La pintura florentina o la Escuela Florentina se refiere a artistas del estilo naturalista desarrollado en Florencia en el siglo XIV, en gran parte gracias a los esfuerzos de Giotto di Bondone , y en el siglo XV, la principal escuela de pintura occidental . Algunos de los pintores más conocidos de la escuela florentina anterior son Fra Angelico , Botticelli , Filippo Lippi , la familia Ghirlandaio , Masolino y Masaccio .
Florencia fue la cuna del Alto Renacimiento , pero a principios del siglo XVI los artistas más importantes, incluidos Miguel Ángel y Rafael, se sintieron atraídos por Roma, donde se realizaban los encargos más importantes de la época. En parte, esto fue siguiendo a los Medici, algunos de los cuales llegaron a ser cardenales e incluso Papa. Un proceso similar afectó a los artistas florentinos posteriores. En el período barroco , los numerosos pintores que trabajaban en Florencia rara vez eran figuras importantes.
El arte toscano distintivo más antiguo , producido en el siglo XIII en Pisa y Lucca , formó la base para el desarrollo posterior. Nicola Pisano mostró su aprecio por las formas clásicas al igual que su hijo, Giovanni Pisano , quien llevó las nuevas ideas de la escultura gótica a la lengua vernácula toscana, formando figuras de un naturalismo sin precedentes. Esto tuvo eco en la obra de los pintores pisanos de los siglos XII y XIII, en particular en la de Giunta Pisano , quien a su vez influyó en grandes figuras como Cimabue y, a través de él, en Giotto y los artistas florentinos de principios del siglo XIV .
El proyecto pictórico florentino a gran escala más antiguo que se conserva es la decoración en mosaico del interior de la cúpula del Baptisterio de San Juan , que comenzó alrededor de 1225. Aunque los artistas venecianos participaron en el proyecto, los artistas toscanos crearon escenas expresivas y animadas, que mostraban emociones. contenido diferente a la tradición bizantina predominante. Se dice que Coppo di Marcovaldo fue el responsable de la figura central de Cristo y es el primer artista florentino involucrado en el proyecto. Al igual que los paneles de la Virgen y el Niño pintados para las iglesias servitas de Siena y Orvieto , a veces atribuidos a Coppo, la figura de Cristo tiene una sensación de volumen.
Se encargaron obras similares para las iglesias florentinas de Santa Maria Novella , Santa Trinita y Ognissanti a finales del siglo XIII y principios del XIV. El panel de Duccio de alrededor de 1285, Virgen con el Niño entronizado y seis ángeles o Virgen Rucellai , para Santa Maria Novella, ahora en la Galería de los Uffizi , muestra un desarrollo del espacio y la forma naturalistas, y es posible que originalmente no estuviera pensado como retablo. Se utilizaron paneles de la Virgen en la parte superior de los biombos, como en la Basílica de San Francisco de Asís , que tiene el panel en el fresco del ciclo Verificación de los estigmas en la vida de San Francisco . Sin embargo, la Madonna de Santa Trinita de Cimabue y la Madonna Rucellai de Duccio conservan el estilo anterior de mostrar la luz sobre las cortinas como una red de líneas.
El sentido de la luz de Giotto habría estado influenciado por los frescos que había visto mientras trabajaba en Roma, y en sus pinturas murales narrativas, en particular las encargadas por la familia Bardi , sus figuras se ubican en un espacio naturalista y poseen dimensión y expresión dramática. Sus contemporáneos, como Bernardo Daddi , utilizaron un enfoque similar de la luz ; su atención al naturalismo fue alentada por los temas encargados para las iglesias franciscana y dominicana del siglo XIV , e influiría en los pintores florentinos de los siglos siguientes. Si bien algunas eran composiciones tradicionales, como las que trataban del fundador de la orden y de los primeros santos, otras, como escenas de acontecimientos, personas y lugares recientes, no tenían precedentes, lo que permitía la invención.
