El Rhythm and blues , frecuentemente abreviado como R&B o R'n'B , es un género de música popular que se originó dentro de las comunidades afroamericanas en la década de 1940. El término fue utilizado originalmente por las compañías discográficas para describir grabaciones comercializadas predominantemente para afroamericanos, en un momento en que "la música rockera basada en el jazz ... [con un] ritmo pesado e insistente" se estaba volviendo más popular. En la música comercial de ritmo y blues típica de las décadas de 1950 a 1970, las bandas generalmente estaban formadas por un piano, una o dos guitarras, bajo, batería, uno o más saxofones y, a veces, vocalistas de fondo. Los temas líricos del R&B a menudo resumen la historia y la experiencia afroamericana de dolor y la búsqueda de libertad y alegría, así como triunfos y fracasos en términos de racismo social, opresión, relaciones, economía y aspiraciones.
El término "rhythm and blues" ha sufrido varios cambios de significado. A principios de la década de 1950, se aplicaba con frecuencia a los discos de blues . A partir de mediados de la década de 1950, después de que este estilo de música contribuyera al desarrollo del rock and roll , el término "R&B" pasó a utilizarse en un contexto más amplio. Se refería a estilos musicales que se desarrollaron e incorporaron el blues eléctrico , así como la música gospel y soul .
De los años 1960 a los 70, algunos grupos británicos fueron referidos y promocionados como bandas de R&B. En la década de 1970, el término "rhythm and blues" había cambiado una vez más y se utilizaba como un término general para soul y funk . A finales de la década de 1980, se desarrolló un estilo más nuevo de R&B, que pasó a ser conocido como " R&B contemporáneo ". Combina ritmo y blues con varios elementos de pop , soul, funk, disco , hip hop y música electrónica .
Aunque a Jerry Wexler de la revista Billboard se le atribuye haber acuñado el término "rhythm and blues" como término musical en los Estados Unidos en 1948, [3] el término se había utilizado en Billboard ya en 1943. [4] [5] Sin embargo , la primera lista de canciones populares entre los afroamericanos de la compañía se llamó Harlem Hit Parade ; Creado en 1942, enumeraba los "discos más populares de Harlem " [6] y reemplazó el término común " música racial ", que originalmente provenía de la comunidad negra, pero se consideró ofensivo en el mundo de la posguerra. [7] [8] Billboard utilizó el término "rhythm and blues" en sus listas de éxitos desde junio de 1949 hasta agosto de 1969, cuando su lista "Hot Rhythm & Blues Singles" pasó a llamarse "Best Selling Soul Singles". [9] Antes de que se instaurara el nombre "Rhythm and Blues", varias compañías discográficas ya habían comenzado a reemplazar el término "música de carreras" por el término "serie sepia". [10] "Rhythm and blues" a menudo se abrevia como "R&B" o "R'n'B". [11]
A principios de la década de 1950, el término "rhythm & blues" se aplicaba con frecuencia a los discos de blues . [12] El escritor y productor Robert Palmer definió el Rhythm & Blues como "un término general que se refiere a cualquier música hecha por y para estadounidenses negros". [13] También ha utilizado el término "R&B" como sinónimo de jump blues . [14] Sin embargo, AllMusic lo separa del jump blues debido a las influencias gospel más fuertes del R&B. [15] Lawrence Cohn , autor de Nothing but the Blues , escribe que "rhythm and blues" fue un término general inventado para conveniencia de la industria. Según él, el término abarcaba toda la música negra excepto la música clásica y la música religiosa , a menos que una canción gospel se vendiera lo suficiente como para entrar en las listas de éxitos. [7] Hasta bien entrado el siglo XXI, el término R&B continúa utilizándose (en algunos contextos) para categorizar la música hecha por músicos negros, a diferencia de los estilos de música hechos por otros músicos.
En la música comercial de ritmo y blues típica de las décadas de 1950 a 1970, las bandas generalmente estaban formadas por piano, una o dos guitarras, bajo, batería y saxofón. Los arreglos se ensayaron sin esfuerzo y, en ocasiones, fueron acompañados por vocalistas de fondo. Las partes repetitivas simples se entrelazan, creando impulso y una interacción rítmica que produce texturas suaves, melodiosas y, a menudo, hipnóticas, sin llamar la atención sobre ningún sonido individual. Si bien los cantantes están emocionalmente comprometidos con la letra, a menudo intensamente, se mantienen tranquilos, relajados y en control. Las bandas vestían trajes e incluso uniformes, una práctica asociada con la música popular moderna que los intérpretes de ritmo y blues aspiraban a dominar. Las letras a menudo parecían fatalistas y la música normalmente seguía patrones predecibles de acordes y estructura. [16] Los temas líricos del R&B a menudo resumen la experiencia afroamericana de dolor y la búsqueda de libertad y alegría, [17] [ página necesaria ] , así como triunfos y fracasos en términos de relaciones, economía y aspiraciones. [ cita necesaria ]
Una publicación del Instituto Smithsonian proporcionó este resumen de los orígenes del género en 2016.
