Mesías ( HWV 56) [1] [n 1] es un oratorio en ingléscompuesto en 1741 por George Frideric Handel . El texto fue compilado a partir de la Biblia King James y el Salterio Coverdale [n 2] de Charles Jennens . Se representó por primera vez en Dublín el 13 de abril de 1742 y se estrenó en Londres un año después. Después de una recepción pública inicialmente modesta, el oratorio ganó popularidad y finalmente se convirtió en una de las obras corales más conocidas e interpretadas con más frecuencia de la música occidental .
La reputación de Handel en Inglaterra, donde vivía desde 1712, se había establecido a través de sus composiciones de ópera italiana . Recurrió al oratorio inglés en la década de 1730 en respuesta a los cambios en el gusto del público; Mesías fue su sexto trabajo en este género. Aunque su estructura se asemeja a la de la ópera , no tiene forma dramática; no hay personificaciones de personajes ni discurso directo. En cambio, el texto de Jennens es una reflexión ampliada sobre Jesús como el Mesías llamado Cristo . El texto comienza en la Parte I con profecías de Isaías y otros, y pasa a la anunciación a los pastores , la única "escena" extraída de los Evangelios . En la Parte II , Handel se concentra en la Pasión de Jesús y termina con el coro Aleluya . En la Parte III cubre las enseñanzas de Pablo sobre la resurrección de los muertos y la glorificación de Cristo en el cielo .
Handel escribió Messiah para fuerzas vocales e instrumentales modestas, con configuraciones opcionales para muchos de los números individuales. En los años posteriores a su muerte, la obra fue adaptada para su interpretación a una escala mucho mayor, con orquestas y coros gigantes. En otros esfuerzos por actualizarlo se revisó y amplificó su orquestación, como en Der Messias de Mozart . A finales del siglo XX y principios del XXI, la tendencia ha sido la de reproducir una mayor fidelidad a las intenciones originales de Handel, aunque se siguen montando producciones del "gran Mesías" . En 1928 se publicó una versión casi completa con discos de 78 rpm ; Desde entonces, la obra ha sido grabada muchas veces.
El manuscrito autógrafo del oratorio se conserva en la Biblioteca Británica .
El compositor George Frideric Handel , nacido en Halle en Brandeburgo-Prusia (Alemania moderna) en 1685, fijó su residencia permanente en Londres en 1712 y se naturalizó como súbdito británico en 1727 . [3] En 1741, su preeminencia en la música británica era evidente por los honores que había acumulado, incluida una pensión de la corte del rey Jorge II , el cargo de compositor de música para la Capilla Real y, lo más inusual para ganarse la vida, persona: una estatua erigida en su honor en Vauxhall Gardens . [4] Dentro de una producción musical amplia y variada, Handel fue un vigoroso defensor de la ópera italiana, que había introducido en Londres en 1711 con Rinaldo . Posteriormente escribió y presentó más de 40 óperas de este tipo en los teatros de Londres. [3]
A principios de la década de 1730, el gusto del público por la ópera italiana comenzaba a desvanecerse. El éxito popular de The Beggar 's Opera de John Gay y Johann Christoph Pepusch (estrenada por primera vez en 1728) había anunciado una avalancha de baladas-óperas en inglés que se burlaban de las pretensiones de la ópera italiana. [5] Con la caída de los ingresos de taquilla, las producciones de Handel dependían cada vez más de subvenciones privadas de la nobleza. Esta financiación se hizo más difícil de obtener después del lanzamiento en 1730 de la Ópera de la Nobleza , una compañía rival de la suya. Handel superó este desafío, pero gastó grandes sumas de su propio dinero en ello. [6]
