros. También hubo quienes, como Steina y Woody Vasulka, se interesaron por las cualidades formales del vídeo y emplearon sintetizadores de vídeo para crear obras abstractas. Kate Craig , [10] Vera Frenkel [11] y Michael Snow [12] fueron importantes para el desarrollo del videoarte en Canadá.
Gran parte del videoarte en el apogeo del medio experimentó formalmente con las limitaciones del formato de video. Por ejemplo, Double Vision del artista estadounidense Peter Campus combinó las señales de vídeo de dos Portapaks Sony a través de un mezclador electrónico, lo que dio como resultado una imagen distorsionada y radicalmente disonante. Otra pieza representativa, Vertical Roll de Joan Jonas , implicó grabar material previamente grabado de Jonas bailando mientras reproducía los videos en un televisor, lo que resultó en una representación compleja y en capas de la mediación.
Gran parte del videoarte en los Estados Unidos se produjo en la ciudad de Nueva York, con The Kitchen , fundada en 1972 por Steina y Woody Vasulka (y asistida por el director de video Dimitri Devyatkin y Shridhar Bapat ), que sirvió como nexo para muchos artistas jóvenes. Una de las primeras obras de videoarte multicanal (que utiliza varios monitores o pantallas) fue Wipe Cycle de Ira Schneider y Frank Gillette . Wipe Cycle se exhibió por primera vez en la Galería Howard Wise de Nueva York en 1969 como parte de una exposición titulada "La televisión como medio creativo". Wipe Cycle , una instalación de nueve pantallas de televisión, combinó imágenes en vivo de los visitantes de la galería, imágenes encontradas de la televisión comercial y tomas de cintas pregrabadas. El material se alternaba de un monitor a otro en una elaborada coreografía.
En la costa oeste, en los estudios de televisión del estado de San José, en 1970 Willoughby Sharp inició la serie "Videoviews" de diálogos grabados en vídeo con artistas. La serie "Videoviews" consta de diálogos de Sharps con Bruce Nauman (1970), Joseph Beuys (1972), Vito Acconci (1973), Chris Burden (1973), Lowell Darling (1974) y Dennis Oppenheim (1974). También en 1970, Sharp fue curador de "Body Works", una exposición de obras en vídeo de Vito Acconci , Terry Fox , Richard Serra , Keith Sonnier , Dennis Oppenheim y William Wegman que se presentó en el Museo de Arte Conceptual de Tom Marioni , San Francisco, California. [ cita necesaria ]
En Europa, la innovadora pieza de vídeo de Valie Export , "Facing a Family" (1971), fue uno de los primeros ejemplos de intervención televisiva y difusión de vídeoarte. El vídeo, transmitido originalmente en el programa de televisión austriaco "Kontakte" el 2 de febrero de 1971,[11] muestra a una familia burguesa austriaca mirando televisión mientras cena, creando un efecto de espejo para muchos miembros de la audiencia que estaban haciendo lo mismo. Export creía que la televisión podía complicar la relación entre sujeto, espectador y televisión. [13] [14] En el Reino Unido, "TV Interruptions" (1971) de David Hall se transmitió intencionalmente sin previo aviso y sin acreditar en la televisión escocesa, las primeras intervenciones de artistas en la televisión británica.
A medida que disminuyeron los precios del software de edición, aumentó el acceso que tenía el público en general a utilizar estas tecnologías. El software de edición de vídeo estuvo tan disponible que cambió la forma en que los artistas trabajaban con el medio. Paralelamente, con la llegada de las televisiones independientes a Europa y la aparición de los videoclips, los artistas también utilizaron el potencial de los efectos especiales, las imágenes de alta calidad y el montaje sofisticado ( Gary Hill , Bill Viola ). Festivales dedicados al videoarte como el World Wide Video festival de La Haya, la Biennale de l'Image de Ginebra o Ars Electronica de Linz desarrollaron y subrayaron la importancia de la creación en este campo.
Poco después. Desde principios de los años 90, las exposiciones de arte contemporáneo integran vídeos de artistas entre otras obras e instalaciones. Es el caso de la Bienal de Venecia (Aperto 93) y de NowHere en el Museo de Luisiana , pero también de las galerías de arte donde una nueva generación de artistas para quienes la llegada de equipos más ligeros como las Handycams favoreció una expresión más directa. Artistas como Pipilotti Rist , Tony Oursler , Carsten Höller , Cheryl Donegan, Nelson Sullivan pudieron, como otros en los años 1960, salir fácilmente de sus estudios para filmar a mano y sin sofisticaciones, mezclando a veces imágenes encontradas con las suyas propias ( Douglas Gordon , Pierre Bismuth , Sylvie Fleury , Johan Grimonprez, Claude Closky ) y utilizando una postproducción actual pero sencilla. La presentación de las obras también se simplificó con la llegada de monitores a las salas de exposición y la distribución en VHS . La llegada de esta generación más joven anunció las cuestiones feministas y de género que estaban por venir, pero también el uso cada vez más híbrido de diferentes medios (películas transferidas en super 8, 16 mm, edición digital, extractos de programas de televisión, sonidos de diferentes fuentes, etc.).
Al mismo tiempo, museos e instituciones más especializados en videoarte iban integrando la tecnología digital, como el ZKM de Karlsruhe, dirigido por Peter Weibel , con numerosas exposiciones temáticas, o el Centre pour l'Image Contemporaine con su versión bienal (1994- 2004) dirigida por Simon Lamunière .
Con la llegada de la tecnología digital y de Internet, algunos museos han federado sus bases de datos como http://www.newmedia-art.org/ producida por el Centro Georges Pompidou de París, el Museo Ludwig de Colonia y el Centre pour l' Image Contemporaine (centro de imágenes contemporáneas) en Ginebra.