"Una música claramente afroamericana que proviene de los profundos afluentes de la cultura expresiva afroamericana, es una amalgama de jump blues, swing de big band, gospel, boogie y blues que se desarrolló inicialmente durante un período de treinta años que une la era del la segregación racial legalmente sancionada, los conflictos internacionales y la lucha por los derechos civiles". [2]
El Salón de la Fama del Rock & Roll define a algunos de los creadores del R&B, incluida la big band de Joe Turner , Tympany Five de Louis Jordan, James Brown y LaVern Baker. De hecho, esta fuente afirma que "Louis Jordan se unió a Turner para sentar las bases del R&B en la década de 1940, creando una obra maestra de ritmo y blues oscilante tras otra". Otros artistas que fueron "piedras angulares del R&B y su transformación en rock & roll" incluyen a Etta James, Fats Domino , Roy Brown, Little Richard y Ruth Brown. También fueron destacables los grupos de "doo wop", entre ellos los Orioles , los Ravens y los Dominoes . [18]
El término "rock and roll" tenía una fuerte connotación sexual en el jump blues y el R&B, pero cuando el DJ Alan Freed se refirió al rock and roll en la radio convencional a mediados de la década de 1950, "el componente sexual se había reducido lo suficiente como para convertirse simplemente en un término aceptable para bailar". [19]
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La gran migración de estadounidenses negros a los centros industriales urbanos de Chicago, Detroit, Nueva York, Los Ángeles y otros lugares en las décadas de 1920 y 1930 creó un nuevo mercado para el jazz, el blues y géneros musicales relacionados. Estos géneros musicales a menudo eran interpretados por músicos de tiempo completo, ya sea trabajando solos o en pequeños grupos. Los precursores del Rhythm and Blues procedieron del jazz y el blues, que se superpusieron a finales de los años 1920 y 1930 a través del trabajo de músicos como los Harlem Hamfats , con su éxito de 1936 "Oh Red", así como Lonnie Johnson , Leroy Carr , Cab Calloway , Count Basie y T-Bone Walker . También se hizo cada vez más hincapié en la guitarra eléctrica como instrumento principal, así como en el piano y el saxofón . [20]
El R&B se originó en las comunidades afroamericanas en la década de 1940. [21] En 1948, RCA Victor comercializaba música negra bajo el nombre "Blues and Rhythm". Ese año, Louis Jordan dominó las cinco primeras listas de las listas de R&B con tres canciones, y dos de las cinco primeras canciones se basaron en los ritmos boogie-woogie que habían cobrado prominencia durante la década de 1940. [22] La banda de Jordan, Tympany Five (formada en 1938), estaba formada por él en saxofón y voz, junto con músicos en trompeta, saxofón tenor, piano, bajo y batería. [23] [24] Lawrence Cohn describió la música como "más valiente que su blues teñido de jazz de la era del boogie". [7] : 173 Robert Palmer la describió como "música urbana, rockera, basada en el jazz... [con un] ritmo pesado e insistente". [25] La música de Jordan, junto con la de Big Joe Turner , Roy Brown , Billy Wright y Wynonie Harris , ahora también se conoce como jump blues . Paul Gayten , Roy Brown y otros ya habían tenido éxitos en el estilo que ahora se conoce como Rhythm and Blues. En 1948, la nueva versión de Wynonie Harris de la grabación de Brown de 1947, " Good Rockin' Tonight ", alcanzó el número dos en las listas, siguiendo a "Long Gone" del líder de la banda Sonny Thompson en el número uno. [26] [27]
En 1949, el término "Rhythm and Blues" (R&B) reemplazó la categoría Billboard Harlem Hit Parade . [7] También en ese año, " The Huckle-Buck ", grabada por el líder de la banda y saxofonista Paul Williams , fue la canción número uno de R&B, permaneciendo en la cima de las listas durante casi todo el año. Escrita por el músico y arreglista Andy Gibson , la canción fue descrita como un "boogie sucio" porque era atrevida y obscena. [28] Los conciertos de Paul Williams and His Hucklebuckers fueron eventos desenfrenados y sudorosos que fueron cancelados en más de una ocasión. Sus letras, de Roy Alfred (quien más tarde coescribió el éxito de 1955 " (The) Rock and Roll Waltz "), eran levemente sugerentes sexualmente, y un adolescente de Filadelfia dijo: "Ese Hucklebuck era un baile muy desagradable". [29] [30] También en 1949, una nueva versión de una canción de blues de los años 20, " Ain't Nobody's Business ", fue un éxito número cuatro para Jimmy Witherspoon , y Louis Jordan and the Tympany Five una vez más llegaron al top cinco con " Pescado frito del sábado por la noche ". [31] Muchos de estos discos de éxito se publicaron en nuevos sellos discográficos independientes, como Savoy (fundada en 1942), King (fundada en 1943), Imperial (fundada en 1945), Specialty (fundada en 1946), Chess (fundada en 1947) y Atlantic. (fundada en 1948). [20]
La música afroamericana comenzó a incorporar motivos rítmicos afrocubanos en el siglo XIX con la popularidad de la contradanza cubana (conocida fuera de Cuba como la habanera ). [32] El ritmo de la habanera puede considerarse como una combinación de tresillo y backbeat .