El siglo XIII fue testigo de un aumento en la demanda de pintura sobre paneles religiosos, particularmente retablos, aunque la razón de esto es oscura, los pintores y carpinteros toscanos de principios del siglo XIV crearon retablos que eran piezas más elaboradas, de múltiples paneles y con marcos complejos. Los contratos de la época señalan que los clientes a menudo tenían en mente una forma de carpintería cuando encargaban a un artista y discutían con los artistas las figuras religiosas que iban a representar. Sin embargo , el contenido de las escenas narrativas de los paneles de la predela rara vez se menciona en los contratos y es posible que se haya dejado en manos de los artistas interesados. Las iglesias florentinas encargaron a muchos artistas de Siena la creación de retablos, como a Ugolino di Nerio , a quien se le pidió que pintara una obra a gran escala para el altar de la Basílica di Santa Croce , que pudo haber sido el políptico más antiguo sobre un altar florentino. Los gremios, conscientes del estímulo que aportaba la artesanía externa, facilitaron el trabajo de artistas de otras zonas en Florencia. Los escultores tenían su propio gremio que tenía un estatus menor, y en 1316 los pintores eran miembros del influyente Arte dei Medici e Speziali . Los propios gremios se convirtieron en importantes mecenas del arte y, desde principios del siglo XIV, varios gremios importantes supervisaron el mantenimiento y la mejora de los edificios religiosos individuales; Todos los gremios participaron en la restauración de Orsanmichele .
El naturalismo desarrollado por los primeros artistas florentinos decayó durante el tercer cuarto del siglo XIV, probablemente como consecuencia de la plaga. Grandes encargos, como el retablo de la familia Strozzi (que data de alrededor de 1354-1357) en Santa Maria Novella, fueron confiados a Andrea di Cione , cuya obra, y la de sus hermanos, son más icónicas en el tratamiento de figuras y tener una sensación anterior de espacio comprimido.
Florencia siguió siendo el centro más importante de la pintura del Renacimiento italiano . Las primeras imágenes verdaderamente renacentistas en Florencia datan de 1401, el primer año del siglo conocido en italiano como Quattrocento , sinónimo del Renacimiento temprano; sin embargo, no son pinturas. En esa fecha se realizó un concurso para encontrar un artista que creara un par de puertas de bronce para el Baptisterio de San Juan , la iglesia más antigua que queda en la ciudad. El Baptisterio es un gran edificio octogonal de estilo románico . El interior de su cúpula está decorado con una enorme figura en mosaico de Cristo en Majestad que se cree que fue diseñada por Coppo di Marcovaldo . Tiene tres grandes portales, el central estaba ocupado en ese momento por un juego de puertas creadas por Andrea Pisano ochenta años antes.
Las puertas de Pisano estaban divididas en 28 compartimentos cuatrifolios que contenían escenas narrativas de la vida de Juan Bautista . Los competidores, entre los cuales había siete jóvenes artistas, debían diseñar cada uno un panel de bronce de forma y tamaño similar, que representara el Sacrificio de Isaac . Se conservan dos de los paneles, el de Lorenzo Ghiberti y el de Brunelleschi . Cada panel muestra algunos motivos fuertemente clasicistas que indican la dirección que tomaban el arte y la filosofía en ese momento. Ghiberti ha utilizado la figura desnuda de Isaac para crear una pequeña escultura de estilo clásico. Está arrodillado sobre una tumba decorada con rollos de acanto que también son una referencia al arte de la Antigua Roma. En el panel de Brunelleschi, una de las figuras adicionales incluidas en la escena recuerda a una conocida figura romana de bronce de un niño que se saca una espina del pie. La creación de Brunelleschi es desafiante por su intensidad dinámica. Menos elegante que el de Ghiberti, trata más sobre el drama humano y la tragedia inminente. [1]
Ghiberti ganó el concurso. Su primer juego de puertas del Baptisterio tardó 27 años en completarse, tras lo cual recibió el encargo de hacer otro. En los 50 años que Ghiberti trabajó en ellas, las puertas sirvieron de campo de entrenamiento para muchos de los artistas de Florencia. Al ser un tema narrativo y emplear no sólo la habilidad para organizar composiciones figurativas sino también la floreciente habilidad de la perspectiva lineal , las puertas iban a tener una enorme influencia en el desarrollo del arte pictórico florentino. Fueron un factor unificador, un motivo de orgullo y camaradería tanto para la ciudad como para sus artistas. Miguel Ángel las llamaría las Puertas del Paraíso .
