El cine de acción de Hong Kong es la principal fuente de fama mundial de la industria cinematográfica de Hong Kong . Las películas de acción de Hong Kong tienen raíces en las culturas china y de Hong Kong, incluida la ópera , la narración y las tradiciones estéticas chinas, que los cineastas de Hong Kong combinaron con elementos del cine de Hollywood y japonés junto con nuevas coreografías de acción y técnicas cinematográficas , para crear una forma culturalmente distintiva que pasó a tener un amplio atractivo transcultural. A su vez, las películas de acción de Hollywood han estado fuertemente influenciadas por las convenciones de género de Hong Kong , desde la década de 1970 en adelante.
Las primeras películas de acción de Hong Kong favorecieron el estilo wuxia , enfatizando el misticismo y el juego de espadas, pero esta tendencia fue suprimida políticamente en la década de 1930 y reemplazada por películas de kung fu que representaban artes marciales sin armas más realistas, a menudo presentando héroes populares como Wong. Fei Hung . Los trastornos culturales de la posguerra llevaron a una segunda ola de películas wuxia con violencia altamente acrobática, seguida por el surgimiento de películas más valientes de kung fu por las que el estudio Shaw Brothers se hizo más conocido.
El cine de acción de Hong Kong alcanzó su punto máximo entre los años 1970 y 1990 . La década de 1970 vio un resurgimiento de las películas de kung fu durante el ascenso y muerte repentina de Bruce Lee . En la década de 1980 lo sucedieron Jackie Chan , quien popularizó el uso de la comedia, las acrobacias peligrosas y los escenarios urbanos modernos en las películas de acción, y Jet Li , cuyas auténticas habilidades de wushu atrajeron tanto al público oriental como al occidental. El trabajo innovador de directores y productores como Tsui Hark y John Woo introdujo más variedad, con géneros como películas heroicas de derramamiento de sangre y gun fu , y temas como las tríadas y lo sobrenatural. Sin embargo, el éxodo de muchas figuras destacadas a Hollywood en la década de 1990 coincidió con una crisis en la industria.
La contribución distintiva del mundo de habla china al cine de acción es la película de artes marciales , la más famosa de las cuales se desarrolló en Hong Kong. El género surgió por primera vez en la literatura popular china . A principios del siglo XX se produjo una explosión de las llamadas novelas wuxia (a menudo traducidas como "caballería marcial"), generalmente publicadas en forma serializada en los periódicos. Se trataba de historias de guerreros heroicos que empuñaban espadas, y a menudo presentaban elementos místicos o fantásticos . Este género fue rápidamente adoptado por las primeras películas chinas , particularmente en la capital cinematográfica de la época, Shanghai . A partir de la década de 1920, los títulos wuxia , a menudo adaptados de novelas (por ejemplo, La quema del monasterio del loto rojo de 1928 y sus dieciocho secuelas) fueron enormemente populares y el género dominó el cine chino durante varios años. [1]
El auge llegó a su fin en la década de 1930, causado por la oposición oficial de las elites culturales y políticas, especialmente el gobierno del Kuomintang , que lo consideraba una promoción de la superstición y la anarquía violenta. [2] El cine de Wuxia se inició en Hong Kong, en ese momento una colonia británica con una economía y una cultura altamente liberales y una industria cinematográfica en desarrollo. La primera película de artes marciales en cantonés , el idioma chino dominante en Hong Kong, fue The Adorned Pavilion (1938). [ cita necesaria ]
A finales de la década de 1940, los disturbios en China continental ( la Segunda Guerra Sino-Japonesa , la Guerra Civil China y la victoria del Partido Comunista Chino ) habían trasladado el centro del cine en idioma chino a Hong Kong. La industria continuó la tradición wuxia en las películas y series cantonesas de serie B , aunque el cine en mandarín , más prestigioso , generalmente ignoró el género. Se utilizaron animaciones y efectos especiales dibujados a mano directamente en la película para simular las habilidades de vuelo y otros poderes sobrenaturales de los personajes; Los títulos posteriores del ciclo incluyeron El señor del laúd de seis dedos (1965) y Fuego sagrado, viento heroico (1966). [2]
