Un madrigal es una forma de música vocal secular más típica de los períodos del Renacimiento (siglos XV-XVI) y del Barroco temprano (1600-1750) [ cita requerida ] , aunque fue revisitada por algunos compositores europeos posteriores. [1] El madrigal polifónico no tiene acompañamiento y el número de voces varía de dos a ocho, pero la forma generalmente presenta de tres a seis voces, mientras que el metro del madrigal varía entre dos o tres tercetos , seguidos de uno o dos pareados . [2] A diferencia de las formas estróficas que repiten versos cantados con la misma música, [3] la mayoría de los madrigales están compuestos de principio a fin , presentando música diferente para cada estrofa de la letra, por lo que el compositor expresa las emociones contenidas en cada línea y en palabras individuales del poema que se canta. [4]
Los madrigales escritos por compositores franco-flamencos italianizados en la década de 1520 se originaron en parte a partir de la frottola de tres a cuatro voces (1470-1530); en parte a partir del renovado interés de los compositores en la poesía escrita en italiano vernáculo ; en parte a partir de la influencia estilística de la chanson francesa ; y en parte a partir de la polifonía del motete (siglos XIII-XVI). El contraste técnico entre las formas musicales está en que la frottola consiste en música con estrofas de texto, mientras que el madrigal es una obra compuesta de principio a fin, con música diferente para las distintas estrofas. [5] Como composición, el madrigal del Renacimiento es diferente del madrigal italiano de dos a tres voces del Trecento (1300-1370) del siglo XIV, teniendo en común solo el nombre madrigal , [6] que deriva del latín matricalis (maternal) que denota trabajo musical al servicio de la iglesia madre [2] [ necesita cita para verificar ] o del latín posclásico matricalis (maternal, simple, primitivo). [7]
Artísticamente, el madrigal fue la forma más importante de música secular en la Italia del Renacimiento , y alcanzó su apogeo formal e histórico a finales del siglo XVI, cuando la forma también fue adoptada por compositores alemanes e ingleses, como John Wilbye (1574-1638), Thomas Weelkes (1576-1623) y Thomas Morley (1557-1602) de la Escuela Inglesa del Madrigal (1588-1627). Aunque de temperamento británico, la mayoría de los madrigales ingleses eran composiciones a capela para tres a seis voces, que copiaban o traducían los estilos musicales de los madrigales originales de Italia. [2] A mediados del siglo XVI, los compositores italianos comenzaron a fusionar el madrigal en la composición de la cantata y el diálogo ; y a principios del siglo XVII, el aria reemplazó al madrigal en la ópera . [6]
El madrigal es una composición musical que surgió de la convergencia de las tendencias humanistas en la Italia del siglo XVI. En primer lugar, el renovado interés en el uso del italiano como lengua vernácula para la vida diaria y la comunicación, en lugar del latín. En 1501, el teórico literario Pietro Bembo (1470-1547) publicó una edición del poeta Petrarca (1304-1374); y publicó la Oratio pro litteris graecis (1453) sobre cómo lograr una escritura elegante mediante la aplicación de la prosodia latina , una cuidadosa atención al sonido de las palabras y la sintaxis , la colocación de una palabra dentro de una línea de texto. Como forma de poesía, el madrigal consistía en un número irregular de líneas (generalmente de 7 a 11 sílabas) sin repetición. [6] [8] [9]
En segundo lugar, Italia era el destino habitual de los compositores oltremontani ("los de más allá de los Alpes") de la escuela francoflamenca , que se sentían atraídos por la cultura italiana y por el empleo en la corte de un aristócrata o en la Iglesia católica romana. Los compositores de la escuela francoflamenca dominaban el estilo de composición polifónica para música religiosa y conocían las composiciones seculares de sus países de origen, como la chanson , que diferían mucho de los estilos de composición seculares y más ligeros de la Italia de finales del siglo XV y principios del XVI. [6]
En tercer lugar, la imprenta facilitó la disponibilidad de partituras en Italia. Las formas musicales de uso común en ese momento (la frottola y la ballata , la canzonetta y la mascherata ) eran composiciones ligeras con versos de baja calidad literaria. Esas formas musicales utilizaban la repetición y la homofonía dominada por la soprano , texturas y estilos de acordes que eran más simples que los estilos de composición de la escuela francoflamenca. Además, el gusto popular italiano en literatura estaba cambiando del verso frívolo al tipo de verso serio utilizado por Bembo y su escuela, que exigía más flexibilidad compositiva que la de la frottola y formas musicales relacionadas. [6] [9]
