La década de 1970 implicó muchos avances significativos en el cine mundial.
Una piedra de toque del cine asiático que comenzó a principios de la década de 1970 fueron las películas de artes marciales tradicionales de Hong Kong , que despertaron un mayor interés por las artes marciales chinas en todo el mundo. La popularidad de las películas de artes marciales se elevó a un nivel completamente nuevo en gran parte debido a su mayor ícono, Bruce Lee . Se hizo famoso por interpretar a Kato en la serie de televisión The Green Hornet durante la década de 1960. Cuando regresó a Hong Kong, Lee protagonizó tres películas que lo lanzaron al estrellato en toda Asia, The Big Boss (1971), Fist of Fury (1972) y Way of the Dragon (1972). Después de que la película de kung fu Five Fingers of Death (1972), protagonizada por el actor nacido en Indonesia Lo Lieh , encabezara la taquilla norteamericana en 1973, esto allanó el camino para que The Big Boss y Fist of Fury de Lee encabezaran la taquilla estadounidense. Lee alcanzó su mayor estrellato mundial con su última película completada, y la primera película de kung fu producida por un estudio de Hollywood, Enter the Dragon (1973). Esto condujo a una locura del kung fu " chopsocky ", mientras que la muerte de Lee resultó en una ola de películas de " bruceploitation " en el cine de Hong Kong . [1] Esta última tendencia finalmente terminó en 1978 cuando Jackie Chan y Sammo Hung popularizaron el subgénero de la comedia de kung fu con Snake in the Eagle's Shadow , Enter the Fat Dragon y Drunken Master ; lo que permitió que la industria finalmente avanzara y evolucionara nuevamente.
El cine del sur de Asia de la década de 1970 satisfizo las fantasías y luchas de la creciente clase trabajadora. En el cine de Bollywood de la India , esto fue personificado por las películas escritas por Salim-Javed y protagonizadas por Amitabh Bachchan . Comenzaron el género de películas de crímenes del submundo de Bombay , crudas y violentas en la década de 1970, con películas como Zanjeer (1973) y Deewaar (1975). [2] [3] Estas películas retrataban tramas aventureras y presentaban al joven trabajador de los barrios bajos como un " joven enojado ". [4] Las mujeres, por otro lado, fueron mostradas como personas que habían adoptado valores y atuendos occidentales, especialmente por heroínas como Parveen Babi (que apareció en la portada de la revista Time por una historia sobre el éxito de Bollywood) y Zeenat Aman . Sin embargo, hacia finales de la década de 1970, especialmente después del pronunciado aumento de los precios de la tierra en las áreas urbanas y la disminución de la seguridad laboral, las heroínas eran vistas con más frecuencia como mujeres con sari que luchaban por tener una familia próspera de clase media, especialmente heroínas como Jaya Prada y Hema Malini . De esta manera, el cine de la región asiática se convierte en una declaración sociológica de los tiempos socioeconómicos de la región y su gente. En el cine malayalam , Adoor Gopalakrishnan hizo Swayamvaram en 1972, que recibió una gran aclamación de la crítica. A esto le siguió la película Nirmalyam de MT Vasudevan Nair en 1973.
En el cine europeo , el fracaso de la Primavera de Praga dio lugar a películas nostálgicas que recordaban a las que celebraban la propia década de 1970. Estas películas expresaban un anhelo y una premonición de la década y sus sueños. El director húngaro István Szabó hizo la película Szerelmesfilm (1970), que es un retrato nostálgico y una premonición del desvanecimiento del espíritu de cambio de los jóvenes años 70 y una estructura social más amigable. El director italiano Bernardo Bertolucci hizo la película El conformista (1970). Las películas alemanas de posguerra plantearon preguntas existenciales, especialmente las obras de Rainer Fassbinder . Las películas del director sueco Ingmar Bergman alcanzaron un nuevo nivel de expresión en películas como Gritos y susurros (1973). Los jóvenes directores alemanes hicieron películas que llegaron a conocerse como la nueva ola alemana . Era la voz de una nueva generación que había crecido después de la segunda guerra mundial. Entre ellos se encontraban directores como Wim Wenders , Hans-Jürgen Syberberg y Werner Herzog .
