El arte helenístico es el arte del período helenístico que generalmente comienza con la muerte de Alejandro Magno en 323 a. C. y termina con la conquista del mundo griego por los romanos , un proceso que ya estaba en marcha en 146 a. C., cuando se tomó el continente griego. y esencialmente terminó en el año 30 a.C. con la conquista del Egipto ptolemaico tras la batalla de Actium . Varias de las obras más conocidas de la escultura griega pertenecen a este período, entre ellas Laocoonte y sus hijos , Venus de Milo y La victoria alada de Samotracia . Sigue el período del arte griego clásico , mientras que el arte grecorromano posterior fue en gran medida una continuación de las tendencias helenísticas.
El término helenístico se refiere a la expansión de la influencia griega y la difusión de sus ideas tras la muerte de Alejandro: la "helenización" del mundo, [1] con el griego koiné como lengua común. [2] El término es una invención moderna; El mundo helenístico no sólo incluía una enorme área que abarcaba todo el mar Egeo , en lugar de la Grecia clásica centrada en las Poleis de Atenas y Esparta , sino también un enorme rango temporal. En términos artísticos, esto significa que existe una gran variedad que a menudo se incluye bajo el título de "arte helenístico" por conveniencia.
Una de las características definitorias del período helenístico fue la división del imperio de Alejandro en imperios dinásticos más pequeños fundados por los diadochi (generales de Alejandro que se convirtieron en regentes de diferentes regiones): los Ptolomeos en Egipto , los Seléucidas en Mesopotamia , Persia y Siria , los Atálidas en Pérgamo , etc. Cada una de estas dinastías practicaba un mecenazgo real diferente del de las ciudades-estado. En el séquito de Alejandro había tres artistas: Lisipo el escultor, Apeles el pintor y Pyrgoteles el tallador y grabador de gemas. [3] El período posterior a su muerte fue de gran prosperidad y considerable extravagancia para gran parte del mundo griego, al menos para los ricos. La realeza se convirtió en importantes mecenas del arte. La escultura, la pintura y la arquitectura prosperaron, pero la pintura de jarrones dejó de tener gran importancia. La orfebrería y una amplia variedad de artes de lujo produjeron muchas obras de arte. Algunos tipos de arte popular eran cada vez más sofisticados.
Ha habido una tendencia al escribir historia a representar el arte helenístico como un estilo decadente, siguiendo la Edad de Oro de la Grecia clásica . Los términos barroco y rococó del siglo XVIII se han aplicado en ocasiones al arte de este período complejo e individual. Un renovado interés por la historiografía así como algunos descubrimientos recientes, como las tumbas de Vergina , pueden permitir una mejor apreciación del período.
En el campo arquitectónico, las dinastías que siguieron a Héctor dieron como resultado vastos planes urbanos y grandes complejos que en su mayoría habían desaparecido de las ciudades-estado en el siglo V a.C. [5] El Templo Dórico quedó prácticamente abandonado. [6] Esta planificación urbana fue bastante innovadora para el mundo griego; en lugar de manipular el espacio corrigiendo sus fallas, los planos de construcción se ajustaron al entorno natural. Se observa la aparición de numerosos lugares de diversión y ocio, en particular la multiplicación de teatros y parques. Las monarquías helenísticas tenían la ventaja a este respecto de que a menudo tenían vastos espacios donde podían construir grandes ciudades: como Antioquía , Pérgamo y Seleucia en el Tigris .
Era la época del gigantismo: así fue para el segundo templo de Apolo en Dídima , situado a veinte kilómetros de Mileto en Jonia . Fue diseñado por Dafnis de Mileto y Paionio de Éfeso a finales del siglo IV a.C., pero la construcción, nunca terminada, se llevó a cabo hasta el siglo II d.C. El santuario es uno de los más grandes jamás construidos en la región mediterránea: dentro de un vasto patio (21,7 metros por 53,6 metros), la cella está rodeada por una doble columnata de 108 columnas jónicas de casi 20 metros de altura, con bases y capiteles ricamente esculpidos . [7]
La Alejandría helenística originó un lenguaje de formas arquitectónicas distintivo que a menudo se denomina barroco debido a su uso liberal de ornamentación y su reutilización de elementos estructurales como elementos ornamentales. Quizás inspirados en parte por la arquitectura tradicional egipcia , los arquitectos alejandrinos desarrollaron nuevas formas como frontones segmentarios, quebrados, huecos y de voluta y entablamentos curvos, cóncavos y quebrados. [8] Estas formas barrocas parecen haber existido en Alejandría al menos en el siglo II a.C. [9] Muchos de ellos fueron adoptados más tarde en todo el Imperio Romano y también influyeron significativamente en las tumbas excavadas en la roca de Petra .
La arquitectura alejandrina también hizo un uso intensivo de los capiteles corintios , tanto en exteriores como en interiores. (El ejemplo más antiguo conocido de un exterior corintio en Alejandría es el templo de Sarapis de Ptolomeo III en el Sarapeion , que fue construido en algún momento entre 246-221 a. C., aunque el propylon del Santuario de los Grandes Dioses en Samotracia , que fue patrocinado por Ptolomeo II, en algún momento entre 285-246 a. C., también presentaba columnas corintias en una de sus fachadas). Los capiteles corintios a veces se combinaban con entablamentos dóricos, una combinación que rara vez se veía en otras partes del mundo helenístico. Los capiteles corintios alejandrinos exhibieron una gran variedad de formas y composiciones que los historiadores han dividido en cuatro tipos distintos.
