La música romántica es un movimiento estilístico de la música clásica occidental asociado con el período del siglo XIX, comúnmente conocido como la era romántica (o período romántico). Está estrechamente relacionado con el concepto más amplio de Romanticismo , el movimiento intelectual, artístico y literario que se hizo prominente en la cultura occidental desde aproximadamente 1798 hasta 1837. [1]
Los compositores románticos buscaron crear música que fuera individualista, emocional, dramática y, a menudo, programática ; reflejando tendencias más amplias dentro de los movimientos de la literatura , la poesía , el arte y la filosofía románticos. La música romántica a menudo se inspiraba ostensiblemente en estímulos no musicales (o bien buscaba evocarlos), como la naturaleza, [2] la literatura, [2] la poesía, [2] elementos sobrenaturales o las bellas artes. Incluía características como un mayor cromatismo y se alejaba de las formas tradicionales. [3]
El movimiento romántico fue un movimiento artístico, literario e intelectual que se originó en la segunda mitad del siglo XVIII en Europa y se fortaleció como reacción a la Revolución Industrial . [4] En parte, fue una revuelta contra las normas sociales y políticas de la Era de la Ilustración y una reacción contra la racionalización científica de la naturaleza (Casey 2008). Se plasmó con mayor fuerza en las artes visuales, la música, la literatura [5] y la educación [6] y, a su vez, estuvo influenciado por los avances en la historia natural. [7]
Una de las primeras aplicaciones significativas del término a la música fue en 1789, en las Mémoires del francés André Grétry , pero fue E. T. A. Hoffmann quien estableció los principios del romanticismo musical, en una extensa reseña de la Quinta Sinfonía de Ludwig van Beethoven publicada en 1810, y un artículo de 1813 sobre la música instrumental de Beethoven. En el primero de estos ensayos, Hoffmann trazó los inicios del romanticismo musical a las obras posteriores de Haydn y Mozart . Fue la fusión de ideas que Hoffmann ya asociaba con el término "romántico", utilizado en oposición a la moderación y formalidad de los modelos clásicos, lo que elevó la música, y especialmente la música instrumental, a una posición de preeminencia en el Romanticismo como el arte más adecuado para la expresión de emociones. También fue a través de los escritos de Hoffmann y otros autores alemanes que la música alemana llegó al centro del romanticismo musical. [8]
El período clásico solía utilizar material temático breve, incluso fragmentario, mientras que el período romántico tendía a hacer un mayor uso de temas más largos, más definidos y emocionalmente más evocadores. [9]
Características que a menudo se atribuyen al Romanticismo:
En la música, tras la muerte de Beethoven, se ha establecido una línea divisoria relativamente clara en la estructura y la forma musical. Independientemente de que se considere a Beethoven un compositor "romántico" o no, la amplitud y la fuerza de su obra dieron lugar a la sensación de que la forma clásica de la sonata y, de hecho, la estructura de la sinfonía, la sonata y el cuarteto de cuerdas se habían agotado. [14]
Los acontecimientos y los cambios en la sociedad, como las ideas, las actitudes, los descubrimientos, los inventos y los acontecimientos históricos, suelen afectar a la música. Por ejemplo, la Revolución Industrial estaba en pleno apogeo a finales del siglo XVIII y principios del XIX. Este acontecimiento afectó profundamente a la música: se produjeron importantes mejoras en las válvulas y llaves mecánicas de las que dependen la mayoría de los instrumentos de viento y de metal. Los instrumentos nuevos e innovadores se podían tocar con mayor facilidad y eran más fiables. [15]
Otro desarrollo que afectó a la música fue el ascenso de la clase media. [2] Los compositores anteriores a este período vivían bajo el patrocinio de la aristocracia. Muchas veces su audiencia era pequeña, compuesta principalmente por la clase alta y personas con conocimientos de música. [15] Los compositores románticos, por otro lado, a menudo escribían para conciertos públicos y festivales, con grandes audiencias de clientes que pagaban, que no necesariamente habían recibido lecciones de música. [15] Los compositores de la era romántica, como Elgar , mostraron al mundo que no debería haber "ninguna segregación de gustos musicales" [16] y que el "propósito era escribir música que fuera escuchada". [17]
"La música compuesta por [compositores] románticos" reflejaba "la importancia del individuo" al estar compuesta de maneras que a menudo eran menos restrictivas y más centradas en las habilidades del compositor como persona que los medios anteriores de escribir música. [2]
