Commedia dell'arte ( / k ɒ ˈ m eɪ d i ə d ɛ l ˈ ɑːr t eɪ , k ə -, - ˈ m ɛ d i ə , - ˈ ɑːr t iː / kom- AY -dee-ə del- AR -tay, kəm-, - ED -ee-ə, - AR -tee ,[1][2] Italiano: [komˈmɛːdja delˈlarte] ;iluminado. 'comedia de la profesión')[3]fue una forma temprana deTeatroprofesional, con origen enel teatro italiano, que fue popular en toda Europa entre los siglos XVI y XVIII. [4][5]Anteriormente se llamabacomedia italianaen inglés y también se la conoce como commedia alla maschera , commedia improvviso y commedia dell'arte all'improvviso . [6]Caracterizada por"tipos"enmascarados , la comedia fue responsable del surgimiento de actrices comoIsabella Andreini[7]yde actuaciones improvisadasbasadas ensketcheso escenarios. [8][9]Una comedia , comoThe Tooth Puller, está escrita e improvisada. [8][10]Las entradas y salidas de los personajes están escritas. Una característica especial de la comedia es el lazzo , una broma o "algo tonto o ingenioso", generalmente bien conocido por los intérpretes y hasta cierto punto una rutina guionizada. [10][11]Otra característica de la comedia esla pantomima, que es utilizada principalmente por el personaje Arlecchino, ahora mejor conocido comoArlequín. [12]
Los personajes de la comedia suelen representar tipos sociales fijos y personajes comunes , como ancianos tontos, sirvientes tortuosos u oficiales militares llenos de falsa bravuconería . [8] [13] Los personajes son "personajes reales" exagerados, como un médico sabelotodo llamado Il Dottore , un anciano codicioso llamado Pantalone , o una relación perfecta como los innamorati . [7] Se formaron muchas compañías para representar comedia , incluida I Gelosi (que contaba con actores como Isabella Andreini y su esposo Francesco Andreini ), [14] Confidenti Troupe, Desioi Troupe y Fedeli Troupe. [7] [8] La comedia a menudo se representaba al aire libre, en plataformas o en áreas populares como una piazza ( plaza de la ciudad ). [6] [8] La forma de teatro se originó en Italia, pero viajó por toda Europa, a veces hasta lugares tan lejanos como Moscú. [15]
La génesis de la comedia puede estar relacionada con el Carnaval de Venecia , donde el autor y actor Andrea Calmo había creado el personaje Il Magnifico, precursor del vecchio ("viejo") Pantalone, hacia 1570. En el escenario de Flaminio Scala , por ejemplo , Il Magnifico persiste y es intercambiable con Pantalone hasta el siglo XVII. Si bien los personajes de Calmo (que también incluían al Capitán español y un tipo Il Dottore) no estaban enmascarados, no está claro en qué momento los personajes se pusieron la máscara. Sin embargo, la conexión con el Carnaval (el período entre la Epifanía y el Miércoles de Ceniza ) sugeriría que el uso de máscaras era una convención del Carnaval y se aplicó en algún momento. La tradición en el norte de Italia se centra en Florencia , Mantua y Venecia, donde las principales empresas quedaron bajo la protección de los distintos duques . Al mismo tiempo, surgió una tradición napolitana en el sur y presentó a la prominente figura escénica Pulcinella , que ha estado asociada durante mucho tiempo con Nápoles y derivó en varios tipos en otros lugares; el más famoso es el personaje de títere Punch (de los espectáculos epónimos de Punch y Judy ) en Inglaterra.