Aunque las perspectivas para la ópera italiana estaban decayendo, Handel siguió comprometido con el género, pero como alternativa a sus obras escénicas comenzó a introducir oratorios en inglés. [7] En Roma, entre 1707 y 1708, había escrito dos oratorios italianos en un momento en que las representaciones de ópera en la ciudad estaban temporalmente prohibidas por decreto papal . [8] Su primera incursión en el oratorio inglés fue Esther , que fue escrita e interpretada para un mecenas privado alrededor de 1718. [7] En 1732, Handel llevó una versión revisada y ampliada de Esther al King's Theatre, Haymarket , donde los miembros de La familia real asistió a un brillante estreno el 6 de mayo. Su éxito animó a Handel a escribir dos oratorios más ( Deborah y Athalia ). Los tres oratorios se representaron ante un público numeroso y agradecido en el Teatro Sheldonian de Oxford a mediados de 1733. Según se informa, los estudiantes vendieron sus muebles para recaudar dinero para las entradas de cinco chelines . [9]
En 1735, Handel recibió el texto de un nuevo oratorio llamado Saul de su libretista Charles Jennens , un rico terrateniente con intereses musicales y literarios. [10] Debido a que la principal preocupación creativa de Handel todavía era la ópera, no escribió la música para Saúl hasta 1738, en preparación para su temporada teatral de 1738-1739. La obra, después de estrenarse en el King's Theatre en enero de 1739 con una cálida recepción, fue seguida rápidamente por el oratorio menos exitoso Israel en Egipto (que también puede haber venido de Jennens). [11] Aunque Handel continuó escribiendo óperas, la tendencia hacia las producciones en inglés se volvió irresistible cuando terminó la década. Después de tres representaciones de su última ópera italiana Deidamia en enero y febrero de 1741, abandonó el género. [12] En julio de 1741, Jennens le envió un nuevo libreto para un oratorio; En una carta fechada el 10 de julio a su amigo Edward Holdsworth , Jennens escribió: "Espero que [Handel] exponga todo su genio y habilidad, que la composición pueda superar a todas sus composiciones anteriores, como el tema supera a todos los demás. El tema es el Mesías". [13]
En la teología cristiana , el Mesías es el salvador de la humanidad. El Mesías ( Māšîaḥ ) es una palabra hebrea del Antiguo Testamento que significa "el Ungido", que en griego del Nuevo Testamento es Cristo , título dado a Jesús de Nazaret , conocido por sus seguidores como "Jesucristo". El Mesías de Handel ha sido descrito por el estudioso de la música antigua Richard Luckett como "un comentario sobre la Natividad, Pasión, Resurrección y Ascensión [de Jesucristo]", comenzando con las promesas de Dios dichas por los profetas y terminando con la glorificación de Cristo en el cielo. [14] En contraste con la mayoría de los oratorios de Handel, los cantantes en Mesías no asumen papeles dramáticos; no existe una voz narrativa única y dominante; y se hace muy poco uso de discursos citados . En su libreto, la intención de Jennens no era dramatizar la vida y las enseñanzas de Jesús, sino aclamar el " Misterio de la Piedad", [15] utilizando una recopilación de extractos de la versión autorizada (King James) de la Biblia y de la Salmos incluidos en el Libro de Oración Común de 1662 . [dieciséis]
La estructura de tres partes de la obra se aproxima a la de las óperas en tres actos de Handel, con las "partes" subdivididas por Jennens en " escenas ". Cada escena es una colección de números individuales o " movimientos " que toman la forma de recitativos , arias y coros. [15] Hay dos números instrumentales, la sinfonía inicial [n 3] al estilo de una obertura francesa , y la pastoral Pifa , a menudo llamada la "sinfonía pastoral", en el punto medio de la Parte I. [18]