Durante el período romántico, la música solía adoptar un propósito mucho más nacionalista. Los compositores componían con un sonido distintivo que representaba a su país de origen y sus tradiciones. Por ejemplo, se ha interpretado que Finlandia, de Jean Sibelius , representaba a la nación en ascenso de Finlandia, que algún día lograría la independencia del control ruso. [18]
Frédéric Chopin fue uno de los primeros compositores en incorporar elementos nacionalistas a sus composiciones. Joseph Machlis afirma: «La lucha de Polonia por liberarse del régimen zarista despertó en Polonia al poeta nacionalista... Los ejemplos de nacionalismo musical abundan en la producción de la era romántica. El lenguaje popular es prominente en las Mazurkas de Chopin». [19] Sus mazurkas y polonesas son particularmente notables por el uso de ritmos nacionalistas. Además, «Durante la Segunda Guerra Mundial, los nazis prohibieron tocar... las Polonesas de Chopin en Varsovia debido al poderoso simbolismo que reside en estas obras». [19]
Otros compositores, como Bedřich Smetana , escribieron piezas que describían musicalmente sus países de origen. En particular, Vltava de Smetana es un poema sinfónico sobre el río Moldava en la actual República Checa , el segundo de un ciclo de seis poemas sinfónicos nacionalistas titulados colectivamente Má vlast (Mi patria). [20] Smetana también compuso ocho óperas nacionalistas, todas las cuales permanecen en el repertorio. Lo establecieron como el primer compositor nacionalista checo, así como el compositor de ópera checo más importante de la generación que alcanzó prominencia en la década de 1860. [21]
La transición del clasicismo vienés al romanticismo se puede encontrar en la obra de Ludwig van Beethoven . En sus obras aparecen por primera vez muchos elementos típicamente románticos. Estas obras se contraponen aquí a la música vocal y son música instrumental "prete". Según Hoffmann, la música instrumental pura de la música clásica vienesa, especialmente la de Beethoven , al estar libre de material o programa, es la encarnación de la idea del arte romántico. [22] Otro de los representantes más importantes del clasicismo tardío y del romanticismo temprano es Franz Schubert . Porque sólo con él entraron los rasgos románticos en la ópera en lengua alemana con sus obras de música de cámara y más tarde también con sinfonías . En este campo, su obra se complementa con las baladas de Carl Loewe . Carl Maria von Weber es importante para el desarrollo de la ópera alemana , especialmente con su popular Freischütz. Además, hay obras fantástico-terroríficas de Heinrich Marschner y, por último, la alegre ópera de Albert Lortzing , mientras que Louis Spohr se hizo conocido sobre todo por su música instrumental. Todavía están muy ligadas a la música clásica las obras de Johann Nepomuk Hummel , Ferdinand Ries y el francés George Onslow .
En Italia, la ópera belcanto alcanzó su máximo apogeo en el Romanticismo temprano, asociado a los nombres de Gioachino Rossini , Gaetano Donizetti y Vincenzo Bellini . Mientras que las óperas cómicas de Rossini son hoy conocidas principalmente por sus oberturas entusiastas , en Donizetti y Bellini predomina el contenido trágico. El compositor instrumental italiano más importante de esta época fue el legendario "violinista del diablo" Niccolò Paganini . En Francia , por un lado, se desarrolló la ópera cómica ligera, cuyos representantes son François-Adrien Boieldieu , Daniel-François-Esprit Auber y Adolphe Adam , este último también conocido por sus ballets . También se puede citar al famoso compositor y arpista excéntrico Robert Nicolas-Charles Bochsa (siete óperas). Además, la gran ópera se presentó con pomposas escenografías, ballets y grandes coros. Su primer representante fue Gaspare Spontini , su más importante Giacomo Meyerbeer .
El desarrollo de la música también ha experimentado un auge en otros países europeos. El irlandés John Field compuso los primeros Nocturnos para piano , Friedrich Kuhlau trabajó en Dinamarca y el sueco Franz Berwald escribió cuatro sinfonías muy peculiares .
El alto romanticismo se puede dividir en dos fases. En la primera fase, la música romántica propiamente dicha alcanza su apogeo. El compositor polaco Frédéric Chopin exploró profundidades de emoción hasta entonces desconocidas en sus piezas de carácter y danzas para piano. Robert Schumann , inmerso mentalmente al final de su vida, representa en persona y en su música casi el prototipo del apasionado artista romántico, ensombrecido por la tragedia. Sus idiosincrásicas piezas para piano, obras de música de cámara y sinfonías deberían tener una influencia duradera en la siguiente generación de músicos.
