El teatro del siglo XX describe un período de grandes cambios dentro de la cultura teatral del siglo XX, principalmente en Europa y América del Norte. Hubo un desafío generalizado a las reglas establecidas desde hacía mucho tiempo en torno a la representación teatral; resultando en el desarrollo de muchas formas nuevas de teatro, incluido el modernismo , el expresionismo , el impresionismo , el teatro político y otras formas de teatro experimental , así como el desarrollo continuo de formas teatrales ya establecidas como el naturalismo y el realismo .
A lo largo del siglo, la reputación artística del teatro mejoró tras haber sido ridiculizado durante todo el siglo XIX. Sin embargo, el crecimiento de otros medios, especialmente el cine , ha resultado en un papel disminuido dentro de la cultura en general. A la luz de este cambio, los artistas teatrales se han visto obligados a buscar nuevas formas de relacionarse con la sociedad. Las diversas respuestas ofrecidas ante esto han impulsado las transformaciones que configuran su historia moderna. [1]
Los desarrollos en áreas como la teoría de género y la filosofía posmoderna identificaron y crearon temas para que el teatro los explorara. Estas representaciones, a veces explícitamente metateatrales, estaban destinadas a confrontar las percepciones y suposiciones de la audiencia para plantear preguntas sobre su sociedad. Estas obras desafiantes e influyentes caracterizaron gran parte de las dos últimas décadas del siglo XX.
Aunque se desarrolló en gran medida en Europa y América del Norte hasta principios de siglo, en los siguientes 50 años se produjo una adopción de formas teatrales no occidentales. Influenciados por el desmantelamiento de imperios y el continuo desarrollo de la teoría poscolonial , muchos artistas nuevos utilizaron elementos de sus propias culturas y sociedades para crear un teatro diversificado.
El realismo se centra en el intento de representar el tema con sinceridad, sin artificialidad y evitando convenciones artísticas o elementos inverosímiles, exóticos y sobrenaturales. Para muchos artistas de teatro a lo largo del siglo, el realismo pretendía dirigir la atención a los problemas sociales y psicológicos de la vida cotidiana.
Influenciados por las ideas de Sigmund Freud , Charles Darwin y otros, muchos artistas comenzaron a encontrar un enfoque psicológico del teatro que enfatizaba las dimensiones internas de los personajes en escena. Esto se llevó a cabo tanto en el escenario en estilos de actuación, como en la escritura de obras de teatro y en el diseño teatral . A partir de las obras de los dramaturgos rusos Ivan Turgenev , Alexander Ostrovsky y Leo Tolstoy y continuadas por Emile Zola en Francia y Henrik Ibsen en Noruega a finales del siglo XIX , el realismo llegó a dominar la mayor parte de la cultura teatral del siglo XX en Gran Bretaña y América del Norte. .
En Rusia, el movimiento hacia el realismo comenzó antes que en cualquier otro lugar del mundo. Sobre la base del trabajo de pioneros anteriores, Constantin Stanislavski y Vladimir Nemirovich-Danchenko fundaron el Teatro de Arte de Moscú en 1898, con el objetivo de reformar un teatro ruso dominado por el melodrama para convertirlo en uno en el que el arte de alta calidad estuviera disponible para el público en general. En quizás el encuentro teatral más importante del siglo XX, los dos se reunieron durante 18 horas épicas, desde las 2 de la tarde hasta las 8 de la mañana del día siguiente, y sentaron las bases de una de las compañías más influyentes del siglo. [2] Juntos forjarían una compañía profesional con un espíritu conjunto que desalentaba la vanidad individual, seleccionando actores de la clase de Nemirovich en la escuela Filarmónica y del grupo amateur de la Sociedad de Arte y Literatura de Stanislavsky, junto con otros actores profesionales; crearían un teatro realista de renombre internacional, con precios populares para las localidades, cuya estética orgánicamente unificada reuniría las técnicas del Meiningen Ensemble y las del Théâtre Libre de André Antoine (que Stanislavsky había visto durante sus viajes a París). [3]
El 29 de diciembre de 1898, el teatro inauguró La gaviota de Antón Chéjov , con el propio Stanislavski interpretando el papel de Trigorin y Vsevolod Meyerhold como Treplev en "uno de los mayores acontecimientos de la historia del teatro ruso y uno de los mayores acontecimientos de la historia del teatro ruso". drama mundial." [4] Nemirovich describió los aplausos, que llegaron después de un silencio prolongado, como si surgieran del público como si se rompiera una presa y la producción recibió elogios unánimes de la prensa. [5] Analistas posteriores atribuyen el éxito de la producción a la fidelidad de su delicada representación de la vida cotidiana, su interpretación íntima y en conjunto y la resonancia de su estado de ánimo de incertidumbre abatida con la disposición psicológica de la intelectualidad rusa de la época. [6] Las producciones de Ibsen, Shakespeare y El tío Vanya de Chéjov , El jardín de los cerezos y Las tres hermanas también tuvieron mucho éxito en los primeros días de la compañía.