En la Parte I, los profetas del Antiguo Testamento predicen la venida del Mesías y el nacimiento virginal . El anuncio a los pastores del nacimiento de Cristo está representado en las palabras del evangelio de Lucas . La Parte II cubre la pasión de Cristo y su muerte , su resurrección y ascensión , la primera difusión del evangelio por el mundo y una declaración definitiva de la gloria de Dios resumida en el Aleluya . La parte III comienza con la promesa de la redención, seguida de una predicción del día del juicio y de la " resurrección general ", terminando con la victoria final sobre el pecado y la muerte y la aclamación de Cristo. [19] Según el musicólogo Donald Burrows , gran parte del texto es tan alusivo que resulta en gran medida incomprensible para quienes ignoran los relatos bíblicos. [15] Para beneficio de su audiencia, Jennens imprimió y publicó un folleto explicando las razones de su elección de selecciones bíblicas. [20]
Charles Jennens nació alrededor de 1700, en el seno de una próspera familia terrateniente cuyas tierras y propiedades en Warwickshire y Leicestershire finalmente heredó. [21] Sus opiniones religiosas y políticas (se opuso a la Ley de Establecimiento de 1701 que aseguró el acceso al trono británico de la Casa de Hannover ) le impidieron recibir su título en el Balliol College de Oxford o ejercer cualquier carrera pública. carrera profesional. La riqueza de su familia le permitió vivir una vida de ocio mientras se dedicaba a sus intereses literarios y musicales. [22] Aunque el musicólogo Watkins Shaw descarta a Jennens como "una figura engreída sin ninguna habilidad especial", [23] Burrows ha escrito: "de la alfabetización musical de Jennens no puede haber ninguna duda". Ciertamente era un devoto de la música de Handel, habiendo ayudado a financiar la publicación de todas las partituras de Handel desde Rodelinda en 1725. [24] En 1741, después de su colaboración en Saúl , se había desarrollado una cálida amistad entre los dos, y Handel era un visitante frecuente. a la finca de la familia Jennens en Gopsall . [21]
La carta de Jennens a Holdsworth del 10 de julio de 1741, en la que menciona por primera vez al Mesías , sugiere que el texto era una obra reciente, probablemente recopilada a principios de ese verano. Como anglicano devoto y creyente en la autoridad de las Escrituras, Jennens tenía la intención de desafiar a los defensores del deísmo , que rechazaban la doctrina de la intervención divina en los asuntos humanos. [14] Shaw describe el texto como "una meditación de nuestro Señor como Mesías en el pensamiento y la creencia cristianos", y a pesar de sus reservas sobre el carácter de Jennens, admite que el libro de palabras terminado "equivale a poco menos que una obra de genio". [23] No hay evidencia de que Handel desempeñara algún papel activo en la selección o preparación del texto, como lo hizo en el caso de Saúl ; más bien parece que no vio la necesidad de hacer ninguna enmienda significativa al trabajo de Jennens. [13]
La música del Mesías se completó en 24 días de rápida composición. Habiendo recibido el texto de Jennens poco después del 10 de julio de 1741, Handel comenzó a trabajar en él el 22 de agosto. Sus registros muestran que había completado la Parte I en líneas generales el 28 de agosto, la Parte II el 6 de septiembre y la Parte III el 12 de septiembre, seguidas de dos días de "llenado" para producir el trabajo terminado el 14 de septiembre. Jennens vio este ritmo rápido no como un signo de energía extática sino más bien como una "negligencia descuidada", y las relaciones entre los dos hombres seguirían siendo tensas, ya que Jennens "instó a Handel a hacer mejoras" mientras el compositor se negaba obstinadamente. [25] Las 259 páginas de la partitura autógrafa muestran algunos signos de prisa, como borrones, tachones, barras sin rellenar y otros errores sin corregir, pero según el estudioso de la música Richard Luckett el número de errores es notablemente pequeño en un documento de esta extensión. [26] El manuscrito original del Mesías se encuentra ahora en la colección de música de la Biblioteca Británica . [27] Está compuesto para dos trompetas , timbales , dos oboes , dos violines , viola y bajo continuo .