Franz Liszt , que procedía de la minoría alemana de Hungría, era por un lado un virtuoso del piano, pero por otro lado también sentó las bases de la progresista " Nueva Escuela Alemana " con sus poemas sinfónicos armoniosamente atrevidos . También se dedicó a la música de programa la técnica de la idea fija (leitmotiv) del francés Hector Berlioz , que también amplió significativamente la orquesta. Felix Mendelssohn se orientó más hacia el lenguaje formal clasicista y se convirtió en un modelo a seguir especialmente para compositores escandinavos como el danés Niels Wilhelm Gade . En la ópera, las óperas de Otto Nicolai y Friedrich von Flotow todavía dominaban en Alemania cuando Richard Wagner escribió sus primeras óperas románticas. Las primeras obras de Giuseppe Verdi también se basaban todavía en el ideal belcanto de la generación anterior. En Francia, la Opéra lyrique fue desarrollada por Ambroise Thomas y Charles Gounod . La música rusa encontró su propio lenguaje en las óperas de Mikhail Glinka y Alexander Dargomyschski.
La segunda fase del alto romanticismo transcurre en paralelo con el estilo del realismo en la literatura y las artes visuales. En la segunda mitad de su creación, Wagner desarrolló ahora su técnica del leitmotiv , con la que mantiene unido el anillo de cuatro partes de Los Nibelungos , compuesto sin arias ; la orquesta es tratada sinfónicamente, el cromatismo alcanza su extremo en Tristán e Isolda . Toda una multitud de discípulos está bajo la influencia de las ideas progresistas de Wagner, entre ellos, por ejemplo, Peter Cornelius . Por otro lado, surgió una oposición de numerosos compositores más conservadores, para los cuales Johannes Brahms , que buscaba una continuación lógica de la música clásica en la sinfonía, la música de cámara y el canto, se convirtió en un modelo de escala debido a la profundidad de la sensación y una técnica de composición magistral . Entre otros, se incluyen Robert Volkmann , Friedrich Kiel , Carl Reinecke , Max Bruch , Josef Gabriel Rheinberger y Hermann Goetz .
Además, aparecieron en escena algunos solitarios importantes, entre los que destaca especialmente Anton Bruckner . Aunque era partidario de Wagner, su estilo de formas claras difiere significativamente del de ese compositor. Por ejemplo, la instrumentación basada en bloques de las sinfonías de Bruckner se deriva de los registros del órgano. En la lucha ideológica contra los adversarios de Wagner, sus seguidores lo presentaron como un homólogo de Brahms. Felix Draeseke , que originalmente escribió "música futura en forma clásica" a partir de Liszt, también se sitúa entre los dos bandos en cuanto a composición.
Verdi también alcanzó el camino del drama musical bien compuesto , aunque de un modo diferente al de Wagner. Su inmenso carisma hizo que todos los demás compositores se desvanecieran en Italia, incluidos Amilcare Ponchielli y Arrigo Boito , que también fue el libretista de sus últimas óperas Otello y Falstaff. En Francia, en cambio, la musa de la luz triunfó primero en forma de operetas sociocríticas de Jacques Offenbach . La ópera lírica encontró su clímax en las obras de Jules Massenet , mientras que en Carmen de Georges Bizet llegó por primera vez el realismo. Louis Théodore Gouvy construyó un puente estilístico con la música alemana. Las óperas, sinfonías y obras de música de cámara del extremadamente versátil Camille Saint-Saëns estaban, al igual que los ballets de Léo Delibes , más orientadas a la tradición. Se encontraron nuevos colores para la orquesta en las composiciones de Édouard Lalo y Emmanuel Chabrier . El belga César Franck estuvo acompañado por un renacimiento de la música de órgano, que fue continuado por Charles-Marie Widor , más tarde Louis Vierne y Charles Tournemire .