El madrigal reemplazó lentamente a la frottola en la década de transición de la década de 1520. Los primeros madrigales fueron publicados en Musica di messer Bernardo Pisano sopra le canzone del Petrarcha (1520), de Bernardo Pisano (1490-1548), aunque ninguna composición se llama madrigal , algunas de las configuraciones son petrarquistas en versificación y pintura de palabras , que se convirtieron en características compositivas del madrigal posterior. [6] El Madrigali de diversi musici: libro primo de la Serena (1530), de Philippe Verdelot (1480-1540), incluía música de Sebastiano Festa (1490-1524) y Costanzo Festa (1485-1545), Maistre Jhan (1485-1538) y el propio Verdelot. [6]
En el período 1533-1534, en Venecia, Verdelot publicó dos libros populares de madrigales a cuatro voces que fueron reimpresos en 1540. En 1536, ese éxito editorial impulsó al fundador de la escuela franco-flamenca , Adrian Willaert (1490-1562), a reorganizar algunos madrigales a cuatro voces para una sola voz y laúd. En 1541, Verdelot también publicó madrigales a cinco voces y madrigales a seis voces. [6] El éxito del primer libro de madrigales, Il primo libro di madrigali (1539), de Jacques Arcadelt (1507-1568), lo convirtió en el libro de madrigales más reimpreso de su tiempo. [10] Estilísticamente, la música en los libros de Arcadelt y Verdelot estaba más cerca de la chanson francesa que de la frottola italiana y el motete , dado que el francés era su lengua materna. Como compositores, prestaban atención a la ambientación del texto, según las ideas de Bembo, y componían la música de principio a fin, en lugar de utilizar las construcciones de estribillo y verso comunes en la música secular francesa. [11]
Aunque el madrigal se originó en las ciudades de Florencia y Roma, a mediados del siglo XVI Venecia se había convertido en el centro de la actividad musical. Las turbulencias políticas del Saqueo de Roma (1527) y el Sitio de Florencia (1529-1530) disminuyeron la importancia de esa ciudad como centro musical. Además, Venecia era el centro editorial de música de Europa; la Basílica de San Marcos de Venecia estaba empezando a atraer a músicos de Europa; y Pietro Bembo había regresado a Venecia en 1529. Adrian Willaert (1490-1562) y sus asociados en la Basílica de San Marcos, Girolamo Parabosco (1524-1557), Jacques Buus (1524-1557) y Baldassare Donato (1525-1603), Perissone Cambio (1520-1562) y Cipriano de Rore (1515-1565), fueron los principales compositores del madrigal a mediados de siglo.
A diferencia de Arcadelt y Verdelot, Willaert prefería las texturas complejas del lenguaje polifónico, por lo que sus madrigales eran como motetes, aunque variaba las texturas compositivas, entre pasajes homofónicos y polifónicos, para resaltar el texto de las estrofas; para el verso, Willaert prefería los sonetos de Petrarca. [6] [12] [13] Después de Willaert, Cipriano de Rore fue el compositor de madrigales más influyente; mientras que Willaert era sobrio y sutil en sus configuraciones para el texto, esforzándose por la homogeneidad, en lugar del contraste agudo, Rore usó gestos retóricos extravagantes, incluyendo pintura de palabras y relaciones cromáticas inusuales , una tendencia compositiva alentada por el teórico musical Nicola Vicentino (1511-1576). [10] [14] Del lenguaje musical de Rore surgieron los madrigalismos que hicieron distintivo al género, y la textura de cinco voces que se convirtió en el estándar para la composición. [15]
La historia posterior del madrigal comienza con Cipriano de Rore, cuyas obras fueron las formas musicales elementales de la composición de madrigales que existían a principios del siglo XVII. [6] [16] Entre los compositores relevantes se encuentran Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594), que escribió música secular en su carrera temprana; Orlande de Lassus (1530-1594), que escribió los doce motetes Prophetiae Sibyllarum (Profecías sibilinas, 1600), y más tarde, cuando se mudó a Múnich en 1556, comenzó la historia de la composición de madrigales más allá de Italia; y Philippe de Monte (1521-1603), el madrigalista más prolífico, publicado por primera vez en 1554. [6] [17]