Al final de su manuscrito, Handel escribió las letras "ODS": Soli Deo Gloria , "Sólo a Dios la gloria". Esta inscripción, tomada con la velocidad de la composición, ha fomentado la creencia en la historia apócrifa de que Handel escribió la música con un fervor de inspiración divina en la que, mientras escribía el coro Aleluya , "vio todo el cielo ante él". [26] Burrows señala que muchas de las óperas de Handel de duración y estructura comparables a las del Mesías fueron compuestas en escalas de tiempo similares entre temporadas teatrales. El esfuerzo de escribir tanta música en tan poco tiempo no era inusual para Handel y sus contemporáneos; Handel comenzó su siguiente oratorio, Sansón , una semana después de terminar Mesías , y completó el borrador de esta nueva obra en un mes. [28] [29] De acuerdo con su práctica al escribir nuevas obras, Handel adaptó composiciones existentes para usarlas en Mesías , en este caso basándose en dos dúos italianos recientemente terminados y uno escrito veinte años antes. Así, Se tu non lasci amore HWV 193 de 1722 se convirtió en la base de "Oh Muerte, ¿dónde está tu aguijón?"; "Su yugo es fácil" y "Y él purificará" fueron extraídos de Quel fior che all'alba ride HWV 192 (julio de 1741), "A nosotros nos ha nacido un niño" y "Todos nos gustan las ovejas" de Nò, di voi non vo' fidarmi HWV 189 (julio de 1741). [30] [31] La instrumentación de Handel en la partitura es a menudo imprecisa, nuevamente en línea con la convención contemporánea, donde el uso de ciertos instrumentos y combinaciones se asumía y no necesitaba ser escrito por el compositor; copistas posteriores completarían los detalles. [32]
Antes de la primera representación, Handel hizo numerosas revisiones a la partitura manuscrita, en parte para igualar las fuerzas disponibles para el estreno en Dublín de 1742; es probable que su trabajo no se haya realizado como se concibió originalmente durante su vida. [33] Entre 1742 y 1754 continuó revisando y recomponiendo movimientos individuales, a veces para satisfacer las necesidades de cantantes particulares. [34] La primera partitura publicada de Mesías se publicó en 1767, ocho años después de la muerte de Handel, aunque se basó en manuscritos relativamente tempranos y no incluyó ninguna de las revisiones posteriores de Handel. [35]
La decisión de Handel de ofrecer una temporada de conciertos en Dublín en el invierno de 1741-1742 surgió de una invitación del duque de Devonshire , que entonces se desempeñaba como Lord Teniente de Irlanda . [36] Un violinista amigo de Handel, Matthew Dubourg , estaba en Dublín como director de la banda del Lord Lieutenant; él se ocuparía de los requisitos orquestales de la gira. [37] Es incierto si Handel originalmente tenía la intención de representar el Mesías en Dublín; no informó a Jennens de tal plan, ya que este último escribió a Holdsworth el 2 de diciembre de 1741: "... fue una cierta mortificación para mí escuchar que en lugar de representar al Mesías aquí, se fue a Irlanda con él". [38] Después de llegar a Dublín el 18 de noviembre de 1741, Handel organizó una serie de seis conciertos por suscripción, que se celebrarían entre diciembre de 1741 y febrero de 1742 en el Great Music Hall , Fishamble Street . El lugar había sido construido en 1741 específicamente para albergar conciertos en beneficio de la Sociedad Caritativa y Musical para la Liberación de Deudores Encarcelados , una organización benéfica para la que Handel había acordado realizar una actuación benéfica. [39] Estos conciertos fueron tan populares que rápidamente se organizó una segunda serie; El Mesías no apareció en ninguna de las series. [36]