Durante más de un cuarto de siglo en el que se fueron formando y desarrollando el cakewalk , el ragtime y el proto-jazz, el género cubano habanera ejerció una presencia constante en la música popular afroamericana. [33] El pionero del jazz Jelly Roll Morton consideraba que el ritmo de tresillo/habanera (al que llamó el tinte español ) era un ingrediente esencial del jazz. [34] Hay ejemplos de ritmos similares al tresillo en cierta música folclórica afroamericana, como los patrones de palmas y pisotones en el grito de anillo , la música de tambores y pífanos posteriores a la Guerra Civil y la música de segunda línea de Nueva Orleans . [35] Wynton Marsalis considera que el tresillo es la "clave" de Nueva Orleans (aunque técnicamente, el patrón es sólo media clave ). [36] Tresillo es la célula rítmica de pulso doble más básica en las tradiciones musicales del África subsahariana , y su uso en la música afroamericana es uno de los ejemplos más claros de retención rítmica africana en los Estados Unidos. [37] El uso del tresillo fue continuamente reforzado por las sucesivas oleadas de música cubana, que fueron adoptadas en la cultura popular norteamericana. En 1940 Bob Zurke lanzó "Rhumboogie", un boogie-woogie con una línea de bajo de tresillo y una letra que declara con orgullo la adopción del ritmo cubano:
Harlem tiene un nuevo ritmo, ¡está quemando las pistas de baile porque hace mucho calor! Tomaron un poco de ritmo de rumba y agregaron boogie-woogie y ¡ahora mira lo que obtuvieron! Rhumboogie, es la nueva creación de Harlem con la síncopa cubana, ¡es el asesino! Simplemente planta ambos pies a cada lado. Deje que sus caderas y hombros se deslicen. Luego echa tu cuerpo hacia atrás y monta. No hay nada como rhumbaoogie, rhumboogie, boogie-woogie. En Harlem o La Habana, puedes besar a la vieja Savannah. ¡Es un asesino! [38]
Aunque se originó en la metrópoli en la desembocadura del río Mississippi, el blues de Nueva Orleans, con sus rasgos rítmicos afrocaribeños, se distingue del sonido del blues del delta del Mississippi. [39] A finales de la década de 1940, los músicos de Nueva Orleans fueron especialmente receptivos a las influencias cubanas precisamente en el momento en que el R&B se estaba formando por primera vez. [40] El primer uso del tresillo en R&B se produjo en Nueva Orleans. Robert Palmer recuerda:
El productor y director de banda de Nueva Orleans, Dave Bartholomew, empleó por primera vez esta figura (como un riff de sección de saxofón) en su propio disco de 1949, "Country Boy", y posteriormente ayudó a convertirlo en el patrón rítmico más utilizado en el rock 'n' roll de los años cincuenta. En numerosas grabaciones de Fats Domino , Little Richard y otros, Bartholomew asignó este patrón repetido de tres notas no sólo al bajo de cuerda, sino también a las guitarras eléctricas e incluso al saxo barítono, lo que genera un fondo muy pesado. Recuerda haber escuchado la figura por primera vez, como un patrón de bajo en un disco cubano. [41]
En una entrevista de 1988 con Palmer, Bartholomew (que tuvo la primera banda de estudio de R&B), [42] reveló cómo inicialmente superpuso el tresillo al ritmo del swing:
Escuché el bajo tocando esa parte en un disco de 'rumba'. En 'Country Boy' hice que mi bajo y batería tocaran un ritmo de swing directo y escribí esa parte de bajo de 'rumba' para que los saxos tocaran encima del ritmo de swing. Más tarde, especialmente después de que llegó el rock 'n' roll, hice la parte del bajo de la 'rumba' cada vez más pesada. Tendría el contrabajo, una guitarra eléctrica y un barítono, todo al unísono. [43]
Bartolomé se refería al son cubano con el inapropiado nombre de rumba , práctica común en aquella época. " Blue Monday " de Fats Domino , producido por Bartholomew, es otro ejemplo de este uso ya clásico del tresillo en el R&B. "Oh Cubanas" de Bartholomew de 1949, basada en tresillo, es un intento de mezclar música afroamericana y afrocubana. La palabra mambo , de mayor tamaño que cualquier otro texto, ocupa un lugar destacado en el sello discográfico. En su composición "Misery", el pianista de Nueva Orleans, el profesor Longhair, toca una figura parecida a una habanera en su mano izquierda. [44] El hábil uso de los trillizos es una característica del estilo de Longhair.