En Venecia, Andrea Gabrieli (1532-1585) compuso madrigales con texturas polifónicas, abiertas y brillantes, como en sus composiciones para motetes . En la corte de Alfonso II d'Este, duque de Ferrara (r. 1559-1597), se creó el Concerto delle donne (1580-1597), el concierto de las damas, tres cantantes para las que Luzzasco Luzzaschi (1545-1607), Giaches de Wert (1535-1596) y Lodovico Agostini (1534-1590) compusieron madrigales ornamentados, a menudo con acompañamiento instrumental. La gran calidad artística del Concerto delle donne de Ferrara animó a los compositores a visitar la corte de Ferrara, escuchar cantar a las mujeres y ofrecerles composiciones para que las cantaran. A su vez, otras ciudades establecieron su propio concerto delle donne , como en Florencia, donde la familia Medici encargó a Alessandro Striggio (1536-1592) que compusiera madrigales al estilo de Luzzaschi. [6] En Roma, las composiciones de Luca Marenzio (1553-1599) fueron los madrigales que más se acercaron a unificar los diferentes estilos de la época. [18]
En la década de 1560, Marc'Antonio Ingegneri (1535-1592) —instructor de Monteverdi—, Andrea Gabrieli (1532-1585) y Giovanni Ferretti (1540-1609) reincorporaron elementos más ligeros de composición al madrigal; los versos serios de Petrarquista sobre el amor , el anhelo y la muerte fueron reemplazados por la villanella y la canzonetta , composiciones con ritmos de baile y versos sobre una vida sin preocupaciones. [10] A fines del siglo XVI, los compositores utilizaron la pintura de palabras para aplicar madrigalismos , pasajes en los que la música coincide con el significado de una palabra en la letra; así, un compositor pone riso (sonrisa) a un pasaje de notas rápidas y continuas que imitan la risa, y pone sospiro (suspiro) a una nota que cae a la nota inferior. En el siglo XVII, la aceptación de la pintura de palabras como forma musical había cambiado; en el Primer Libro de Ayres (1601), el poeta y compositor Thomas Campion (1567-1620) criticó la pintura de palabras como un manierismo negativo en el madrigal: "donde la naturaleza de cada palabra se expresa precisamente en la nota... tal observación infantil de las palabras es completamente ridícula". [19]
A finales del siglo XVI, el cambio en la función social del madrigal contribuyó a su desarrollo hacia nuevas formas de música. Desde su invención, el madrigal tuvo dos papeles: (i) un entretenimiento privado para pequeños grupos de cantantes y músicos aficionados y expertos; y (ii) un complemento a las interpretaciones ceremoniales de música para el público. La función de entretenimiento amateur hizo famoso al madrigal, pero los cantantes profesionales reemplazaron a los cantantes aficionados cuando los madrigalistas compusieron música de mayor alcance y fuerza dramática que era más difícil de cantar, porque los sentimientos expresados requerían cantantes solistas de gran alcance, en lugar de un conjunto de cantantes con voces de rango medio.
Surgió la división entre los intérpretes activos y el público pasivo, especialmente en las ciudades culturalmente progresistas de Ferrara y Mantua . Las emociones comunicadas en un madrigal en 1590, un aria expresada en ópera a principios del siglo XVII, sin embargo, los compositores continuaron usando el madrigal en el nuevo siglo, como el madrigal de estilo antiguo para muchas voces; el madrigal solista con acompañamiento instrumental; y el madrigal concertato , del cual Claudio Monteverdi (1567-1643) fue el compositor más famoso. [6]
En Nápoles, el estilo compositivo del alumno Carlo Gesualdo siguió el de su mentor, Luzzasco Luzzaschi (1545-1607), que había publicado seis libros de madrigales y la música religiosa Responsoria pro hebdomada sancta ( Responsorios para la Semana Santa , 1611). A principios de la década de 1590, Gesualdo había aprendido el cromatismo y los contrastes texturales de los compositores ferrareses, como Alfonso Fontanelli (1557-1622) y Luzzaschi, pero pocos madrigalistas siguieron su manierismo estilístico y su cromatismo extremo, que eran técnicas de composición utilizadas selectivamente por Antonio Cifra (1584-1629), Sigismondo d'India (1582-1629) y Domenico Mazzocchi (1592-1665) en sus obras musicales. [6] [20] [21] En la década de 1620, el madrigalista sucesor de Gesualdo fue Michelangelo Rossi (1601-1656), cuyos dos libros de madrigales sin acompañamiento muestran un cromatismo sostenido y extremo. [22]