En 1426, dos artistas comenzaron a pintar un ciclo de frescos de la Vida de San Pedro en la capilla de la familia Brancacci, en la Iglesia Carmelita de Florencia. Ambos fueron llamados con el nombre de Tommaso y fueron apodados Masaccio y Masolino , Slovenly Tom y Little Tom.
Más que cualquier otro artista, Masaccio reconoció las implicaciones de la obra de Giotto. Continuó la práctica de la pintura a partir del natural. Sus pinturas demuestran una comprensión de la anatomía, del escorzo, de la perspectiva lineal, de la luz y del estudio de las cortinas. Entre sus obras, las figuras de Adán y Eva expulsados del Edén , pintadas en el lateral del arco de la capilla, son famosas por su representación realista de la forma humana y de las emociones humanas. Contrastan con las tiernas y bonitas figuras pintadas por Masolino en el lado opuesto de Adán y Eva recibiendo el fruto prohibido . La pintura de la Capilla Brancacci quedó incompleta cuando Masaccio murió a los 26 años. La obra fue terminada posteriormente por Filippino Lippi . La obra de Masaccio se convirtió en fuente de inspiración para muchos pintores posteriores, incluidos Leonardo da Vinci y Miguel Ángel . [2]
Durante la primera mitad del siglo XV, lograr el efecto de espacio realista en una pintura mediante el empleo de la perspectiva lineal fue una de las principales preocupaciones de muchos pintores, así como de los arquitectos Brunelleschi y Alberti , quienes teorizaron sobre el tema. Se sabe que Brunelleschi realizó una serie de estudios cuidadosos de la plaza y el baptisterio octogonal fuera de la Catedral de Florencia y se cree que ayudó a Masaccio en la creación de su famoso nicho trompe-l'œil alrededor de la Santísima Trinidad que pintó en Santa Maria Novella . [2]
Según Vasari, Paolo Uccello estaba tan obsesionado con la perspectiva que pensó en poco más y experimentó con ella en muchas pinturas, siendo las más conocidas las tres pinturas de la Batalla de San Romano que usan armas rotas en el suelo y campos en las colinas distantes. para dar una impresión de perspectiva.
En la década de 1450 Piero della Francesca , en cuadros como La flagelación de Cristo , demostró su dominio de la perspectiva lineal y también de la ciencia de la luz. Existe otra pintura, un paisaje urbano, de un artista desconocido, quizás Piero della Francesca, que demuestra el tipo de experimento que había estado realizando Brunelleschi. A partir de esta época se entendió y empleó regularmente la perspectiva lineal, como lo hizo Perugino en su Cristo entregando las llaves a San Pedro en la Capilla Sixtina . [1]
Giotto utilizó la tonalidad para crear forma. Taddeo Gaddi en su escena nocturna en la Capilla Baroncelli demostró cómo se puede utilizar la luz para crear dramatismo. Paolo Uccello , cien años después, experimentó con el efecto dramático de la luz en algunos de sus frescos casi monocromáticos. Varios de ellos los realizó en terra verde o "tierra verde", animando sus composiciones con toques de bermellón. El más conocido es su retrato ecuestre de John Hawkwood en el muro de la Catedral de Florencia . Tanto aquí como en las cuatro cabezas de profetas que pintó alrededor de la esfera interior del reloj de la catedral, utilizó tonos fuertemente contrastantes, sugiriendo que cada figura estaba siendo iluminada por una fuente de luz natural, como si la fuente fuera una ventana real de la catedral. . [3]
Piero della Francesca amplió su estudio de la luz. En la Flagelación demuestra conocimiento de cómo la luz se difunde proporcionalmente desde su punto de origen. Hay dos fuentes de luz en esta pintura, una interna a un edificio y otra externa. De la fuente interna, aunque la luz en sí es invisible, su posición se puede calcular con certeza matemática. Leonardo da Vinci continuaría el trabajo de Piero sobre la luz. [4]
La Santísima Virgen María , venerada por la Iglesia católica en todo el mundo, fue especialmente evocada en Florencia, donde había una imagen milagrosa de ella en una columna del mercado del maíz y donde tanto la Catedral de "Nuestra Señora de las Flores" como la gran Basílica Dominicana La iglesia de Santa Maria Novella recibió su nombre en su honor.
