El lo-fi (también escrito como lofi o low-fi ; abreviatura de baja fidelidad ) es una calidad musical o de producción en la que están presentes elementos que normalmente se consideran imperfecciones en el contexto de una grabación o interpretación, a veces como una elección deliberada. Los estándares de calidad de sonido ( fidelidad ) y producción musical han evolucionado a lo largo de las décadas, lo que significa que algunos ejemplos más antiguos de lo-fi pueden no haber sido reconocidos originalmente como tales. El lo-fi comenzó a reconocerse como un estilo de música popular en la década de 1990, cuando se lo denominó alternativamente música DIY (de " hazlo tú mismo "). [1] Algunos subconjuntos de la música lo-fi se han vuelto populares por sus cualidades nostálgicas y/o relajantes percibidas, que se originan a partir de las imperfecciones que definen el género.
La distorsión armónica y la " calidez analógica " a veces se confunden como características centrales de la música lo-fi. [2] Tradicionalmente, el lo-fi se ha caracterizado por la inclusión de elementos normalmente vistos como indeseables en contextos profesionales, como notas mal tocadas, interferencias ambientales o imperfecciones fonográficas ( señales de audio degradadas , silbido de cinta , etc.). Entre los artistas pioneros, influyentes o significativos se incluyen los Beach Boys ( Smiley Smile y Wild Honey ), R. Stevie Moore (a menudo llamado " el padrino de la grabación casera "), Paul McCartney ( McCartney ), Todd Rundgren , Peter Ivers , Jandek , Daniel Johnston , Guided by Voices , Sebadoh , Beck , Pavement y Ariel Pink .
Aunque "lo-fi" ha estado en el léxico cultural durante aproximadamente tanto tiempo como " alta fidelidad ", al disc jockey de la WFMU William Berger se le atribuye generalmente la popularización del término en 1986. En varios puntos desde la década de 1980, "lo-fi" se ha relacionado con la cultura del casete , el espíritu DIY del punk, el primitivismo , la música marginal , la autenticidad , los estereotipos de los holgazanes / Generación X y la nostalgia cultural . La noción de músicos de "dormitorio" se expandió tras el surgimiento de las modernas estaciones de trabajo de audio digital , lo que llevó a la invención del término casi sinónimo pop de dormitorio . A fines de la década de 2000, la estética lo-fi sirvió como base de los géneros de música pop hipnagógica y chillwave . [3]
En su forma más cruda, el lo-fi era primitivista y realista en la década de 1980, posmoderno en la de 1990 y arcaico en la de 2000.
—Adam Harper, Estética lo-fi en el discurso de la música popular (2014) [7]
Lo-fi es lo opuesto a la alta fidelidad . El educador musical R. Murray Schafer , en el glosario de su libro de 1977 The Tuning of the World , definió el término como " relación señal-ruido desfavorable ". [8]
Hasta la década de 1980, los críticos prácticamente no apreciaban las imperfecciones de la música lo-fi, cuando surgió un romanticismo por las grabaciones caseras y las cualidades del " hazlo tú mismo " (DIY, por sus siglas en inglés). [4] Después, "DIY" se usó a menudo indistintamente con "lo-fi". [5] A fines de la década de 1980, cualidades como "grabado en casa", "técnicamente primitivo" y "equipo económico" se asociaban comúnmente con la etiqueta "lo-fi", y a lo largo de la década de 1990, tales ideas se volvieron centrales para la forma en que "lo-fi" se entendía popularmente. [6] En consecuencia, en 2003, el Diccionario Oxford agregó una segunda definición para el término: "un género de música rock caracterizado por una producción mínima, que da un sonido crudo y poco sofisticado". [6]
No se puede determinar de manera definitiva la identidad del partido o partidos que popularizaron el uso del "lo-fi". [2] Generalmente se sugiere que el término se popularizó a través del programa de radio semanal de media hora de William Berger en la estación de radio independiente WFMU con base en Nueva Jersey , titulado Low-Fi , que duró de 1986 a 1987. [2] [9] El contenido del programa consistía enteramente en contribuciones solicitadas por correo [10] y se emitía durante un espacio de treinta minutos en horario de máxima audiencia todos los viernes. [9] En la edición de otoño de 1986 de la revista LCD de WFMU , el programa fue descrito como "grabaciones caseras producidas con equipo económico. Primitivismo técnico combinado con brillantez". [9]