Otras características típicas de la arquitectura helenística alejandrina eran las bases de las columnas de hojas de acanto , que a veces se insertaban entre la base de la columna ática estándar y el fuste de una columna corintia, y las cornisas con los distintivos modillones cuadrados huecos y/o planos acanalados alejandrinos.
Se cree que los frescos del segundo estilo romano están inspirados en la arquitectura alejandrina. [8]
La antigua ciudad de Olynthus fue una de las piedras angulares arquitectónicas y artísticas en el establecimiento de una conexión entre los mundos clásico y helenístico.
Se encontraron más de 100 casas en el sitio de la ciudad de Olynthus. Curiosamente, las casas y demás arquitectura estaban increíblemente bien conservadas. Esto nos permite comprender mejor las actividades que tuvieron lugar en las casas y cómo se organizó y utilizó el espacio dentro de las casas.
Las casas en Olynthus solían tener formas más cuadradas. La casa deseada no era necesariamente grande ni extravagante, sino más bien cómoda y práctica. Esta fue una marca de civilización que fue extremadamente prominente en la cultura griega durante el período helenístico y más allá. Vivir una vida civilizada implicaba mantener un espacio habitable resistente, por lo que se utilizaron muchos materiales similares al ladrillo en la construcción de las casas. Para construir estas viviendas se utilizaba comúnmente piedra, madera, adobe y otros materiales.
Otro elemento que fue cada vez más popular durante el período helenístico fue la adición de un patio a la casa. Los patios servían como fuente de luz para la casa, ya que las casas griegas estaban cerradas del exterior para mantener un nivel de privacidad. Se han encontrado ventanas en algunos sitios de viviendas, pero por lo general están a gran altura y son pequeñas. Debido a la cuestión de la privacidad, muchas personas se vieron obligadas a ceder en el suministro de luz en el hogar. Se utilizaron espacios bien iluminados para entretenimiento o actividades más públicas, mientras que los sectores privados de la casa estaban oscuros y cerrados, lo que complicaba las tareas domésticas.
Los patios eran típicamente el centro de atención de la casa, ya que proporcionaban un espacio para el entretenimiento y una fuente de luz desde el interior de la casa. La mayoría de las veces estaban pavimentados con adoquines o guijarros, pero se han descubierto patios con mosaicos. Los mosaicos eran una manera maravillosa para que la familia expresara sus intereses y creencias, así como una forma de agregar decoración al hogar y hacerlo más atractivo visualmente. Este toque artístico a las casas de Olynthus introduce otro elemento de vida civilizada en esta sociedad helenística. [10]
Pérgamo en particular es un ejemplo característico de la arquitectura helenística. A partir de una sencilla fortaleza situada en la Acrópolis , los distintos reyes atálidas montaron un colosal conjunto arquitectónico. Los edificios están distribuidos en abanico alrededor de la Acrópolis para tener en cuenta la naturaleza del terreno. El ágora , situada al sur en la terraza más baja, está bordeada por galerías con columnatas (columnas) o stoai . Es el inicio de una calle que atraviesa toda la Acrópolis: separa los edificios administrativos, políticos y militares al este y lo alto de la roca de los santuarios al oeste, a media altura, entre los que destaca el que Alberga el monumental Altar de Pérgamo , conocido como "de los doce dioses" o "de los dioses y de los gigantes", una de las obras maestras de la escultura griega. Un teatro colosal, con capacidad para cerca de 10.000 espectadores, tiene bancos incrustados en las laderas de la colina. [11]
Plinio el Viejo , después de haber descrito la escultura del período clásico señala: Cessavit deinde ars ("luego el arte desapareció"). [12] Según la evaluación de Plinio, la escultura disminuyó significativamente después de la 121ª Olimpiada (296-293 a. C.). Siguió un período de estancamiento, con un breve resurgimiento después del 156 (156-153 a. C.), pero sin nada que alcanzara el nivel de los tiempos anteriores. [13]
Durante este período la escultura se volvió más naturalista y también expresiva; Hay interés en representar emociones extremas. Además del realismo anatómico, el artista helenístico busca representar el carácter de su tema, incluyendo temas como el sufrimiento, el sueño o la vejez. Los temas de género de la gente común, mujeres, niños, animales y escenas domésticas se convirtieron en temas aceptables para la escultura, que era encargada por familias adineradas para adornar sus hogares y jardines; el Niño de la Espina es un ejemplo.