La imagen milagrosa del mercado del maíz fue destruida por el fuego, pero reemplazada por una nueva imagen en la década de 1330 de Bernardo Daddi , colocada en un dosel elaboradamente diseñado y lujosamente forjado por Orcagna . La planta baja abierta del edificio fue cerrada y dedicada como Orsanmichele .
Las representaciones de la Virgen y el Niño eran una forma de arte muy popular en Florencia. Adoptaron todas las formas, desde pequeñas placas de terracota producidas en masa hasta magníficos retablos como los de Cimabue , Giotto y Masaccio . Las pequeñas vírgenes para el hogar eran el trabajo básico de la mayoría de los talleres de pintura, a menudo realizadas en gran medida por los miembros más jóvenes siguiendo un modelo del maestro. Los edificios públicos y las oficinas gubernamentales también solían contener estas u otras pinturas religiosas.
_-_WGA01342.jpg/1280px-Bartolomeo_Di_Fruosino_-_Desco_da_parto_(verso)_-_WGA01342.jpg)
Entre los que pintaron vírgenes devotas durante el Renacimiento temprano se encuentran Fra Angelico , Fra Filippo Lippi , Verrocchio y Davide Ghirlandaio . Más tarde, el principal proveedor fue Botticelli y su taller, que produjeron un gran número de vírgenes para iglesias, hogares y también edificios públicos. Introdujo un formato de tondo redondo grande para casas grandes. Las Madonnas y los santos de Perugino son conocidos por su dulzura y han sobrevivido varias Madonnas pequeñas atribuidas a Leonardo da Vinci , como la Madonna Benois . Incluso Miguel Ángel , que era principalmente escultor, se dejó convencer para pintar los Doni Tondo , mientras que para Rafael , se encuentran entre sus obras más populares y numerosas.
Una especialidad florentina era el desco da parto o bandeja de parto redonda o de 12 lados , en la que una nueva madre servía dulces a las amigas que la visitaban después del parto. El resto del tiempo parecen haber estado colgados en el dormitorio. Ambos lados están pintados, uno con escenas para animar a la madre durante el embarazo, a menudo mostrando a un niño pequeño desnudo; Se creía que ver imágenes positivas promovía el resultado representado.
Desde aproximadamente mediados de siglo, Florencia se convirtió en el principal centro italiano de la nueva industria del grabado , ya que algunos de los muchos orfebres florentinos se dedicaron a fabricar planchas para grabados . A menudo copiaban el estilo de los pintores o los dibujos proporcionados por ellos. Botticelli fue uno de los primeros en experimentar con dibujos para ilustraciones de libros, en su caso de Dante . Antonio del Pollaiuolo era orfebre además de impresor, y él mismo grabó su Batalla de los hombres desnudos ; Por su tamaño y sofisticación, llevó la estampa italiana a nuevos niveles y sigue siendo una de las estampas más famosas del Renacimiento.
En Florencia, a finales del siglo XV, la mayoría de las obras de arte, incluso aquellas que se realizaban como decoración de iglesias, generalmente eran encargadas y pagadas por mecenas privados. Gran parte del patrocinio provino de la familia Medici, o de aquellos que estaban estrechamente asociados o relacionados con ellos, como los Sassetti, los Ruccellai y los Tornabuoni.