Después del éxito del Teatro de Arte de Moscú, Stanislavski se propuso crear un sistema unificado de actuación que capacitara a actores y actrices para crear caracterizaciones creíbles para sus actuaciones. Desarrollado principalmente entre 1911 y 1916 y revisado a lo largo de su vida, el enfoque se basó en parte en el concepto de memoria emocional en el que un actor se concentra internamente para retratar las emociones de un personaje en el escenario. Las áreas de estudio incluyen concentración, voz, habilidades físicas, memoria de emociones, observación y análisis dramático. El sistema Stanislavsky se practicó ampliamente en la Unión Soviética y en los Estados Unidos, donde los experimentos en su uso comenzaron en la década de 1920 y continuaron en muchas escuelas y talleres profesionales.
A principios del siglo XX, Rusia experimentó una Edad de Plata cultural y el teatro no fue una excepción. En 1916, el número total de teatros productores sólo en Moscú ascendía a cerca de 200. Estos teatros de temporada y durante todo el año producían principalmente farsas, comedias, vodeviles e incluso melodramas, pero también había un número significativo de teatros que ofrecían teatro realista o naturalista . Entre ellos se encontraban el Teatro Maly de Aleksey Suvorin y el Teatro Dramático de Moscú (1914-1919). Si bien hubo varias actrices-directoras en San Petersburgo y Moscú como Vera Komissarzhevskaya e Ida Rubinstein , el curso del teatro ruso en la Edad de Plata estuvo dominado en gran medida por los hombres. [7]
Después de la Primera Guerra Mundial y la Revolución Rusa , muchos artistas de teatro abandonaron Rusia para ir a otros países, incluidos Georges Pitoëff a Francia, Theodore Komisarjevsky a Gran Bretaña y, el famoso, Mikhael Chekhov a los Estados Unidos, exportando el sistema Stanislavski y contribuyendo al desarrollo. de un "teatro de director" en el mundo de la posguerra. [8]
En los Estados Unidos, las obras de William Vaughn Moody The Great Divide (1906) y The Faith Healer (1909) señalaron el camino hacia un drama estadounidense más realista al enfatizar los conflictos emocionales que se encuentran en el corazón de los conflictos sociales contemporáneos. Otros dramaturgos clave que señalaron el paso al realismo a principios de siglo son Edward Sheldon , Charles Rann Kennedy y Rachel Crothers . En el escenario, el teatro estadounidense estaba dominado por la familia Barrymore : Lionel Barrymore , Ethel Barrymore (la "Primera Dama del Teatro Americano") y John Barrymore ("... el actor más influyente e idolatrado de su época"). Fueron tan populares que incluso se escribió una obra de teatro sobre ellos: La familia real de George S. Kaufman y Edna Ferber , una parodia de los Barrymore, dirigida especialmente a John y Ethel Barrymore.
A principios de siglo, ningún dramaturgo estadounidense tuvo tanta influencia en el desarrollo del teatro como Eugene O'Neill . Nacido en el teatro desde muy joven, pasó gran parte de su juventud en trenes y detrás del escenario de los teatros, antes de desarrollar su talento con los Provincetown Players en la ciudad de Nueva York. Entre 1916 y 1920, escribió varias obras de teatro para la compañía antes de estrenar su primer éxito crítico Más allá del horizonte en 1920, que ganó el Premio Pulitzer de Drama . Siguió con éxitos críticos y comerciales, entre ellos The Emperor Jones , Anna Christie (Premio Pulitzer 1922), Desire Under the Elms (1924), Strange Interlude (Premio Pulitzer 1928), Mourning Becomes Electra (1931), The Iceman Cometh (1939). ) y su única comedia conocida, Ah, Wilderness! . Después de su muerte, se publicó su obra maestra y obra maestra, Long Day's Journey into Night , y a menudo se la considera una de las mejores obras de teatro estadounidenses del siglo XX.