A principios de marzo, Handel inició conversaciones con los comités correspondientes para un concierto benéfico que se celebraría en abril y en el que tenía la intención de presentar al Mesías . Solicitó y obtuvo permiso de las catedrales de San Patricio y de la Iglesia de Cristo para utilizar sus coros para esta ocasión. [40] [41] Estas fuerzas ascendieron a dieciséis hombres y dieciséis niños coristas ; A varios de los hombres se les asignaron papeles solistas. Las mujeres solistas fueron Christina Maria Avoglio , que había cantado los papeles principales de soprano en las dos series de suscripción, y Susannah Cibber , una actriz de teatro y contralto establecida que había cantado en la segunda serie. [41] [42] Para adaptarse al rango vocal de Cibber, el recitativo "Entonces los ojos de los ciegos" y el aria "Él alimentará a su rebaño" se transpusieron a fa mayor . [33] [43] La actuación, también en la sala Fishamble Street, se anunció originalmente para el 12 de abril, pero se aplazó un día "a petición de personas distinguidas". [36] La orquesta de Dublín estaba compuesta por cuerdas , dos trompetas y timbales; Se desconoce el número de jugadores. Handel hizo enviar su propio órgano a Irlanda para las actuaciones; Probablemente también se utilizó un clavicémbalo . [44]
Las tres organizaciones benéficas que se beneficiarían fueron el alivio de la deuda de los presos , el Mercer's Hospital y la Charitable Infirmary . [41] En su informe sobre un ensayo público, el Dublin News-Letter describió el oratorio como "... superando con creces cualquier cosa de esa naturaleza que se haya interpretado en este o cualquier otro Reino". [45] Setecientas personas asistieron al estreno el 13 de abril. [46] Para que el mayor número posible de espectadores pudiera asistir al concierto, se pidió a los caballeros que se quitaran las espadas y a las damas que no llevaran aros en sus vestidos. [41] La actuación obtuvo elogios unánimes de la prensa reunida: "Faltan palabras para expresar el exquisito deleite que brindó al público admirado y acosado". [46] Un clérigo de Dublín, el reverendo Delaney, quedó tan abrumado por la interpretación de Susanna Cibber de "Fue despreciado" que, según se informa, se puso de pie de un salto y gritó: "¡Mujer, por esto te son perdonados todos tus pecados!" [47] [n 4] Las ganancias ascendieron a alrededor de £ 400, proporcionando alrededor de £ 127 a cada una de las tres organizaciones benéficas nominadas y asegurando la liberación de 142 prisioneros endeudados. [37] [46]
Handel permaneció en Dublín cuatro meses después del estreno. Organizó una segunda representación de Mesías el 3 de junio, que fue anunciada como "la última representación del señor Handel durante su estancia en este Reino ". En este segundo Mesías , que fue para el beneficio financiero privado de Handel, Cibber repitió su papel de la primera actuación, aunque Avoglio pudo haber sido reemplazada por una señora Maclaine; [49] los detalles de otros artistas intérpretes o ejecutantes no se registran. [50]
La cálida recepción brindada al Mesías en Dublín no se repitió en Londres. De hecho, incluso el anuncio de la actuación como un "nuevo Oratorio Sagrado" llevó a un comentarista anónimo a preguntar si "el Playhouse es un templo adecuado para representarlo". [51] Handel presentó la obra en el teatro de Covent Garden el 23 de marzo de 1743. Avoglio y Cibber volvieron a ser los principales solistas; A ellos se unieron el tenor John Beard , un veterano de las óperas de Handel, el bajo Thomas Rheinhold y otras dos sopranos, Kitty Clive y Miss Edwards. [52] La primera representación se vio eclipsada por las opiniones expresadas en la prensa de que el tema de la obra era demasiado exaltado para ser representado en un teatro, particularmente por cantantes y actrices seculares como Cibber y Clive. En un intento de desviar tales sensibilidades, en Londres Handel evitó el nombre de Mesías y presentó la obra como el "Nuevo Oratorio Sagrado". [53] Como era su costumbre, Handel reorganizó la música para adaptarla a sus cantantes. Escribió una nueva versión de "Y he aquí, el ángel del Señor" para Clive, que nunca se utilizó posteriormente. Añadió una canción de tenor para Beard: "Su sonido se apagó", que había aparecido en el libreto original de Jennens pero no en las actuaciones de Dublín. [54]