Una contratradición a las películas de wuxia surgió en las películas de kung fu que también se produjeron en esta época. Estas películas enfatizaron un combate más "auténtico", con los pies en la tierra y sin armas sobre el juego de espadas y el misticismo de los wuxia . El ejemplo más famoso fue el artista marcial de la vida real Kwan Tak Hing ; se convirtió en una figura de héroe paternal para al menos un par de generaciones de habitantes de Hong Kong al interpretar al héroe popular histórico Wong Fei Hung en una serie de aproximadamente cien películas, desde La verdadera historia de Wong Fei Hung (1949) hasta Wong Fei Hung Bravely. Aplastando la Formación de Fuego (1970). [3] Estas películas introdujeron o consolidaron una serie de elementos duraderos: el personaje aún popular de "Master Wong"; la influencia de la ópera china con sus estilizadas artes marciales y acrobacias ; y el concepto de héroes de las artes marciales como exponentes de la ética confuciana . [4]
En la segunda mitad de la década de 1960, el estudio más grande de la época, Shaw Brothers , inauguró una nueva generación de películas wuxia, comenzando con El templo del loto rojo (1965) de Xu Zenghong, una nueva versión del clásico de 1928. Estas producciones en mandarín eran más lujosas y coloridas; su estilo era menos fantástico y más intenso, con una violencia más fuerte y acrobática. Fueron influenciados por películas de samuráis importadas de Japón y por la ola de novelas wuxia de la "Nueva Escuela" de autores como Jin Yong y Liang Yusheng que comenzó en la década de 1950. [5] [6]
La ola wuxia de la Nueva Escuela marcó el traslado de las películas de acción orientadas a los hombres al centro del cine de Hong Kong, que durante mucho tiempo había estado dominado por estrellas femeninas y géneros dirigidos a audiencias femeninas, como romances y musicales . Aun así, durante la década de 1960, las estrellas de acción femeninas como Cheng Pei-pei y Connie Chan Po-chu se destacaron junto a las estrellas masculinas, como el ex campeón de natación Jimmy Wang Yu , y continuaron una antigua tradición de guerreras en los directores de cuentos wuxia de la período fueron Chang Cheh con One-Armed Swordsman (1967) y Golden Swallow (1968) y King Hu con Come Drink with Me (1966). Hu pronto dejó Shaw Brothers para perseguir su propia visión de wuxia con producciones independientes en Taiwán , como la enormemente exitosa Dragon Inn (1967, también conocida como Dragon Gate Inn ) y A Touch of Zen , que fue nominada a la Palma de Oro en 1975. Festival de cine de cannes . [7] Chang permaneció y siguió siendo el prolífico director estrella de los Shaw hasta principios de la década de 1980.
A principios de la década de 1970, la wuxia dio paso a una iteración nueva, más valiente y más gráfica (y en mandarín ) de la película de kung fu, que llegó a dominar durante la década y principios de la década de 1980. Artistas marciales seriamente entrenados como Ti Lung y Gordon Liu se convirtieron en algunas de las principales estrellas a medida que se dedicaban proporciones cada vez mayores de tiempos de ejecución a escenas de combate. Al boxeador chino (1970), protagonizada y dirigida por Jimmy Wang Yu, se le atribuye ampliamente el mérito de haber iniciado el boom del kung fu. Pero permaneciendo a la vanguardia, al menos inicialmente, estaban los hermanos Shaw y el director Chang Cheh. La venganza de Chang (1970) fue otro de los primeros creadores de tendencias y entre sus decenas de contribuciones se encuentran El boxeador de Shantung (1972), Héroes dos (1974), Los cinco venenos mortales (1978) y Los vengadores lisiados (1979). El cine de kung fu estuvo particularmente influenciado por la preocupación de Chang por su visión de los valores masculinos y la amistad masculina; [8] las figuras guerreras que habían sido prominentes en el trabajo wuxia de finales de la década de 1960 fueron marginadas, con excepciones destacadas como la popular Angela Mao .