En 2008 se añadió una tercera definición al Oxford Dictionary : "sin pulir, amateur o tecnológicamente poco sofisticado, especialmente como una elección estética deliberada". [6] En 2017, Anthony Carew de About.com argumentó que el término "lo-fi" se había utilizado comúnmente de forma incorrecta como sinónimo de "cálido" o "contundente" cuando debería reservarse para la música que "suena como si estuviera grabada en un contestador automático roto". [2]
El concepto de "músicos de dormitorio" surgió por primera vez en el siglo XXI tras el auge de las computadoras portátiles en muchas formas de música popular o de vanguardia . [11] Desde entonces, ha habido una tendencia creciente a agrupar toda la música grabada en casa bajo el paraguas de "lo-fi". [12] De estos desarrollos surgió el "bedroom pop", un género musical vagamente definido [13] que se refiere a los artistas que graban en casa, en lugar de en espacios de grabación tradicionales. [14]
El término "bedroom pop" también se ha utilizado para describir una estética distintiva. [15] En 2006, Tammy LaGorce, del New York Times, definió el "bedroom pop" como "música de estilo blog que intenta hacer del mundo un lugar mejor a través de una canción casera perfecta". [16] En la década de 2010, los periodistas aplicaron el término indiscriminadamente a cualquier música con una calidad de producción "difusa", [17]
Daniel Wray de The Guardian definió el término en 2020 como un género de música grabada en casa con un sonido "onírico, introspectivo e íntimo", y que abarca "el indie, el pop, el R&B y el emo ". [18] Jenessa Williams de The Forty-Five llamó al "bedroom pop" casi sinónimo de "lo-fi", habiendo sido tradicionalmente utilizado como "una forma favorecedora de vestir demos caseras y estéticas holgazanas" antes de ser recontextualizado en años posteriores como " emo del medio oeste sin el thrashing; rap de Soundcloud sin la fanfarronería". [19]
Muchos de los artistas asociados han rechazado la etiqueta. [20]
La estética lo-fi son idiosincrasias asociadas con el proceso de grabación. Más específicamente, aquellas que generalmente se consideran en el campo de la ingeniería de audio como efectos indeseables, como una señal de audio degradada o fluctuaciones en la velocidad de la cinta. [21] La estética también puede extenderse a interpretaciones musicales deficientes o desapasionadas. [22] Las grabaciones consideradas poco profesionales o "amateurs" generalmente se refieren a la interpretación (notas desafinadas o fuera de tiempo) o la mezcla (silbido audible, distorsión o acústica de la sala). [23] El musicólogo Adam Harper identifica la diferencia como imperfecciones "fonográficas" y "no fonográficas". Define las primeras como "elementos de una grabación que se perciben (o se imagina que se perciben) como perjudiciales para ella y que se originan en el funcionamiento específico del medio de grabación en sí. Hoy en día, suelen ser las primeras características en las que la gente piensa cuando se menciona el tema del 'lo-fi'". [24]
Las imperfecciones de la grabación pueden "caer libremente en dos categorías, distorsión y ruido", en opinión de Harper, aunque reconoce que las definiciones de "distorsión" y "ruido" varían y a veces se superponen. [25] La forma más destacada de distorsión en la estética lo-fi es la distorsión armónica , que puede ocurrir cuando una señal de audio se amplifica más allá del rango dinámico de un dispositivo. Sin embargo, este efecto no suele considerarse una imperfección. El mismo proceso se utiliza para los sonidos de guitarra eléctrica del rock and roll , y desde la llegada de la grabación digital , para dar a una grabación una sensación de "calidez analógica". [26] La distorsión que se genera como subproducto del proceso de grabación ("distorsión fonográfica") normalmente se evita en contextos profesionales. "Saturación de cinta" y "distorsión de saturación" describen alternativamente la distorsión armónica que se produce cuando un cabezal de cinta se acerca a su límite de magnetización residual (un aspecto común del mantenimiento de la grabadora de cinta que se soluciona con herramientas de desmagnetización ). Los efectos incluyen una disminución de las señales de alta frecuencia y un aumento del ruido. [27] En general, es probable que las grabaciones de baja fidelidad tengan poca o ninguna información de frecuencia por encima de los 10 kilohercios. [28]