En la década de 1460, Cosimo de' Medici el Viejo había establecido a Marsilio Ficino como su filósofo humanista residente y facilitó su traducción de Platón y su enseñanza de la filosofía platónica , que se centraba en la humanidad como centro del universo natural, en la relación personal de cada persona con Dios, y sobre el amor fraterno o "platónico" como lo más cercano que una persona puede llegar a emular o comprender el amor de Dios. [5]
En la época medieval , todo lo relacionado con la época clásica se percibía asociado al paganismo. En el Renacimiento se asoció cada vez más con la ilustración. Las figuras de la mitología clásica comenzaron a adquirir un nuevo papel simbólico en el arte cristiano y en particular, la Diosa Venus adquirió una nueva discreción. Nacida plenamente formada, por una especie de milagro, fue la nueva Eva , símbolo del amor inocente, o incluso, por extensión, símbolo de la propia Virgen María . Vemos a Venus en ambos roles en las dos famosas pinturas al temple que Botticelli hizo en la década de 1480 para el sobrino de Cosimo, Pierfrancesco Medici, la Primavera y el Nacimiento de Venus . [6]
Mientras tanto, Domenico Ghirlandaio , un dibujante meticuloso y preciso y uno de los mejores retratistas de su época, ejecutó dos ciclos de frescos para los asociados de los Medici en dos de las iglesias más grandes de Florencia, la Capilla Sassetti en Santa Trinita y la Capilla Tornabuoni en Santa Maria Novella. . En estos ciclos de la Vida de San Francisco y la Vida de la Virgen María y la Vida de Juan Bautista había espacio para retratos de mecenas y de los mecenas de los mecenas. Gracias al mecenazgo de Sassetti, hay un retrato del hombre mismo, con su empleador, Lorenzo il Magnifico , y de los tres hijos de Lorenzo con su tutor, el poeta y filósofo humanista Agnolo Poliziano . En la Capilla Tornabuoni hay otro retrato de Poliziano, acompañado por otros miembros influyentes de la Academia Platónica, incluido Marsilio Ficino. [5]
Aproximadamente desde 1450, con la llegada a Italia del pintor flamenco Rogier van der Weyden y posiblemente antes, los artistas conocieron el medio de la pintura al óleo . Mientras que tanto la tempera como el fresco se prestaban a la representación de patrones, ninguno de los dos presentaba una manera exitosa de representar texturas naturales de manera realista. El medio altamente flexible de los óleos, que podía hacerse opaco o transparente y permitía modificaciones y adiciones durante días después de su colocación, abrió un nuevo mundo de posibilidades para los artistas italianos.
En 1475 llegó a Florencia un enorme retablo de la Adoración de los Pastores . Pintado por Hugo van der Goes a instancias de la familia Portinari, fue enviado desde Brujas e instalado en la Capilla de Sant' Egidio en el hospital de Santa Maria Nuova. El retablo brilla con intensos rojos y verdes, contrastando con las brillantes túnicas de terciopelo negro de los donantes de Portinari. En primer plano hay un bodegón de flores en recipientes contrastantes, uno de cerámica vidriada y el otro de vidrio. El jarrón de cristal por sí solo era suficiente para llamar la atención. Pero el aspecto más influyente del tríptico fue la calidad extremadamente natural y realista de los tres pastores con barbas cortas, manos cansadas y expresiones que iban desde la adoración hasta el asombro y la incomprensión. Domenico Ghirlandaio rápidamente pintó su propia versión, con una hermosa Virgen italiana en lugar de la flamenca de rostro alargado, y él mismo, gesticulando teatralmente, como uno de los pastores. [1]
.jpg/1280px-Entrega_de_las_llaves_a_San_Pedro_(Perugino).jpg)
En 1477, el Papa Sixto IV reemplazó la antigua capilla abandonada del Vaticano en la que se celebraban muchos de los servicios papales. El interior de la nueva capilla, llamada Capilla Sixtina en su honor, parece haber sido planeado desde el principio para tener una serie de 16 grandes frescos entre sus pilastras en el nivel medio, con una serie de retratos pintados de papas encima de ellos.