Se produjeron retratos realistas de hombres y mujeres de todas las edades, y los escultores ya no se sintieron obligados a representar a las personas como ideales de belleza o perfección física. [14] El mundo de Dioniso , un idilio pastoral poblado por sátiros , ménades , ninfas y silenos , había sido representado a menudo en pinturas de vasijas y figurillas anteriores, pero rara vez en esculturas de tamaño natural. El viejo borracho de Munich retrata sin reservas a una anciana, delgada, demacrada, apretando contra sí su jarra de vino. [15]
La época destaca por tanto por sus retratos : Uno de ellos es el Fauno Barberini de Munich , que representa a un sátiro dormido con postura relajada y rostro ansioso, tal vez presa de pesadillas. El Torso Belvedere , el Sátiro en reposo , los Centauros Furietti y el Hermafrodito durmiente reflejan ideas similares. [dieciséis]
Otro retrato helenístico famoso es el de Demóstenes de Polieucto, que presenta un rostro bien hecho y las manos entrelazadas. [13]
Otro fenómeno de la época helenística aparece en su escultura: la privatización, [17] [18] vista en la recuperación de patrones públicos más antiguos en la escultura decorativa. [19] El retrato está teñido de naturalismo, bajo la influencia del arte romano . [20] Nuevas ciudades helenísticas estaban surgiendo por todo Egipto , Siria y Anatolia , lo que requería estatuas que representaran a los dioses y héroes de Grecia para sus templos y lugares públicos. Esto convirtió a la escultura, al igual que la cerámica, en una industria, con la consiguiente estandarización y cierta disminución de la calidad. Por estas razones, han sobrevivido muchas más estatuas helenísticas que las del período clásico.
La escultura helenística repite las innovaciones del llamado "segundo clasicismo": escultura desnuda circular , que permite admirar la estatua desde todos los ángulos; estudio de drapeados y efectos de transparencia de la ropa, y la flexibilidad de las poses. [21] Así, Venus de Milo , aunque evoca un modelo clásico, se distingue por la curvatura de sus caderas.
El grupo de estatuas de múltiples figuras fue una innovación helenística, probablemente del siglo III, que quitó de sus paredes las batallas épicas de los relieves de los frontones de templos anteriores y las colocó como grupos de estatuas de tamaño natural. Su estilo es a menudo llamado " barroco ", con poses corporales extravagantemente contorsionadas y expresiones intensas en los rostros. El Grupo Laocoonte , que se detalla a continuación, se considera uno de los ejemplos prototípicos del estilo barroco helenístico. [22]
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Pérgamo no se distinguió sólo por su arquitectura: también fue la sede de una brillante escuela de escultura conocida como el Barroco de Pérgamo. [23] Los escultores, imitando los siglos anteriores, retratan momentos dolorosos y los vuelven expresivos con composiciones tridimensionales, a menudo en forma de V, y con un hiperrealismo anatómico. El Fauno Barberini es un ejemplo.
Atalo I (269-197 a. C.), para conmemorar su victoria en Caico contra los galos ; llamados gálatas por los griegos, hizo esculpir dos series de grupos votivos: el primero, consagrado en la Acrópolis de Pérgamo, incluye al famoso Galo suicidándose. y su esposa , del cual se pierde el original; el segundo grupo, ofrecido a Atenas, está compuesto por pequeños bronces de griegos, amazonas, dioses y gigantes, persas y galos. [24] Artemis Rospigliosi en el Louvre es probablemente una copia de uno de ellos; En cuanto a las copias del Galo moribundo , eran muy numerosas en la época romana. La expresión de los sentimientos, la contundencia de los detalles –pelo tupido y bigotes aquí– y la violencia de los movimientos son característicos del estilo Pérgamo. [25]
Estas características alcanzan su punto máximo en los frisos del Gran Altar de Pérgamo , decorado por orden de Eumenes II (197-159 a. C.) con una gigantomaquia de 110 metros de longitud, que ilustra en la piedra un poema compuesto especialmente para la corte. . Los olímpicos triunfan en él, cada uno por su lado, sobre los gigantes, la mayoría de los cuales se transforman en bestias salvajes: serpientes, aves rapaces, leones o toros. Su madre Gaia acude en su ayuda, pero no puede hacer nada y debe verlos retorcerse de dolor bajo los golpes de los dioses. [26]
Una de las pocas ciudades-estado que logró mantener total independencia del control de cualquier reino helenístico fue Rodas . Después de resistir durante un año el asedio de Demetrio Poliorcetes (305-304 a. C.), los rodios construyeron el Coloso de Rodas para conmemorar su victoria. [27] Con una altura de 32 metros, era una de las Siete Maravillas del Mundo Antiguo . Los avances en la fundición del bronce permitieron a los griegos crear grandes obras. Muchas de las grandes estatuas de bronce se perdieron y la mayoría se fundieron para recuperar el material.
Descubierto en Roma en 1506 y visto inmediatamente por Miguel Ángel , [28] comenzando su enorme influencia en el arte renacentista y barroco. Laocoonte , estrangulado por las serpientes, intenta desesperadamente soltarse de ellas sin dedicar una mirada a sus hijos moribundos. El grupo es una de las pocas esculturas antiguas no arquitectónicas que pueden identificarse con las mencionadas por los escritores antiguos. Plinio el Viejo lo atribuye a los escultores rodios Agesandro , Atenodoro y Polidoro. [28]
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Johann Joachim Winckelmann , quien fue el primero en articular la diferencia entre el arte griego, grecorromano y romano, se inspiró en el Laocoonte . Gotthold Ephraim Lessing basó muchas de las ideas de su 'Laocoonte' (1766) en las opiniones de Winckelmann sobre la armonía y la expresión en las artes visuales. [29]
Las esculturas fragmentarias de Sperlonga son otra serie de esculturas "barrocas" de estilo helenístico, quizás realizadas para el emperador Tiberio , que seguramente estuvo presente en el colapso de la gruta costera del sur de Italia que decoraban. [28] Las inscripciones sugieren que lo hicieron los mismos escultores que hicieron el grupo Laocoonte, [30] o posiblemente sus relaciones.