En la transición de la música renacentista (1400-1600) a la música barroca (1580-1750), Claudio Monteverdi suele ser considerado el principal madrigalista, cuyos nueve libros de madrigales mostraban las transiciones estilísticas y técnicas de la polifonía de finales del siglo XVI a los estilos de la monodia y del concertato acompañado de bajo continuo , del período barroco temprano. Como compositor expresivo, Monteverdi evitó los extremos estilísticos del cromatismo de Gesualdo y se concentró en el drama inherente a la forma musical del madrigal. Sus libros quinto y sexto incluyen madrigales polifónicos para voces iguales (en el estilo de finales del siglo XVI) y madrigales con partes de voz solista acompañadas de bajo continuo, que presentan disonancias no preparadas y pasajes recitativos , lo que presagia la integración compositiva del madrigal solista al aria . En el quinto libro de madrigales, utilizando el término seconda pratica (segunda práctica), Monteverdi dijo que la letra debe ser "la señora de la armonía" de un madrigal, lo que fue su respuesta progresista a Giovanni Artusi (1540-1613), quien defendió negativamente las limitaciones de la disonancia y las partes vocales iguales del madrigal polifónico de estilo antiguo contra el madrigal concertato. [23] [24]
En la primera década del siglo XVII, las técnicas compositivas italianas para el madrigal progresaron desde el antiguo ideal de una composición vocal a capela para voces equilibradas, a una composición vocal para una o más voces con acompañamiento instrumental. Las voces interiores pasaron a ser secundarias frente a la soprano y la línea de bajo ; se desarrolló la tonalidad funcional y se trató la disonancia libremente para que los compositores enfatizaran el contraste dramático entre los grupos vocales y los instrumentos. El madrigal del siglo XVII surgió de dos tendencias de composición musical: (i) el madrigal solista con bajo continuo; y (ii) el madrigal para dos o más voces con bajo continuo. En Inglaterra, los compositores continuaron escribiendo madrigales de conjunto en el estilo más antiguo del siglo XVI. [23] [6] En 1600, los cambios armónicos y dramáticos en la composición del madrigal se expandieron para incluir el acompañamiento instrumental, porque el madrigal originalmente fue compuesto para interpretación grupal por artistas aficionados talentosos, sin una audiencia pasiva; De esta manera, los instrumentos llenaban las partes faltantes. El compositor normalmente no especificaba la instrumentación; en El quinto libro de Madrigales y en el Sexto libro de Madrigales , Claudio Monteverdi indicó que el bajo siguiente , la parte instrumental del bajo, era opcional en el madrigal de conjunto. Los instrumentos habituales para tocar la línea de bajo y llenar las partes de voz interna eran el laúd , la tiorba (chitarrone) y el clavicémbalo . [23] [6]
El madrigalista Giulio Caccini (1551-1618) produjo madrigales en el estilo de continuo solista , composiciones relacionadas técnicamente con la monodia y descendientes de la música experimental de la Camerata florentina (1573-1587). En la colección de madrigales solistas, Le nuove musiche ( La nueva música , 1601), Caccini dijo que el objetivo de la composición era anticontrapuntístico, porque la letra y las palabras de la canción eran primarias, y la polifonía de voces equilibradas interfería con la audición de la letra de la canción. Después de los desarrollos de Caccini, los compositores Marco da Gagliano (1582-1643), Sigismondo d'India (1582-1629) y Claudio Saracini (1586-1630) también publicaron colecciones de madrigales en el estilo de continuo solista. Mientras que la música de Caccini era mayoritariamente diatónica , compositores posteriores, especialmente d'India, compusieron madrigales en continuo solista utilizando un lenguaje experimental de cromatismo . En el Séptimo Libro de Madrigales (1619), Monteverdi publicó su único madrigal en el estilo de continuo solista, que utiliza una voz cantada y tres grupos de instrumentos, un gran avance técnico con respecto a las composiciones simples de voz y bajo continuo de Caccini del período de 1600. [6]
A partir de 1620, el aria sustituyó al madrigal de estilo monódico. En 1618, el último libro publicado de madrigales solistas no contenía arias; de la misma manera, en ese año, los libros de arias no contenían madrigales, por lo que las arias publicadas superaron en número a los madrigales, y los prolíficos madrigalistas Saracini y d'India dejaron de publicar a mediados de la década de 1620. [6]