A finales de siglo, instituciones y artistas trabajaron en el espectro cada vez mayor de los medios de comunicación, imágenes en 3D, interactividad, CD-ROM, Internet, postproducción digital, etc. Surgieron diferentes temas, como la interactividad y la no linealidad. Algunos artistas combinaron técnicas físicas y digitales, como "Legible City" de Jeffrey Shaw (1988-1991). Otros que utilizan la interactividad Low-Tech, como "+1" online de Claude Closky o "Do you want Love or Lust" de 1996 coproducida por la Dia Art Foundation . Pero estos pasos empiezan a alejarse del llamado videoarte hacia el arte de los nuevos medios y el arte de Internet .
A medida que evolucionaron la cantidad de material disponible y las técnicas de edición, algunos artistas también produjeron vídeos narrativos complejos sin utilizar material propio: Civilization (2008) de Marco Brambilla es un collage o un "videomural" [15] que Representa el cielo y el infierno. [16] Dial HISTORY de Johan Grimonprez es una interpretación de 68 minutos de duración de la guerra fría y el papel de los terroristas, realizada casi exclusivamente con extractos originales de televisión y películas sobre secuestros.
De manera más general, durante la primera década, uno de los pasos más significativos en el ámbito del videoarte se logró con su fuerte presencia en exposiciones de arte contemporáneo a nivel internacional. Durante este período, era común ver videos de artistas en exposiciones colectivas, en monitores o como proyecciones. Más de un tercio de las obras presentadas en Art Unlimited (la sección de Art Basel dedicada a obras de gran escala) fueron videoinstalaciones entre 2000 y 2015. Lo mismo ocurre con la mayoría de las bienales. Una nueva generación de artistas como Pipilotti Rist , Francis Alys , Kim Sooja , Apichatpong Weerasethakul , Omer Fast , David Claerbout , Sarah Morris , Matthew Barney , se presentaron junto a las generaciones anteriores ( Roman Signer , Bruce Nauman , Bill Viola , Joan Jonas , Juan Baldessari ).
Algunos artistas también han ampliado su audiencia haciendo películas ( Apichatpong Weerasethakul , que ganó la "Palm d'or" del Festival de Cine de Cannes en 2010 ) o curando grandes eventos públicos ( Exposición Nacional Suiza de Pipilotti Rist02 ).
En 2003, Kalup Linzy creó Conversations Wit De Churen II: All My Churen , una telenovela sátira a la que se le atribuye la creación del subgénero de vídeo y performance [17] Aunque el trabajo de Linzy desafía el género, su trabajo ha sido una contribución importante a la médium. Ryan Trecartin , joven videoartista experimental, utiliza el color, técnicas de edición y actuaciones extrañas para retratar lo que The New Yorker llama "un hito cultural". [18] [19]
El videoarte como medio también se puede combinar con otras formas de expresión artística como el arte performance . Esta combinación también puede denominarse "medios y performance" [20] cuando los artistas "rompen el molde del vídeo y el cine y amplían los límites del arte". [20] Con una mayor capacidad de los artistas para obtener cámaras de video, las artes escénicas comenzaron a documentarse y compartirse entre grandes cantidades de audiencias. [21] Artistas como Marina Abramovic y Ulay experimentaron con la grabación en vídeo de sus actuaciones en las décadas de 1970 y 1980. En una pieza titulada “Energía en reposo” (1980), tanto Ulay como Marina suspendieron su peso para retirar un arco y una flecha apuntando a su corazón, Ulay sostuvo la flecha y Marina el arco. La pieza era 4:10 y Marina la describió como “una actuación sobre la confianza total y total”. [22]
Otros artistas que combinaron el videoarte con el performance utilizaron la cámara como público. Kate Gilmore experimentó con la posición de la cámara. En su vídeo “Anything” (2006), filma su actuación mientras intenta constantemente alcanzar la cámara que la mira fijamente. A medida que avanza el video de 13 minutos, ella continúa atando muebles mientras intenta constantemente alcanzar la cámara. Gilmore agregó un elemento de lucha a su arte que a veces es autoimpuesto, [23] en su video “My love is an Anchor” (2004) [24] deja que su pie se seque en cemento antes de intentar liberarse frente a la cámara. [25] Gilmore ha dicho que imitó estilos de expresión de las décadas de 1960 y 1970 con inspiraciones como Marina Abramovic mientras agrega extremismo y lucha a su trabajo. [26]
Algunos artistas experimentaron con el espacio al combinar el videoarte y el performance. Ragnar Kjartannson , un artista islandés, filmó un vídeo musical completo con 9 artistas diferentes, incluido él mismo, siendo filmado en diferentes salas. Todos los artistas pudieron escucharse a través de unos auriculares para poder tocar juntos la canción, la pieza se tituló “Los visitantes” (2012). [27]
Algunos artistas, como Jaki Irvine y Victoria Fu, han experimentado combinando películas de 16 mm , películas de 8 mm y vídeo para aprovechar la posible discontinuidad entre la imagen en movimiento, la partitura musical y el narrador para socavar cualquier sentido de narrativa lineal. [28]
Desde el año 2000, los programas de videoarte han comenzado a surgir entre los colegios y universidades como una disciplina independiente típicamente situada en relación con el cine y los planes de estudio de radiodifusión más antiguos. Los modelos actuales que se encuentran en universidades como Northeastern y Syracuse muestran videoartes que ofrecen competencias básicas en iluminación, edición y operación de cámara. Si bien estos fundamentos pueden alimentar y respaldar las áreas de producción de cine o televisión existentes, el crecimiento reciente de los medios de entretenimiento a través de CGI y otros efectos especiales sitúa habilidades como animación, gráficos en movimiento y diseño asistido por computadora como cursos de nivel superior en esta área emergente.
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