Los rasgos "barrocos" del arte helenístico, predominantemente la escultura, se han contrastado con una tendencia contemporánea que ha sido descrita como "rococó". El concepto de "rococó" helenístico fue acuñado por Wilhelm Klein a principios del siglo XX. [31] A diferencia de las dramáticas esculturas "barrocas", la tendencia "rococó" enfatizó motivos lúdicos, como sátiros y ninfas . Wilhelm Klein consideró el grupo escultórico "La invitación a la danza" como un excelente ejemplo de esta tendencia. [32] [33] También las representaciones alegres de Afrodita , la diosa del amor, y Eros , se consideraban típicas (como se ve, por ejemplo, en el llamado Slipper Slapper Group que se muestra a continuación). Posteriormente se ha argumentado que la preferencia por los motivos "rococó" en la escultura helenística puede estar ligada a un cambio en el uso de la escultura en general. La colección privada de esculturas se hizo más común durante el período helenístico posterior, y en tales colecciones parece haber habido una preferencia por los tipos de motivos caracterizados como "rococó". [34]
A partir del siglo II, diferentes estudiosos ven el estilo neoático o neoclásico como una reacción a los excesos barrocos, un retorno a una versión del estilo clásico, o como una continuación del estilo tradicional de las estatuas de culto. [35] Los talleres del estilo se convirtieron principalmente en productores de copias para el mercado romano, que prefería copias de piezas clásicas a las helenísticas. [36]
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Las pinturas y los mosaicos fueron medios importantes en el arte, pero ningún ejemplo de pinturas sobre paneles ha sobrevivido a la caída en manos de los romanos. Es posible hacerse una idea de cómo eran a partir de medios relacionados y de lo que parecen ser copias o derivaciones sueltas de pinturas en una gama más amplia de materiales.
Quizás el elemento más llamativo de las pinturas y mosaicos helenísticos sea el uso cada vez mayor del paisaje. [37] Los paisajes en estas obras de arte son representativos de figuras naturalistas familiares y al mismo tiempo muestran elementos mitológicos y sacroidílicos. [38] Los frisos y mosaicos de paisajes se usaban comúnmente para mostrar escenas de la poesía helenística como la de Herondas y Teócrito. Estos paisajes que expresaban las historias de los escritores helenísticos se utilizaban en el hogar para enfatizar la educación y el conocimiento de la familia sobre el mundo literario. [39]
Sacro-idílico significa que los elementos más destacados de la obra de arte son aquellos relacionados con temas sagrados y pastorales. [40] Este estilo que surgió con mayor prevalencia en el arte helenístico combina elementos sagrados y profanos, creando un entorno de ensueño. [41] Las influencias sacro-idílicas se transmiten en el mosaico romano " Mosaico del Nilo de Palestrina ", que demuestra narrativas fantásticas con una combinación de colores y componentes comunes que ilustran el Nilo en su paso desde Etiopía al Mediterráneo. La inclusión de antecedentes helenísticos también se puede ver en obras de Pompeya, Cirene y Alejandría. Además, específicamente en el sur de Rusia, se pueden encontrar elementos florales y ramas en paredes y techos esparcidos de manera desordenada pero convencional, reflejando un estilo griego tardío. [42] Además, las pinturas "Cubiculum" encontradas en Villa Boscoreale incluyen vegetación y un entorno rocoso en el fondo de pinturas detalladas de gran arquitectura.