Las imperfecciones "no fonográficas" pueden incluir ruidos generados por la interpretación ("tos, sorbos, ruidos de pasar páginas y de sillas") o el entorno ("vehículos que pasan, ruidos domésticos, sonidos de vecinos y animales"). [29] Harper reconoce que "la apreciación de la distorsión y el ruido no se limita a la estética lo-fi, por supuesto, y la estética lo-fi... no se extiende a todas las apreciaciones de la distorsión y el ruido. La diferencia radica en las formas en que se entiende la distorsión y el ruido como imperfecciones en lo-fi". [30] También distingue entre "imperfecciones de grabación" e "imperfecciones sonoras [que] ocurren como resultado de un equipo de reproducción o modulación de sonido imperfecto... Hipotéticamente, al menos, los efectos lo-fi se crean durante la grabación y la producción en sí, y permanecen perceptiblemente en las grabaciones maestras que luego se copian de manera idéntica para su lanzamiento". [31]
Bruce Bartlett, en su guía de 2013 Practical Recording Techniques , afirma que "los sonidos lo-fi pueden tener una respuesta de frecuencia estrecha (un sonido delgado y barato) y pueden incluir ruido como silbidos o rayones de discos. Pueden estar distorsionados o tambalearse en el tono". [32] Ofrece los siguientes métodos para replicar sonidos lo-fi: mezclar niveles para que no estén balanceados; colocar obstrucciones entre un micrófono y las fuentes de sonido; colocar el micrófono en un lugar inusual, como en una papelera; grabar con instrumentos o equipos más antiguos y de menor calidad; y resaltar los derrames y los reflejos del sonido . [32]
La música DIY es anterior a la historia escrita , pero el "lo-fi" tal como se entendía después de los años 1990 se remonta al rock and roll de los años 1950. [33] AllMusic escribe que las grabaciones del género se hicieron "de manera barata y rápida, a menudo con equipos de baja calidad. En ese sentido, los primeros discos de rock & roll, la mayor parte del garage rock de los años 60 y gran parte del punk rock de finales de los años 70 podrían etiquetarse como Lo-Fi". [34]
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Lanzados en 1967, los álbumes de los Beach Boys Smiley Smile y Wild Honey fueron álbumes lo-fi grabados principalmente en el estudio casero improvisado de Brian Wilson ; los álbumes fueron posteriormente mencionados como parte de las llamadas Bedroom Tapes de Wilson . [35] Aunque Smiley Smile fue recibido inicialmente con confusión y decepción, la apreciación por el álbum creció después de que otros artistas lanzaran álbumes que reflejaban una calidad igualmente defectuosa y despojada, incluido John Wesley Harding (1967) de Bob Dylan y White Album (1968) de los Beatles . [36] El escritor de Pitchfork, Mark Richardson, atribuyó a Smiley Smile la invención de "el tipo de pop de dormitorio lo-fi que más tarde impulsaría a Sebadoh , Animal Collective y otros personajes". [37] Los editores de Rolling Stone atribuyeron a Wild Honey el origen de "la idea del pop DIY". [38]
A principios de la década de 1970, hubo algunos otros artistas discográficos importantes que lanzaron música grabada con equipos portátiles de múltiples pistas; los ejemplos incluyeron a Paul McCartney y Todd Rundgren . [39] Producido poco después de la separación de los Beatles , el lanzamiento en solitario grabado en casa McCartney fue uno de los álbumes más vendidos de 1970, pero fue criticado por la crítica. [40] En 2005, después de que un entrevistador sugiriera que posiblemente era "uno de los primeros grandes discos lo-fi de su época", McCartney comentó que era "interesante" que los fanáticos más jóvenes estuvieran "mirando hacia atrás a algo así con algún tipo de respeto", antes de agregar que la "especie de ... simplicidad hippie ... del álbum resuena en este momento, de alguna manera". [41]