Gerhard Kubik señala que, con la excepción de Nueva Orleans, los primeros blues carecían de polirritmias complejas, y había una "ausencia muy específica de patrones de línea de tiempo asimétricos ( patrones clave ) en prácticamente toda la música afroamericana de principios del siglo XX ... sólo En algunos géneros de Nueva Orleans aparece ocasionalmente un indicio de patrones de líneas de tiempo simples en forma de patrones transitorios llamados 'stomp' o coros de parada de tiempo. Estos no funcionan de la misma manera que las líneas de tiempo africanas ". [45] A finales de la década de 1940, esto cambió un poco cuando la estructura de la línea de tiempo de dos celdas pasó al blues. Músicos de Nueva Orleans como Bartholomew y Longhair incorporaron instrumentos cubanos, así como el patrón de clave y figuras bicelulares relacionadas en canciones como "Carnival Day" (Bartholomew 1949) y "Mardi Gras In New Orleans" (Longhair 1949). Si bien algunos de estos primeros experimentos fueron fusiones incómodas, los elementos afrocubanos eventualmente se integraron completamente en el sonido de Nueva Orleans.
Robert Palmer informa que, en la década de 1940, el profesor Longhair escuchó y tocó con músicos de las islas y "cayó bajo el hechizo de los discos de mambo de Pérez Prado ". [46] Estaba especialmente enamorado de la música afrocubana. Michael Campbell afirma: "La influencia del Profesor Longhair fue ... de gran alcance. En varias de sus primeras grabaciones, el Profesor Longhair mezcló ritmos afrocubanos con ritmo y blues. La más explícita es 'Longhair's Blues Rhumba', donde superpone un sencillo blues con ritmo de clave." [47] El estilo particular de Longhair era conocido localmente como rumba-boogie . [48] En su "Mardi Gras en Nueva Orleans", el pianista emplea el motivo de 2-3 claves onbeat/offbeat en un " guajeo " de rumba boogie. [49]
La sensación de subdivisión sincopada pero directa de la música cubana (a diferencia de las subdivisiones oscilantes) echó raíces en el R&B de Nueva Orleans durante esta época. Alexander Stewart afirma que el sentimiento popular se transmitió desde "Nueva Orleans, pasando por la música de James Brown, hasta la música popular de la década de 1970", y agrega: "El estilo singular de Rhythm & Blues que surgió en Nueva Orleans en los años posteriores a la Guerra Mundial II jugó un papel importante en el desarrollo del funk. En un desarrollo relacionado, los ritmos subyacentes de la música popular estadounidense sufrieron una transición básica, aunque generalmente no reconocida, desde un sentimiento de tresillo o shuffle a corcheas pares o rectas . Con motivos funk, Stewart afirma que este modelo "... es diferente de una línea de tiempo (como clave y tresillo) en que no es un patrón exacto, sino más bien un principio organizativo flexible" .
Johnny Otis lanzó el mambo R&B "Mambo Boogie" en enero de 1951, con congas, maracas, claves y guajeos de saxofón mambo en una progresión de blues. [52] Ike Turner grabó "Cubano Jump" (1954), un instrumento de guitarra eléctrica, que se construye alrededor de varias figuras de 2 o 3 claves, adoptadas del mambo. Los Hawketts , en " Mardi Gras Mambo " (1955) (con la voz de un joven Art Neville), hacen una clara referencia a Pérez Prado en el uso de su característico "Unhh!" en el descanso después de la introducción. [53]
Ned Sublette afirma: "Los gatos del blues eléctrico conocían muy bien la música latina, y definitivamente existía el rhumba blues ; puedes escuchar a Muddy Waters y Howlin' Wolf tocándolo". [54] También cita a Otis Rush , Ike Turner y Ray Charles , como artistas de R&B que emplearon esta sensación. [54]
El uso de la clave en el R&B coincidió con el creciente dominio del backbeat y la creciente popularidad de la música cubana en los EE. UU. En cierto sentido, la clave se puede resumir en tresillo (tres lados) respondido por el backbeat (dos lados). . [55]
El " bo Diddley beat " (1955) es quizás la primera fusión verdadera de clave 3-2 y R&B/rock 'n' roll. Bo Diddley ha dado diferentes relatos sobre los orígenes del riff. Sublette afirma: "En el contexto de la época, y especialmente de esas maracas [escuchadas en el disco], 'Bo Diddley' debe entenderse como un disco con tintes latinos. Un corte rechazado grabado en la misma sesión se tituló únicamente 'Rhumba ' en las hojas de seguimiento." [54] "Willie and the Hand Jive" (1958) de Johnny Otis es otro ejemplo de esta exitosa combinación de 3 o 2 claves y R&B. Otis utilizó los instrumentos cubanos claves y maracas en la canción.