La costumbre de ponerse de pie para el coro de Aleluya tiene su origen en la creencia popular de que, en el estreno en Londres, lo hizo el rey Jorge II, lo que habría obligado a todos a ponerse de pie. No hay evidencia convincente de que el rey estuviera presente, o de que asistiera a alguna representación posterior del Mesías ; La primera referencia a la práctica de estar de pie aparece en una carta fechada en 1756, tres años antes de la muerte de Handel. [55] [56]
La inicialmente fría recepción del Mesías en Londres llevó a Handel a reducir a tres las seis representaciones previstas para la temporada y a no presentar la obra en absoluto en 1744, para considerable molestia de Jennens, cuyas relaciones con el compositor se agriaron temporalmente. [53] A petición de Jennens, Handel hizo varios cambios en la música para el resurgimiento de 1745: "Their sound is gone out" se convirtió en una pieza coral, la canción de soprano "Rejoice grandemente" se recompuso en forma abreviada y las transposiciones para la voz de Cibber fueron restaurados a su rango de soprano original. [34] Jennens escribió a Holdsworth el 30 de agosto de 1745: "[Handel] ha hecho un excelente entretenimiento, aunque no tan bueno como podría y debería haberlo hecho. Con gran dificultad le he hecho corregir algunas de las cosas más groseras. fallos en la composición..." Handel dirigió dos representaciones en Covent Garden en 1745, el 9 y 11 de abril, [57] y luego dejó la obra a un lado durante cuatro años. [58]
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El resurgimiento de 1749 en Covent Garden, bajo el título propio de Mesías , vio la aparición de dos solistas que en adelante estuvieron estrechamente asociadas con la música de Handel: Giulia Frasi y Caterina Galli . Al año siguiente se les unió el contralto masculino Gaetano Guadagni , para quien Handel compuso nuevas versiones de "Pero quién puede permanecer" y "Tú has subido a lo alto". El año 1750 también vio la institución de las representaciones benéficas anuales del Mesías en el Foundling Hospital de Londres , que continuaron hasta la muerte de Handel y más allá. [59] La actuación de 1754 en el hospital es la primera de la que se conservan todos los detalles de las fuerzas orquestales y vocales. La orquesta estaba compuesta por quince violines, cinco violas, tres violonchelos , dos contrabajos , cuatro fagotes , cuatro oboes, dos trompetas, dos trompas y tambores. En el coro de diecinueve había seis triples de la Capilla Real; el resto, todos hombres, eran altos, tenores y bajos. Frasi, Galli y Beard dirigieron a los cinco solistas, que debían ayudar al coro. [60] [n 5] Para esta interpretación, las arias de Guadagni transpuestas fueron restauradas a la voz de soprano. [62] En 1754 Handel estaba gravemente afectado por la aparición de ceguera, y en 1755 entregó la dirección de la actuación del hospital Messiah a su alumno, JC Smith. [63] Al parecer, reanudó sus funciones en 1757 y es posible que haya continuado a partir de entonces. [64] La última representación de la obra en la que estuvo presente Handel fue en Covent Garden el 6 de abril de 1759, ocho días antes de su muerte. [63]
Durante la década de 1750, el Mesías se representó cada vez más en festivales y catedrales de todo el país. [65] Ocasionalmente se extrajeron coros y arias individuales para su uso como himnos o motetes en los servicios religiosos, o como piezas de concierto, una práctica que creció en el siglo XIX y ha continuado desde entonces. [66] Después de la muerte de Handel, se ofrecieron representaciones en Florencia (1768), Nueva York (extractos, 1770), Hamburgo (1772) y Mannheim (1777), donde Mozart la escuchó por primera vez. [67] Para las actuaciones en vida de Handel y en las décadas posteriores a su muerte, Burrows cree que las fuerzas musicales utilizadas en la actuación del Foundling Hospital de 1754 son típicas. [68] La moda de las actuaciones a gran escala comenzó en 1784, con una serie de conciertos conmemorativos de la música de Handel ofrecidos en la Abadía de Westminster bajo el patrocinio del rey Jorge III . Una placa en la pared de la Abadía registra que "La banda compuesta por intérpretes vocales e instrumentales de DXXV [525] fue dirigida por Joah Bates Esqr". [69] En un artículo de 1955, Sir Malcolm Sargent , un defensor de las actuaciones a gran escala, escribió: "El señor Bates... había conocido bien a Handel y respetado sus deseos. La orquesta empleada era de doscientos cincuenta integrantes, incluidos doce instrumentos de trompeta". , doce trompetas, seis trombones y tres pares de timbales (algunos especialmente grandes)." [70] En 1787 se ofrecieron más representaciones en la Abadía; Los anuncios prometían: "La banda estará formada por ochocientos artistas". [71]