En casi todos los países europeos ya había surgido un romanticismo nacional específico. La corriente nacional rusa iniciada por Glinka fue continuada en Rusia por el " Grupo de los Cinco ": Mili Balákirev , Aleksandr Borodín , Modest Músorgski , Nikolái Rimski-Kórsakov y César Cui . Más orientados a Occidente fueron Antón Rubinstein y Piotr Chaikovski , cuyos ballets y sinfonías ganaron gran popularidad. Bedřich Smetana fundó la música nacional checa con sus óperas y los poemas sinfónicos orientados hacia Liszt. Las sinfonías, conciertos y obras de música de cámara de Antonín Dvořák , por otro lado, tienen a Brahms como modelo. En Polonia, Stanisław Moniuszko fue el principal compositor de ópera, en Hungría Ferenc Erkel . Noruega produjo a sus compositores más conocidos con Edvard Grieg , creador de obras líricas para piano, canciones y obras orquestales como la Suite Peer-Gynt; La voz de Inglaterra resonó con Hubert Parry, orientado hacia Brahms, y el sinfonista, así como con las extrañas [ ¿según quién? ] operetas de Arthur Sullivan .
En el Romanticismo tardío, también llamado posromanticismo, las formas y elementos tradicionales de la música se disuelven aún más. Una paleta orquestal cada vez más colorida, una gama cada vez mayor de medios musicales, la extensión de la tonalidad hasta sus límites, emociones exageradas y un lenguaje tonal cada vez más individual de cada compositor son características típicas; la música es llevada al umbral de la modernidad . Así, las sinfonías de Gustav Mahler alcanzaron dimensiones hasta entonces desconocidas, abandonan en parte la tradicional estructura de cuatro frases y a menudo contienen proporciones vocales. Pero detrás de la fachada monumental se esconde la expresividad moderna del fin de siglo . Esta expresividad psicológica también está contenida en las canciones de Hugo Wolf , dramas en miniatura para voz y piano. Más comprometidas con la tradición, especialmente orientadas hacia Bruckner, son las sinfonías de Franz Schmidt y Richard Wetz , mientras que Max Reger recurrió a la polifonía de Bach en sus numerosas obras instrumentales, pero la desarrolló de forma armoniosa con gran audacia. Entre los numerosos compositores del sucesor de Reger destacan Julius Weismann y Joseph Haas . Entre los creadores sonoros románticos tardíos más destacados se encuentra también el idiosincrásico Hans Pfitzner . Aunque era un tradicionalista y un firme oponente de las corrientes modernas, muchas de sus obras están bastante cerca del progreso musical de la época. Entre sus sucesores se encuentran Walter Braunfels , que se destacó principalmente como compositor de ópera, y el sinfonista Wilhelm Furtwängler . El escenario de la ópera era especialmente adecuado para aumentar las emociones. Las óperas populares y de cuentos de hadas de Engelbert Humperdinck , Wilhelm Kienzl y Siegfried Wagner , el hijo de Richard Wagner, seguían siendo bastante buenas. Pero incluso Eugen d'Albert y Max von Schillings irritaban los nervios con una variante alemana del verismo. El simbolismo erótico se puede encontrar en las obras teatrales de Alexander von Zemlinsky y Franz Schreker . Richard Strauss llegó incluso más lejos en los límites de la tonalidad con Salomé y Elektra antes de tomar caminos más tradicionales con El caballero de la rosa. En el estilo relacionado con las obras de Strauss se muestran las composiciones de Emil Nikolaus von Rezniceks y Paul Graeners.
En Italia, la ópera todavía dominaba en esta época. En ella se desarrolló el verismo, un realismo exagerado que podía convertirse fácilmente en algo llamativo y melodramático en el escenario operístico. A pesar de su extensa obra, Ruggero Leoncavallo , Pietro Mascagni , Francesco Cilea y Umberto Giordano sólo se dieron a conocer a través de una ópera a la vez. Sólo la obra de Giacomo Puccini se ha conservado íntegramente en el repertorio de los teatros de ópera, aunque también se le acusó a menudo de sentimentalismo. A pesar de algunas obras veristas, Ermanno Wolf-Ferrari se consideró principalmente un renacimiento de la ópera bufa. Ferruccio Busoni , un defensor temporal del clasicismo moderno que vivió en Alemania, dejó una obra bastante convencional y poco interpretada. Así, la música instrumental en realidad sólo encontró su lugar en la música italiana con Ottorino Respighi , quien estaba influenciado por el impresionismo.