La música afrocubana fue el conducto por el cual la música afroamericana fue "reafricanizada", mediante la adopción de figuras bicelulares como la clave e instrumentos afrocubanos como la conga , los bongos , las maracas y las claves . Según John Storm Roberts , el R&B se convirtió en el vehículo para el regreso de elementos cubanos a la música popular de masas. [56] Se informa que Ahmet Ertegun , productor de Atlantic Records , dijo que "los ritmos afrocubanos agregaron color y emoción al impulso básico del R&B". [57] Sin embargo, como señala Ned Sublette : "En la década de 1960, cuando Cuba era objeto de un embargo de los Estados Unidos que todavía sigue vigente hoy en día, la nación isleña había sido olvidada como fuente de música. Cuando la gente comenzó a hablar "Aunque el rock and roll tenía una historia, la música cubana había desaparecido de la conciencia norteamericana". [58]
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Al principio, sólo los afroamericanos compraban discos de R&B. Según Jerry Wexler de Atlantic Records, las ventas se localizaron en los mercados afroamericanos; no hubo ventas ni reproducciones en la radio para blancos. A principios de la década de 1950, más adolescentes blancos comenzaron a tomar conciencia del R&B y comenzaron a comprar música. Por ejemplo, el 40% de las ventas de 1952 en la tienda de discos Dolphin's of Hollywood , ubicada en una zona afroamericana de Los Ángeles, fueron a blancos. Con el tiempo, los adolescentes blancos de todo el país cambiaron su gusto musical hacia el ritmo y el blues. [59]
Johnny Otis , que había firmado con Savoy Records, con sede en Newark, Nueva Jersey, produjo muchos éxitos de R&B en 1951, incluidos " Double Crossing Blues ", "Mitrustin' Blues" y " Cupid's Boogie ", todos los cuales alcanzaron el número uno ese año. . Otis anotó diez éxitos entre los diez primeros ese año. Otros éxitos incluyen " Gee Baby ", "Mambo Boogie" y "All Nite Long". [60] The Clovers , un quinteto formado por un cuarteto vocal con un guitarrista acompañante, cantó una combinación de blues y gospel de sonido distintivo, [61] obtuvo el éxito número cinco del año con " Don't You Know I Love You " . en el Atlántico. [60] [62] [63] También en julio de 1951, el DJ Alan Freed de Cleveland, Ohio, inició un programa de radio nocturno llamado "The Moondog Rock Roll House Party" en WJW (850 a. M.). [64] [65] El programa de Freed fue patrocinado por Fred Mintz, cuya tienda de discos de R&B tenía una clientela principalmente afroamericana. Freed comenzó a referirse a la música de ritmo y blues que tocaba como "rock and roll".
En 1951, Little Richard Penniman comenzó a grabar para RCA Records en el estilo jump blues de las estrellas de finales de la década de 1940, Roy Brown y Billy Wright . Sin embargo, no fue hasta que grabó un demo en 1954 que llamó la atención de Specialty Records que el mundo comenzaría a escuchar su nuevo ritmo funky y blues que lo catapultaría a la fama en 1955 y ayudaría a definir el sonido del rock 'n. ' rollo. Siguió una rápida sucesión de éxitos del Rhythm and Blues, comenzando con " Tutti Frutti " [66] y " Long Tall Sally ", que influenciarían a artistas como James Brown , [67] Elvis Presley , [68] y Otis Redding . [67]
También en 1951, la canción Rocket 88 fue grabada por Ike Turner y sus Kings of Rhythm en un estudio propiedad de Sam Phillips con la voz de Jackie Brenston . Esta canción se cita a menudo como precursora del rock and roll o como uno de los primeros discos de ese género. [69] Sin embargo, en una entrevista posterior, Ike Turner ofreció este comentario: "No creo que 'Rocket 88' sea rock 'n' roll. Creo que 'Rocket 88' es R&B, pero creo que 'Rocket 88' ' es la causa de que exista el rock and roll". [70]
Ruth Brown , actuando en el sello Atlantic, colocó sus éxitos entre los cinco primeros todos los años desde 1951 hasta 1954: " Teardrops from My Eyes ", "Five, Ten, Fifteen Hours", " (Mama) He Treats Your Daughter Mean " y " Qué sueño ". [61] " Shake a Hand " de Faye Adams llegó al número dos en 1952. En 1953, el público comprador de discos de R&B hizo la grabación original de Willie Mae Thornton de " Hound Dog " de Leiber y Stoller [72] el tercer éxito del año. Ruth Brown fue muy destacada entre las estrellas femeninas de R&B; su popularidad probablemente se debió a "su entrega vocal profundamente arraigada en la tradición afroamericana" [73] [74] Ese mismo año, The Orioles , un grupo de doo-wop , obtuvo el éxito número cuatro del año con " Crying in the Chapel " . . [75]