El único competidor de Chang como cineasta más influyente del género fue su coreógrafo de acción de toda la vida , Lau Kar Leung (también conocido como Liu Chia Liang en mandarín). Lau comenzó a dirigir sus propias películas para los hermanos Shaw en 1975 con The Spiritual Boxer , un progenitor de la comedia de kung fu. En títulos posteriores como Executioners from Shaolin (1977), The 36th Chamber of Shaolin (1978) y Legendary Weapons of China (1982), Lau enfatizó las tradiciones y la filosofía de las artes marciales y se esforzó por darle a las peleas en pantalla una mayor autenticidad y una mayor autenticidad. velocidad y complejidad. [3]
El auge del kung fu fue impulsado en parte por su enorme popularidad internacional, y no sólo en el este de Asia. En Occidente, las importaciones de kung fu, dobladas y a menudo reeditadas y retituladas, proyectadas como películas "B" en cines urbanos y en televisión, hicieron que el cine de Hong Kong fuera ampliamente notado, aunque no ampliamente respetado, por primera vez. Los afroamericanos adoptaron particularmente el género (como lo ejemplifica el popular grupo de hip-hop Wu-Tang Clan ) tal vez como una fuente casi sin precedentes de historias de aventuras con héroes no blancos, que además a menudo mostraban una fuerte veta racial y/o. o el orgullo nacionalista. [9]
La popularidad de estas películas en Norteamérica continuaría hasta la década de 1980, cuando se introdujeron las películas de ninjas. En la cultura popular, las películas de esta época eran conocidas coloquialmente como Kung Fu Theatre o Black Belt Theatre , nombres que muchas estaciones independientes utilizaban para su franja de transmisión semanal.
The Brothers (1979), una producción de los Shaw Brothers, supuso un alejamiento significativo de las películas de kung fu por las que era conocido el estudio. The Brothers era un drama criminal de acción, sobre dos hermanos en lados opuestos de la ley. Fue una nueva versión del drama criminal indio Deewaar (1975), escrito por Salim-Javed . [10] A su vez, The Brothers sentó las bases para el género heroico del derramamiento de sangre del cine de Hong Kong de los años 80, inspirandola innovadora película de John Woo A Better Tomorrow (1986). [11]
Ninguna figura fue más responsable de este perfil internacional que Bruce Lee , actor y artista marcial nacido en Estados Unidos y criado en Hong Kong. Lee completó sólo cuatro películas antes de su muerte a la edad de 32 años: The Big Boss (1971), Fist of Fury y Way of the Dragon (ambas de 1972) y Enter the Dragon (1973). El historiador de cine oriental Patrick Macias atribuye su éxito a "(traer) el espíritu guerrero de antaño al presente... desarrollando su propio estilo de lucha... y poseyendo un carisma sobrehumano". [12] Sus primeras tres películas rompieron récords de taquilla local y tuvieron éxito en gran parte del mundo. Fist of Fury y Way of the Dragon recaudaron aproximadamente 100 millones y 130 millones de dólares en todo el mundo, respectivamente. [13]
La película en inglés Enter the Dragon , la primera coproducción entre Estados Unidos y Hong Kong, recaudó aproximadamente 350 millones de dólares en todo el mundo, [14] lo que la convierte en la película de mayor éxito internacional de la región. Además, su decisión inicial de trabajar para el joven y advenedizo estudio Golden Harvest , en lugar de aceptar el contrato estándar notoriamente tacaño de los Shaw, fue un factor en el meteórico ascenso de Golden Harvest y el eventual declive de Shaw. [3] [15]
El único artista chino que alguna vez ha rivalizado con la fama mundial de Bruce Lee es Jackie Chan . Como muchos artistas de kung fu de la época, Chan salió de su formación en la ópera de Pekín y comenzó en el cine como especialista , especialmente en algunos de los vehículos de Lee. Fue preparado durante un tiempo por el director de The Big Boss y Fist of Fury, Lo Wei , como otro clon de Lee, en varias películas, incluida New Fist of Fury (1976), con poco éxito. Pero en 1978, Chan se asoció con el coreógrafo de acción Yuen Woo Ping en el debut como director de Yuen, Snake in the Eagle's Shadow . La mezcla resultante de comedia física y acción de kung fu le proporcionó a Chan su primer éxito y los rudimentos de lo que se convertiría en su estilo característico. La siguiente película de Chan con Yuen, Drunken Master (también 1978), y su debut como director, The Fearless Hyena (1979), también fueron grandes éxitos y consolidaron su popularidad. [3]
Aunque estas películas no fueron las primeras comedias de kung fu, pusieron de moda que ayudaron a revitalizar el menguante género de kung fu. Especialmente notables a este respecto fueron dos de los compañeros de infancia de Chan en la Escuela de Ópera de Pekín , Sammo Hung y Yuen Biao , quienes también hicieron carrera en esta especialidad, en ocasiones coprotagonizando con Chan. Hung, conocido por la aparente paradoja de su sobrepeso y su agilidad física, también se hizo un nombre como director y coreógrafo de acción desde el principio, con títulos como Enter the Fat Dragon (1978). [ cita necesaria ]
Las payasadas de Chan pueden haber ayudado a prolongar la vida de la ola de kung fu durante varios años. Sin embargo, se convirtió en una estrella hacia el final del boom y pronto ayudaría a la colonia a avanzar hacia un nuevo tipo de acción. En la década de 1980, él y muchos colegas forjarían un cine pop de Hong Kong más ingenioso y espectacular que competiría con éxito con los éxitos de taquilla del verano estadounidense posteriores a Star Wars .