La crisis económica de la Gran Depresión llevó a la creación del Proyecto Federal de Teatro (1935-1939), un programa del New Deal que financió teatro y otras representaciones artísticas en vivo en todo el país. La directora nacional Hallie Flanagan transformó el proyecto en una federación de teatros regionales que crearon arte relevante, alentaron la experimentación e hicieron posible que millones de estadounidenses vieran teatro por primera vez. El proyecto empleó directamente a 15.000 hombres y mujeres y presentó 1.200 producciones ante casi 30 millones de personas en 200 salas de todo el país, el 65% de las cuales se presentó de forma gratuita, con un costo total de 46 millones de dólares. [9]
Las figuras clave de principios de siglo incluyen a George S. Kaufman , George Kelly , Langston Hughes , SN Behrman , Sidney Howard , Robert E. Sherwood y un conjunto de dramaturgos que siguieron el camino de búsqueda filosófica de O'Neill, Philip Barry , Thornton Wilder y Guillermo Saroyan .
El modernismo fue un movimiento predominantemente europeo que se desarrolló como una ruptura consciente con las formas de arte tradicionales. Representa un cambio significativo en las sensibilidades culturales, a menudo atribuido a las consecuencias de la Primera Guerra Mundial . [10] Al principio, el teatro modernista fue en gran parte un intento de realizar el escenario reformado sobre principios naturalistas como lo defendía Émile Zola en la década de 1880. Sin embargo, una reacción simultánea contra el naturalismo impulsó al teatro en una dirección muy diferente. Debido en gran medida al simbolismo , el movimiento intentó integrar poesía, pintura, música y danza en una fusión armoniosa. Ambos movimientos aparentemente conflictivos encajan bajo el término "modernismo". [11]
El teatro político es un intento de repensar la naturaleza y función del teatro a la luz de la dinámica de la sociedad fuera de ella y la participación del público dentro de ella. Condujo a teorías profundas y originales sobre la actuación, la puesta en escena y la dramaturgia . [12]
A principios del siglo XX, muchos veían el teatro como un "asunto demasiado popular". [13] Con frecuencia, los verdaderos reformadores de principios de siglo pidieron teatros cada vez más pequeños, donde sus técnicas pudieran ser captadas por un público selecto. Aún así, estos mismos practicantes a menudo soñaron que su arte sería un verdadero teatro popular: un teatro para el pueblo. Inspirados por una comprensión del teatro griego y fuertemente influenciados por Nietzsche , buscaron un evento ritual profundo o extático que involucrara música y movimiento, en un espacio sin arco de proscenio . Más tarde, practicantes como Vsevolod Meyerhold y Bertolt Brecht iniciarían un intento de salvar el "abismo" entre el modernismo y el pueblo. [14]
En el teatro musical popular han existido diferentes tendencias y fases de éxito comercial, entre ellas obras de las siguientes:
El teatro posmoderno es un fenómeno reciente en el teatro mundial, que surge de la filosofía posmoderna que se originó en Europa a mediados del siglo XX. El teatro posmoderno surgió como reacción contra el teatro modernista. La mayoría de las producciones posmodernas se centran en resaltar la falibilidad de la verdad definitiva, en lugar de alentar a la audiencia a alcanzar su propia comprensión individual. Así pues, en esencia el teatro posmoderno plantea preguntas en lugar de intentar dar respuestas.
A principios del siglo XX, muchos públicos europeos estuvieron expuestos al mundo teatral "exótico" de las representaciones japonesas y chinas . Esto llevó a que muchos practicantes occidentales interpretaran e incorporaran estos estilos en sus propios teatros: en particular la adaptación de Bertolt Brecht de la ópera china para respaldar su efecto de "alienación". La influencia del teatro no occidental en la cultura teatral del siglo XX ha sido a menudo crucial para nuevos desarrollos. Sin embargo, el período durante y después del advenimiento de la teoría poscolonial en las décadas de 1960 y 1970 ha llevado a un enorme desarrollo en la práctica teatral en todo el mundo. Esto ha creado, por primera vez, un teatro verdaderamente global. [15]
Las figuras importantes y algunas teorías y movimientos emblemáticos del período incluyen:
Durante el siglo XX, el Premio Nobel de Literatura se concedió a las siguientes personas, principalmente dramaturgos :
Los Premios Nobel de Literatura de 2000 y 2005 fueron otorgados a los dramaturgos Gao Xingjian y Harold Pinter , respectivamente, la mayoría de cuyas obras fueron compuestas en el siglo XX.