Fats Domino llegó al top 30 de las listas pop en 1952 y 1953, luego al top 10 con " Ain't That a Shame ". [76] [77] Ray Charles saltó a la fama nacional en 1955 con " I Got a Woman ". [78] Big Bill Broonzy dijo sobre la música de Charles: "Está mezclando el blues con lo espiritual ... Sé que eso está mal". [7] : 173
En 1954, " Sh-Boom " [79] de Chords se convirtió en el primer éxito en pasar de las listas de R&B para llegar al top 10 a principios de año. A finales de año, y entrado 1955, " Hearts of Stone " de Charms llegó al top 20. [80]
En Chess Records, en la primavera de 1955, el disco debut de Bo Diddley , " Bo Diddley "/" I'm a Man ", escaló al número dos en las listas de R&B y popularizó el ritmo original de Bo Diddley basado en claves de blues que convertirse en un pilar del rock and roll. [81]
A instancias de Leonard Chess de Chess Records, Chuck Berry reelaboró una melodía de violín country con una larga historia, titulada " Ida Red ". [82] El resultado " Mayellene " no sólo fue un éxito número tres en las listas de R&B en 1955, sino que también alcanzó el top 30 en las listas de pop. Alan Freed , que se había mudado al mercado mucho más grande de la ciudad de Nueva York en 1954, ayudó a que el disco se hiciera popular entre los adolescentes blancos. Chess le había dado a Freed parte del crédito escrito a cambio de sus actividades promocionales, una práctica común en ese momento. [83]
El R&B también tuvo una fuerte influencia en el rock and roll . [84] Un artículo de 1985 en The Wall Street Journal , titulado "¡Rock! Sigue siendo Rhythm and Blues" [ cita completa necesaria ] informó que los "dos términos se usaron indistintamente" hasta aproximadamente 1957. Las otras fuentes citadas en el artículo decían ese rock and roll combinaba el R&B con el pop y la música country. [85]
Fats Domino no estaba convencido de que existiera algún género nuevo. En 1957, dijo: "Lo que ahora llaman rock 'n' roll es ritmo y blues. Lo he tocado durante 15 años en Nueva Orleans". [86] Según Rolling Stone , "esta es una afirmación válida... todos los rockeros de los años cincuenta, blancos y negros, nacidos en el campo y criados en la ciudad, fueron fundamentalmente influenciados por el R&B, la música popular negra de finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta". [87]
En 1956, se llevó a cabo una gira de R&B "Top Stars of '56", con los cabezas de cartel Al Hibbler , Frankie Lymon and the Teenagers y Carl Perkins , cuyo " Blue Suede Shoes " fue muy popular entre los compradores de música R&B. [88] Algunos de los artistas que completaron el cartel fueron Chuck Berry, Cathy Carr , Shirley & Lee , Della Reese , Sam "T-Bird" Jensen, los Cleftones y los Spaniels con la Big Rockin' Rhythm Band de Illinois Jacquet . [89] Las ciudades visitadas por la gira incluyeron Columbia, Carolina del Sur; Annapolis, Maryland; Pittsburgh, Pennsylvania; Siracusa, Rochester y Buffalo, Nueva York; y otras ciudades. [ cita necesaria ] En Columbia, el concierto terminó casi con un disturbio cuando Perkins comenzó su primera canción como acto de cierre. Se cita a Perkins diciendo: "Fue peligroso. Muchos niños resultaron heridos". En Annapolis, entre 50.000 y 70.000 personas intentaron asistir a una actuación con entradas agotadas para 8.000 asientos. Las carreteras estuvieron atascadas durante siete horas. [90] Los cineastas aprovecharon la popularidad de los músicos de "rhythm and blues" como músicos de "rock n roll" a partir de 1956. Little Richard, Chuck Berry, Fats Domino, Big Joe Turner, los Treniers , los Platters y los Flamingos, todos llegó a la pantalla grande. [91]
Dos discos de Elvis Presley llegaron al top cinco del R&B en 1957: " Jailhouse Rock "/" Treat Me Nice " en el número uno, y " All Shook Up " en el número cinco, una aceptación sin precedentes de un artista no afroamericano en una categoría musical. conocido por ser creado por negros. [92] Nat King Cole , también pianista de jazz que tuvo dos éxitos en las listas de éxitos a principios de la década de 1950 (" Mona Lisa " en el número dos en 1950 y " Too Young " en el número uno en 1951), tenía un disco en el entre los cinco primeros en las listas de R&B en 1958, " Looking Back "/"Do I Like It". [93]
En 1959, dos sellos discográficos de propiedad negra, uno de los cuales tendría un gran éxito, hicieron su debut: Sar de Sam Cooke y Motown Records de Berry Gordy . [94] Brook Benton estuvo en la cima de las listas de R&B en 1959 y 1960 con un número uno y dos éxitos número dos. [95] Benton tenía una cierta calidez en su voz que atraía a una amplia variedad de oyentes, y sus baladas llevaron a comparaciones con intérpretes como Nat King Cole , Frank Sinatra y Tony Bennett . [96] Lloyd Price , quien en 1952 tuvo un éxito número uno con " Lawdy Miss Clawdy ", recuperó el predominio con una versión de " Stagger Lee " en el número uno y " Personalidad " en el número cinco en 1959. [97] [98]