La década comenzó con Hollywood enfrentando una crisis financiera, reflejo de los problemas monetarios de la nación en su conjunto durante la primera mitad de la década. A pesar de esto, la década de 1970 resultó ser una década de referencia en el desarrollo del cine, tanto como forma de arte como negocio. Con jóvenes cineastas asumiendo mayores riesgos y eliminando las restricciones en cuanto al lenguaje y la sexualidad, New Hollywood produjo algunas de las películas más aclamadas por la crítica y de mayor éxito financiero desde la " época dorada " del cine clásico estadounidense.
En los años anteriores a 1970, Hollywood había comenzado a atender a la generación más joven con películas como El graduado . Esto resultó ser una locura cuando películas contra la guerra como RPM y The Strawberry Statement se convirtieron en grandes fracasos de taquilla. Incluso películas sólidas con estrellas rentables , como la épica de Pearl Harbor Tora! Tora! Tora!, fracasaron, dejando a los estudios en graves apuros financieros. Incapaces de pagar a los financieros, los estudios comenzaron a vender terrenos, muebles, ropa y decorados adquiridos a lo largo de años de producción. Los fanáticos nostálgicos pujaron por productos y objetos de colección que iban desde los brillantes zapatos rojos de Judy Garland hasta los propios estudios traseros de MGM .
La mayoría de las películas exitosas fueron aquellas basadas en las duras verdades de la guerra, en lugar de los excesos de la década de 1960. Películas como Patton con guión de Francis Ford Coppola , protagonizada por George C. Scott como el general de la Segunda Guerra Mundial, y MASH de Robert Altman , sobre un hospital de campaña de la Guerra de Corea , fueron grandes atractivos de taquilla en 1970. Películas honestas y anticuadas como Summer of '42 y la adaptación de Erich Segal , Love Story , fueron éxitos comerciales y de crítica. (Love Story y "Summer" siguen siendo, a partir de 2005 , dos de las películas más exitosas en la historia de Hollywood. "Summer", que costó US$1,000,000, recaudó $25,000,000 en taquilla, mientras que "Love Story", con un presupuesto de $2,200,000, ganó $106,400,000).[update]
Una de las películas más reveladoras de la década [ cita requerida ] surgió de la mente de un forastero de Hollywood, el director checoslovaco Miloš Forman , cuyo Taking Off se convirtió en un reflejo audaz de la vida a principios de la década de 1970. La película de 1971 satirizó a la clase media estadounidense, siguiendo a una joven que se escapa de casa, dejando a sus padres libres para explorar la vida por primera vez en años. Si bien la película nunca se estrenó ampliamente en Estados Unidos, se convirtió en un gran logro de la crítica tanto en Estados Unidos como en todo el mundo (obtuvo la película altos honores en el Festival de Cine de Cannes y varias nominaciones al premio BAFTA ).
Sean Connery regresó al papel de James Bond en 1971 en Diamantes para la eternidad después de que George Lazenby desempeñara el papel en 1969. Roger Moore sucedió a Connery en 1973 con una adaptación de Vive y deja morir de Ian Fleming , que fue la más exitosa de sus películas de Bond en términos de admisión. [ cita requerida ] Vive y deja morir fue seguida por una adaptación de El hombre de la pistola de oro en 1974, que en ese momento obtuvo la recaudación de taquilla más baja de cualquier película de Bond anterior. Después de su estreno, Harry Saltzman, copropietario de Danjaq junto con Albert R. Broccoli, vendió su mitad a United Artists, lo que provocó una brecha de tres años hasta la siguiente película de Bond, la brecha más larga desde el inicio de la franquicia en 1962. La serie se retomó en 1977 con La espía que me amó y terminó la década con Moonraker en 1979, que fue la película de Bond más taquillera (sin ajustar por inflación) de todos los tiempos hasta GoldenEye en 1995.