El término impresionismo proviene de la pintura y, como allí, también se desarrolló en la música en Francia. En las obras de Claude Debussy , las estructuras se disolvieron en los matices más finos de ritmo, dinámica y timbre. Este desarrollo fue preparado en la obra de Vincent d'Indy , Ernest Chausson y, sobre todo, en las canciones y la música de cámara de Gabriel Fauré . Todos los compositores franceses posteriores estuvieron más o menos influenciados por el impresionismo. El más importante entre ellos fue Maurice Ravel , un brillante virtuoso orquestal. Albert Roussel primero trató temas exóticos antes de anticipar las tendencias neoclásicas como Ravel. Gabriel Pierné , Paul Dukas , Charles Koechlin y Florent Schmitt también trataron sustancias simbólicas y exótico-orientales. El solitario Erik Satie fue el creador de piezas para piano hiladas e ídolo de la siguiente generación. Sin embargo, el impresionismo a menudo se atribuye a la época de la modernidad, si no se lo ve como una época propia. Hubert Parry y el irlandés Charles Villiers Stanford iniciaron en Inglaterra el Romanticismo tardío, que tuvo en Edward Elgar su primer representante importante . Mientras éste revivió el oratorio y escribió sinfonías y conciertos, Frederick Delius se dedicó a las imágenes orquestales particularmente pequeñas con su propia variante del impresionismo. Ethel Smyth escribió sobre todo óperas y música de cámara en un estilo que recordaba a Brahms. Ralph Vaughan Williams , cuyas obras se inspiraban en canciones populares inglesas y en la música renacentista , se convirtió en el sinfonista más importante de su país. Gustav Holst incorporó a su obra la mitología griega y la filosofía india. Personalidades compositoras muy idiosincrásicas en la transición a la modernidad fueron también Havergal Brian y Frank Bridge .
En Rusia, Aleksandr Glazunov decoró su técnica tradicional de composición con una paleta orquestal colorida. El místico Aleksandr Scriabin soñaba con una síntesis de colores, sonidos y aromas. Sergei Rachmaninov escribió piezas para piano melancólicas y patéticas llenas de virtuosismo embriagador, mientras que las obras para piano de Nikolai Medtner son más líricas.
En la República Checa, Leoš Janáček , profundamente arraigado en la música de su patria morava , encontró nuevas áreas de expresión con el desarrollo de la melodía del lenguaje en sus óperas. Los sonidos locales también son inconfundibles en la música de Zdeněk Fibich , Josef Bohuslav Foerster , Vítězslav Novák y Josef Suk . Por otro lado, hay un exotismo ligeramente mórbido y una medida clasicista posterior en la obra del polaco Karol Szymanowski . El compositor danés más importante es Carl Nielsen , conocido por sinfonías y conciertos. Aún más dominante en su país es la posición del finlandés Jean Sibelius , también un sinfonista de expresividad melancólica y diseño de líneas claras. En Suecia, las obras de Wilhelm Peterson-Berger , Wilhelm Stenhammar y Hugo Alfvén muestran un conservadurismo nórdico típico, y el noruego Christian Sinding también compuso de manera tradicional.
La música de España también volvió a aumentar en popularidad después de mucho tiempo, primero en las obras para piano de Isaac Albéniz y Enrique Granados , luego en las óperas, ballets y obras orquestales de Manuel de Falla , influenciado por el impresionismo.
Finalmente, los primeros representantes importantes de los Estados Unidos aparecieron también con Edward MacDowell y Amy Beach . Pero incluso la obra de Charles Ives pertenecía sólo en parte al Romanticismo tardío: gran parte de ella ya era radicalmente moderna y apuntaba hacia el siglo XX.
La Nueva Escuela Alemana fue un grupo informal de compositores y críticos liderados informalmente por Franz Liszt y Richard Wagner , quienes se esforzaron por ampliar los límites de la armonía cromática y la música programática en oposición a la música absoluta que, según ellos, había llegado a su límite bajo Ludwig van Beethoven . [23]
Este grupo también impulsó el desarrollo y la innovación del poema sinfónico , la transformación temática en la forma musical y los cambios radicales en la tonalidad y la armonía . [24]
Otros miembros importantes de este movimiento incluyen al crítico Richard Pohl y los compositores Felix Draeseke , Julius Reubke , Karl Klindworth , William Mason y Peter Cornelius .
Los conservadores eran un amplio grupo de músicos y críticos que mantenían el legado artístico de Robert Schumann que se adhería a la composición y promoción de la música absoluta . [25]
Creían en continuar los pasos de Ludwig van Beethoven y componer el género sinfónico según el modelo clásico, aunque implementarían su propio lenguaje musical. [26]
Los miembros más destacados de este círculo fueron Johannes Brahms , Joseph Joachim , Clara Schumann y el Conservatorio de Leipzig , fundado por Felix Mendelssohn .