El líder de la banda blanca del Bill Black Combo, Bill Black , que había ayudado a iniciar la carrera de Elvis Presley y fue el bajista de Elvis en la década de 1950, era popular entre los oyentes negros. [ cita necesaria ] El noventa por ciento de sus ventas de discos provinieron de gente negra, y su " Smokie, Part 2 " (1959) alcanzó la posición número uno en las listas de música negra. [ cita necesaria ] Una vez le dijeron que "muchas de esas estaciones todavía piensan que eres un grupo negro porque el sonido se siente funky y negro". [ cita necesaria ] Hi Records no incluía imágenes del Combo en los primeros registros. [99]
El éxito número cinco de Sam Cooke , " Chain Gang ", es indicativo del R&B en 1960, al igual que el éxito número cinco del rockero pop Chubby Checker , " The Twist ". [98] [100] A principios de la década de 1960, la categoría de la industria musical anteriormente conocida como Rhythm and Blues se llamaba música soul , y la música similar de artistas blancos se denominaba soul de ojos azules . [101] [94] Motown Records tuvo su primer sencillo con un millón de ventas en 1960 con " Shop Around " de los Miracles , [102] y en 1961, Stax Records tuvo su primer éxito con " Gee Whiz (Look at) de Carla Thomas Sus ojos) ". [103] [104] El siguiente gran éxito de Stax, el instrumental de The Mar-Keys " Last Night " (también lanzado en 1961), introdujo el sonido soul más crudo de Memphis por el que Stax se hizo conocido. [105] En Jamaica, el R&B influyó en el desarrollo del ska . [106] [107] En 1969, la cultura negra y el Rhythm and Blues alcanzaron otro gran logro cuando los Grammy agregaron la categoría Rhythm and Blues, otorgando reconocimiento académico a la categoría. [ cita necesaria ]
En la década de 1970, el término "rhythm and blues" se utilizaba como un término general para soul , funk y disco . [108]
A finales de los 80 y principios de los 90, el hip-hop comenzó a capturar la imaginación de la juventud estadounidense. El R&B comenzó a homogeneizarse, con un grupo de productores de alto perfil responsables de la mayoría de los éxitos del R&B. Era difícil para los artistas de R&B de la época vender su música o incluso hacer que se escuchara debido al auge del hip-hop, pero algunos adoptaron una imagen de "hip-hop", se comercializaron como tal y, a menudo, presentaban raperos en sus listas. canciones. En 1990, Billboard reintrodujo el R&B para clasificar toda la música popular negra excepto el hip-hop. [109] Artistas más nuevos como Usher , R. Kelly , Janet Jackson , TLC , Aaliyah , Brandy , Destiny's Child , Tevin Campbell y Mary J. Blige disfrutaron del éxito. LA Reid , director ejecutivo de LaFace Records , fue responsable de algunos de los mayores éxitos del R&B en la década de 1990 con Usher , TLC y Toni Braxton . Posteriormente, Reid comercializó con éxito Boyz II Men . [110] En 2004, el 80% de las canciones que encabezaron las listas de R&B también estuvieron en la cima del Hot 100. Ese período fue el pico de todos los tiempos para el R&B y el hip hop en el Billboard Hot 100 y en el Top 40 Radio. [111] Aproximadamente entre 2005 y 2013, las ventas de R&B disminuyeron. [112] Sin embargo, desde 2010, el hip-hop ha comenzado a tomar señales del sonido R&B, eligiendo adoptar un sonido más suave y fluido que incorpora el R&B tradicional con raperos como Drake , quien ha abierto una puerta completamente nueva para el género. Este sonido ha ganado popularidad y ha creado una gran controversia tanto para el hip-hop como para el R&B sobre cómo identificarlo. [113] En 2010, LaMont "ShowBoat" Robinson fundó el Salón Nacional de la Fama del Rhythm & Blues . [114]
Según el escritor, ejecutivo editorial musical y compositor judío Arnold Shaw , durante la década de 1940 en los EE. UU., en general había pocas oportunidades para los judíos en el ámbito de las comunicaciones de masas controlado por WASP , pero el negocio de la música estaba "completamente abierto para los judíos como era para los negros". [115] Los judíos desempeñaron un papel clave en el desarrollo y la popularización de la música afroamericana, incluido el ritmo y el blues, y el negocio discográfico independiente estaba dominado por jóvenes judíos que promovían los sonidos de la música negra. [116]