Aunque la commedia dell'arte floreció en el teatro italiano durante el período manierista , ha existido una larga tradición de intentar establecer antecedentes históricos en la antigüedad. Si bien es posible detectar similitudes formales entre la commedia dell'arte y tradiciones teatrales anteriores, no hay forma de establecer la certeza del origen. [16] Algunos fechan los orígenes en el período de la república media romana ( tipos plautinos ) o la república temprana ( farsas atellanas ). Las farsas atellanas de la primera república romana presentaban "tipos" toscos que llevaban máscaras con rasgos tremendamente exagerados y una trama improvisada. [17] Algunos historiadores sostienen que los personajes comunes de Atella, Pappus, Maccus+Buccus y Manducus, son las versiones primitivas de los personajes de la comedia Pantalone , Pulcinella e Il Capitano . [18] [19] [20] Relatos más recientes establecen vínculos con los juglares medievales y prototipos de moralidades medievales, como Hellequin (como fuente de Arlequín, por ejemplo). [21]
Las primeras representaciones registradas de la commedia dell'arte procedieron de Roma ya en 1551. [22] La Commedia dell'arte se representó al aire libre en lugares temporales por actores profesionales disfrazados y enmascarados, a diferencia de la commedia erudita , [a] que fueron escritas comedias, presentadas en interiores por actores no entrenados y desenmascarados. [24] Esta visión puede ser algo romántica ya que los registros describen a los Gelosi interpretando Aminta de Tasso , por ejemplo, y mucho se hacía en la corte más que en la calle. A mediados del siglo XVI, grupos específicos de intérpretes de comedia comenzaron a fusionarse y, en 1568, los Gelosi se convirtieron en una compañía distinta. Siguiendo la tradición de las Academias italianas, los Gelosi adoptaron como sello (o escudo de armas) al dios romano de dos caras Jano . Jano simboliza tanto las idas y venidas de esta compañía itinerante como la naturaleza dual del actor que personifica al "otro". Los Gelosi actuaron en el norte de Italia y Francia, donde recibieron protección y patrocinio del rey de Francia. A pesar de las fluctuaciones, los Gelosi mantuvieron la estabilidad en sus actuaciones con los "diez habituales": "dos vecchi (ancianos), cuatro innamorati (dos amantes y dos amantes), dos Zanni , un capitán y una servertta (sirvienta)". [25] La comedia se presentaba a menudo en el interior de teatros o salas de la corte, y también en algunos teatros fijos como el Teatro Baldrucca de Florencia. Flaminio Scala, que había sido un intérprete menor en los Gelosi, publicó los escenarios de la commedia dell'arte a principios del siglo XVII, en realidad en un esfuerzo por legitimar la forma y asegurar su legado. Estos escenarios están muy estructurados y construidos en torno a la simetría de los distintos tipos a dúo: dos Zanni, vecchi , innamorate e innamorati , etc.
En la commedia dell'arte , los papeles femeninos eran interpretados por mujeres, algo documentado ya en la década de 1560, lo que las convirtió en las primeras actrices profesionales conocidas en Europa desde la antigüedad. Lucrezia Di Siena , cuyo nombre figura en un contrato de actores del 10 de octubre de 1564, ha sido mencionada como la primera actriz italiana conocida por su nombre, con Vincenza Armani y Barbara Flaminia como las primeras primadonnas y las primeras actrices bien documentadas en Italia ( y Europa). [26] En la década de 1570, los críticos de teatro ingleses generalmente denigraron a las compañías con sus actrices (algunas décadas más tarde, Ben Jonson se refirió a una intérprete de la comedia como una "puta volteadora"). A finales de la década de 1570, los prelados italianos intentaron prohibir a las artistas femeninas; sin embargo, a finales del siglo XVI, las actrices eran un estándar en los escenarios italianos. [27] El erudito italiano Ferdinando Taviani ha recopilado una serie de documentos eclesiásticos que se oponen a la aparición de la actriz como una especie de cortesana, cuyo escaso atuendo y su estilo de vida promiscuo corrompían a los jóvenes, o al menos les infundían deseos carnales. El término negativa poética de Taviani describe esta y otras prácticas ofensivas para la iglesia, al tiempo que nos da una idea del fenómeno de la performance de la commedia dell'arte .
A principios del siglo XVII, las comedias de Zanni estaban pasando de representaciones callejeras de pura improvisación a actos y personajes específicos y claramente delineados. Tres libros escritos durante el siglo XVII: Fruti della moderne commedia de Cecchini 1628 ), La supplica de Niccolò Barbieri (1634) y Dell'arte rapresentativa de Perrucci (1699) - "hizo recomendaciones firmes sobre la práctica escénica". Katritzky sostiene que, como resultado, la comedia se redujo a una actuación formulada y estilizada; lo más lejos posible de la pureza de la génesis de la improvisación un siglo antes. [28] En Francia, durante el reinado de Luis XIV , la Comédie-Italienne creó un repertorio y delineó nuevas máscaras y personajes, al tiempo que eliminó algunos de los precursores italianos, como Pantalone. Los dramaturgos franceses, en particular Molière , aprovecharon las tramas y las máscaras para crear un tratamiento indígena. De hecho, Molière compartió escenario con la Comédie-Italienne en Petit-Bourbon , y algunas de sus formas, por ejemplo, la diatriba , se derivan de la commedia ( tirata ).