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Las pinturas murales comenzaron a aparecer de forma más destacada en el período pompeyano. Estas pinturas murales no sólo se exhibían en lugares de culto o en tumbas. [43] A menudo, se utilizaban pinturas murales para decorar la casa. Las pinturas murales eran comunes en casas privadas de Delos, Priene, Thera, Pantikapaion, Olbia y Alejandría. [43]
Pocos ejemplos de pinturas murales griegas han sobrevivido a los siglos. Las más impresionantes, en términos de mostrar cómo era la pintura griega de alta calidad, son las de las tumbas reales macedonias en Vergina . Aunque a los pintores griegos se les rinde homenaje por traer formas fundamentales de representación al mundo occidental a través de su arte. Tres cualidades principales exclusivas del estilo de pintura helenística fueron la perspectiva tridimensional, el uso de luces y sombras para representar la forma y el realismo trompe-l'œil . [44] Muy pocas formas de pintura griega helenística sobreviven, excepto los paneles de piñas de madera y los pintados sobre piedra. Las pinturas en piedra más famosas se encuentran en la tumba macedonia de Agios Athanasios. [44]
Los investigadores se han limitado a estudiar las influencias helenísticas en los frescos romanos , por ejemplo los de Pompeya o Herculano . Además, algunas de las pinturas de Villa Boscoreale reflejan claramente las pinturas reales helenísticas macedonias perdidas. [45]
Recientes excavaciones en el Mediterráneo han revelado la tecnología utilizada en la pintura helenística. [46] El arte mural de este período utilizó dos técnicas: la técnica del secco y la técnica del fresco . [46] La técnica del fresco requería capas de yeso rico en cal para luego decorar las paredes y los soportes de piedra. [46] Por otro lado, no era necesaria ninguna base para la técnica del secco, que utilizaba goma arábiga y temple al huevo para pintar detalles finales sobre mármol u otra piedra. [46] Esta técnica se ejemplifica en los frisos de mampostería encontrados en Delos. [46] Ambas técnicas utilizaron medios que eran accesibles localmente, como agregados de terracota en las capas base y pigmentos inorgánicos naturales, pigmentos inorgánicos sintéticos y sustancias orgánicas como colorantes. [46]
Los descubrimientos recientes incluyen los de tumbas de cámara en Vergina (1987), en el antiguo reino de Macedonia , donde se han desenterrado numerosos frisos. [37] Por ejemplo, en la Tumba II los arqueólogos encontraron un friso de estilo helenístico que representa una caza de leones. [47] Este friso encontrado en la tumba supuestamente de Felipe II destaca por su composición, la disposición de las figuras en el espacio y su representación realista de la naturaleza. [48] Otros frisos mantienen una narrativa realista, como un simposio y banquete o una escolta militar, y posiblemente vuelven a contar eventos históricos. [47]
También están los frescos del techo nabateo del siglo I recientemente restaurados en la Casa Pintada en Little Petra en Jordania. [49] Mientras los nabateos comerciaban con los romanos, egipcios y griegos, los insectos y otros animales observados en las pinturas reflejan el helenismo, mientras que varios tipos de vides están asociados con el dios griego Dioniso . [49]
Recientes descubrimientos arqueológicos en el cementerio de Pagasae (cerca de la actual Volos ), en el borde del golfo Pagasetico, han sacado a la luz algunas obras originales. Las excavaciones de este sitio dirigidas por el Dr. Arvanitopoulos pueden estar relacionadas con varios pintores griegos de los siglos III y IV y representar escenas que aluden al reinado de Alejandro Magno . [50] [51]
En la década de 1960 se encontró en Delos un grupo de pinturas murales . [52] Es evidente que los fragmentos de frisos encontrados fueron creados por una comunidad de pintores que vivieron durante el período helenístico tardío. [53] Los murales enfatizaban la decoración doméstica, transmitiendo la creencia que estas personas sostenían de que el establecimiento de Delian permanecería lo suficientemente estable y seguro para que los propietarios disfrutaran de esta obra de arte durante muchos años. [53]
Ciertos mosaicos , sin embargo, dan una idea bastante clara de la "gran pintura" de la época: se trata de copias de frescos. Esta forma de arte se ha utilizado para decorar principalmente paredes, pisos y columnas. [54]
El desarrollo del arte del mosaico durante el período helenístico comenzó con los mosaicos de guijarros, mejor representados en el sitio de Olynthos del siglo V a.C. La técnica del Pebble Mosaics consistía en colocar pequeños guijarros blancos y negros, sin forma concreta, en un panel circular o rectangular para ilustrar escenas de la mitología. Los guijarros blancos -en tonalidades ligeramente diferentes- se colocaron sobre un fondo negro o azul para crear la imagen. Los guijarros negros sirvieron para perfilar la imagen. [54]
En los mosaicos del yacimiento de Pella , del siglo IV a.C., es posible ver una forma más evolucionada del arte. Los mosaicos de este sitio muestran el uso de guijarros sombreados en una gama más amplia de colores y tonos. También muestran el uso temprano de terracota y alambre de plomo para crear una mayor definición de contornos y detalles de las imágenes de los mosaicos. [54]
Siguiendo este ejemplo, poco a poco se fueron añadiendo más materiales. Ejemplos de este uso extendido de materiales en mosaicos del siglo III a. C. incluyen piedras finamente cortadas, guijarros triturados, vidrio y arcilla cocida, conocidas como teselas . Esto mejoró la técnica de los mosaicos al ayudar a los artistas a crear más definición, mayor detalle, un mejor ajuste y una gama aún más amplia de colores y tonos. [54]
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A pesar del orden cronológico de aparición de estas técnicas, no hay evidencia real que sugiera que los teselado necesariamente se desarrollaron a partir de los mosaicos de guijarros. [55]
Opus vermiculatum y opus tessellatum fueron dos técnicas diferentes utilizadas durante este período de elaboración de mosaicos. Opus tessellatum se refiere al tamaño de una tesela redactada ( un pequeño bloque de piedra, azulejo, vidrio u otro material utilizado en la construcción de un mosaico) seguido de una mayor variedad en forma, color y material, así como andamento ––o el Patrón en el que se colocó la tesela. Opus vermiculatum a menudo se asocia con esta técnica, pero difiere en complejidad y se sabe que tiene el mayor impacto visual. [54]
La mayoría de los mosaicos fueron producidos y colocados in situ. Sin embargo, varios mosaicos de piso muestran el uso de la técnica emblemata , en la que paneles de la imagen se crean fuera del sitio en bandejas de terracota o piedra. Estas bandejas se colocaron posteriormente en el lecho del sitio. [54]
En Delos se utilizaron lechadas coloreadas en mosaicos de opus vermiculatum, pero en otras regiones esto no es común. Hay un ejemplo de lechada coloreada utilizada en Alejandría en el mosaico del Perro y Askos. En Samos, tanto las lechadas como las teselas están coloreadas.