El ritmo y el blues británico y el blues rock se desarrollaron a principios de la década de 1960, en gran parte como respuesta a las grabaciones de artistas estadounidenses, a menudo traídas por militares afroamericanos estacionados en Gran Bretaña o marineros que visitaban puertos como Londres, Liverpool, Newcastle y Belfast. [117] [118] Muchas bandas, particularmente en la escena de clubes en desarrollo de Londres, intentaron emular a los intérpretes negros de ritmo y blues, lo que resultó en un sonido "más crudo" o "más valiente" que los " grupos beat " más populares . [119] Durante la década de 1960, Geno Washington , The Foundations y The Equals obtuvieron éxitos pop. [120] Muchos músicos negros británicos ayudaron a formar la escena británica del R&B. Entre ellos se encontraba Geno Washington , un cantante estadounidense destinado en Inglaterra con la Fuerza Aérea. Fue invitado a unirse a lo que se convirtió en Geno Washington & the Ram Jam Band por el guitarrista Pete Gage en 1965 y disfrutó de los 40 sencillos más exitosos y dos álbumes entre los 10 primeros antes de que la banda se separara en 1969. [121] Otro soldado estadounidense , Jimmy James , nació en Jamaica, se mudó a Londres después de dos números uno locales en 1960 con The Vagabonds, quienes construyeron una sólida reputación como acto en vivo. Lanzaron un álbum en vivo y su debut de estudio, The New Religion, en 1966 y lograron un éxito moderado con algunos sencillos antes de que los Vagabonds originales se disolvieran en 1970. [122] El músico de blues rock blanco Alexis Korner formó la nueva banda de jazz rock CCS en 1970. [123] El interés por el blues influiría en los principales músicos de rock británicos, incluidos Eric Clapton , Mick Taylor , Peter Green y John Mayall , los grupos Free y Cream adoptaron un interés por una gama más amplia de estilos de Rhythm and Blues . [119]
Los Rolling Stones se convirtieron en la segunda banda más popular del Reino Unido (después de los Beatles ) [124] y lideraron la " invasión británica " de las listas pop estadounidenses. [119] Los Rolling Stones versionaron la canción [125] de Bobby Womack & the Valentinos " It's All Over Now ", dándoles su primer número uno en el Reino Unido en 1964. [126] Bajo la influencia del blues y el R&B, bandas como los Rolling Los Stones, los Yardbirds y los Animals, y más bandas influenciadas por el jazz como Graham Bond Organization y Zoot Money , tenían álbumes de soul de ojos azules. [119] Los músicos blancos de R&B populares en el Reino Unido incluyeron a Steve Winwood , Frankie Miller, Scott Walker & the Walker Brothers , los Animals de Newcastle, [127] Spencer Davis Group y Van Morrison & Them de Belfast. [119] Ninguna de estas bandas tocaba exclusivamente ritmo y blues, pero permaneció en el centro de sus primeros álbumes. [119]
Champion Jack Dupree fue un pianista de blues y boogie woogie de Nueva Orleans que realizó una gira por Europa y se estableció allí a partir de 1960, vivió en Suiza y Dinamarca, luego en Halifax, Inglaterra, en las décadas de 1970 y 1980, antes de establecerse finalmente en Alemania. [128] De las décadas de 1970 a 1980, Carl Douglas , Hot Chocolate, Delegation, Junior, Central Line, Princess, Jacki Graham, David Grant, Loose Ends, Pasadenas y Soul II Soul obtuvieron éxitos en las listas de pop o R&B. [129] La música de la subcultura mod británica surgió del Rhythm and Blues y más tarde del Soul interpretado por artistas que no estaban disponibles en los pequeños clubes de Londres donde se originó la escena. [130] A finales de la década de 1960, The Who interpretó canciones de R&B estadounidenses como el éxito de Motown "Heat Wave", una canción que reflejaba el estilo de vida mod de los jóvenes. [130] Muchas de estas bandas disfrutaron de éxito nacional en el Reino Unido, pero les resultó difícil entrar en el mercado musical estadounidense. [130] Las bandas británicas blancas de R&B produjeron música con un tono muy diferente al de los artistas afroamericanos. [119]
basado en informes de ventas de Rainbow Music Shop, Harvard Radio Shop, Lehman Music Company, Harlem De Luxe Music Store, Ray's Music Shop y Frank's Melody Music Shop, Nueva York". Andy Kirk and His Clouds of Joy encabezó el recuento inaugural con "Take Eso y Git."
No es el menor legado del R&B la perpetuación de la tradición de la armonía grupal tal como se escucha en la mezcla vocal de los grupos "doo-wop".
su significado abarca tanto el sexo como el baile
raíces del rock and roll: gospel, blues, country/folk/bluegrass y R&B
por Lawrence N. Redd