La Commedia dell'arte se trasladó fuera de los límites de la ciudad al théâtre de la foire , o teatros de feria, a principios del siglo XVII a medida que evolucionaba hacia un estilo más pantomima. Con el envío de los comediantes italianos de Francia en 1697, la forma se transformó en el siglo XVIII a medida que géneros como la comédie larmoyante ganaron atractivo en Francia, particularmente a través de las obras de Marivaux . Marivaux suavizó considerablemente la comedia al traer verdadera emoción al escenario. Arlequín alcanzó mayor prominencia durante este período.
Es posible que este tipo de actuación improvisada se transmitiera de generación en generación italiana hasta el siglo XVII, cuando revivió como técnica teatral profesional. Sin embargo, tal como se utiliza actualmente, el término commedia dell'arte se acuñó a mediados del siglo XVIII. [29]
La Commedia dell'arte fue igualmente o más popular en Francia, donde continuó su popularidad durante todo el siglo XVII (hasta 1697), y fue en Francia donde la comedia desarrolló su repertorio establecido. La comedia evolucionó hacia varias configuraciones en toda Europa y cada país aculturaba la forma a su gusto. Por ejemplo, la pantomima , que floreció en el siglo XVIII, debe su génesis a los tipos de personajes de la comedia , en particular Arlequín . Losespectáculos de marionetas Punch y Judy , populares hasta el día de hoy en Inglaterra, deben su base a la máscara de Pulcinella que surgió en las versiones napolitanas de esta forma. En Italia, las máscaras y tramas de la comedia llegaron a la ópera buffa y a las tramas de Rossini , Verdi y Puccini .
Durante la ocupación napoleónica de Italia, los instigadores de la reforma y críticos del dominio imperial francés (como Giacomo Casanova ) utilizaron las máscaras del Carnaval para ocultar sus identidades mientras alimentaban agendas políticas, desafiaban el gobierno social y lanzaban insultos y críticas flagrantes al régimen. En 1797, para destruir el estilo improvisado del Carnaval como plataforma partidista, Napoleón prohibió la commedia dell'arte . Por esta razón no renació en Venecia hasta 1979. [30]
Compagnie , o compañías, eran grupos de actores, cada uno de los cuales tenía una función o rol específico. Los actores estaban versados en una gran cantidad de habilidades y muchos se habían unido a compañías sin experiencia en teatro. Algunos eran médicos, otros sacerdotes, otros soldados, atraídos por el entusiasmo y la prevalencia del teatro en la sociedad italiana. Se sabía que los actores cambiaban de una compañía a otra "en préstamo", y las compañías a menudo colaboraban si estaban unidas por un solo patrón o actuaban en el mismo lugar general. [31] Los miembros también se escindirían para formar sus propios grupos, como fue el caso de los Ganassa y los Gelosi. Estas compañías viajaron por toda Europa desde la primera época, empezando por los Soldati, luego los Ganassa, que viajaron a España, [32] y eran famosos por tocar la guitarra y cantar -de los que nunca más se supo- y las famosas comparsas de la Edad de Oro (1580-1605): Gelosi, Confidenti, Accessi. Estos nombres, que significaban audacia y iniciativa, fueron tomados de los nombres de las academias, en cierto sentido, para otorgar legitimidad. Sin embargo, cada compañía tenía su imprenta (como un escudo de armas) que simbolizaba su naturaleza. Los Gelosi, por ejemplo, utilizaban la cara de dos cabezas del dios romano Jano , para indicar sus idas y venidas y su relación con la temporada de Carnaval , que tenía lugar en enero. Jano también significó la dualidad del actor, que interpreta un personaje o una máscara, sin dejar de ser uno mismo.