Una adaptación de una novela de Arthur Hailey resultaría ser una de las películas más notables de 1970 y sentaría las bases para una importante tendencia en el cine de los años 70. [ cita requerida ] La película, Airport , presentó una trama compleja, personajes y un elenco estelar de estrellas y leyendas de Hollywood. Airport seguía a un gerente de aeropuerto que intentaba mantener operativo un aeropuerto ficticio de Chicago durante una tormenta de nieve, así como un complot con bomba para hacer estallar un avión. La película fue un gran éxito de crítica y financiero, lo que ayudó a que Universal Studios alcanzara los números negros del año. La película le valió a la actriz principal Helen Hayes un Oscar a la Mejor Actriz de Reparto y obtuvo muchas otras nominaciones tanto en categorías técnicas como de talento. El éxito de la película lanzó varias otras películas de desastres , muchas de las cuales seguían el mismo modelo de grandes estrellas, un guion melodramático y un gran suspenso.
En 1974, 1977 y 1979 se produjeron tres secuelas de Airport , cada una de las cuales recaudó menos dinero que la anterior. [ cita requerida ] En 1972 se estrenó The Poseidon Adventure , protagonizada por un joven Gene Hackman que lideraba a un elenco estelar hacia un lugar seguro en un crucero de lujo volcado. La película ganó un premio de la Academia por efectos visuales (y Mejor canción original por " The Morning After "), así como numerosas nominaciones, incluida una para su notable estrella de reparto, Shelley Winters , pero su secuela en 1979 fue mucho menos exitosa. The Towering Inferno unió a Steve McQueen y Paul Newman contra un incendio en un rascacielos de San Francisco. La película costó la friolera de 14 millones de dólares producirla (cara para su época) y ganó los premios de la Academia por fotografía, montaje cinematográfico y mejor canción original. El mismo año, la épica Earthquake presentó efectos cuestionables (movimiento de cámara y modelos) para lograr un destructivo terremoto de 9,9 en Los Ángeles. A pesar de ello, la película fue una de las más exitosas de su época, recaudando 80 millones de dólares en taquilla. A finales de los años 70, la novedad había desaparecido y los desastres se habían vuelto menos emocionantes. En 1977, un terrorista atacó una montaña rusa ; en 1978, un enjambre de abejas; y en 1979, un meteorito poco amenazador .
A principios de los años 1970 también se produjo un renacimiento del cine policial crudo, [ cita requerida ] tres años después de la influyente Bullitt . The French Connection de William Friedkin , protagonizada por Gene Hackman como detective de drogas y Serpico de Sidney Lumet , protagonizada por Al Pacino en la historia real de un policía honesto que luchó contra la corrupción, fueron dos de las más famosas. Películas como Get Carter presentaban desnudez gratuita, mientras que la innovadora A Clockwork Orange de Stanley Kubrick presentaba mucha violencia física y sexual para complementar su compleja historia. Los cineastas afroamericanos también tuvieron éxito en los años 1970 con éxitos como Shaft y Baadasssss Song de Sweet Sweetback . Al igual que otras secuelas de los años 1970, Shaft tuvo dos aventuras más, cada una menos exitosa que la anterior.
Una adaptación de una novela de Mario Puzo , El Padrino , fue un éxito de taquilla y crítica en 1972. La epopeya de tres horas siguió a un jefe de la mafia, interpretado por Marlon Brando , a través de su vida de crimen. Más allá de la violencia y el drama estaban los temas del amor, el orgullo y la avaricia. El Padrino llegó a recaudar $ 134 millones en la taquilla estadounidense y $ 245 millones en todo el mundo, convirtiéndose en la película más taquillera de todos los tiempos. Ganó los Premios Óscar a Mejor Película, Mejor Actor y Mejor Guion. Su director Francis Ford Coppola fue pasado por alto en favor de Bob Fosse y su musical, Cabaret , que también ganó un Oscar para su estrella, Liza Minnelli . El Padrino Parte II siguió en 1974, con aproximadamente el mismo elenco principal y equipo, ganando Oscars para la estrella Robert De Niro , su director, compositor, guionistas y directores de arte. La película también ganó el Oscar a Mejor Película de ese año.