Something/Anything? (lanzado en febrero de 1972) fue grabado casi en su totalidad por Rundgren solo. El álbum incluía muchas de sus canciones más conocidas, así como una pista hablada ("Intro") en la que enseña al oyente sobre los fallos de grabación para un juego tipo búsqueda de huevos que él llama "Sounds of the Studio". Utilizó el dinero obtenido del éxito del álbum para construir un estudio de grabación personal en Nueva York, donde grabó el siguiente álbum menos exitoso de 1973 A Wizard, a True Star . [42] El musicólogo Daniel Harrison comparó los álbumes de finales de los años 1960 de los Beach Boys con Wizard , un disco "que imita aspectos del estilo compositivo de Brian en sus transiciones abruptas, mezcla de varios estilos pop y efectos de producción inusuales. Pero debe recordarse que el fracaso comercial de los experimentos de los Beach Boys no fue una motivación para la imitación". [43] En 2018, Sam Sodsky de Pitchfork señaló que las "huellas dactilares" de Wizard siguen "evidentes en los autores de dormitorio hasta el día de hoy". [42]
Entre otros ejemplos notables, los escritores de The Wire le dan crédito a Oar (1969) de Skip Spence como "un progenitor de los movimientos loner/stoner y lo-fi", agregando que el álbum "no encontraría una audiencia real durante décadas". [44] Jamie Atkins de Record Collector escribió en 2018 que muchos actos lo-fi estarían en deuda con el sonido saturado de reverberación de la canción de 1970 de los Beach Boys " All I Wanna Do ". [45] La escritora de Pitchfork Madison Bloom coronó a Peter Ivers , un músico de Los Ángeles de la década de 1970, como "el rey raro del bedroom pop, décadas antes de que existiera el género". [46] En 2016, el escritor de Billboard Joe Lynch describió Hunky Dory (1971) de David Bowie como "prácticamente el modelo para cada álbum de indie pop lo-fi de los últimos 25 años", citando a Ariel Pink como descendiente. [47] Activos desde 1969, Stavely Makepeace y su grupo derivado Lieutenant Pigeon fueron descritos por Richie Unterberger de AllMusic como creadores de "una producción casera peculiar, ligeramente lo-fi, casada con canciones pop simples con fuertes ecos tanto del rock & roll de los años 50 como de la música novedosa británica ". [48] Michael Heatley de Record Collector describe el álbum debut de Wizzard , Wizzard Brew (1973), como " rock'n'roll retro lo-fi ". [49]
Con el surgimiento del punk rock y la nueva ola a finales de los años 1970, algunos sectores de la música popular comenzaron a adoptar un espíritu DIY que anunció una ola de sellos independientes , redes de distribución, fanzines y estudios de grabación, [50] y muchas bandas de guitarras se formaron sobre la premisa entonces novedosa de que uno podía grabar y lanzar su propia música en lugar de tener que conseguir un contrato discográfico con un sello importante. [51] Los músicos y fanáticos del lo-fi eran predominantemente blancos, hombres y de clase media, y aunque la mayor parte del discurso crítico interesado en el lo-fi tenía su base en Nueva York o Londres, los propios músicos eran en gran medida de áreas metropolitanas menores de los EE. UU. [52]
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Desde 1968, R. Stevie Moore había estado grabando álbumes de larga duración en cintas de carrete en el sótano de sus padres en Tennessee , pero no fue hasta Phonography de 1976 que alguna de sus grabaciones se publicó en un sello discográfico. [54] El álbum alcanzó cierta notoriedad entre los círculos punk y new wave de Nueva York. [55] Matthew Ingram de The Wire escribió que "Moore podría no haber sido el primer músico de rock en lanzarse completamente en solitario, grabando cada parte desde la batería hasta la guitarra ... Sin embargo, fue el primero en estetizar explícitamente el proceso de grabación casera en sí ... convirtiéndolo en el bisabuelo del lo-fi". [54] Cuando se le preguntó si apoyaba el "sello pionero DIY/lo-fi", Moore explicó que su enfoque fue el resultado de una "casualidad" en lugar de una decisión artística calculada, aunque estuvo de acuerdo en que "debería ser reconocido como un pionero". [56] Cuando un periodista del New York Times de 2006 se refirió a Moore como el progenitor del "bedroom pop", Moore respondió que la noción era "hilarante" a la luz de su "amarga lucha por ganarse la vida y conseguir algo de notoriedad, me burlo de ello". [57]