Estudiar el color aquí es difícil porque las lechadas son extremadamente frágiles y vulnerables.
Las investigaciones científicas han sido una fuente de información interesante sobre las lechadas y teselas utilizadas en los mosaicos helenísticos. Se descubrieron tiras de plomo en mosaicos como característica definitoria de la técnica de superficie. Aquí no hay tiras de plomo en los mosaicos. En Delos, las tiras de plomo eran comunes en los mosaicos del estilo opus tessellatum. Estas tiras se utilizaron para perfilar cenefas decorativas y motivos decorativos geométricos. Las tiras eran extremadamente comunes en los mosaicos de opus vermiculatum de Alejandría. Debido a que las tiras de plomo estaban presentes en ambos estilos de tipos de superficie, no pueden ser la única característica de un tipo u otro. [56]
Un raro ejemplo de mosaico pictórico de estilo helenístico virtuoso encontrado en la costa levantina. A través de un análisis técnico del mosaico, los investigadores sugieren que este mosaico fue creado por un artesano itinerante que trabajó in situ . Desde el año 2000, se han descubierto más de 200 fragmentos del mosaico en la cabecera de Tel Dor, aunque se desconoce la destrucción del mosaico original. [57] Los excavadores sugieren que la causa es un terremoto o una renovación urbana. Se desconoce el contexto arquitectónico original, pero las comparaciones estilísticas y técnicas sugieren una fecha del período helenístico tardío, estimándose alrededor de la segunda mitad del siglo II a. C. Al analizar los fragmentos encontrados en el sitio original, los investigadores descubrieron que el mosaico original contenía un rectángulo centralizado con elementos desconocidos. iconografía rodeada por una serie de cenefas decorativas que consisten en un meandro en perspectiva seguido de una cenefa de máscara y guirnalda. [57] Este mosaico consta de dos técnicas diferentes de creación de mosaicos, opus vermiculatum y opus tessellatum . [57]
Un ejemplo es el Mosaico de Alejandro , que muestra el enfrentamiento del joven conquistador y el gran rey Darío III en la batalla de Issus , un mosaico de un piso de la Casa del Fauno en Pompeya (ahora en Nápoles ). Se cree que es una copia de un cuadro descrito por Plinio que había sido pintado por Filoxeno de Eretria para el rey Casandro de Macedonia a finales del siglo IV a. C., [58] o incluso de un cuadro de Apeles contemporáneo del propio Alejandro. [59] El mosaico nos permite admirar la elección de colores junto con la composición del conjunto mediante movimientos giratorios y expresiones faciales.
El Mosaico de la Caza del Ciervo de Gnosis es un mosaico procedente de una casa adinerada de finales del siglo IV a.C., la llamada "Casa del Rapto de Helena " (o "Casa del Rapto de Helena"), en Pella , La firma ( "Gnosis epoesen", es decir, Gnosis creada) es la primera firma conocida de un mosaiquista . [60]
El emblema está bordeado por un intrincado patrón floral , que a su vez está bordeado por representaciones estilizadas de olas . [62] El mosaico es un mosaico de guijarros con piedras recogidas de playas y riberas de ríos que fueron incrustadas en cemento. [62] Como quizás fue el caso a menudo, [63] el mosaico hace mucho para reflejar los estilos de pintura. [64] Las figuras claras sobre un fondo más oscuro pueden aludir a la pintura de figuras rojas . [64] El mosaico también utiliza sombreado , conocido por los griegos como skiagraphia , en sus representaciones de la musculatura y las capas de las figuras. [64] Esto, junto con el uso de figuras superpuestas para crear profundidad, hace que la imagen sea tridimensional .