En 1480, se encargó la obra a un grupo de artistas de Florencia: Botticelli, Pietro Perugino , Domenico Ghirlandaio y Cosimo Rosselli . Este ciclo de frescos debía representar Historias de la vida de Moisés en un lado de la capilla y Historias de la vida de Cristo en el otro, con los frescos complementándose entre sí en tema. En la pared detrás del altar se encontraban adyacentes la Natividad de Jesús y el Hallazgo de Moisés , entre ellos un retablo de la Asunción de la Virgen . Estos cuadros, todos de Perugino, fueron posteriormente destruidos para pintar El Juicio Final de Miguel Ángel .
Las 12 imágenes restantes indican el virtuosismo que habían alcanzado estos artistas y la evidente cooperación entre individuos que normalmente empleaban estilos y habilidades muy diferentes. Las pinturas dieron toda su amplitud a sus capacidades, ya que incluían una gran cantidad de figuras de hombres, mujeres y niños y personajes que iban desde ángeles guía hasta faraones enfurecidos y el mismo diablo. Cada cuadro requería un paisaje . Debido a la escala de las figuras que acordaron los artistas, en cada cuadro, el paisaje y el cielo ocupan toda la mitad superior de la escena. A veces, como en la escena de Botticelli de La purificación del leproso , hay pequeñas narraciones adicionales que tienen lugar en el paisaje, en este caso Las tentaciones de Cristo .
La escena de Perugino de Cristo entregando las llaves a San Pedro destaca por la claridad y sencillez de su composición, la belleza de la pintura figurativa, que incluye un autorretrato entre los espectadores, y especialmente la perspectiva del paisaje urbano que incluye referencias a El ministerio de Pedro en Roma por la presencia de dos arcos de triunfo , y en el centro colocó un edificio octogonal que podría ser un baptisterio cristiano o un mausoleo romano . [7]
Florencia fue la cuna del Alto Renacimiento , pero a principios del siglo XVI los artistas más importantes se sintieron atraídos hacia Roma, donde comenzaron a realizarse los mayores encargos. En parte, esto fue siguiendo a los Medici, algunos de los cuales llegaron a ser cardenales e incluso Papa.
Leonardo , debido al alcance de sus intereses y al extraordinario grado de talento que demostró en tan diversas áreas, es considerado como el arquetipo del " hombre del Renacimiento ". Pero fue ante todo como pintor lo que fue admirado en su época, y como pintor, aprovechó el conocimiento que adquirió de todos sus otros intereses. Leonardo era un observador científico. Aprendió mirando las cosas. Estudió y dibujó las flores de los campos, los remolinos del río, la forma de las rocas y las montañas, la forma en que la luz se reflejaba en el follaje y brillaba en una joya. En particular, estudió la forma humana, diseccionando treinta o más cadáveres no reclamados de un hospital para comprender los músculos y tendones.
Más que cualquier otro artista, avanzó en el estudio de la "atmósfera". En sus cuadros como La Mona Lisa y La Virgen de las Rocas , utilizó la luz y la sombra con tal sutileza que, a falta de una palabra mejor, pasó a ser conocida como el "sfumato" o "humo" de Leonardo.
Al mismo tiempo que invitaba al espectador a un mundo misterioso de sombras cambiantes, montañas caóticas y torrentes arremolinados, Leonardo logró un grado de realismo en la expresión de las emociones humanas, prefigurado por Giotto pero desconocido desde Adán y Eva de Masaccio . La Última Cena de Leonardo , pintada en el refectorio de un monasterio de Milán, se convirtió en el referente de la pintura narrativa religiosa durante el siguiente medio milenio. Muchos otros artistas del Renacimiento pintaron versiones de la Última Cena , pero sólo la de Leonardo estuvo destinada a ser reproducida innumerables veces en madera, alabastro, yeso, litografía, tapiz, crochet y alfombras de mesa.