A principios de la década de 1980, Jackie Chan comenzó a experimentar con elaboradas secuencias de acción en películas como The Young Master (1980) [16] y especialmente Dragon Lord (1982), [17] que presentaba una escena de lucha piramidal que ostenta el récord de la película. se requieren la mayoría de las tomas para una sola escena, con 2900 tomas, [18] y la escena de pelea final en la que realiza varias acrobacias, incluida una en la que hace una voltereta hacia atrás desde un loft y cae al suelo. [19] En 1983, Chan se diversificó en películas de acción que, aunque todavía usaban artes marciales, eran menos limitadas en alcance, escenario y trama, con énfasis en secuencias de acrobacias elaboradas pero peligrosas. Su primera película en este sentido, Proyecto A (1983), vio la formación oficial del equipo de especialistas de Jackie Chan y agregó acrobacias elaboradas y peligrosas a las peleas y el típico humor slapstick (en un momento, Chan cae desde lo alto de una torre de reloj a través de una serie de marquesinas de tela). La nueva fórmula ayudó al Proyecto A a recaudar más de HK$ 19 millones en Hong Kong, [20] y significativamente más en otros países asiáticos como Japón, donde recaudó ¥ 2,95 mil millones y se convirtió en una de las películas más taquilleras de 1984. [21 ] Winners and Sinners (1983) también presentó una elaborada secuencia de acción que involucra a Chan patinando a lo largo de una concurrida carretera, incluido un truco arriesgado en el que se desliza debajo de un camión.
Chan continuó llevando el enfoque (y los presupuestos) a nuevas alturas en éxitos como Police Story (1985), considerada una de las mejores películas de acción de todos los tiempos. [22] Aquí estaba Chan colgando de un autobús a toda velocidad, destruyendo gran parte de un barrio marginal en la ladera de una colina, peleando en un centro comercial mientras rompía muchos paneles de vidrio y deslizándose por un poste cubierto de bombillas que explotaban. Esta última es considerada una de las mayores acrobacias de la historia del cine de acción. [23] La secuela de 1988 requirió explosiones en una escala similar a muchas películas de Hollywood y la protagonista Maggie Cheung resultó gravemente herida , un riesgo ocupacional al que Chan ya se había acostumbrado. Así, Jackie Chan creó el modelo para la comedia de acción urbana contemporánea de la década de 1980, combinando policías, kung fu y todo el potencial destructor de la ciudad moderna con su vidrio, metal y vehículos a toda velocidad. [24]
El movimiento de Chan hacia películas de acción a mayor escala fue paralelo al trabajo que surgió de Cinema City , la productora establecida en 1980 por los comediantes Raymond Wong , Karl Maka y Dean Shek . Con películas como la parodia de espías Aces Go Places (1982) y sus secuelas, Cinema City ayudó a que los efectos especiales modernos, los dispositivos tipo James Bond y las grandes acrobacias vehiculares fueran parte de la industria vernácula. [25] El director y productor Tsui Hark participó en la configuración del estilo Cinema City mientras trabajó allí entre 1981 y 1983 [15] , pero tuvo un impacto aún mayor después de irse. En películas como Zu Warriors from the Magic Mountain (1983) y A Chinese Ghost Story (1987, dirigida por Ching Siu-tung ), siguió superando los límites de los efectos especiales de Hong Kong. Lideró el camino al reemplazar el estilo de cámara tosco y listo del kung fu de la década de 1970 con imágenes más brillantes y sofisticadas y una edición cada vez más furiosa. [ cita necesaria ]
Como productor, Tsui Hark facilitó la creación de la heroica y sangrienta película de John Woo, A Better Tomorrow (1986). La saga de policías y las tríadas (gánsteres chinos) de Woo combinaba tiroteos fantasiosamente coreografiados (y extremadamente violentos) (llamados gun fu ) con un melodrama emocional intensificado, que a veces se asemeja a una versión moderna de las películas de kung fu de los años 70 del mentor de Woo, Chang Cheh . La fórmula batió otro récord de taquilla de todos los tiempos. También impulsó la tambaleante carrera de su coprotagonista Chow Yun-fat , quien de la noche a la mañana se convirtió en uno de los ídolos más populares de la colonia y el protagonista favorito de Woo. [3]