Los Cinco Poderosos fueron un grupo de compositores rusos radicados en San Petersburgo que colaboraron entre sí desde 1856 hasta 1870 para crear un estilo nacional claramente ruso de música clásica . A menudo se enfrentaron a Piotr Ilich Chaikovski, que favorecía un enfoque más occidental de la composición clásica.
Dirigido por Mily Balakirev, el grupo también contaba entre sus miembros principales con César Cui , Modest Mussorgsky , Nikolai Rimsky-Korsakov y Alexander Borodin .
El Círculo Belyayev fue una sociedad de músicos rusos que se reunió en San Petersburgo entre 1885 y 1908 y que buscaba continuar el desarrollo del estilo nacional ruso de música clásica siguiendo los pasos de los Cinco Poderosos, aunque eran mucho más tolerantes con el estilo compositivo occidental de Tchaikovsky .
Este grupo fue fundado por el editor musical y filántropo ruso Mitrofan Belyayev . Los dos compositores más importantes de este grupo fueron Nikolai Rimsky-Korsakov y Alexander Glazunov . Entre los miembros también se encontraban Vladimir Stasov , Anatoly Lyadov , Alexander Ossovsky , Witold Maliszewski , Nikolai Tcherepnin , Nikolay Sokolov y Alexander Winkler .
Durante la segunda mitad del siglo XIX, algunos compositores destacados comenzaron a explorar los límites del sistema tonal tradicional. Ejemplos importantes incluyen Tristan und Isolde [27] de Richard Wagner y Bagatelle sans tonalité [28] de Franz Liszt . Este límite finalmente se alcanzó durante el período romántico tardío, donde la tonalidad progresiva se demuestra en las obras de compositores como Gustav Mahler . [29] Con estos desarrollos, el Romanticismo finalmente comenzó a dividirse en varios nuevos movimientos paralelos que se formaron en respuesta, dando paso al Modernismo .
Algunos movimientos notables que se formaron en respuesta al colapso del Romanticismo incluyen el Expresionismo , con Arnold Schoenberg y la Segunda Escuela de Viena como sus principales promotores, y el Primitivismo, con Igor Stravinsky como su compositor más influyente.
Llevada al máximo nivel por Ludwig van Beethoven , la sinfonía se convierte en la forma más prestigiosa a la que se dedican muchos compositores. Los más conservadores respecto al modelo beethoveniano incluyen a compositores como Franz Schubert , Felix Mendelssohn , Robert Schumann , Camille Saint-Saëns y Johannes Brahms . Otros muestran una imaginación que les hace ir más allá de este marco, en la forma o en el espíritu: el más atrevido de ellos es Hector Berlioz .
Por último, algunos también contarán una historia a lo largo de sus sinfonías; como Franz Liszt , crearán el poema sinfónico , un nuevo género musical, generalmente compuesto de un solo movimiento e inspirado en un tema, personaje o texto literario. Dado que el poema sinfónico se articula en torno a un leitmotiv (motivo musical para identificar a un personaje, el héroe por ejemplo), es comparable a la música con un programa sinfónico.
Este género musical surgió con la evolución del pianoforte al piano durante el periodo romántico. El lied es música vocal acompañada la mayoría de las veces por este instrumento. El canto se toma de poemas románticos y este estilo permite acercar la voz lo más posible a los sentimientos. Uno de los primeros y más famosos compositores de lieder es Franz Schubert , con Erlkönig , sin embargo, muchos otros compositores románticos se han dedicado al género del lied como Saint-Saëns , Duparc , Robert Schumann , Johannes Brahms , Hugo Wolf , Gustav Mahler y Richard Strauss .
Beethoven es quien inaugura el concierto romántico con sus cinco conciertos para piano (especialmente el quinto ) y su concierto para violín , en el que todavía se reconocen muchas características del clasicismo . Su ejemplo es seguido por numerosos compositores: el concierto rivaliza con la sinfonía en el repertorio de las grandes formaciones orquestales .
Por último, el concierto permitirá a los compositores instrumentistas revelar su virtuosismo, como Niccolò Paganini al violín y Frédéric Chopin , Robert Schumann y Franz Liszt al piano.