Aparte del impacto directo de las obras en sí, los estudios de Leonardo sobre la luz, la anatomía, el paisaje y la expresión humana se difundieron en parte gracias a su generosidad hacia un séquito de estudiantes. [8]
En 1508, el Papa Julio II consiguió que el escultor Miguel Ángel aceptara continuar el esquema decorativo de la Capilla Sixtina. El techo de la Capilla Sixtina se construyó de tal manera que había doce pechinas inclinadas que sostenían la bóveda y formaban superficies ideales sobre las que pintar a los Doce Apóstoles . Miguel Ángel, que había cedido con poca gracia a las demandas del Papa, pronto ideó un esquema completamente diferente, mucho más complejo tanto en diseño como en iconografía. La escala del trabajo, que ejecutó sin ayuda excepto con ayuda manual, fue titánica y tardó casi cinco años en completarse.
El plan del Papa para los Apóstoles habría formado temáticamente un vínculo pictórico entre las narrativas del Antiguo y Nuevo Testamento en las paredes, y los Papas en la galería de retratos. [7] Son los doce apóstoles , y su líder Pedro como primer obispo de Roma, quienes hacen ese puente. Pero el plan de Miguel Ángel iba en la dirección opuesta. El tema del techo de Miguel Ángel no es el gran plan de Dios para la salvación de la humanidad. El tema trata sobre la desgracia de la humanidad. Se trata de por qué la humanidad y la fe necesitaban a Jesús. [9]
Superficialmente, el techo es una construcción humanista . Las figuras son de dimensión sobrehumana y, en el caso de Adán , de tal belleza que según el biógrafo Vasari , realmente parece como si Dios mismo hubiera diseñado la figura, y no Miguel Ángel. Pero a pesar de la belleza de las figuras individuales, Miguel Ángel no ha glorificado el estado humano y ciertamente no ha presentado el ideal humanista del amor platónico . De hecho, los antepasados de Cristo, que pintó alrededor de la sección superior de la pared, demuestran todos los peores aspectos de las relaciones familiares, mostrando disfunciones en tantas formas diferentes como familias existen. [9]
Vasari elogió los aparentemente infinitos poderes de invención de Miguel Ángel al crear posturas para las figuras. Rafael , a quien Bramante le dio un avance después de que Miguel Ángel dejara el pincel y se fuera furioso a Bolonia, pintó al menos dos figuras imitando a los profetas de Miguel Ángel, una en la iglesia de Sant' Agostino y la otra en el Vaticano . su retrato del propio Miguel Ángel en La Escuela de Atenas . [7] [10] [11]
Junto con Leonardo da Vinci y Miguel Ángel , el nombre de Rafael es sinónimo del Alto Renacimiento, aunque era 18 años más joven que Miguel Ángel y casi 30 que Leonardo. No se puede decir de él que haya avanzado mucho en el estado de la pintura ya que sus dos lo hicieron sus contemporáneos famosos. Más bien, su obra fue la culminación de todos los desarrollos del Alto Renacimiento.
Rafael tuvo la suerte de nacer hijo de un pintor, por lo que su carrera, a diferencia de la de Miguel Ángel, que era hijo de una nobleza menor, se decidió sin peleas. Algunos años después de la muerte de su padre trabajó en el taller de Umbría de Perugino , excelente pintor y soberbio técnico. Su primer cuadro firmado y fechado, realizado a la edad de 21 años, es Los desposorios de la Virgen , que inmediatamente revela sus orígenes en el Cristo entregando las llaves a Pedro de Perugino . [12]
Rafael era un personaje despreocupado que recurrió descaradamente a las habilidades de los pintores de renombre cuya esperanza de vida abarcó la suya. En sus obras se reúnen las cualidades individuales de numerosos pintores diferentes. Las formas redondeadas y los colores luminosos de Perugino, los retratos realistas de Ghirlandaio, el realismo y la iluminación de Leonardo y el poderoso dibujo de Miguel Ángel se unificaron en las pinturas de Rafael. En su corta vida ejecutó una serie de grandes retablos, un impresionante fresco clásico de la ninfa del mar, Galatea, destacados retratos de dos papas y un escritor famoso entre ellos y, mientras Miguel Ángel pintaba el techo de la Capilla Sixtina , una serie de murales. frescos en las cámaras vaticanas cercanas, de las cuales la Escuela de Atenas es de singular importancia.