Durante el resto de la década de 1980 y principios de la de 1990, una avalancha de películas de Woo y otros exploraron un territorio similar, a menudo con un estilo visual y una inclinación temática similar. Por lo general, estaban marcados por un énfasis en los lazos fraternales del deber y el afecto entre los protagonistas criminales. El otro autor más notable de estos temas fue Ringo Lam , quien ofreció una visión menos romántica en películas como City on Fire , Prison on Fire (ambas de 1987) y Full Contact (1992), todas protagonizadas por Chow Yun-Fat. El género y sus creadores fueron acusados en algunos sectores de glorificar cobardemente a las tríadas de la vida real, cuya participación en el negocio del cine era notoria. [26]
A medida que las películas de la tríada desaparecieron a principios de la década de 1990, las artes marciales de época regresaron como el género de acción favorito. Pero se trataba de un nuevo cine de artes marciales que aprovechó al máximo los avances técnicos, así como los presupuestos más altos que surgieron con el dominio de Hong Kong en las pantallas de la región. Estas lujosas producciones a menudo fueron adaptadas de las novelas wuxia más fantásticas , que presentaban guerreros voladores en combates en el aire. Los artistas estaban atados a cables ultrafinos que les permitían realizar secuencias de acción que desafiaban la gravedad, una técnica conocida por los fanáticos occidentales, a veces despectivamente, como wire fu . [12]
Como suele ocurrir, Tsui Hark abrió el camino. Produjo Swordsman (1990), que restableció las novelas wuxia de Jin Yong como fuentes favoritas de la pantalla grande (las adaptaciones televisivas habían sido omnipresentes durante mucho tiempo). Dirigió Érase una vez en China (1991), que resucitó al héroe popular filmado con frecuencia Wong Fei Hung . Ambas películas fueron seguidas por secuelas y una serie de imitaciones, a menudo protagonizadas por el campeón de wushu continental Jet Li . Luego recibió un premio especial para una persona de China continental en el Festival de Cine Golden Horse de Taipei de 1995 . La otra estrella característica del subgénero fue la actriz Brigitte Lin, nacida en Taiwán . Hizo una especialidad improbable de tipos andróginos de mujeres guerreras, como el villano eunuco que cambia de sexo en The Swordsman 2 (1992), personificando la fascinación a menudo notada de la fantasía de las artes marciales por la inestabilidad de género. [27]
El impacto internacional de Hong Kong se produjo inicialmente en forma de películas de artes marciales , especialmente películas de kung fu de los años 1970 y, más notablemente, las de Bruce Lee . [28] Sus primeros intentos de introducir su estilo de cine de artes marciales de Hong Kong en Occidente llegaron en forma de programas de televisión estadounidenses , como The Green Hornet (debut en 1966) y Kung Fu (debut en 1972). [29] La "locura del kung fu" comenzó en 1973, con el éxito sin precedentes de las películas de artes marciales de Hong Kong en la taquilla norteamericana. King Boxer ( Cinco dedos de la muerte ), protagonizada por el actor indonesio Lo Lieh , fue la primera película de Hong Kong que encabezó la taquilla estadounidense, allanando el camino para el avance de Bruce Lee con The Big Boss ( Fists of Fury ) encabezando la taquilla estadounidense. En mayo de 1973, el cine de acción de Hong Kong hizo historia en la taquilla estadounidense, con tres películas extranjeras ocupando los tres primeros lugares por primera vez: Fists of Fury , Lady Whirlwind ( Deep Thrust ) y Five Fingers of Death . Lee continuó su éxito con Fist of Fury ( The Chinese Connection ), que también encabezó la taquilla estadounidense el mes siguiente. [28]
Los estrenos de películas de kung fu en los Estados Unidos inicialmente estaban dirigidos a audiencias asiático-americanas , antes de convertirse en un gran éxito entre las audiencias afroamericanas e hispanas más amplias , [30] y luego entre los estadounidenses blancos de clase trabajadora . [31] Las películas de kung fu también se convirtieron en un éxito mundial, en Asia , Europa y el tercer mundo . [31] Esto finalmente allanó el camino para el avance cinematográfico póstumo de Lee en Hollywood con la coproducción de Hong Kong y Estados Unidos Enter the Dragon (1973). Posteriormente, el cine de artes marciales de Hong Kong inspiró una ola de películas y programas de televisión occidentales sobre artes marciales a lo largo de las décadas de 1970 y 1990 (lanzando las carreras de estrellas de artes marciales occidentales como Jean-Claude Van Damme , Steven Seagal y Chuck Norris ), así como la Una integración más general de las artes marciales asiáticas en las películas de acción y programas de televisión occidentales en la década de 1990. [29]