El período helenístico es igualmente la época del desarrollo del mosaico como tal, particularmente con las obras de Sosos de Pérgamo , activo en el siglo II aC y único artista del mosaico citado por Plinio. [65] Su gusto por el trompe-l'œil (ilusión óptica) y los efectos del medio se encuentran en varias obras que se le atribuyen, como el "Suelo sin barrer" del museo del Vaticano, [66] que representa los restos de una comida. (espinas de pescado, espinas, conchas vacías, etc.) y la "Cuenca de las Palomas" (realizada con pequeñas piedras de teselas de opus vermiculatum ) [67] en el Museo Capitolino , conocida mediante una reproducción descubierta en la Villa Adriana . [68] En él se ven cuatro palomas posadas en el borde de una palangana de bronce dorado llena de agua. Una de ellas se riega mientras las demás parecen descansar, lo que crea efectos de reflejos y sombras perfectamente estudiados por la artista. El panel de mosaico "Dove Basin" es un emblema, diseñado para ser el punto central de un piso de mosaico que de otro modo sería simple. El emblema fue originalmente una importación del Mediterráneo oriental helenístico, donde, en ciudades como Pérgamo , Éfeso y Alejandría , había artistas especializados en mosaicos. [67] Uno de ellos fue Sosos de Pérgamo, el mosaiquista más célebre de la antigüedad que trabajó en el siglo II a.C. [67]
Según el arqueólogo francés François Chamoux , los mosaicos de Delos en las Cícladas representan el cenit del arte mosaico del período helenístico que emplea el uso de teselas para formar escenas complejas y coloridas. [69] Este estilo de mosaico continuó hasta el final de la Antigüedad y puede haber tenido un impacto en el uso generalizado de mosaicos en el mundo occidental durante la Edad Media . [69]
La época helenística se produce inmediatamente después de la gran época de la cerámica griega antigua pintada , tal vez porque el aumento de la prosperidad condujo a un mayor uso de artículos de metal fino (de los cuales hoy sobreviven muy pocos) y al declive del "jarrón" pintado fino (el término utilizado para todas las formas de vasijas). en cerámica). La mayoría de los jarrones de la época son negros y uniformes, con un aspecto brillante parecido al del barniz, decorados con motivos sencillos de flores o festones . Las formas de las vasijas se basan a menudo en formas de metal: así ocurre con los lagynos , una jarra de vino típica de la época. Los tipos de jarrones pintados que continuaron su producción durante el período helenístico incluyen los jarrones Hadra y las ánforas Panatenaicas .
Es también la época de la denominada cerámica megariana: [72] aparecieron jarrones hechos en molde con decoración en relieve, sin duda a imitación de jarrones hechos de metales preciosos. Se aplicaron coronas en relieve al cuerpo del jarrón. Se encuentran también relieves más complejos, basados en animales o criaturas legendarias .
La pintura de figuras rojas había desaparecido en Atenas a finales del siglo IV a. C. para ser reemplazada por lo que se conoce como West Slope Ware , llamado así por los hallazgos en la ladera occidental de la Acrópolis ateniense . Consistía en pintar con un engobe de color tostado y pintura blanca sobre un fondo engobe negro cocido con algunos detalles incisos. [73]
Las representaciones de personas disminuyeron y fueron reemplazadas por motivos más simples como coronas, delfines, rosetas, etc. Las variaciones de este estilo se extendieron por todo el mundo griego con centros notables en Creta y Apulia , donde las escenas figurativas continuaron siendo solicitadas.
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Sin embargo, los jarrones Gnathia todavía se producían no sólo en Apulia , sino también en la pintura de jarrones de Campania , Paesta y Sicilia .
En Canosa di Puglia, en el sur de Italia, en los entierros del siglo III a. C. se pueden encontrar jarrones con accesorios totalmente tridimensionales. [74] La característica distintiva de los jarrones Canosa son las pinturas solubles en agua. Sobre un fondo blanco se aplicaron pinturas azules, rojas, amarillas, violetas claras y marrones.
La cerámica Centuripe de Sicilia, que ha sido llamada "el último suspiro de la pintura de vasijas griega", [1] tenía pintura al temple completamente coloreada que incluía grupos de figuras aplicadas después de la cocción, contrariamente a la práctica tradicional. La fragilidad de los pigmentos impedía el uso frecuente de estos vasos; estaban reservados para su uso en funerales y muchos eran exclusivamente para exhibición, por ejemplo con tapas que no se levantaban. La práctica tal vez continuó hasta el siglo II a. C., lo que la convierte posiblemente en la última pintura de vasija con figuras significativas. [75] Un taller estuvo activo hasta al menos el siglo III a.C. Estos jarrones se caracterizan por una base pintada de rosa. Las figuras, a menudo femeninas, están representadas con ropas de colores: quitón azul violeta , himation amarillo , velo blanco. El estilo recuerda a Pompeya y se inspira más en grandes pinturas contemporáneas que en la herencia de la cerámica de figuras rojas.
Se utilizaron ladrillos y tejas con fines arquitectónicos y de otro tipo. La producción de estatuillas de terracota griegas adquirió cada vez más importancia. Las estatuillas de terracota representaban divinidades y temas de la vida contemporánea. Anteriormente reservada para uso religioso, en la Grecia helenística la terracota se utilizaba más frecuentemente con fines funerarios y puramente decorativos. El refinamiento de las técnicas de moldeo permitió crear verdaderas estatuas en miniatura, con un alto nivel de detalle, típicamente pintadas.
Varios estilos griegos continuaron en el período romano, y la influencia griega, transmitida en parte a través de los antiguos etruscos , en la cerámica de la antigua Roma fue considerable, especialmente en las figurillas.
Las estatuillas de Tanagra , procedentes de Tanagra en Beocia y de otros centros, llenas de colores vivos, representan en la mayoría de los casos mujeres elegantes en escenas llenas de encanto. [76] En Esmirna , en Asia Menor, dos estilos principales coexistieron: en primer lugar, copias de obras maestras de la gran escultura, como el Hércules Farnesio en terracota dorada.
En un género completamente diferente están los "grotescos", que contrastan violentamente con los cánones de la "belleza griega": el koroplathos (fabricante de figuritas) modela cuerpos deformes en posturas tortuosas: jorobados , epilépticos , hidrocefálicos , mujeres obesas , etc. Por lo tanto, podríamos preguntarnos si se trataba de modelos médicos, ya que la ciudad de Esmirna tenía fama de tener su escuela de medicina . O podrían ser simplemente caricaturas, diseñadas para provocar risas. Los "grotescos" son igualmente comunes en Tarso y también en Alejandría .