A finales de la década de 1630, dos colecciones de madrigales resumieron las prácticas compositivas y técnicas del madrigalismo de estilo tardío. En Madrigali a 5 voci in partitura (1638), Domenico Mazzocchi recopiló y organizó madrigales en obras para continuo y ensamble específicamente compuestas para interpretación a capela . Por primera vez en una colección de música para madrigales, Mazzocchi publicó instrucciones precisas, incluidos los símbolos para crescendo y decrescendo ; sin embargo, esos madrigales estaban destinados al estudio musicológico , no a la interpretación, lo que indica la revisión retrospectiva del compositor Mazzochi del madrigal como una antigua forma de composición musical. [25] En el Octavo Libro de Madrigales (1638), Monteverdi publicó su madrigal más famoso, el Combattimento di Tancredi e Clorinda , una composición dramática muy parecida a un oratorio secular , que presenta innovaciones musicales como el stile concitato (estilo agitado) que emplea el trémolo de cuerdas . En el evento, la evolución de la composición musical eliminó el madrigal como una forma musical discreta; la cantata solista y el aria suplantaron al madrigal solista continuo, y el madrigal de conjunto fue suplantado por la cantata y el diálogo, y, en 1640, la ópera era la forma musical dramática predominante del siglo XVII. [23]
En la Inglaterra del siglo XVI, el madrigal se hizo muy popular tras la publicación de Musica Transalpina ( Música transalpina , 1588), de Nicholas Yonge (1560-1619), una colección de madrigales italianos con las correspondientes traducciones al inglés de las letras, que más tarde iniciaron la composición de madrigales en Inglaterra. El madrigal sin acompañamiento sobrevivió más tiempo en Inglaterra que en la Europa continental, donde la forma musical del madrigal había caído en desgracia, pero los madrigalistas ingleses continuaron componiendo y produciendo música al estilo italiano de finales del siglo XVI.
A principios del siglo XVIII en Inglaterra, el canto de madrigales fue revivido por los clubes de catch y los clubes de glee , lo que llevó a un aumento del interés en la forma [26] [27] y a la creación de instituciones musicales como la Madrigal Society , que fue establecida en Londres por el abogado y músico aficionado John Immyns en 1741. [28] En el siglo XIX, el madrigal era la música más conocida del Renacimiento (siglos XV-XVI) como consecuencia de la prolífica publicación de partituras en los siglos XVI y XVII, incluso antes del redescubrimiento de los madrigales del compositor Palestrina (Giovanni Pierluigi da Palestrina). [6]
En el siglo XVI, la forma musical del madrigal italiano influyó enormemente en la música secular de toda Europa, cuyos compositores escribían en italiano o en sus lenguas nativas. El alcance de la influencia musical madrigalista dependía de la fuerza cultural de la tradición local de música secular. En Francia, la composición nativa de la chanson impidió el desarrollo de un madrigal de estilo francés; no obstante, compositores franceses como Orlande de Lassus (1532-1594) y Claude Le Jeune (1528-1600) aplicaron técnicas madrigalianas en sus músicas. [6] En los Países Bajos, Cornelis Verdonck (1563-1625), Hubert Waelrant (1517-1595) y Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621) compusieron madrigales en italiano. [6]
En la Europa de habla alemana, los prolíficos compositores de madrigales incluyeron a Lassus en Múnich y Philippe de Monte (1521-1603) en Viena. Los compositores de habla alemana que estudiaron las técnicas italianas para componer madrigales, especialmente en Venecia, incluyeron a Hans Leo Hassler (1564-1612), que estudió con Andrea Gabrieli , y Heinrich Schütz (1585-1672), que estudió con Giovanni Gabrieli . Desde el norte de Europa, los compositores de la corte danesa y polaca fueron a Italia para aprender el estilo italiano del madrigal; mientras que Luca Marenzio (1553-1599) fue a la corte polaca para trabajar como maestro di cappella (Maestro de la capilla) para el rey Segismundo III Vasa (r. 1587-1632) en Varsovia. [6] Además, el rector de la Universidad de Wittenberg, Caspar Ziegler (1621-1690) y Heinrich Schütz escribieron el tratado Von den Madrigalen (1653). [29]
El madrigal a capella al estilo antiguo para cuatro o cinco voces continuó en paralelo con el nuevo estilo concertato de madrigal, pero el punto de inflexión compositivo de la seconda prattica proporcionó una línea de bajo continuo autónoma, presentada en el Quinto Libro de Madrigales (1605), de Claudio Monteverdi.
Se han publicado unos 60 madrigales de la Escuela Inglesa en The Oxford Book of English Madrigals
Durchkomponiert (G.) Compuesto de principio a fin; se aplica a canciones con música diferente para cada estrofa, es decir, no simplemente una melodía repetida.