En Europa continental, las interpretaciones del Mesías se alejaban de las prácticas de Handel de una manera diferente: su partitura estaba siendo reorquestada drásticamente para adaptarse a los gustos contemporáneos. En 1786, Johann Adam Hiller presentó al Mesías una partitura actualizada en la Catedral de Berlín . [72] En 1788, Hiller presentó una interpretación de su revisión con un coro de 259 personas y una orquesta de 87 cuerdas, 10 fagotes, 11 oboes, 8 flautas , 8 trompas, 4 clarinetes , 4 trombones, 7 trompetas, timbales, clavecín y órgano. . [72] En 1789, el barón Gottfried van Swieten y la Gesellschaft der Associierten encargaron a Mozart que reorquestara varias obras de Handel, incluido el Mesías ( Der Messias ). [73] [n 6] Al escribir para una actuación a pequeña escala, eliminó el órgano continuo, añadió partes para flautas, clarinetes, trombones y trompas, recompuso algunos pasajes y reorganizó otros. La representación tuvo lugar el 6 de marzo de 1789 en las habitaciones del conde Johann Esterházy, con cuatro solistas y un coro de 12 personas. [75] [n 7] El arreglo de Mozart, con modificaciones menores de Hiller, se publicó en 1803, después de su muerte. [n 8] El estudioso de la música Moritz Hauptmann describió las adiciones de Mozart como " adornos de estuco en un templo de mármol". [80] Según se informa, el propio Mozart fue prudente acerca de sus cambios, insistiendo en que cualquier alteración en la partitura de Handel no debe interpretarse como un esfuerzo por mejorar la música. [81] Elementos de esta versión se volvieron familiares más tarde para el público británico, incorporados en las ediciones de la partitura por editores como Ebenezer Prout . [75]
En el siglo XIX, los enfoques sobre Handel en los países de habla alemana e inglesa divergieron aún más. En Leipzig, en 1856, el musicólogo Friedrich Chrysander y el historiador literario Georg Gottfried Gervinus fundaron la Deutsche Händel-Gesellschaft con el objetivo de publicar ediciones auténticas de todas las obras de Handel. [67] Al mismo tiempo, las actuaciones en Gran Bretaña y Estados Unidos se alejaron de la práctica escénica de Handel con interpretaciones cada vez más grandiosas. Messiah se presentó en Nueva York en 1853 con un coro de 300 personas y en Boston en 1865 con más de 600. [82] [83] En Gran Bretaña se celebró un "Gran Festival Handel" en el Crystal Palace en 1857, interpretando Messiah y otros Oratorios de Handel, con un coro de 2.000 cantantes y una orquesta de 500 personas. [84]
En las décadas de 1860 y 1870 se reunieron fuerzas cada vez mayores. Bernard Shaw , en su papel de crítico musical, comentó: "El rancio asombro que el gran coro nunca deja de suscitar ya se ha agotado"; [85] más tarde escribió: "¿Por qué, en lugar de desperdiciar enormes sumas de dinero en la multitudinaria aburrimiento de un Festival de Handel, alguien no organiza una actuación del Mesías minuciosamente ensayada y exhaustivamente estudiada en el St James's Hall con un coro de veinte artistas capaces? La mayoría de nosotros estaríamos contentos de escuchar el trabajo realizado en serio una vez antes de morir." [86] El empleo de enormes fuerzas requirió un aumento considerable de las partes orquestales. Muchos admiradores de Handel creían que el compositor habría hecho tales adiciones si los instrumentos apropiados hubieran estado disponibles en su época. [87] Shaw argumentó, en gran medida desatendido, que "el compositor puede salvarse de sus amigos, y la función de escribir o seleccionar 'acompañamientos orquestales adicionales' se puede ejercer con la debida discreción". [88]