Sascha Matuszak de Vice dijo que Enter the Dragon "se hace referencia en todo tipo de medios, la trama y los personajes continúan influyendo en los narradores de hoy, y el impacto se sintió particularmente en la forma revolucionaria en que la película retrató a los afroamericanos , los asiáticos y las artes marciales tradicionales. ". [32] Kuan-Hsing Chen y Beng Huat Chua citaron escenas de lucha en películas de Hong Kong como Enter the Dragon como influyentes por la forma en que presentaron "una historia elemental del bien contra el mal de una manera tan saturada de espectáculo". [33]
En Japón, las franquicias de manga y anime Fist of the North Star (1983-1988) y Dragon Ball (1984-1995) fueron influenciadas por las películas de artes marciales de Hong Kong, en particular las películas de kung fu de los años 70, como Enter the Dragon de Bruce Lee y Jackie Chan. Maestro borracho (1978). [34] [35] A su vez, a Fist of the North Star y especialmente a Dragon Ball se les atribuye haber marcado las tendencias del popular manga y anime shōnen desde la década de 1980 en adelante. [36] [37]
De manera similar, en la India, las películas de artes marciales de Hong Kong tuvieron una influencia en las películas masala de Bollywood . [38] Después del éxito de las películas de Bruce Lee (como Enter the Dragon ) en la India, [39] Deewaar (1975) y las películas posteriores de Bollywood incorporaron escenas de lucha inspiradas en las películas de artes marciales de Hong Kong de los años 70 hasta los años 90. [40] Las escenas de acción de Bollywood emulaban a Hong Kong en lugar de Hollywood, enfatizando las acrobacias y los trucos y combinando el kung fu (tal como lo perciben los indios) con artes marciales indias como el pehlwani . [41]
Las películas de artes marciales de Hong Kong, como Enter the Dragon, fueron la base de los juegos de lucha . [42] La franquicia de videojuegos Street Fighter (debut en 1987) se inspiró en Enter the Dragon , con la jugabilidad centrada en un torneo de lucha internacional y cada personaje con una combinación única de etnia, nacionalidad y estilo de lucha. Street Fighter pasó a establecer el modelo para todos los juegos de lucha que siguieron. [43] El primer juego de lucha Kung-Fu Master (1984) también se basó en Game of Death (1972) de Bruce Lee y Wheels on Meals (1984) de Jackie Chan. [44]
El éxito de las películas de Bruce Lee ayudó a popularizar el concepto de artes marciales mixtas (MMA) en Occidente a través de su sistema Jeet Kune Do. En 2004, el fundador de Ultimate Fighting Championship (UFC), Dana White, llamó a Lee el "padre de las artes marciales mixtas". [45] El parkour también fue influenciado por las travesuras acrobáticas de Jackie Chan en sus películas de acción de Hong Kong, [46] [47] así como por la filosofía de Bruce Lee. [48]
Los innovadores desarrollos del cine de acción de Hong Kong en la década de 1980 no sólo habían establecido a Hong Kong como el cine dominante en el este de Asia , sino que también habían despertado el interés occidental . En la década de 1990, hubo una segunda "invasión asiática" del cine de acción de Hong Kong, que influyó y revitalizó fuertemente el cine de acción de Hollywood . Hubo un cruce significativo de estrellas, cineastas y coreógrafos de acción de Hong Kong desde Hong Kong a Hollywood, además de la amplia adopción de técnicas cinematográficas de acción de Hong Kong en Hollywood. [49] La amplia adopción de las convenciones sobre películas de acción de Hong Kong se denominó la "Hong Kongificación" de Hollywood. [50]
Aprovechando la reducida pero duradera subcultura cinematográfica de kung fu, Jackie Chan y películas como Peking Opera Blues (1986) de Tsui Hark ya estaban creando un culto cuando The Killer (1989) de Woo tuvo un estreno limitado pero exitoso en los EE. UU. y abrió las compuertas. . En la década de 1990, los occidentales interesados en la cultura "alternativa" se convirtieron en algo común en los cines y videoclubs de Chinatown , y gradualmente las películas se hicieron más disponibles en el mercado de vídeo convencional e incluso ocasionalmente en los cines convencionales. Los críticos y estudiosos del cine occidentales también comenzaron a tomar en serio el cine de acción de Hong Kong e incorporaron muchas figuras y películas clave a su canon del cine mundial.