Un tema que surgió fue el "negro", particularmente en el Egipto ptolemaico : estas estatuillas de adolescentes negros tuvieron éxito hasta el período romano. [77] A veces, se redujeron a repetir una forma de las grandes esculturas: así se encuentran numerosas copias en miniatura del Tyche (Fortuna o Suerte) de Antioquía , cuyo original data de principios del siglo III a.C.
Se pueden encontrar diseños de cerámica helenística en la ciudad de Taxila, en el Pakistán moderno , que fue colonizada por artesanos y alfareros griegos después de que Alejandro la conquistara.
Debido a la gran cantidad de estatuas de bronce derretidas, sólo existen los objetos más pequeños. En la Grecia helenística, las materias primas abundaban tras las conquistas orientales.
El trabajo con jarrones de metal adquirió una nueva plenitud: los artistas competían entre sí con gran virtuosismo. El Tesoro tracio Panagyurishte ( de la Bulgaria moderna ) incluye objetos griegos como un ánfora de oro con dos centauros encabritados que forman los mangos.
La Cráter Derveni , cerca de Tesalónica , es una gran cráter en voluta de bronce de aproximadamente el 320 a. C., que pesa 40 kilogramos y está finamente decorada con un friso de 32 centímetros de alto con figuras en relieve que representan a Dioniso rodeado por Ariadna y su procesión de sátiros y ménades. . [78] El cuello está decorado con motivos ornamentales, mientras que cuatro sátiros en alto relieve están sentados casualmente sobre los hombros del jarrón.
La evolución es similar para el arte de la joyería. Los joyeros de la época destacaban por el cuidado de los detalles y las filigranas: así, las coronas funerarias presentan hojas de árboles o tallos de trigo muy realistas. En este período floreció la inserción de piedras preciosas.
Fue en la época helenística cuando los griegos, que hasta entonces sólo conocían el vidrio moldeado, descubrieron la técnica del vidrio soplado , permitiendo así nuevas formas . Comenzando en Siria , [79] el arte del vidrio se desarrolló especialmente en Italia. El vidrio moldeado continuó, especialmente en la creación de joyería calcográfica .
El arte de grabar gemas apenas avanzó, limitándose a piezas producidas en masa y carentes de originalidad. Como compensación, hizo acto de presencia el cameo . Se trata de cortar en relieve una piedra compuesta por varias capas coloreadas, permitiendo presentar el objeto en relieve con más de un color. El período helenístico produjo algunas obras maestras como el camafeo de Gonzaga , ahora en el Museo del Hermitage , y espectaculares tallas en piedra dura como la Copa de los Ptolomeos en París. [80]
Las monedas del período helenístico utilizaban cada vez más retratos. [81]
Estimulados por la adquisición romana, el consumo de las élites y la demanda de arte griego, los artistas tanto griegos como romanos, particularmente después del establecimiento de la Grecia romana , buscaron reproducir las obras de arte en mármol y bronce de los períodos clásico y helenístico. Lo hicieron creando moldes de esculturas originales, produciendo moldes de yeso que podían enviarse a cualquier taller de escultor del Mediterráneo donde se podían duplicar estas obras de arte. A menudo eran reproducciones fieles de los originales, aunque otras veces fusionaban varios elementos de diversas obras de arte en un solo grupo, o simplemente añadían cabezas de retratos romanos a cuerpos atléticos griegos preexistentes. [82]
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![El tapiz Sampul, una pared de lana que cuelga del condado de Lop, prefectura de Hotan, Xinjiang, China, que muestra a un soldado posiblemente griego del reino greco-bactriano (250-125 a. C.), con ojos azules, empuñando una lanza y vistiendo lo que parece ser una diadema; Sobre él se representa un centauro, de la mitología griega, un motivo común en el arte helenístico;[70] Museo de la Región de Xinjiang.](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0b/UrumqiWarrior.jpg/1280px-UrumqiWarrior.jpg)
![Un mosaico de Thmuis (Mendes), Egipto, creado por el artista helenístico Sophilos (firma) alrededor del año 200 a. C., ahora en el Museo Grecorromano de Alejandría, Egipto; la mujer representada es la reina ptolemaica Berenice II (que gobernó junto con su marido Ptolomeo III) como la personificación de Alejandría.[71]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/27/Mosaic_of_Berenice_II,_Ptolemaic_Queen_and_joint_ruler_with_Ptolemy_III_of_Egypt,_Thmuis,_Egypt.jpg/1280px-Mosaic_of_Berenice_II,_Ptolemaic_Queen_and_joint_ruler_with_Ptolemy_III_of_Egypt,_Thmuis,_Egypt.jpg)
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![Estatua de Marte del Foro de Nerva, siglo II d.C., basada en un original de la época de Augusto que a su vez utilizó un modelo griego helenístico del siglo IV a.C., Museos Capitolinos[83]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/42/Pirro_-_Marte.jpg/1280px-Pirro_-_Marte.jpg)
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