Los magistrados y el clero no siempre fueron receptivos a las compañías viajeras ("compañías"), particularmente durante los períodos de plaga, y debido a su naturaleza itinerante. Se sabía que los actores, tanto hombres como mujeres, se desnudaban casi desnudos, y las historias generalmente descendían a situaciones crudas con una sexualidad abierta, que el Parlamento francés consideraba que no enseñaba nada más que "lascivia y adulterio... de ambos sexos". [33] El término vagabondi se utilizó en referencia a los comici , y sigue siendo un término despectivo hasta el día de hoy ( vagabundo ). Esto se hacía en referencia a la naturaleza nómada de las compañías, a menudo instigada por la persecución de la Iglesia, las autoridades civiles y organizaciones teatrales rivales que obligaban a las compañías a trasladarse de un lugar a otro.
Una compañía a menudo estaba formada por diez artistas de tipos familiares enmascarados y desenmascarados, e incluía mujeres. [25] Las empresas emplearían carpinteros, maestros de utilería, sirvientes, enfermeras y apuntadores, todos los cuales viajarían con la empresa. Viajaban en grandes carros cargados con los suministros necesarios para su estilo de actuación nómada, lo que les permitía desplazarse de un lugar a otro sin tener que preocuparse por las dificultades de la reubicación. Esta naturaleza nómada, aunque influenciada por la persecución, también se debió en gran medida a que las compañías requerían audiencias nuevas (y de pago). Aprovechaban las ferias y celebraciones públicas, con mayor frecuencia en las ciudades más ricas donde el éxito financiero era más probable. Las empresas también se verían convocadas por funcionarios de alto rango, quienes ofrecerían patrocinio a cambio de actuar en su tierra durante un cierto período de tiempo. De hecho, las empresas preferían no permanecer demasiado tiempo en un mismo lugar, sobre todo por temor a que la ley se volviera "obsoleta". Pasarían a la siguiente ubicación mientras su popularidad aún estuviera activa, lo que garantizaría que las ciudades y la gente estuvieran tristes al verlos partir, y sería más probable que los invitaran a regresar o pagaran para ver las presentaciones nuevamente si la compañía alguna vez regresara. [34] Los precios dependían de la decisión de la compañía, que podía variar dependiendo de la riqueza del lugar, la duración de la estadía y las regulaciones que los gobiernos tenían para las representaciones dramáticas.
En general, los actores que actuaban eran de diversos orígenes en términos de clase y religión, y actuaban en cualquier lugar que podían. Castagno postula que la estética de la exageración, la distorsión, el antihumanismo (como en los tipos enmascarados) y el préstamo excesivo en contraposición a la originalidad era típica de todas las artes del Renacimiento italiano tardío . [37] El historiador del teatro Martin Green señala la extravagancia de las emociones durante el período del surgimiento de la comedia como la razón de los estados de ánimo representacionales, o personajes, que definen el arte. En la comedia , cada personaje encarna un estado de ánimo: burla, tristeza, alegría, confusión, etc. [38]
Según Baretti , crítico de teatro londinense del siglo XVIII , la commedia dell'arte incorpora roles y personajes específicos que fueron "originalmente concebidos como una especie de representante característico de algún distrito o ciudad italiana en particular" (arquetipos). [29] [39] La personalidad del personaje incluía el dialecto específico de la región o ciudad representada. Es decir, en el escenario cada personaje actuaba en su propio dialecto. Los personajes a menudo se transmitían de generación en generación, y los personajes casados en el escenario a menudo también lo estaban en la vida real, como se ve con Francesco e Isabella Andreini. Se creía que esto hacía que las actuaciones fueran más naturales, además de fortalecer los vínculos dentro de la compañía, que enfatizaba la unidad total entre cada miembro. Además, cada personaje tiene un disfraz y una máscara singulares que son representativos del rol del personaje. [29]
La Commedia dell'arte tiene cuatro grupos de personajes comunes: [13]
Los personajes enmascarados a menudo se denominan "máscaras" (en italiano: maschere ), que, según John Rudlin, no se pueden separar del personaje. Es decir, las características del personaje y las características de la máscara son las mismas. [41] Sin embargo, con el tiempo, la palabra maschere pasó a referirse a todos los personajes de la commedia dell'arte , ya fueran enmascarados o no. Los personajes femeninos (incluidas las sirvientas) suelen no estar enmascarados ( las amorosa femeninas nunca están enmascaradas). El personaje femenino del grupo de maestros se llama Prima Donna y puede ser una de las amantes. También hay un personaje femenino conocido como The Courtisane que también puede tener un sirviente. Las sirvientas llevaban gorros. Su personaje se interpretó con un ingenio malicioso o una alegría chismosa. Los amorosi son a menudo hijos de un personaje masculino en el grupo de los maestros, pero no de ningún personaje femenino en el grupo de los maestros, que pueden representar mujeres más jóvenes que, por ejemplo, se han casado con un anciano o una cortesana de clase alta. Los personajes femeninos del grupo de maestros, aunque más jóvenes que sus homólogos masculinos, son mayores que los amorosi . Algunos de los personajes más conocidos de la commedia dell'arte son Pierrot y Pierrette, Pantalone , Gianduja , Il Dottore , Brighella , Il Capitano , Colombina , los innamorati , Pedrolino , Pulcinella , Arlecchino , Sandrone , Scaramuccia (también conocida como Scaramouche), La Signora . y Tartaglia .