En 1979, Tascam presentó el Portastudio , el primer grabador multipista portátil de su tipo que incorporaba un enfoque "todo en uno" para sobregrabar , mezclar y rebotar . Esta tecnología permitió a una amplia gama de músicos de círculos underground construir bases de seguidores mediante la difusión de sus cintas de casete. [58] El crítico musical Richie Unterberger citó a Moore como "uno de los más famosos" de los "pocos artistas en el mundo de los casetes [que] se ganó una reputación, aunque fuera de culto". [50] Desde 1979 hasta principios de los años 1980, Moore fue miembro del personal de WFMU y presentó un programa semanal de "Bedroom Radio". [54] El programa "Low-Fi" de Berger siguió después y estableció efectivamente el lo-fi como un movimiento distinto asociado con el espíritu del punk. [2] El álbum casero de JW Farquhar de 1973 , The Formal Female , según el crítico Ned Raggett, también podría considerarse como un precursor de "cualquier número de" artistas independientes de lo-fi, incluidos R. Stevie Moore y el músico underground de Texas Jandek . [59]
En 1980, el trío galés Young Marble Giants lanzó su único álbum, Colossal Youth , que presenta una instrumentación austera, incluida una caja de ritmos primitiva y un aura decididamente "de dormitorio". Davyd Smith, del Evening Standard, escribió más tarde: "Es difícil imaginar un sonido más lo-fi y poco ambicioso". [60] A lo largo de la década siguiente, las esferas de indie rock del underground estadounidense (bandas como la favorita de la radio universitaria REM [61] ), junto con algunas bandas británicas de post-punk , fueron las exportaciones más destacadas de música lo-fi. Según AllMusic, la variedad estilística de su música a menudo "fluctuaba desde simples canciones pop y rock hasta estructuras de canciones de forma libre y ruido puro y experimentalismo artístico". [34] También se desarrollaron escenas similares entre los actos de hip-hop y hardcore punk que intercambiaban casetes DIY . [58] Una de las bandas más reconocibles fue Beat Happening (1984-1992) de K Records , un influyente sello indie pop . Rara vez se los conocía como un grupo "lo-fi" durante sus años de actividad, y solo se destacaron por su papel pionero en el movimiento después de que la definición del término evolucionara a mediados de los años 1990. [62]
Por otra parte, el DJ de la WFMU Irwin Chusid fue responsable de inventar y popularizar la categoría de " música marginal ", gran parte de la cual se superpone con el lo-fi. [63] Adam Harper atribuye a los músicos marginales Daniel Johnston y Jandek el mérito de "formar un puente entre el primitivismo de los años 80 y el indie rock lo-fi de los años 90... ambos músicos introdujeron la noción de que el lo-fi no era sólo aceptable sino el contexto especial de algunos músicos extraordinarios y brillantes". [64] Procedentes de Nueva Zelanda, los discos de mediados de los años 80 de los Tall Dwarfs se atribuyen el mérito de anticipar el sonido lo-fi. [65] AllMusic escribió que los lanzamientos grabados en casa de los Tall Dwarfs presagiaron "el surgimiento de lo que finalmente se denominó 'lo-fi' a medida que el sonido comenzó a crecer en prominencia e influencia a lo largo de las décadas siguientes". [66]