No todas las películas relacionadas con la ciudad que se filmaron con "inteligencia callejera" eran 100% de acción real. El director Ralph Bakshi estrenó el primer largometraje animado orientado específicamente al público adulto ( Fritz the Cat ) y luego realizó otros dos largometrajes que trataban sobre la mafia y otros problemas urbanos relacionados con las etnias. Tanto Heavy Traffic como Coonskin demostrarían que este tipo de material podía manejarse de manera efectiva en el género de la animación. Bakshi luego produciría películas orientadas a la fantasía ( Wizards y El Señor de los Anillos ) antes de que terminara la década.
Inaugurado por el estreno en 1969 de Blue Movie de Andy Warhol , el fenómeno de las películas eróticas para adultos siendo discutidas públicamente por celebridades (como Johnny Carson y Bob Hope ), [5] y tomadas en serio por los críticos (como Roger Ebert ), [6] [7] un desarrollo referido, por Ralph Blumenthal de The New York Times , como " porno chic ", y más tarde conocido como la Edad de Oro del Porno , comenzó, por primera vez, en la cultura estadounidense moderna. [5] [8] [9] Según la galardonada autora Toni Bentley , la película de 1976 de Radley Metzger The Opening of Misty Beethoven , basada en la obra Pygmalion de George Bernard Shaw (y su derivada, My Fair Lady ), y debido a alcanzar un nivel mainstream en la trama y los escenarios, [10] se considera la "joya de la corona" de esta "Edad de Oro". [11] [12]
A mediados de los años 1970, las películas también comenzaron a reflejar la privación de derechos provocada por los excesos de los últimos veinte años. Una mirada profundamente inquietante a la alienación y la vida en la ciudad, Taxi Driver de Martin Scorsese recibió elogios internacionales, primero en el Festival de Cine de Cannes y luego en los Premios de la Academia , donde fue nominada a Mejor Actor Protagónico ( Robert De Niro ), Mejor Actriz de Reparto ( Jodie Foster ), Mejor Banda Sonora ( Bernard Herrmann ) y Mejor Película. Todos los Hombres del Presidente trató sobre el impeachment de Richard Nixon , mientras que Network de Lumet retrató la avaricia y el narcisismo tanto en la sociedad estadounidense como en los medios de televisión. La película ganó los Oscar a Mejor Actor ( Peter Finch ), Mejor Actriz ( Faye Dunaway ), Mejor Actriz de Reparto ( Beatrice Straight ) y Mejor Guion ( Paddy Chayefsky ). Gracias a un reparto estelar, un director experimentado y una historia conmovedora, Network se convirtió en uno de los mayores éxitos de crítica de 1976. Otra película, Rocky , sobre un boxeador de club (interpretado por Sylvester Stallone ) a quien se le concede una pelea por el título mundial, ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película ese año. La película también se convirtió en un gran éxito comercial y generó cuatro secuelas a lo largo de los años 1970 y 1980.
A lo largo de la década de 1970, el cine de terror se convirtió en un género cinematográfico lucrativo. Comenzó en 1973 con la aterradora El exorcista , dirigida por William Friedkin y protagonizada por la joven Linda Blair . La película tuvo un éxito masivo y la primera de varias secuelas se estrenó en 1977. 1976 trajo el thriller de suspenso igualmente espeluznante, Marathon Man , sobre un hombre que se convierte en el objetivo del tormento de un ex dentista nazi después de que muere su hermano. El mismo año, el mismísimo Diablo hizo una aparición en La profecía , sobre el engendro de Satanás . Halloween de 1978 fue un precursor de las películas de "slasher" de los años 1980 y 1990 con su psicópata Michael Myers. Las películas de terror de culto también fueron populares en la década de 1970, como las primeras películas sangrientas de Wes Craven , La última casa a la izquierda y Las colinas tienen ojos , así como La masacre de Texas, de Tobe Hooper .
El éxito de taquilla nació en 1975. Si bien El exorcista estuvo entre las cinco películas más taquilleras de la década de 1970, la primera película que recibió la distinción de éxito de taquilla fue Tiburón de 1975. Estrenada el 20 de junio, la película sobre una serie de muertes horribles relacionadas con un gran tiburón blanco gigante fue la primera producción de Hollywood de gran presupuesto del director Steven Spielberg , con un costo de $ 9 millones. La película creció lentamente en ventas de entradas y se convirtió en una de las películas más rentables de su tiempo, terminando con una recaudación de $ 260 millones solo en los Estados Unidos. La película ganó premios de la Academia por su hábil edición, banda sonora escalofriante y grabación de sonido. También fue nominada a Mejor Película ese año, aunque perdió ante Atrapado sin salida de Miloš Forman (que también ganó premios de actuación para Jack Nicholson y Louise Fletcher ). En 1978, se estrenó la exitosa secuela Tiburón 2 , que contó con el mismo reparto, pero sin Steven Spielberg . Se estrenó otro éxito de taquilla hecho a medida, King Kong de Dino De Laurentiis , pero con un éxito menor al estelar. King Kong marcó la primera vez que se reservaba una película para los cines antes de una fecha de estreno, una práctica común en la actualidad.
El éxito masivo de Tiburón fue eclipsado solo dos años después por otro legendario éxito de taquilla y franquicia cinematográfica. La película de ciencia ficción de George Lucas , La guerra de las galaxias , llegó a las pantallas de cine en mayo de 1977 y se convirtió en un gran éxito, creciendo en ventas de entradas durante el verano y el resto del año. Con el tiempo, recaudó unos 460 millones de dólares, la fantasía del bien contra el mal ambientada en el espacio no fue superada rápidamente. Los impresionantes efectos visuales de la película ganaron un premio de la Academia . La película también ganó por la alentadora banda sonora de John Williams , así como por la dirección de arte, el diseño de vestuario, la edición de la película y el sonido. Star Wars eliminó efectivamente cualquier espectro de quiebra de estudio que había perseguido a los estudios desde principios de la década. Cuando se lanzó una película para televisión, Star Wars Holiday Special , como un spin-off de Star Wars en 1978; no recibió el estatus de la película original y se consideró un fracaso. Pasarían dos años hasta que la serie Star Wars fuera revivida con El Imperio Contraataca . Otro éxito en efectos visuales llegó el mismo año que Star Wars , con Encuentros cercanos del tercer tipo de Spielberg , otro éxito de taquilla y contacto extraterrestre ambientado en la naturaleza. Por la película, Spielberg recibió su primera nominación al Oscar como director. Un año después, el superhéroe más icónico fue llevado a la pantalla en Superman , que fue interpretado por el actor de formación clásica Christopher Reeve . Fue recibida con elogios rotundos por las fuertes actuaciones y su alcance épico que resultó en numerosas secuelas y es considerada como una de las mejores películas de superhéroes jamás realizadas, iniciando una nueva era de películas de superhéroes.
El éxito de Annie Hall de Woody Allen en 1977 despertó una nueva tendencia en el cine. [ cita requerida ] Annie Hall , una historia de amor sobre un comediante deprimido y una mujer de espíritu libre, fue seguida por películas más sentimentales, incluyendo The Goodbye Girl de Neil Simon , An Unmarried Woman protagonizada por Jill Clayburgh , la historia autobiográfica de Lillian Hellman , Julia , protagonizada por Jane Fonda y Vanessa Redgrave , y Heaven Can Wait y International Velvet de 1978 .
El público más joven también estaba empezando a ser el foco del cine, después de los grandes éxitos de taquilla que los habían atraído de nuevo al teatro. John Travolta se hizo popular en las películas emblemáticas de la cultura pop, Saturday Night Fever , que introdujo la música disco en la clase media estadounidense, y Grease , que recordaba el mundo de los años 50. La comedia también cobró nueva vida en la irreverente Animal House , ambientada en un campus universitario durante los años 60. Up in Smoke , protagonizada por Cheech y Chong , fue otra comedia irreverente sobre el consumo de marihuana que se hizo popular entre los adolescentes. El nuevo programa de comedia televisiva, Saturday Night Live , lanzó las carreras de varios de sus comediantes, como Chevy Chase , que coprotagonizó el éxito de 1978 Foul Play con Goldie Hawn .
La década cerró con dos películas que narraban la guerra de Vietnam , The Deer Hunter de Michael Cimino y Apocalypse Now de Francis Ford Coppola . Ambas películas se centraron en los horrores de la guerra y el daño psicológico causado por tales horrores. Christopher Walken y el director Michael Cimino ganaron premios Oscar por su trabajo en la película, que obtuvo un premio de la Academia a la mejor película . Robert De Niro y Meryl Streep también fueron nominados por su trabajo en The Deer Hunter . Apocalypse Now ganó por cinematografía y sonido, y obtuvo nominaciones para Robert Duvall y Coppola. Coming Home de Hal Ashby retrató la vida de los veteranos de Vietnam. El actor Jon Voight ganó un premio de la Academia por su papel en la película. En esta década también hubo un surgimiento de películas de serie B con veteranos de Vietnam con énfasis en la acción, la violencia y la venganza, que pertenecen al subgénero de explotación llamado " vetsploitation ". [13]
En 1979 se estrenó la conmovedora Kramer vs. Kramer , la inspiradora Norma Rae y el thriller nuclear The China Syndrome . Alien asustó a los espectadores del verano de 1979 con su horrible monstruo del espacio exterior, logrando un éxito similar al que había tenido Tiburón cuatro años antes. Mientras tanto, The Onion Field y ...And Justice for All se centraron en los fallos del sistema judicial estadounidense. El año terminó con la sutil comedia negra Being There de Hal Ashby y The Muppet Movie , una película familiar basada en los personajes de marionetas de Jim Henson .
Todas las cifras corresponden a Estados Unidos y Canadá. Algunas cifras* corresponden a los alquileres que le corresponden al distribuidor, no a la recaudación total de taquilla.
The Avenger Vet surgió en el contexto de la ola de películas de explotación producidas en la segunda mitad de los años 1960 y principios de los años 1970, que aunque coincidían con el curso de la guerra, eran parte del fenómeno de negación psíquica y amnesia colectiva sobre Vietnam que caracterizaba la conciencia estadounidense durante esa era. Estas películas podrían llamarse más apropiadamente películas de "Vetsploitation"5. Al igual que los programas de televisión en red sobre la época, no trataban directamente sobre la guerra, sino que se centraban en los militares que regresaban "como [perdedores] asustados que repitieron la guerra de Vietnam cometiendo violencia contra otros o contra ellos mismos. Los veteranos eran bombas de tiempo a punto de estallar, un nuevo género de hombres del saco" (Gibson 3). Nota 5, p. 51: Existieron junto con las películas de Blaxploitation, Femsploitation y Teensploitation en el mundo del cine "B".
La película de Lee, Enter the Dragon , se realizó con Warner; recaudó 100 millones de dólares estadounidenses solo en los Estados Unidos (Sun 1982: 40).
Golden Harvest se hizo cargo de Bruce Lee y comenzó a coproducir con compañías de Hollywood, lo que dio lugar a sus películas de acción de kung-fu, incluida la película sobre Bruce Lee Enter the Dragon (dir. Robert Clouse, 1973), que "recaudó 100 millones de dólares estadounidenses solo en los Estados Unidos" (Lent 100; también Sun 1982:40).
Lee fue llamado de nuevo a Hollywood durante el rodaje de su tercera película,
The Way of the Dragon, que se completó en
1972 y se estrenó en 1973 en los Estados Unidos, donde recaudó 85 millones de dólares.