En el siglo XVII, cuando la comedia se hizo popular en Francia, los personajes de Pierrot, Columbina y Arlequín se refinaron y se volvieron esencialmente parisinos, según Green. [43]
Cada personaje de la commedia dell'arte tiene un disfraz distinto que ayuda al público a comprender quién es el personaje.
Arlecchino originalmente vestía una chaqueta larga ajustada con pantalones a juego que tenían numerosos parches de formas extrañas, generalmente verdes, amarillos, rojos y marrones. [44] [45] Por lo general, había un bate y una billetera que colgaba de su cinturón. [45] Su sombrero, que era una gorra suave, seguía el modelo de Carlos IX o Enrique II, y casi siempre tenía una cola de conejo, liebre o zorro con algún que otro mechón de plumas. [45] [44] Durante el siglo XVII, los parches se convirtieron en triángulos azules, rojos y verdes dispuestos en un patrón simétrico. [45] El siglo XVIII es cuando tomó forma el icónico look Arlecchino con rombos en forma de diamante. La chaqueta se hizo más corta y su sombrero pasó de ser una gorra suave a un sombrero de doble punta. [45]
El traje de Il Dottore era un juego con la vestimenta académica de los eruditos boloñeses. [45] [44] Il Dottore casi siempre está vestido completamente de negro. [45] Llevaba un vestido largo negro o una chaqueta que llegaba por debajo de las rodillas. [45] [44] Sobre el vestido, tendría una túnica larga y negra que le llegaba hasta los talones, y llevaría zapatos, medias y pantalones negros. [45] [44] En 1653, Augustin Lolli, un actor muy popular de Il Dottore, cambió su traje. Añadió un enorme sombrero negro, cambió la túnica por una chaqueta de corte similar a la de Luis XIV y añadió una gorguera plana al cuello. [45]
El traje de Il Capitano es similar al de Il Dottore en el hecho de que también es una sátira de la vestimenta militar de la época. [44] Por lo tanto, este disfraz cambiaría dependiendo de dónde sea el personaje de Capitano y del período del que sea. [44] [45]
Pantalone tiene uno de los trajes más icónicos de la commedia dell'arte . Por lo general, usaría una chaqueta ajustada con un par de pantalones a juego. Por lo general, combina a estos dos con un gran abrigo negro llamado zimarra . [45] [44]
Las mujeres, que normalmente interpretaban a sirvientas o amantes, vestían trajes menos estilizados que los hombres en la comedia . Los amantes, innamorati , vestían lo que se consideraba la moda de la época. Normalmente no usarían máscaras, pero estarían muy maquillados.
Se escribieron tramas convencionales sobre temas de sexo , celos , amor y vejez . Muchos de los elementos básicos de la trama se remontan a las comedias romanas de Plauto y Terencio , algunas de las cuales eran a su vez traducciones de comedias griegas perdidas del siglo IV a.C. Sin embargo, es más probable que los cómics utilizaran novelas cortas contemporáneas o fuentes tradicionales y se basaran en acontecimientos actuales y noticias locales del día. No todos los escenarios fueron cómicos, hubo algunas formas mixtas e incluso tragedias. La Tempestad de Shakespeare está extraída de un escenario popular de la colección Scala, su Polonio ( Hamlet ) está extraída de Pantalone y sus payasos rinden homenaje a los Zanni .
Comici interpretó comedias escritas en la corte. El canto y la danza se utilizaban ampliamente, y varios innamorati eran hábiles madrigalistas , una forma de canción que utiliza cromatismos y armonías cercanas. El público vino a ver a los artistas y la trama pasó a ser secundaria a la actuación. Entre los grandes enamorados , Isabella Andreini fue quizás la más conocida, y en un medallón dedicado a ella se lee "fama eterna". Tristano Martinelli alcanzó fama internacional como el primero de los grandes Arlequinos y fue honrado por los Medici y la Reina de Francia. Los artistas hacían uso de chistes bien ensayados y gags físicos comunes, conocidos como lazzi y concetti , así como episodios y rutinas improvisados e interpolados sobre el terreno , llamados burle ( SG : burla , italiano para "broma"), que generalmente involucraban una broma práctica.
Dado que las producciones fueron improvisadas, el diálogo y la acción podrían cambiarse fácilmente para satirizar los escándalos locales, los acontecimientos actuales o los gustos regionales, sin dejar de utilizar viejos chistes y chistes. Los personajes fueron identificados por disfraces, máscaras y accesorios , como un tipo de bastón conocido como slapstick . Estos personajes incluían a los antepasados del payaso moderno , a saber, Arlequín (Arlecchino) y Zanni . A Harlequin, en particular, se le permitió comentar sobre acontecimientos actuales en su entretenimiento. [46]
La trama clásica y tradicional es que los innamorati están enamorados y desean casarse, pero un anciano ( vecchio ) o varios ancianos ( vecchi ) impiden que esto suceda, lo que lleva a los amantes a pedirle a uno o más Zanni (sirvientes excéntricos) ayuda. Normalmente, la historia termina felizmente, con el matrimonio de los innamorati y el perdón por cualquier maldad.
Si bien generalmente no tenían un guión personal, las actuaciones a menudo se basaban en escenarios que daban cierta apariencia de trama al formato en gran medida improvisado. Los escenarios de Flaminio Scala , publicados a principios del siglo XVII, son la colección más conocida y representativa de su compañía más estimada , I Gelosi .
La iconografía de la commedia dell'arte representa todo un campo de estudio que ha sido examinado por estudiosos de la comedia como Erenstein, Castagno, Katritzky, Molinari y otros. En el período temprano, las obras representativas de los pintores de Fontainebleau se destacaron por sus representaciones eróticas de la innamorata con un velo fino , o la cortesana/actriz con el pecho desnudo.
La influencia flamenca está ampliamente documentada cuando figuras de la comedia ingresaron al mundo del género vanitas , describiendo los peligros de la lujuria, la bebida y el estilo de vida hedonista. Castagno describe a los pittore vago (pintores errantes) flamencos que se asimilaron a los talleres italianos e incluso asumieron apellidos italianos: uno de los pintores más influyentes, Lodewyk Toeput, por ejemplo, se convirtió en Ludovico Pozzoserrato y fue un pintor célebre en la región italiana del Véneto. Al pittore vago se le puede atribuir el establecimiento de la commedia dell'arte como un género pictórico que persistiría durante siglos.
Si bien la iconografía da evidencia del estilo de actuación (ver colección Fossard), es importante señalar que muchas de las imágenes y grabados no eran representaciones de la vida real, sino inventadas en el estudio. Los grabados de Callot de los Balli di Sfessania (1611) se consideran más capricci que representaciones reales de una forma de danza cómica o máscaras típicas. Si bien estos suelen reproducirse en formatos grandes, es importante tener en cuenta que las impresiones reales miden aproximadamente 2×3 pulgadas. En el siglo XVIII, las pinturas de Watteau de figuras de la comedia entremezcladas con la aristocracia a menudo estaban ambientadas en suntuosos jardines o entornos pastorales y eran representativas de ese género.
El cuadro Tres músicos de Pablo Picasso de 1921 es una colorida representación de personajes inspirados en la comedia . [47] Picasso también diseñó el vestuario original para Pulcinella (1920) de Stravinsky , un ballet que representa personajes y situaciones de comedia . La iconografía de la comedia es evidente en las figuras de porcelana que muchas de ellas se venden por miles de dólares en una subasta.
El teatro expresivo influyó en la comedia y posteriormente en el ballet de acción de Molière , aportando así una nueva gama de medios expresivos y coreográficos. Un ejemplo de personaje de la commedia dell'arte en la literatura es el flautista de Hamelín que va vestido de Arlequín .
La música y la danza eran fundamentales para la interpretación de la commedia dell'arte , y la mayoría de las actuaciones incluían música tanto instrumental como vocal. [48] Brighella a menudo era representada con una guitarra, y muchas imágenes de la comedia presentan innamorati cantando o figuras bailando. De hecho, se consideraba parte de la función innamorati poder cantar y tener el repertorio popular en su haber. Los relatos de la primera commedia , que se remontan a Calmo en la década de 1570 y los buffoni de Venecia, señalan la capacidad de los comici para cantar madrigali de manera precisa y hermosa. La danzatriz probablemente acompañaba a las compañías y puede haber sido una adición al elenco general de personajes. Para ejemplos de instrumentos extraños de diversas formaciones grotescas, consulte los artículos de Tom Heck, quien ha documentado esta área.
Las obras de varios dramaturgos han presentado personajes influenciados por la commedia dell'arte y, a veces, directamente extraídos de ella. Ejemplos destacados incluyen La tempestad de William Shakespeare , Les Fourberies de Scapin de Molière , El sirviente de dos amos (1743) de Carlo Goldoni , las obras de Fígaro de Pierre Beaumarchais , y especialmente El amor por las tres naranjas , Turandot y otras fiabe de Carlo Gozzi. . Las influencias aparecen en los inquilinos de la adaptación de Steven Berkoff de La metamorfosis de Franz Kafka .
A través de su asociación con el teatro hablado y los dramaturgos, las figuras de la comedia han proporcionado a la ópera muchos de sus personajes habituales. Don Giovanni de Mozart establece una historia de espectáculo de marionetas y personajes cómicos como Leporello y Figaro tienen precedentes de comedia . Personajes de Soubrette como Susanna en Le nozze di Figaro , Zerlina en Don Giovanni y Despina en Così fan tutte recuerdan a Columbina y personajes relacionados. Las óperas cómicas de Gaetano Donizetti , como L'elisir d'amore , se basan fácilmente en tipos de comedia . El trágico melodrama Pagliacci de Leoncavallo representa una compañía de commedia dell'arte en la que los intérpretes encuentran situaciones de su vida que reflejan eventos que representan en el escenario. Los personajes de comedia también aparecen en la ópera Ariadne auf Naxos de Richard Strauss .
La pieza para piano Carnaval de Robert Schumann fue concebida como una especie de baile de máscaras que combinaba personajes de la commedia dell'arte con personajes del mundo real, como Chopin , Paganini y Clara Schumann , así como personajes del mundo interior del compositor. [49] [50] Los movimientos de la pieza reflejan los nombres de muchos personajes de la comedia , incluidos Pierrot , Arlequín , Pantalon y Columbine .
Los personajes y situaciones comunes también aparecen en el ballet. Petrushka y Pulcinella de Igor Stravinsky aluden directamente a la tradición.
La Commedia dell'arte se representa estacionalmente en Dinamarca en el Peacock Stage de los Jardines Tivoli de Copenhague, y al norte de Copenhague en Dyrehavsbakken . [51] Tivoli tiene presentaciones regulares, mientras que Bakken tiene presentaciones diarias para niños de Pierrot y una versión de marionetas de Pulcinella que se asemeja a Punch y Judy . [52] [53]
Los personajes creados e interpretados por el comediante inglés Sacha Baron Cohen (más famosos Ali G , Borat y Bruno ) han sido discutidos en relación con sus posibles orígenes en la comedia , ya que Baron Cohen fue entrenado por el maestro payaso francés Philippe Gaulier , cuyos otros estudiantes han Luego se convirtieron en profesores e intérpretes de comedia . [54]
Pulcinella siempre iba vestida de blanco como Maccus, el mimus albus o mimo blanco.
A continuación está el ogro Manducus, el Miles Glorioso de las obras de Plauto, que más tarde se metamorfosea en el fanfarrón Capitán de Capitán.
...Bucco y el sensual Maccus, cuya esbelta figura y naturaleza cobarde reaparecen en Pulcinella.
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