Durante la década de 1990, el uso de la palabra "indie" en los medios evolucionó de música "producida lejos de los sellos discográficos más importantes de la industria musical" a un estilo particular de rock o música pop visto en los EE. UU. como la "alternativa a ' alternativa '". [67] Tras el éxito de Nevermind (1991) de Nirvana , el rock alternativo se convirtió en un tema de conversación cultural y, posteriormente, el concepto de un movimiento lo-fi se fusionó entre 1992 y 1994. Centrado en artistas como Guided by Voices , Sebadoh , Beck y Pavement , la mayoría de los escritos sobre alternativo y lo-fi lo alinearon con la Generación X y los estereotipos " slacker " que se originaron en la novela Generation X de Douglas Coupland y la película Slacker de Richard Linklater (ambas estrenadas en 1991) que llevaron a que el género se llamara " slacker rock ". [68] Parte de la distinción entre grunge y lo-fi se hizo con respecto a la " autenticidad " de la música . Aunque el líder de Nirvana, Kurt Cobain, era conocido por su afición a Johnston, K Records y Shaggs , había una facción del indie rock que veía al grunge como un género vendido , creyendo que las imperfecciones del lo-fi eran lo que le daba a la música su autenticidad. [69]
En abril de 1993, el término "lo-fi" ganó popularidad después de aparecer como titular en The New York Times . [22] El artículo más leído fue publicado por el mismo periódico en agosto de 1994 con el titular "Los rockeros lo-fi optan por lo crudo en lugar de lo sofisticado". En contraste con una historia similar publicada en el periódico siete años antes, que nunca utilizó "lo-fi" en el contexto de una grabación no profesional, el escritor Matt Deihl confundió "lo-fi" con "DIY" y "una calidad de sonido áspera". [70] Escribió:
Esta tradición, también llamada lo-fi, en referencia a la calidad de sonido áspera que resulta de este enfoque, o DIY, un acrónimo de "hazlo tú mismo", se distingue por una aversión a las técnicas de grabación de vanguardia. ... En un mundo de Top 40 estériles grabados digitalmente, el lo-fi esclarece las costuras crudas del proceso artístico. [70]
El tema principal de la pieza era Beck y Guided by Voices, que recientemente se habían convertido en artistas populares en la subcultura del indie rock. [71] Beck, cuyo sencillo de 1994 " Loser " fue grabado en una cocina y llegó al top 10 de Billboard , finalmente se convirtió en el artista más reconocible asociado con la etiqueta "lo-fi". [72] Como respuesta a la etiqueta "lo-fi", el líder de la banda Guided by Voices, Robert Pollard, negó tener alguna asociación con su supuesto movimiento. Dijo que aunque la banda estaba siendo "defendida como los pioneros del movimiento lo-fi", no estaba familiarizado con el término y explicó que "[u]na mucha gente estaba eligiendo máquinas [Tascam] en ese momento ... El uso de un cuatro pistas se volvió lo suficientemente común como para que tuvieran que encontrar una categoría para ello: DIY, lo-fi, lo que sea". [73]
En su momento, el crítico musical Simon Reynolds interpretó el aparente movimiento como una reacción contra la música grunge, "y una débil, ya que el lo-fi es simplemente grunge con valores de producción aún más sucios". [22] A su vez, dijo, el lo-fi inspiró su propia reacción en forma de " post-rock ". [22] Una reacción contra el grunge y el lo-fi, según AllMusic, fue el pop de cámara , que se basó en gran medida en las ricas orquestaciones de Brian Wilson, Burt Bacharach y Lee Hazlewood . [74]
El término "lo-fi" se aplicó de manera inconsistente a lo largo de los años 90. En su libro Hop on Pop (2003), Tony Grajeda dijo que en 1995, la revista Rolling Stone "logró etiquetar a todas las demás bandas que presentó en la primera mitad [del año] como lo-fi de alguna manera". [22] Un periodista de Spin atribuyó a Sebadoh III (1991) de Sebadoh la "invención" del lo-fi, caracterizando el género como "el rock suave del punk". [75] [22] Además, prácticamente todos los periodistas hicieron referencia a una creciente cobertura mediática de la música lo-fi, sin reconocerse a sí mismos como contribuyentes a la tendencia. [22]
Se publicaron varios libros que ayudaron a "canonizar" los actos lo-fi, generalmente comparándolos favorablemente con músicos más antiguos. Por ejemplo, Alt-Rock-a-Rama (1995) de Rolling Stone contenía un capítulo titulado "The Lo-Fi Top 10", que mencionaba a Hasil Adkins , Velvet Underground , Half Japanese , Billy Childish , Beat Happening, Royal Trux , Sebadoh, Liz Phair , Guided By Voices, Daniel Johnston, Beck y Pavement. [76] Unknown Legends of Rock 'n' Roll: Psychedelic Unknowns, Mad Geniuses, Punk Pioneers, Lo-Fi Mavericks & More de Richie Unterberger y "la comunidad de críticos y fanáticos con ideas afines que lo rodeaban" fueron especialmente fundamentales para establecer nociones modernas de la estética lo-fi. Según Adam Harper: "En resumen, Unknown Legends une los intereses de la generación [de los 80] y la [de la cultura del casete] con los de la [década de 2000], proporcionando un esbozo temprano, un presagio –un 'modelo de izquierda', tal vez– de los movimientos de los 2000 como la hauntología y el pop hipnagógico ". [53]
La etiqueta "lo-fi" también se extendió a artistas como Mountain Goats , Nothing Painted Blue , Chris Knox , Alastair Galbraith y Lou Barlow . [2] "Otros artistas importantes que a menudo se alinearon con el lo-fi de los 90", escribió Harper, "como Ween , The Grifters , Silver Jews , Liz Phair, Smog , Superchunk , Portastatic y Royal Trux han sido en gran medida omitidos debido a la relativa escasez de su recepción o a su menor relevancia para la estética lo-fi". [72]
Desde finales de los años 1990 hasta los años 2000, el "lo-fi" fue absorbido por el discurso indie habitual, donde perdió en gran medida sus connotaciones como una subcategoría del indie rock que evocaba a "la generación de los holgazanes", la "soltura" o la "autoconciencia". [77] Pitchfork y The Wire se convirtieron en las principales publicaciones sobre música, mientras que los blogs y los sitios web más pequeños asumieron el papel que antes ocupaban los fanzines. [78]
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El auge de las estaciones de trabajo de audio digital modernas disolvió una división tecnológica teórica entre artistas profesionales y no profesionales. [79] Muchos de los actos lo-fi destacados de la década de 1990 adaptaron su sonido a estándares más profesionales [77] y los músicos de "dormitorio" comenzaron a buscar equipos vintage como una forma de lograr una estética lo-fi auténtica, [80] reflejando una tendencia similar en la década de 1990 con respecto al resurgimiento del pop de la era espacial de los años 60 y los sintetizadores analógicos. [78] R. Stevie Moore fue citado cada vez más por los actos lo-fi emergentes como una influencia primaria. [55] Su defensor más vocal, Ariel Pink , había leído Unknown Legends , y luego grabó una versión de una de las pistas incluidas en un CD que venía con el libro ("Bright Lit Blue Skies"). [53] En el momento de su debut en el sello, Pink era visto como un acto novedoso, ya que prácticamente no había otros artistas indie contemporáneos con un sonido lo-fi retro similar. [2]
Los artistas lo-fi anteriores generalmente rechazaron la influencia de la radio pop de los años 80 que informó la mayor parte del sonido de Pink. [81] Después, un tipo de música denominada "pop hipnagógico" surgió entre los músicos lo-fi y post- ruido que se involucraron con elementos de nostalgia cultural , recuerdos de la infancia y tecnología de grabación obsoleta. La etiqueta fue inventada por el periodista David Keenan en un artículo de agosto de 2009 para The Wire , que incluyó a Pink entre sus ejemplos. [82] Pink fue referido con frecuencia como el "padrino" del hipnagógico, el chillwave o el glo-fi a medida que los nuevos actos que se asociaban con él (estéticamente, personalmente, geográficamente o profesionalmente) atraían la atención de los críticos. [83] Según Marc Hogan de Pitchfork , cada una de esas etiquetas describía lo que era esencialmente música psicodélica . [84] Adam Harper reflexionó en 2013 que había una tendencia creciente entre los críticos como Simon Reynolds a exagerar la influencia de Pink al no reconocer a predecesores como R. Stevie Moore y Martin Newell de The Cleaners from Venus . [53]
A finales de la década de 2010, una forma de música downtempo etiquetada como " hip hop lo-fi " o "chillhop" se hizo popular entre los streamers de música de YouTube. Varios de estos canales de YouTube atrajeron a millones de seguidores. La base de este estilo provino principalmente de productores como Nujabes y J Dilla . [85]