Este fresco representa una reunión de todos los antiguos atenienses más eruditos, reunidos en un gran escenario clásico alrededor de la figura central de Platón , a quien Rafael ha inspirado en Leonardo da Vinci . La inquietante figura de Heráclito , sentado junto a un gran bloque de piedra, es un retrato de Miguel Ángel y es una referencia a la pintura de este último del profeta Jeremías en la Capilla Sixtina. Su propio retrato está a la derecha, junto a su maestro, Perugino. [13]
Pero la principal fuente de popularidad de Rafael no fueron sus obras principales, sino sus pequeños cuadros florentinos de la Virgen y el Niño Jesús. Una y otra vez pintó a la misma mujer rubia, regordeta y de rostro tranquilo, y su sucesión de bebés regordetes, siendo probablemente el más famoso La Belle Jardinière ("La Virgen del hermoso jardín"), ahora en el Louvre . Su obra más grande, la Virgen Sixtina , utilizada como diseño para innumerables vidrieras , ha llegado, en el siglo XXI, a proporcionar la imagen icónica de dos pequeños querubines que se ha reproducido en todo, desde servilletas de papel hasta paraguas. [14] [15]
Los primeros manieristas de Florencia, especialmente los alumnos de Andrea del Sarto como Jacopo da Pontormo y Rosso Fiorentino , se destacaron por sus formas alargadas, sus poses precariamente equilibradas, una perspectiva colapsada, sus escenarios irracionales y su iluminación teatral. Como líder de la Primera Escuela de Fontainebleau , Rosso fue una fuerza importante en la introducción del estilo renacentista en Francia.
Parmigianino (un alumno de Correggio ) y Giulio Romano (el asistente principal de Rafael) se movían en direcciones estéticas estilizadas similares en Roma. Estos artistas habían madurado bajo la influencia del Alto Renacimiento, y su estilo se ha caracterizado como una reacción o una extensión exagerada del mismo. En lugar de estudiar la naturaleza directamente, los artistas más jóvenes comenzaron a estudiar la escultura helenística y las pinturas de maestros del pasado. Por lo tanto, este estilo fue descrito por el historiador de arte Walter Friedländer como "anticlásico", [16] aunque en ese momento se consideraba una progresión natural desde el Alto Renacimiento. La primera fase experimental del manierismo, conocida por su estilo "anticlásico" ", duró hasta aproximadamente 1540 o 1550. [17] Marcia B. Hall , profesora de historia del arte en la Universidad de Temple, señala en su libro Después de Rafael que la muerte prematura de Rafael marcó el comienzo del manierismo en Roma.
Bronzino (muerto en 1572), alumno de Pontormo, fue principalmente un retratista de la corte de los Medici, en un estilo manierista formal algo frígido. En la misma generación, Giorgio Vasari (muerto en 1574) es mucho mejor recordado como el autor de las Vidas de los pintores, escultores y arquitectos más excelentes , que tuvo un efecto enorme y duradero en el establecimiento de la reputación de la escuela florentina. Pero fue el principal pintor de pintura histórica en la corte de los Medici, aunque ahora se considera que su obra se esfuerza por alcanzar el impacto que tiene la obra de Miguel Ángel y no logra lograrlo. Esto se había convertido en un defecto común en la pintura florentina en las décadas posteriores a 1530, cuando muchos pintores intentaron emular a los gigantes del Alto Renacimiento.
En el período barroco , Florencia ya no era el centro de pintura más importante de Italia, pero seguía siendo importante. Entre los principales artistas nacidos en la ciudad y que, a diferencia de otros, pasaron gran parte de sus carreras allí, se encuentran Cristofano Allori , Matteo Rosselli , Francesco Furini y Carlo Dolci . Pietro da Cortona nació en el Gran Ducado de Toscana y trabajó mucho en la ciudad.