A partir de aquí, Hong Kong llegó a definir un nuevo vocabulario para el cine de acción mundial, con la ayuda de una nueva generación de cineastas norteamericanos. Reservoir Dogs (1992) de Quentin Tarantino se inspiró en City on Fire y su doble parte Kill Bill (2003-04) fue en gran parte un homenaje a las artes marciales, tomando prestado a Yuen Woo-Ping como coreógrafo de lucha y actor. Desperado (1995) de Robert Rodríguez y su secuela de 2003 Érase una vez en México imitaron los gestos visuales de Woo. La trilogía Matrix (1999-2003) de las hermanas Wachowski , de éxitos de taquilla de acción y ciencia ficción, tomó prestados de las películas de Woo y Wire Fu, y también empleó a Yuen detrás de escena. Varias estrellas de acción de Hollywood también adoptaron la práctica de Hong Kong de entrenarse en artes marciales y realizar sus propias acrobacias, como Keanu Reeves , Uma Thurman y Jason Statham . [49] La película policial de Martin Scorsese The Departed (2006) fue una nueva versión de la trilogía Infernal Affairs (2002-2003) de Andrew Lau y Alan Mak .
El género heroico del derramamiento de sangre tuvo un impacto considerable en el cine mundial , especialmente en Hollywood . [51] La acción, el estilo, los tropos y los gestos establecidos en las heroicas películas sangrientas de Hong Kong de la década de 1980 fueron posteriormente ampliamente adoptados por Hollywood en la década de 1990, remodelando la forma en que se hacían las películas de acción de Hollywood. [11] City on Fire (1987) , de Lam, inspiró Reservoir Dogs (1992), de Quentin Tarantino ; [52] Tarantino era un admirador del género heroico del derramamiento de sangre. [53] The Killer también influyó mucho en Léon: The Professional (1994) de Luc Besson . [51] Con el tiempo, el propio John Woo introdujo su estilo de derramamiento de sangre heroico en Hollywood en la década de 1990. A finales de la década de 1990, el estilo cinematográfico de Woo se había establecido firmemente en Hollywood. [54]
Debido a la nueva conciencia internacional de las películas de Hong Kong durante los años 1980 y principios de los 1990 y a una recesión en la industria a medida que avanzaba la década de 1990, muchas de las principales figuras del cine de Hong Kong se fueron a Hollywood , que ofrecía presupuestos y salarios que no podían. ser igualado por las productoras de Hong Kong.
John Woo se fue a Hollywood después de su película Hard Boiled de 1992 . Su película Face/Off de 1997 fue el gran avance que estableció su estilo único en Hollywood. Este esfuerzo fue inmensamente popular tanto entre la crítica como entre el público (recaudó más de 240 millones de dólares en todo el mundo). Misión: Imposible 2 (2000) recaudó más de 560 millones de dólares en todo el mundo. Desde estas dos películas, Woo ha luchado por revisitar sus éxitos de los años 1980 y principios de los 1990. [55]
Después de más de quince años de éxito en el cine de Hong Kong y un par de intentos de entrar en el mercado estadounidense, la película de Jackie Chan de 1995 Rumble in the Bronx finalmente le valió el reconocimiento en los EE. UU. Desde entonces, ha realizado varias películas de gran éxito para los EE. UU. estudios que incluyen Rush Hour (1998), Shanghai Noon (2000) y sus respectivas secuelas Rush Hour 2 (2001), Shanghai Knights (2003) y Rush Hour 3 (2007). Entre sus películas para estudios estadounidenses, todavía hace películas para estudios de Hong Kong, a veces en inglés ( Mr. Nice Guy y Who Am I? ), a menudo ambientadas en países occidentales como Australia o los Países Bajos , y a veces en cantonés ( New Police , de 2004). Story y Rob-B-Hood de 2006 ). Debido a su enorme popularidad en Estados Unidos, estas películas generalmente se estrenan en ese país, algo poco común en las películas de Hong Kong, y generalmente atraen a un público respetable.