El nocturno se presenta como una pieza confidencial de corta duración, que el compositor irlandés John Field fue uno de los primeros en cultivar. Inmerso en el clima de la noche, atmósfera privilegiada por los románticos, es a menudo de estructura ABA, con una melodía muy flexible y ornamentada , acompañada por una mano izquierda con arpegios ondulantes . El tempo suele ser lento, y la parte central suele ser más agitada.
Frédéric Chopin puso en música la forma más famosa de los Nocturnos. Escribió 21, entre 1827 y 1846. Publicados primero en series de tres (opus 9 y 15), luego se agruparon en pares (opus 27, 32, 37, 48, 55, 62).
El ballet romántico se desarrolló a lo largo del siglo XIX, especialmente por compositores como Pyotr Ilyich Tchaikovsky en Rusia y Léo Delibes en Francia.
Durante el siglo XIX, el romanticismo se apoderó de la ópera y fue París el que se convirtió en uno de sus principales centros. La mayoría de las óperas románticas fueron compuestas por compositores que vivían en Francia, como Luigi Cherubini , Gaspare Spontini , François-Adrien Boieldieu y Daniel-François-Esprit Auber . El apogeo del estilo de las grandes óperas lo marcan las obras de Giacomo Meyerbeer . Les Troyens de Hector Berlioz fue primero ignorada, Benvenuto Cellini es discutido durante el estreno, mientras que Fausto de Charles Gounod es una de las óperas francesas más populares de mediados del siglo XIX.
Durante la segunda parte del siglo XIX, Georges Bizet revolucionará la ópera con Carmen: «color local basado en el uso de canciones y danzas españolas» según Nietzsche, es «un rayo de luz mediterránea que disipa la niebla del ideal wagneriano». El interés por las obras de «color local» se confirma con Lakmé de Léo Delibes , y Sansón y Dalila de Camille Saint-Saëns . El compositor francés de óperas más productivo de la última parte del siglo fue Jules Massenet componiendo obras como Manon , Werther , y Thaïs .
Jacques Offenbach , autor de Los cuentos de Hoffmann , se consagró como el maestro de la ópera cómica francesa del siglo XIX, inventando un nuevo género, la ópera cómica francesa, que más tarde se confundió con la opereta.
A principios del siglo XX, el romanticismo en Francia fue abandonado progresivamente en favor de otras corrientes como el impresionismo o el simbolismo , llevado en particular por Pelléas y Mélisande (1902) de Claude Debussy .
Carl Maria von Weber , con Der Freischütz (1821) crea la primera ópera romántica alemana; la primera ópera importante es Fidelio de Beethoven (1805), la única obra operística de este compositor.
Richard Wagner , con El holandés errante , introduce el leitmotiv y el proceso de la «melodía cíclica». Revoluciona la ópera por la duración y la potencia instrumental. Su obra principal, la Tetralogía, es una de las cumbres de la ópera alemana. Crea el «drama musical» en el que la orquesta se convierte ahora en protagonista al igual que los personajes. En 1876 se crea el Festival de Bayreuth , dedicado exclusivamente a la representación de las obras de Wagner.
La influencia de Wagner continúa en prácticamente todas las óperas, incluso en Hänsel und Gretel de Engelbert Humperdinck . La figura dominante es entonces Richard Strauss , que utiliza técnicas de orquestación y vocales similares a las de Wagner en Salomé y Elektra mientras desarrolla su propio camino. Der Rosenkavalier es la obra de Strauss que tuvo un éxito más fulgurante en su momento.
El romanticismo italiano comienza con Gioachino Rossini , que compuso obras como El barbero de Sevilla y La Cenerentola . Creó el estilo " bel canto ", estilo adoptado por sus contemporáneos Vincenzo Bellini y Gaetano Donizetti .
Sin embargo, el rostro de la ópera italiana es Giuseppe Verdi, cuyo coro de esclavos de Nabucco es un himno muy importante para toda Italia. La trilogía formada por Rigoletto , Il trovatore y La traviata se encuentran entre sus obras más importantes, pero alcanza la cima de su arte con Otello y Falstaff al final de su carrera. Ha infundido a sus obras un vigor dramático y una vitalidad rítmica incomparables.
En la segunda mitad del siglo XIX, Giacomo Puccini , sucesor indiscutible de Verdi, trasciende el realismo hacia el verismo . La Bohème , Tosca , Madame Butterfly y Turandot son óperas melódicas cargadas de emoción.
Otras obras de inspiración nacional:
