El estilo anglo-japonés se desarrolló en el Reino Unido durante la era victoriana y principios de la era eduardiana desde aproximadamente 1851 hasta la década de 1910, cuando una nueva apreciación por el diseño y la cultura japoneses influyó en cómo los diseñadores y artesanos hacían arte británico , especialmente las artes decorativas y la arquitectura de Inglaterra , cubriendo una amplia gama de objetos de arte que incluyen cerámica , muebles y diseño de interiores . [1] Los centros importantes para el diseño incluyeron Londres y Glasgow .
El primer uso del término "anglo-japonés" se produce en 1851, [2] y se desarrolló debido al gran interés en Japón, que debido a la política estatal japonesa hasta la década de 1860, había estado cerrado a los mercados occidentales. El estilo fue popularizado por Edward William Godwin en la década de 1870 en Inglaterra, con muchos artesanos que trabajaban en el estilo basándose en Japón como fuente de inspiración y diseñaban piezas basadas en el arte japonés, mientras que algunos favorecían a Japón simplemente por su viabilidad comercial, particularmente cierto después de la década de 1880, cuando el interés británico en el diseño y la cultura orientales se considera una característica del Movimiento Estético . En la década de 1890-1910 se produjo una mayor educación, y con el advenimiento del comercio bilateral y las relaciones diplomáticas, se produjeron canales bidireccionales entre el Reino Unido y Japón y el estilo se transformó en uno de intercambio cultural y modernismo temprano, divergiendo en el estilo moderno , [3] estilo Liberty y anticipó el minimalismo de los principios del diseño moderno del siglo XX .
Entre los diseñadores británicos destacados que trabajaron en el estilo anglo-japonés se encuentran Christopher Dresser , Edward William Godwin , James Lamb , Philip Webb y la pintura mural de artes decorativas de James Abbott McNeill Whistler. Se pueden encontrar más influencias en las obras del movimiento Arts and Crafts y en los diseños británicos en Escocia , como los que se ven en las obras de Charles Rennie Mackintosh .
Las características de diseño como fukinsei (不均斉, 'asimetría') y wabi-sabi (侘寂, 'imperfección') y la simplificación del diseño aparecen de forma destacada como importación y adaptación estética en muchas obras y piezas de diseñadores anglo-japoneses. Christopher Dresser, que fue el primer diseñador europeo en visitar Japón en 1876, trajo de vuelta y popularizó muchas estéticas japonesas influyentes en sus libros, Japón: su arquitectura, arte y manufacturas artísticas (1882). [4] El principio de diseño pasó de ser el de la primera copia directa (practicado en el japonismo por figuras como Van Gogh o Lautrec ), a la comprensión del principio estético detrás del arte japonés (practicado por Dresser y más tarde por Godwin), lo que llevó en penúltima instancia a la creación del nuevo estilo anglojaponés. [5] El impacto del cambio en la forma en que se debe abordar el diseño se puede ver en CFA Voysey por su papel tapiz para Liberty's , quien sintió que la estética subyacente de la mano de obra japonesa debe primero ser entendida para crear una obra anglo-japonesa independiente, y que tratar de reproducirla cuando el solo propósito estético y la tradición fuera de ella crearían pragmáticamente una obra superficial. Hablando en 1917, comparando su aborrecimiento por las muchas malas imitaciones contemporáneas y obras "japonesas tradicionales" con los muebles chinos japoneses del siglo XVIII , señaló que aunque "podemos imitar adecuadamente en un objeto propio el acabado que encontramos en la mano de obra japonesa, pero la imitación de su pensamiento y sentimiento tradicionales es absurda, Chippendale exhibió este tipo de absurdo [visual] cuando produjo sus muebles chinos". [6]
En el diseño de muebles, los rasgos más comunes y característicos son las líneas refinadas y los motivos de la naturaleza como el ' Mons ', y más particularmente un acabado ebonizado (o incluso ébano) que recuerda al conocido acabado ' japonés '. Halen (p. 69) propone una silla ebonizada exhibida en la Exposición Internacional de 1862 por AF Bornemann & Co de Bath, y descrita (y posiblemente diseñada) por Christopher Dresser como el pintoresco y único personaje japonés , como el primer mueble documentado en el estilo anglo-japonés. Los tipos de muebles requeridos en Inglaterra, como armarios, aparadores e incluso mesas de comedor y sillones, no tenían un precedente japonés, por lo que los principios y motivos japoneses tuvieron que adaptarse a los tipos existentes para cumplir con los requisitos ingleses.
Dresser señaló que los «Mons» del arte japonés también tienen sus similitudes con el «arte rudimentario» celta . [7]
A muchos diseñadores británicos del período victoriano se les enseñaron los principios de diseño neogótico de John Ruskin y Owen Jones , principalmente la Gramática del ornamento (1856), que no incluía a Japón. 'Ornamento' se refiere a un aspecto importante del diseño decorativo arquitectónico inglés para el período, que deriva de la ornamentación popular en ese momento que se encontraba en el exterior de las iglesias europeas y que coloca esto al lado de la naturaleza. Sin embargo, en 1879, se informó que las formas naturales góticas ornamentales 'tenían toda la naturaleza aplanada, [siendo] dispuestas de manera arbitraria y mecánica', y por lo tanto, para reemplazar satisfactoriamente el ornamento de Owen Jones, el arte japonés había 'enseñado [al arquitecto británico] la lección que queríamos, al enseñarnos cómo adaptar las formas naturales sin quitarles la naturaleza. El arte gótico nos mostró algo de esto; pero no lo mostró tan claramente, ni de tantas maneras, como lo ha hecho el arte japonés'; [8] “porque incluso sus copias no son servilmente mecánicas sino libres... [como se muestra] en cómo los japoneses pueden introducir en un panel algo de expresión pictórica sin pérdida de simplicidad decorativa”. [9]
Al diseñar cerámica y alfarería, las primeras influencias en el estilo vinieron de la influencia "japonaiserie" y las primeras influencias muestran cómo Dresser, trabajando con Minton's, incorporó el exterior superficial de las técnicas de cerámica japonesa y el color en la porcelana , pero no sus principios de diseño o prácticas estéticas. Dresser se dedicó a diseñar una serie de piezas de influencia japonesa directa, como su cerámica de olas (fotográfica en la galería), y más tarde se inspiró en la influencia directa de la estética japonesa, que tomó de su tiempo aprendiendo de los artesanos en su visita al país en la década de 1870. Esto a su vez se conoció en el período 1880-1889 como "Cerámica artística", dentro de la rama estética del estilo, y fue practicado por varios otros alfareros y ceramistas, particularmente vasijas de gres. Los motivos comunes incluían flores de prunus, ramas de pino, cigüeñas y medallones. [10]
La metalistería de la década de 1880 también se inspiró en una mezcla de «renacimiento gótico, naturalismo y una interpretación occidental de las artes de Japón». [11]
Se fabricaron muchos muebles anglo-japoneses, pero los muebles diseñados por Godwin para William Watt son los más representativos de su tipo. Godwin nunca viajó a Japón, pero coleccionó objetos de arte japoneses alrededor de 1863 y diseñó sus muebles basándose en la réplica de formas adaptadas de estos objetos, creando un estilo inglés distintivo de muebles de inspiración japonesa en la década de 1870, al que denominó "estilo anglo-japonés". Las ilustraciones japonesas, los grabados en madera, los escudos familiares japoneses y la serie Manga inspiraron muchos de sus diseños de muebles "dinteles curvos y patrones geométricos de rejilla". [12] Los muebles a imagen de Godwin eran refinados, escasos en adornos y asimétricos en su diseño, a menudo en maderas ebonizadas con una decoración sencilla con papel japonés o pequeños detalles tallados en madera. En la Casa Blanca en Chelsea, organizó los muebles para que se distribuyeran de forma asimétrica y las paredes se cubrieron con pan de oro inspirado en el diseño y los interiores japoneses. [13]
Si bien el comercio japonés con Inglaterra había comenzado entre 1613 y 1623, bajo la política de Sakoku el mercado de importación y exportación de Japón se había limitado al contrabando y solo estuvo disponible nuevamente 150 años después, cuando los Tratados Ansei abrieron Japón al comercio británico una vez más, después de la apertura de Japón en 1853 .
El Museo de Arte Ornamental, más tarde el Museo Victoria y Alberto , compró laca y porcelana japonesas en 1852, y nuevamente en 1854 con la compra de 37 artículos de la exposición en la Old Water-Colour Society , Londres. El arte japonés se exhibió en Londres en 1851, Dublín en 1853 ; Edimburgo en 1856 y 1857; Manchester en 1857 y Bristol en 1861.
En 1858, Daniel Lee de Manchester fabricó una "serie de algodones estampados con rodillo" con influencia japonesa directa. [14]
Con Rutherford Alcock también organizando el stand no oficial de Japón, la Exposición Internacional de 1862 en Londres exhibió una serie de objetos cotidianos; cuyo impacto ha sido considerado "uno de los eventos más influyentes en la historia del arte japonés en Occidente", introduciendo a personas como Christopher Dresser al arte japonés . [15] Dresser señaló los primeros ejemplos de influencia e inspiración japonesa en la cerámica en sus reseñas de la Exposición Internacional de Londres de 1862, donde comentó sobre los "jarrones enriquecidos con adornos chinos o japoneses" de Minton, [16] y en su compra y boceto de los productos en la exposición.
Alcock señaló lo siguiente sobre la exposición de 1862: "Me ocupé de recopilar, para la gratificación de la gente culta y la instrucción de las clases trabajadoras e industriales de Inglaterra, evidencia de lo que el arte había hecho por los japoneses y sus industrias". [17]
Cuando se cerró la exposición, comenzó el interés en los objetos japoneses y en el propio Japón, y coleccionistas, artistas y comerciantes como Arthur Lasenby Liberty y Farmers and Rogers Oriental Warehouse comenzaron a coleccionar arte y objetos japoneses. [18] Con la apertura de los puertos del tratado en Japón, cuatro ciudades japonesas comenzaron a exportar bienes al Reino Unido. La mayoría de estos artículos finalmente comenzaron a influir en el arte de los artesanos británicos y a ingresar a los hogares de las élites británicas. [19] Varios artistas del círculo prerrafaelita como Dante Gabriel Rossetti , [20] Ford Madox Brown (amigo de Rossetti [21] ), Edward Burne-Jones [22] y Simeon Solomon también comenzaron a usar influencias orientales en sus obras; Albert Joseph Moore [23] y James McNeill Whistler también comenzaron a frecuentar el almacén que importaba estos bienes en Londres. El arquitecto Edward William Godwin también diseñó su casa y compró ukiyo-e en 1862 para decorarla; [24] William Eden Nesfield también diseñó piezas tempranas en este estilo.
En 1863, John Leighton (artista) dio una conferencia sobre "arte japonés" en la Royal Society y Alcock dio otra en la Leeds Philosophical Society en el mismo año. [25] El auge de Yokohama Shashin (fotografía de Yokohama) de los primeros fotógrafos como Felice Beato también introdujo las artes pictóricas en Gran Bretaña y, junto con las importaciones de nuevas impresiones en madera, se convirtieron en objetos de moda para poseer y discutir en círculos artísticos y académicos. [26]
La cristalería también fue influenciada por el arte japonés y el "decantador de rana" exhibido por Thomas Webb en la Exposición Internacional de París de 1867 es, por su tema, simplicidad y asimetría, el primer ejemplo de influencia japonesa en el vidrio inglés identificado hasta la fecha.
En 1867, Edward William Godwin y Christopher Dresser ya habían tomado conciencia de los objetos de arte japoneses, en particular de los estilos, formas y esquemas de color de la impresión en madera japonesa. [27] El gobierno británico se interesó aún más en la colección de papel washi para el V&A cuando Harry Parkes recopiló una gran cantidad de ejemplares similares para su exhibición en Londres entre 1867 y 1868. [28]
Influenciado por Whistler y su amor por los estilos de pintura histórica, Moore mezcló la estética vernácula griega y japonesa utilizando el estilo decorativo y estético japonés del arte por el arte, que se ve en la pintura de Moore de 1868 Azaleas , que "reconcilió las artes de Japón y Grecia, y lo estético y lo clásico, en una nueva combinación victoriana". [29] Si bien Whistler ciertamente influyó en la popularidad del arte japonés, a menudo se enfrentó a otros coleccionistas sobre el arte japonés , y con frecuencia se enfrentó a los hermanos Rosetti en la colección de Ukiyo-e y grabados en madera japoneses. [20] [30] Dante vio el refinamiento de la línea en las artes japonesas como algo que "no tiene nada que pedir a los logros o modelos europeos; es un organismo integral... [siendo en su precisión y delicadeza] más instintivo que los artistas de otras razas". [31] Mientras que Whistler se basó en el ideal francés de l'art pour l'art , y que el art d'object japonés simplemente estaba allí sin "ningún mensaje social, ningún compromiso, ninguna razón para existir excepto ser bello ". [14]
En 1869, Godwin, no sólo había vivido con interiores japoneses en su casa de Harpenden con Ellen Terry , sino que también había comenzado a diseñar en la primera encarnación del diseño anglo-japonés en el Castillo de Dromore en Limerick , Irlanda, en estilo gótico y japonés. [27]
,_1871-1875_(CH_18633979-2).jpg/1280px-Vase_(England),_1871-1875_(CH_18633979-2).jpg)
A principios de la década, la cerámica Watcombe en Devon produjo artículos de terracota sin esmaltar , algunos de los cuales se basan completamente en formas japonesas y el color natural de la arcilla para su efecto ornamental. Las porcelanas de inspiración japonesa de la fábrica de porcelana de Worcester en una fecha similar fueron muy admiradas por los propios japoneses. En 1870, la cerámica japonesa comenzó a influir en la cerámica británica, la alfarera Hannah Barlow hizo una serie de diseños de animales, omitiendo la ornamentación pesada / follaje decorativo común en la cerámica victoriana, en arcilla durante su tiempo en Royal Doulton , inspirada en Ukiyo-e. Dresser tuvo una línea exitosa con Minton de jarrones closionné azules. [32] En 1873, George Ashdown Audsley dio una conferencia sobre obras de arte de cerámica japonesa en Liverpool . [33] Thomas Jeckyll diseñó varias de sus chimeneas "mon", utilizadas por arquitectos como Dresser y Norman Shaw , que se volvieron extremadamente populares en 1873. Jeckyll también diseñó el Pabellón Japonés de la Exposición del Centenario de Filadelfia de 1876 en hierro forjado ; el motivo decorativo aquí del girasol se empleó mucho en el ornamento de las estructuras, que aunque utilizado antes como motivo por Jeckyll, popularizó la asociación del girasol como motivo floral en el estilo anglo-japonés. [11] Otros artistas como Walter Crane , particularmente su El príncipe rana (1874), comenzaron a mostrar signos de influencia japonesa en la forma en que emplean los colores brillantes de las xilografías japonesas que había utilizado por primera vez en otras series para niños (entre 1869 y 1875) que había conocido por primera vez en su tiempo en la escuela de arte en Inglaterra. [34]
Japón participó en la Exposición Internacional de 1874. [35] En 1874-1876, Warner & Sons produjo una serie de papeles pintados de éxito, diseñados por Edward William Godwin , que presentaban en gran medida "mons" circulares y motivos de crisantemos, los mons se tomaron directamente del diseño japonés, encontrado en un libro; propiedad de la esposa de Godwin; Beatrice Godwin. [36] [37] Además, en 1874, las importaciones japonesas también habían aumentado y Arthur Lasenby Liberty se hizo conocido como importador de productos japoneses en su tienda Liberty's (o, por ejemplo, "pequeñas cajas plateadas con bisagras esmaltadas en cloisonné en un estilo anglojaponés" [38] ), particularmente para damas en 1875. En el mismo año, Thomas Edward Collcutt comenzó a diseñar una serie de aparadores, gabinetes y sillas ebonizados de inspiración japonesa para Collinson & Lock. [39] Augustus Wollaston Franks organizó una exposición de cerámica, principalmente porcelana, en el Museo Bethnal Green en 1876, tras haber coleccionado netsuke y tsuba de Japón. Godwin, en el British Architect, informó que Liberty's [tiene] papeles japoneses para las paredes; telas para cortinas para ventanas y puertas; biombos, sillas, taburetes [etc. ... A veces] uno se topa con una alfombra que resulta irritante por la violencia de su color. Sin embargo, rara vez o nunca se encuentra semejante tosquedad, incluso en los productos modernos de Japón. ... O bien el mercado europeo está arruinando el arte japonés, o los japoneses han tomado nuestra medida artística y la han encontrado deficiente; tal vez haya un poco de ambas cosas. Godwin estaba comentando el aumento de los productos japoneses, tanto originales como hechos para el mercado europeo en ese momento. También se decía que en esa época se vendían en Londres papeles pintados de morera estampados, telas fabricadas e importadas con seda tussore en un telar más ancho por Liberty y Thomas Wardle junto con otras importaciones japonesas, en William Whiteley's, Debenham and Freebody y Swan & Edgar. Las sedas importadas eran increíblemente populares entre pintores como Moore, que preferían su uso en cortinas sobre modelos de artistas. [40]
En 1877, Godwin diseñó la casa blanca para Whistler en Chelsea. También hizo sus muebles de estilo anglo japonés de William Watt y sus papeles pintados inspirados en el mon japonés. Thomas Jeckyll también diseñó la Sala del Pavo Real para el magnate naviero Frederick Richards Leyland ; y este tipo de ornamentación japonesa también se puede encontrar en el diseño de sus chimeneas. Se inaugura la Galería Grosvenor ; exhibiendo el Nocturno negro de Whistler que condujo a la infame disputa con Ruskin sobre el valor de una obra de arte. En 1878, Daniel Cottier terminó una serie de paneles de vidrieras Morning Glories que detallan "una cerca de celosía ... que adapta de una variedad de japoneses ... biombos, plantillas textiles, manga y estampas ukiyo-e". [41] De hecho, Cottier (un habitante de Glasgow que trabajó en Londres y Nueva York ) tenía su estudio y tienda llenos de muebles estéticos y anglo-japoneses de madera ebonizada, y su estudio produjo a través de su aprendiz Stephen Adam hasta la década de 1880 una serie de piezas de carpintería decorativa japonesa, con frecuencia utilizando maderas oscuras y acentos florales de crisantemo dorado, todos ellos motivos japoneses populares entre los occidentales producidos para los mercados occidentales. [42] [43] Alcock también publicó su Art and Art Industries in Japan en 1878.
En 1879, Dresser se asoció con Charles Holme (1848-1923) como Dresser & Holme, importadores mayoristas de productos orientales, con un almacén en 7 Farringdon Road, Londres. [44] Coleccionistas como el magnate de Liverpool James Lord Bowes comenzaron a coleccionar productos japoneses. James Lamb (ebanista) y Henry Ogden & Sons también comenzaron a fabricar muebles anglo-japoneses para el mercado occidental, como armarios colgantes, mesas y sillas. [45] Con algo de cerámica producida en Linthorpe Pottery , fundada en 1879, siguió de cerca los ejemplos japoneses en formas simples y especialmente en ricos efectos de esmalte cerámico bastante revolucionarios en el mercado inglés. En las vajillas comerciales producidas en masa, el estilo estaba más representado por impresiones de transferencia que representaban motivos botánicos o animales japoneses, como bambúes y pájaros; escenas de Japón u objetos japoneses como abanicos. A menudo, estos se colocaban de una manera asimétrica novedosa en desafío a la tradición occidental . Otros alfareros que diseñaron en este estilo fueron Martin Brothers desde 1879 hasta 1904, [46] con muchas de sus obras en su mayoría de cerámica decorativa, que dependían en gran medida del principio de los peces y los motivos florales y algunos esmaltes en sus obras posteriores. [10] Los pintores estéticos incluyeron a William Stephen Coleman , Henry Stacy Marks , Edward Burne-Jones y Jean-Charles Cazin . Los artistas estéticos que se inspiraron en el estilo utilizaron con frecuencia imágenes como pavos reales, y llegaron a ser conocidos por sus pares artísticos como pertenecientes al "Culto de Japón". [10]
En la década de 1880, el estilo se había convertido en una influencia importante en el arte y la decoración de la época, en particular en el esteticismo . Cuando los estetas comenzaron a incorporar estilos japoneses a su movimiento, adoptaron motivos comunes como el girasol, la mariposa, el pavo real y el abanico japonés. [47] [11] En particular, en 1880, Bruce James Talbert produjo una serie de sillones y sillas anglo-japonesas ebonizadas que utilizaban el motivo del girasol en todas partes. También produjo una serie de papeles pintados estéticos en el estilo para Warner y Ramm, en particular "la característica [utilizando] simplicidad japonesa de línea y color" extraída de las prácticas estéticas enseñadas en las obras de Dresser y Godwin. [48] Otro tejido popular empleado en la estética fueron las sedas tussore de "Liberty Colours". [49] A medida que el esteticismo empezó a hacerse más popular, los diseñadores descubrieron que el «culto a la personalidad, particularmente cuando involucraba a los creadores de arte, entraba en conflicto fundamental con el énfasis de Ruskin y Morris en la importancia de los artesanos y artesanos tradicionales». Liberty en particular, que se puso del lado de los ideales de William Morris , rechazó el esteticismo temprano, lo que se reflejó más tarde en lo que se convirtió en el estilo Liberty . [50]
Frederick William Sutton , uno de los primeros fotógrafos de colodión que había viajado a Japón en 1868 con la Marina Real , dio ocho conferencias (entre 1879 y 1883) sobre la nueva forma de arte de la fotografía en Japón. [51] Estas conferencias mostraron fotografías tempranas y viajes en Japón y en su sexta conferencia, identificó los conceptos de "Viejo y Nuevo Japón", un ideal victoriano que dividió el período Meiji en el tiempo anterior al contacto occidental y posterior; el Viejo Japón denota una noción idealizada y rural del país de una época anterior a la Restauración Meiji y el Nuevo Japón es el Japón industrial y tolerante con los occidentales . [52]
En 1884, Stevens & Williams comenzó a fabricar sus cuencos decorativos de vidrio y de hadas 'Matsu-no-Kee', que adquirieron la naturaleza simplificada tan prominente entre el estilo anglo-japonés y los esquemas de colores brillantes que se ven en los grabados en madera contemporáneos. [53] Arthur Heygate Mackmurdo también comenzó a diseñar muebles inspirados en Ikebana , como se señaló además en muchas publicaciones periódicas de la época sobre el tema del arreglo floral japonés. [54]
En 1887, Charles Holmes, fundador de The Studio Magazine, viaja a Japón con Arthur Liberty. Ese mismo año, Mortimer Menpes también presenta su primera exposición de inspiración japonesa en Londres, lo que despertó la ira de Whistler. [55]
En 1888, la Sociedad de Bellas Artes encarga a Alfred East que pinte en Japón durante seis meses, y Frank Morley Fletcher se familiariza con los grabados en madera japoneses, y durante los siguientes 22 años colabora en la enseñanza de este arte en Londres y Reading (Yorkshire) . En 1889, Oscar Wilde señaló en La decadencia de la mentira que «de hecho, todo Japón es pura invención... El pueblo japonés es... simplemente un modo de estilo, una exquisita fantasía artística». Véase también las pinturas y diseños de Whistler (principalmente en La habitación del pavo real y su serie de nocturnos ).
Arthur Morrison comienza su "coleccionismo" de pinturas japonesas (que culmina en su publicación de 1911) y grabados en madera, comprando productos en Wapping y Limehouse y adquiridos a través de su amigo Harold George Parlett (1869-1945), un diplomático británico-japonés y escritor sobre budismo ; esto finalmente se convirtió en la colección de Arthur Morrison en el Museo Británico. [56]
Durante la década de 1890, el arte anglo-japonés alcanzó su máximo apogeo y las clases medias de la Gran Bretaña victoriana también comenzaron a coleccionar y comprar importaciones japonesas y diseños y piezas de estilo anglo-japonés. [19] En 1890 se inauguró el Museo Bowes de Arte Japonés en Liverpool; [57] En The Magazine of Art, bajo la dirección de Marion Harry Spielmann, también se publicaron varios artículos sobre el arte japonés en esa década. [58]
Dos años antes, el pintor Mortimer Menpes había viajado a Japón. Mientras estuvo allí, Menpes desarrolló una fascinación por las artes arquitectónicas y decorativas y, al regresar a Londres en 1889, hizo que el arquitecto Arthur Heygate Mackmurdo "decorara su casa al estilo japonés" en 25 Cadogan Gardens , Londres en 1890. [59] Menpes contrató a una empresa japonesa con sede en Osaka para que amueblara su casa con paneles de madera curvada teñida, tradicionalmente vistos en interiores Shiro o cornisas con detalles dorados; basado en laca japonesa , instaló Kunmiko Ramma (mamparas de ventilación decorativas enrejadas), marcos de ventanas anglo-japoneses de doble cara y empleó una decoración minimalista típica. También se importaron muebles de Europa y Japón, con sillas europeas, sofás y tapices tejidos, cajones y gabinetes simplistas de "carácter japonés", linternas y accesorios de iluminación de bronce y papel y jarras de porcelana en las que Menpes colaboró con alfareros japoneses mientras estaba en Japón.
En 1891, se fundó la Sociedad Japonesa , y comenzó a difundir los escritos de expatriados británicos que habían trabajado en Japón , y escritos sobre arte japonés, sobre temas como la carpintería japonesa, la metalistería y los artistas japoneses Toyokuni I , Hiroshige , Kyosai , la Escuela de Kano . [60] [61] Los críticos de arte japoneses contemporáneos también publicaron con la sociedad, como Yone Noguchi y Okakura Kakuzō . [62] Arthur Silver en Rottman, Strome, and Co comenzó a utilizar la técnica Ise katagami para hacer papel tapiz . [63] Andrew White Tuer también publica información sobre el estarcido katagami, promocionado en Inglaterra como "papel de cuero" sanitario en su Libro de diseños deliciosos y extraños, siendo cien ilustraciones facsímiles del arte del cortador de esténcil japonés (1892). [64] También se informó que en esta época los muebles de estilo anglojaponés comenzaron a utilizar incrustaciones de nácar, un material tradicionalmente japonés fabricado en Japón e importado para el mercado británico. [59] Allen William Seaby , alumno de Fletchley en la Universidad de Reading, comienza a estudiar la impresión en madera japonesa.
Un ejemplo notable de la década del paso al estilo moderno incluye a Aubrey Beardsley , quien entrelazó la influencia de lo que en Inglaterra se denominó el estilo moderno con las xilografías japonesas (como el Manga de Hokusai, realizado entre 1814 y 1878) para formar una adaptación inglesa de los "efectos grotescos que permitía la convención japonesa" de presentar ilustraciones en Salomé (1893) y El libro amarillo (1894-1897), particularmente sus ilustraciones "Bon-Mots of Sydney Smith" (1893). Se sabe que recibió una copia de shunga del artista Utamaro de William Rothenstein , que influyó mucho en la propia imaginería erótica de Beardsley, siendo introducido por primera vez a las xilografías japonesas durante sus horas de almuerzo trabajando en la librería de Frederick Evan en Holborn alrededor de 1889. Beardsley se sintió atraído por la sensibilidad japonesa de representar el cuerpo humano desnudo al estar abierto a la desnudez y representarla con humor, rechazando las nociones victorianas de cómo el cuerpo debería ser representado en el arte. [65] Además de la "distribución asimétrica de masas, ... ausencia de compacidad, espacio o luz y sombra" entre las "líneas curvas" de la falda Peacock. [18]
Charles Ricketts también mostró la influencia del arte lineal japonés en La casa de las granadas de Wilde de 1891 , que utilizó flores de pavo real y azafrán que "aparecen en filas uniformes como un patrón de papel tapiz repetido" (como en el mérito estético de Voysey) y la "construcción asimétrica del diseño de la página [, la cubierta del libro y la ilustración]"; dibujando también de la naturaleza; y en sus proporciones para la publicación de Wilde de 1894 de La esfinge, que también fue anterior a la forma temprana de influencias anglo-japonesas del estilo moderno. [66] Las formas de las olas en La casa de las granadas también recuerdan mucho a los grabados en madera de Hokusai.
.jpg/1280px-Berkley_Sq,_London_W1_(25954583006).jpg)
En 1902, con la firma de la Alianza Anglo-Japonesa , Japón ganó un gran estatus de potencia a los ojos de los responsables de la política exterior británica y junto con la industrialización "progresiva" , la influencia japonesa se hizo más pronunciada, particularmente con respecto a la industria de construcción naval en Glasgow. [67] Como tal, la sociedad británica comenzó a intercambiar más con esta nación industrializada, intercambiando ideas sobre arte, estética (particularmente compositiva) e intercambio académico bilateral, de modo que a fines de la década de 1910, con este cambio industrial, educativo y académico, el intercambio cultural bilateral reemplazó al estilo anglo-japonés unidireccional por una mayor comprensión cultural del arte japonés y su historia, ciertamente entre académicos y museos nacionales disponibles públicamente, y notables figuras del arte japonés, académicos y críticos.
En 1901, el estilo Liberty comenzó a florecer en Italia . Esto se derivó de una serie de temas japoneses, griegos, celtas y renacentistas, "con esos elementos japoneses que apelaban a las sensibilidades inglesas: asimetría, simplicidad, sensibilidad al medio y ... materiales modestos", que "alcanzaron popularidad internacional y llegaron a personificar el Art Nouveau británico " (también conocido como el estilo moderno en Inglaterra). Primero en Inglaterra, con el rechazo de Liberty a los principios artísticos del movimiento esteticista del arte por el arte como diseño pobre, favoreciendo el buen diseño en formatos de fabricación en masa. [68] [69] Con la influencia de Mackintosh, y la simplicidad o vacui del diseño del departamento de diseño visto en las obras de Archibald Knox , Arthur Silver, CFA Voysey y la popularidad de la mezcla de motivos japoneses y celtas que Mackintosh introdujo en Europa, la estética del arte japonés continuó influyendo e inculcándose en las escuelas de diseño británicas. La influencia japonesa fue aceptada entre las influencias en el estilo moderno desde el momento en que Liberty comenzó a importar productos japoneses en la década de 1860, ya que "Inglaterra no solo precedió a otros países por varias décadas al aceptar el ejemplo ofrecido por Japón, sino que también sufrió su influencia durante un período mucho más largo", culminando para Liberty en lo que finalmente se convirtió en el estilo moderno en Inglaterra, tomando del diseño japonés la elegancia refinada inherente a la escasez del diseño japonés. [70]
Otto Eckmann señaló en ese período que «sólo Inglaterra sabía cómo asimilar y transformar esta riqueza de nuevas ideas y adaptarlas a su carácter nacional innato, obteniendo así un beneficio real del estilo japonés» en su prefacio a una serie sobre el Jugendstil ; estos textiles decorativos Liberty de influencia japonesa se habían vuelto así extremadamente populares en Alemania; en Italia, el estilo era conocido como Stile Liberty por los diseños de telas de Liberty, y se vio en la Exposición de Turín de 1902 y en la obra de Carlo Bugatti . Así, en Inglaterra, el estilo moderno surgió de esta fusión de motivos culturales, y también emergió en las obras de Ricketts para Wilde y de Beardsley en los últimos años de su vida, inspirados en los estampados de Utamaro. [71] [72]
El diseño de interiores japonés también ocupa un lugar destacado en las obras de Charles Voysey, y comparte con Mackintosh su «abstracción... de enfoques nuevos e individuales para el diseño de espacios interiores». Viéndose sobre todo en sus diseños de papel pintado que reducían los elementos ornamentales y decorativos, Voysey declaró que deseaba en su diseño empezar por «deshacerse de los ornamentos inútiles y quemar los adornos de moda que desfiguran nuestros muebles y utensilios domésticos... [y] reducir el número de patrones y [colores] en una habitación». La influencia en sus interiores se puede ver en Horniman House de 1906 a 1907. [73]
Con esta apreciación de Japón vino una afluencia de interés también en la apreciación del diseño de jardines japoneses. El primer jardín japonés aclamado que a menudo se cita como el que popularizó el estilo fue el jardín de bambú japonés de Leopold de Rothschild, inaugurado en Gunnersby Estate en el oeste de Londres en 1901. En 1903, Reginald Farrer popularizó el estilo de jardinería de rocas asociado por los jardineros ingleses con los jardines zen en sus escritos. En 1908 esto fue promovido por el diseño escocés propuesto por Taki Handa . El jardín japonés en Tatton Park es un ejemplo de estilo de jardinería anglo-japonés. Los elementos comunes incluyen "linternas de piedra, el uso de grandes rocas y guijarros, cuencos de piedra con agua y arbustos y flores decorativos como arces, azaleas y lirios" y "puentes pintados de rojo". El Jardín de la Isla Flotante de 1910 reforzó particularmente estos elementos en el estilo. [74] Aunque se incorporaron elementos del diseño de jardines japoneses tradicionales, muchos elementos de jardines ingleses también fluyeron hacia la apariencia general. [75] [76] [77] En 1910, el jardín japonés se había convertido en un elemento popular, como el de Hascombe Court, obra de Percy Cane y Christopher Tunnard . [78]
La Exposición Japonesa de Whitechapel de 1902 fue reseñada favorablemente por Charles Lewis Hind, sin embargo Laurence Binyon señaló que la exposición tenía deficiencias y que "algún día se podría formar una exposición de préstamos que al menos esboce el alcance y la historia de ese arte [japonés]". [79] Charles Ricketts y Charles Haslewood Shannon donan su colección japonesa de grabados en madera de Harunobu, Utagawa y Hokusai al Museo Británico en este período. [80] [81] La revista Burlington se estableció en 1903 y con Charles Holmes editando la revista, se publicaron varios artículos sobre arte japonés en la publicación periódica, así como en English Illustrated Magazine en 1904.
En 1905, Kokka comenzó a publicarse en inglés. En 1906, Sidney Sime produjo una serie de obras ilustradas para Edward Plunkett, 18th Baron of Dunsany, The Time and the Gods (1906). Dunsany estaba familiarizado con el teatro japonés y le presentó a Sime una serie de convenciones, que se pueden ver evidentes particularmente en estas ilustraciones, como las posturas encorvadas y la colocación de las figuras, y la aplicación de puntillismo en el frente y el fondo combinado con formas de onda que se ven comúnmente en los kimonos japoneses del siglo XIX, por ejemplo. [22] Eric Slater , enseñado por Fletcher e inspirado por Arthur Rigden Read, también comenzó a hacer grabados en madera japoneses.
_(44140154660).jpg/1280px-Vase_de_Kawade_Shibataro_(Mus%C3%A9e_Guimet,_Paris)_(44140154660).jpg)
En particular, la pintura y la ilustración se desarrollaron más en esta época. El crítico de arte japonés Seiichi Taki (1873-1945) señaló en Studio Magazine; cómo la pintura occidental y oriental consideraban que el tema de la pintura era importante para expresar una idea a una audiencia; pero que diferían en sus resultados y ejecución en cómo el estilo de pintura occidental pone "énfasis en [lo] objetivo, y el otro [(japonés)] en las ideas subjetivas". Taki señaló que en la pintura occidental se centraba mucho en un objeto singular, como enmarcar el cuerpo humano para que fuera el único punto focal de atención en una pintura, "en los cuadros japoneses, las flores, los pájaros, los paisajes, incluso los árboles marchitos y las rocas sin vida" reciben estos puntos de interés focal; de modo que la ejecución de, por ejemplo, una pantalla Byobu no atrae la mirada a una parte de la pintura, sino a todas las partes de ella, de modo que crea la imagen como un todo como "microcósmicamente completo". [82] Roger Fry también observó cómo los artistas europeos habían comenzado a olvidar el claroscuro en favor del estilo oriental de lo que Binyon llamó sensualidad ; o el "rechazo de la luz y la sombra". Fry señaló en 1910 cómo el arte chino y japonés "rechazaba la luz y la sombra como pertenecientes principalmente al arte del escultor" y concluyó que "ciertos efectos generales de atmósfera iluminada y sombreada, efectos de niebla, de noche y de crepúsculo, han mostrado durante seis siglos el camino que solo el arte europeo completamente moderno ha comenzado a seguir". [83]
En 1910 se celebró la Exposición Japón-Británica , en la que Japón prestó varios de sus objetos artísticos e industriales al Reino Unido. Sin embargo, durante esta década, el estilo llegaría a su fin, ya que los académicos y los museos públicos habían comenzado a apreciar y a intercambiar más plenamente con los artesanos vivos y la comunidad japonesa en el Reino Unido (entre 500 y 1000 personas en ese momento) que habían llegado para la exposición de 1910. Harry Allen (fl. 1910-1925) también diseñó una serie de jarrones azules de Tiziano decorados con motivos anglojaponeses, como la grulla de corona roja o el pavo real y las hojas de pino Matsu para Royal Doulton. [84]
En 1913, cuando Binyon se hizo cargo de la sección japonesa del Departamento Oriental del Museo Británico, junto con Rothenstein, Morrison, Ricketts y Sazlewood habían formado un círculo de coleccionistas de grabados japoneses basado en la literatura y las artes. Binyon ayudó radicalmente a mejorar la calidad del departamento y, por lo tanto, ayudó a la comprensión general de la profundidad y variedad de los estilos de pintura japonesa conocidos por el público en general. Ricketts disfrutaba especialmente del estilo de pintura Korin o Rinpa . [85] Las obras publicadas de Binyon también ayudaron a mostrar una nueva visión del mundo basada en Oriente, en lugar de adoptar una visión eurocéntrica ; [86] por ejemplo, Binyon explica cómo "los japoneses miran a China como nosotros miramos a Italia y Grecia: [que] para ellos es la tierra clásica, la fuente de la que su arte ha extraído no solo métodos, materiales y principios de diseño, sino una variedad infinita de temas y motivos". [87]
Mi principal preocupación no ha sido discutir cuestiones de autoría o arqueología, sino investigar qué valor estético y significado tienen estas pinturas orientales para nosotros en Occidente – Binyon (1913)
Con la llegada de una mayor comprensión académica de la estética japonesa, el estilo anglo-japonés terminó, transformándose en modernismo con la muerte de la "locura japonesa" y los objetos de arte japoneses se convirtieron en partes permanentes de las colecciones de los museos europeos y estadounidenses. Esto se nota particularmente en la escasez o los fondos sencillos en la obra de Charles Rennie Mackintosh y el diseño de escenario y vestuario de Edward Gordon Craig . [88] Bernard Leach también ayudó a inspirar un regreso a la artesanía más tradicional en Japón con el movimiento Mingei en Japón y en la cerámica en Inglaterra para William Staite Murray en su elección de materiales. [89] [90]
Parte del nuevo intercambio cultural bilateral que reemplazó el estilo unidireccional anglo-japonés por una mayor comprensión cultural del arte japonés y su historia, provino de la propia comunidad japonesa en Londres .
Por ejemplo, en 1900, Sadajirō Yamanaka abrió su sucursal londinense de Yamanaka and Co. En 1902, se inauguró una exposición japonesa en Whitechapel , Londres, en la que Charles Lewis Hind revisó las acuarelas del artista japonés que trabajaba en Londres Yoshio Markino . Markino se convertiría en un ilustrador exitoso en la Gran Bretaña eduardiana, publicando obras ilustradas como The Colour of London (1907) y A Japanese Artist in London (1910). [91] El escritor Douglas Sladen también colaboró frecuentemente con Markino en sus publicaciones. Entre 1907 y 1910, Wakana Utagawa visita Londres para formarse en pintura de acuarela y exhibir sus pinturas tradicionales japonesas con pincel.
,_1907,_oil_on_canvas_-_Tokyo_National_Museum_-_DSC05563.JPG/1280px-Portrait_of_the_Artist_Henry_by_Hara_Busho_(1866-1912),_1907,_oil_on_canvas_-_Tokyo_National_Museum_-_DSC05563.JPG)
En 1911, Frank Brangwyn había comenzado a colaborar con varios artistas japoneses, como Ryuson Chuzo Matsuyama, que trabajaban en la Inglaterra eduardiana en técnicas de impresión en madera. Luego, en 1915, la galería Yamanaka de Londres albergó la Exposición de Préstamos de la Cruz Roja Británica. Estos empresarios, aprovechando la mejora de las relaciones internacionales, establecieron tiendas en Europa y América. Comerciantes como Tonying, CT Loo (qv) y Yamanaka comenzaron a vender objetos del este de Asia directamente a coleccionistas occidentales. [92]
En Glasgow, en noviembre de 1878, se celebra la Bolsa de Arte de Glasgow, en la que se intercambian bilateralmente bienes de arte, entre los que se incluyen 1.000 «piezas arquitectónicas, muebles, artículos de madera y laca, instrumentos musicales, cerámicas, trabajos en metal, textiles y muestras de vestuario y papel» que se mostraron públicamente entre 1881 y 1882. [93] Bruce James Talbert también se inspira para fabricar muebles y papeles pintados de inspiración japonesa y telas para muebles.
En diciembre de 1881, se inauguró la Exposición de Préstamos de Arte Oriental en las Galerías Corporation, que exhibió 1.000 objetos de arte de Japón en Glasgow junto con otros objetos de Liberty & Co y artefactos del Museo de South Kensington, y fue vista por 30.000 espectadores. Christopher Dresser dio una conferencia sobre arte japonés en una galería de arte en Glasgow en 1882 y Liberty se convirtió en el inversor de la Art Furnishers' Alliance establecida por Dresser. En 1883, Frank Dillon (1823-1909), que había visitado Japón en 1876, expuso The Festival of the Cherry Blossom, Osaka, Japan en el Instituto de Glasgow. En marzo de 1883, Dresser también visitó Glasgow para dar una conferencia sobre "La artesanía del arte japonés". [94] Japón también comenzó a exhibir sus productos en el Reino Unido, exhibiendo por separado en 1883, 1884, 1885 en Londres y en Edimburgo en 1884. [95] Alexander Reid fue un comerciante de arte que abrió una galería de arte llamada "La Sociète des Beaux-Arts" en 1889, siendo más recordado por ser un conocido de Vincent van Gogh , ambos comenzaron a ser influenciados por los productos japoneses en 1887.
George Henry y EA Hornel, ambos graduados de la Escuela de Arte de Glasgow , realizaron un viaje financiado por Reid a Japón entre 1893 y 1894. A su regreso, realizaron una conferencia y exposición sobre las pinturas producidas como resultado de su visita a Japón en el Art Club. El Art Club había sido recientemente renovado por Mackintosh en 1893 y se había convertido en un importante espacio social para los artistas de Glasgow. Como Hornel era un buen amigo de John Keppie, socio de Mackintosh y colegas en la Escuela de Arte de Glasgow, es posible que Mackintosh haya asistido a esta exposición y conferencia. [96] Las conferencias de Henry en 1895 fomentaron el interés y la narrativa occidentales en las artes japonesas como decorativas.
.jpg/1280px-Les_d%C3%A9cors_symbolistes_de_la_%22Glasgow_School_of_Art%22_(3803687862).jpg)
La Exposición Internacional de Glasgow de 1901 incluyó una Exposición de Japón.
Mackintosh se familiarizó por primera vez con el diseño japonés en 1884 en la Escuela de Arte de Glasgow, donde produjo una obra de inspiración japonesa en Part Seen, Part Imagined en 1896, en la que se mostraba con la prenda de estilo kimono retratada, y también presentó diseños arquitectónicos a la Escuela de Arte de Glasgow inspirados en los escudos Mon basados en " I-Ro-Ha Mon-Cho de Kinuo Tanaka" (o Catálogo de Mon de la edición de 1881) y en la "naturaleza temporal de la carpintería japonesa". Se cree que Hermann Muthesius lo introdujo al japonismo en 1897. A su vez, influyó en las artes de Siegfried Bing y Gustav Klimt , con su influencia en el círculo europeo de diseñadores vieneses que se inspiraron en su mezcla de diseños con motivos celtas y japoneses. Es particularmente notable la "relación entre Mackintosh y Japón desde el diseño interior del apartamento de 120 Mains Street" de 1900 y en su gabinete de kimonos (c. 1906). [98] Cabe destacar que "Japón ha jugado un papel importante en el desencadenamiento de [las] ideas del modernismo, cuando [Mackintosh también] atrajo la mayor atención" a principios del siglo XX con sus diseños en Europa continental. [96] [99]
En los Estados Unidos, la apreciación temprana del estilo anglojaponés también se trasladó a las publicaciones póstumas de Hints on Household Taste de Charles Locke Eastlake (publicada por primera vez en 1868).
Cuando miro a través de los escaparates de un establecimiento de moda dedicado al arte decorativo y veo las monstruosidades que se ofrecen diariamente al público en nombre del gusto... que pasan por ornamentos en el siglo XIX, no puedo dejar de pensar en cuánto podríamos aprender de aquellas naciones cuyo arte hemos acostumbrado desde hace mucho tiempo a despreciar, como por ejemplo los artesanos semicivilizados del Japón. [100]
La estética trajo influencias japonesas a los Estados Unidos. [101] Algunos de los trabajos en vidrio y plata de Louis Comfort Tiffany , los textiles y el papel tapiz de Candace Wheeler y los muebles de Kimbel & Cabus , Daniel Pabst , Nimura & Sato y los hermanos Herter (en particular los producidos después de 1870) muestran influencia del estilo anglojaponés. Los hermanos Herter se inspiraron en gran medida en los muebles de Godwin y Dresser en sus motivos y diseño asimétrico, pero los estilos anglojaponeses estadounidenses se inclinaron hacia los estilos victorianos más antiguos, muy decorativos y ornamentales. [102]
A partir de 1877, Godwin comenzó a publicar su Catálogo de muebles artísticos , que popularizó los motivos japoneses en los Estados Unidos hasta finales de la década de 1880, y Dresser se convirtió en el primer diseñador que visitó y diseñó utilizando estilos de arte decorativo japonés, lo que influyó en el estilo en Occidente. Oscar Wilde también informó y comentó sobre el progreso del estilo, refiriéndose a "la influencia que el arte oriental está teniendo sobre nosotros en Europa y la fascinación de todo el trabajo japonés" en una conferencia que dio en los Estados Unidos en 1882 ( El renacimiento inglés del arte ).
Sin embargo, en 1893, «la locura japonesa, a pesar de su intensidad, nunca llegó a ser más que una fascinación diletante en la búsqueda del interior artístico [estético] y la identidad que imbuía». [103]
.pdf/page1-1280px-The_ornamental_arts_of_Japan_(IA_gri_33125008692432).pdf.jpg)
Lectura contemporánea:
Lectura académica
Medios relacionados con el estilo anglo-japonés en Wikimedia Commons
.jpg/1280px-The_Japanese_Fan_by_Simeon_Solomon_(1865).jpg)
.jpg/1280px-Sidewall,_ca._1880_(CH_85010155-2).jpg)
.jpg/1280px-Sidewall,_ca._1880_(CH_85010181-2).jpg)
.jpg/1280px-A_Japanese_Girl_Jacob_Kramer_(1892%E2%80%931962).jpg)
.jpg/1280px-Square_bottles_by_Hamada_Shoji_1950-1960_Mashiko_Japan_stoneware_with_iron_glaze_(364587418).jpg)
.jpg/1280px-The_Japanese_Baby_by_George_Henry_1893_(watercolour).jpg)
,_ca._1885_(CH_18452099).jpg/1280px-Sidewall_And_Border_(USA),_ca._1885_(CH_18452099).jpg)