Jet Li ha reducido su producción en Hong Kong desde Hitman de 1998 y se ha centrado en Hollywood. Después de un papel menor en Arma letal 4 (1998), protagonizó varias películas de Hollywood que tuvieron un desempeño respetable y se hicieron un nombre entre el público estadounidense. Hasta ahora, ha regresado al cine chino sólo con dos películas: Hero (2002) y Fearless (2006). Afirmó que Fearless sería su última película tradicional de kung fu.
Chow Yun-fat también se mudó a Hollywood. Después de su película Peace Hotel de 1995 , ha realizado un puñado de películas en Hollywood que no han tenido tanto éxito como las de las figuras antes mencionadas. Estos incluyen The Reemplazo Killers (1998), The Corruptor (1999), Anna and the King (1999) y Bulletproof Monk (2003). Regresó a China para filmar Crouching Tiger, Hidden Dragon ( 2000) y Curse of the Golden Flower ( 2006) .
La industria cinematográfica de Hong Kong ha sufrido una grave crisis desde mediados de los años noventa. El número de películas locales producidas y sus ingresos en taquilla se reducen drásticamente; Las importaciones estadounidenses ahora dominan como no lo habían hecho durante décadas, o tal vez nunca. Esta crisis y el mayor contacto con el cine occidental han sido probablemente las mayores influencias recientes en el cine de acción de Hong Kong. [56]
Alejar al público juvenil local y regional de Hollywood es una preocupación constante. Las películas de acción ahora suelen estar encabezadas por ídolos de la música pop cantonesa con caras infantiles , como Ekin Cheng y Nicholas Tse , realzados con cables y efectos digitales, una tendencia también impulsada por la decadencia de una generación anterior de estrellas entrenadas en artes marciales. A finales de la década de 1990 se produjo una moda pasajera para las estrellas del Cantopop en películas de acción de alta tecnología y de estilo más estadounidense, como Downtown Torpedoes (1997), Gen-X Cops y Purple Storm (ambas de 1999).
La adaptación del cómic wuxia de Andrew Lau, The Storm Riders (1998), obtuvo una recaudación récord y marcó el comienzo de una era de imágenes generadas por computadora , anteriormente poco utilizadas en el cine de Hong Kong. Sin embargo, los fastuosos esfuerzos de Tsui Hark mejorados con CGI, Time and Tide (2000) y The Legend of Zu (2001), fueron sorprendentemente infructuosos. [ se necesita aclaración ] La megaestrella de la comedia y director Stephen Chow utilizó efectos digitales para llevar su típica y afectuosa parodia de las convenciones de artes marciales a niveles caricaturescos en Shaolin Soccer (2001) y Kung Fu Hustle (2004), cada una de las cuales también estableció un nuevo récord de taquilla. . [ cita necesaria ]
Una nota diferente fue una serie de películas policiales más sobrias e impulsadas por actores que los ejemplos anteriores inspirados en John Woo. La productora Milkyway Image estuvo a la vanguardia con ejemplos como Expect the Unexpected (1998) de Patrick Yau , The Mission (1999) de Johnnie To y Running Out of Time (1999). La exitosa trilogía Infernal Affairs (2002-2003) de Andrew Lau y Alan Mak ha desencadenado una minitendencia de inquietantes thrillers policiales. [ cita necesaria ]
La colaboración con otras industrias, particularmente la de China continental , es otra estrategia de supervivencia y recuperación cada vez más común. Las estrellas de Hong Kong y otro personal han estado involucrados en éxitos internacionales de wuxia como Crouching Tiger, Hidden Dragon (2000), Hero (2002) y House of Flying Daggers (2004).
Enter the Dragon tocó una fibra sensible en todo el mundo. Fabricada con unos minúsculos 850.000 dólares, recaudaría 90 millones de dólares en todo el mundo en 1973 y se estima que ganaría 350 millones de dólares durante los siguientes cuarenta y cinco años.