Una de las razones de la popularidad de las actuaciones a gran escala fue la ubicuidad de las sociedades corales de aficionados. El director Sir Thomas Beecham escribió que durante 200 años el coro fue "el medio nacional de expresión musical" en Gran Bretaña. Sin embargo, después del apogeo de las sociedades corales victorianas, notó una "reacción rápida y violenta contra las representaciones monumentales... un llamado de varios sectores para que Handel debería ser interpretado y escuchado como en los días entre 1700 y 1750". [89] A finales de siglo, Sir Frederick Bridge y TW Bourne fueron pioneros en resurgimientos del Mesías en la orquestación de Handel, y el trabajo de Bourne fue la base para futuras versiones académicas a principios del siglo XX. [90]
Aunque la tradición del oratorio a gran escala fue perpetuada por conjuntos tan grandes como la Royal Choral Society , el Tabernacle Choir y la Huddersfield Choral Society en el siglo XX, [91] hubo cada vez más pedidos de actuaciones más fieles a la concepción de Handel. A principios de siglo, The Musical Times escribió sobre los "acompañamientos adicionales" de Mozart y otros: "¿No es hora de que algunos de estos 'perdedores' de la partitura de Handel sean enviados a ocuparse de sus asuntos?" [92] En 1902, Prout produjo una nueva edición de la partitura, trabajando a partir de los manuscritos originales de Handel en lugar de versiones impresas corruptas con errores acumulados de una edición a otra. [n 9] Sin embargo, Prout partió del supuesto de que una reproducción fiel de la partitura original de Handel no sería práctica:
[L]os intentos realizados de vez en cuando por nuestras sociedades musicales para dar la música de Handel como él quería que fuera dada deben, por muy seria que sea la intención y por muy cuidadosa que sea la preparación, estar condenados al fracaso por la naturaleza misma del caso. En nuestras grandes sociedades corales, es necesario algún tipo de acompañamiento adicional para una interpretación eficaz; y la cuestión no es tanto si deben escribirse, sino cómo deben escribirse. [78]
Prout continuó la práctica de añadir flautas, clarinetes y trombones a la orquestación de Handel, pero restauró las partes de trompeta alta de Handel, que Mozart había omitido (evidentemente porque tocarlas era un arte perdido en 1789). [78] Hubo poco desacuerdo con el enfoque de Prout, y cuando la edición académica de Chrysander se publicó ese mismo año, fue recibida respetuosamente como "un volumen para el estudio" en lugar de una edición escénica, siendo una reproducción editada de varios manuscritos de Handel. versiones. [93] Se creía imposible una interpretación auténtica: el corresponsal del Musical Times escribió: "Todos los instrumentos orquestales de Handel (excepto la trompeta) eran de una calidad más tosca que los que se utilizan actualmente; sus clavecines han desaparecido para siempre... los lugares en donde interpretó el 'Mesías' eran meros salones en comparación con el Albert Hall , el Queen's Hall y el Crystal Palace. [93] En Australia, The Register protestó ante la perspectiva de actuaciones de "pequeños coros de iglesia de 20 voces más o menos". [94]
En Alemania, el Mesías no se representaba con tanta frecuencia como en Gran Bretaña; [95] cuando se dio, las fuerzas de tamaño mediano eran la norma. En el Festival de Handel celebrado en 1922 en la ciudad natal de Handel, Halle, sus obras corales fueron interpretadas por un coro de 163 personas y una orquesta de 64 personas. [96] En Gran Bretaña, la radiodifusión y grabación innovadoras contribuyeron a la reconsideración de la interpretación handeliana. Por ejemplo, en 1928, Beecham dirigió una grabación de Messiah con fuerzas de tamaño modesto y tempos polémicamente enérgicos , aunque la orquestación estuvo lejos de ser auténtica. [97] En 1934 y 1935, la BBC transmitió representaciones del Mesías dirigidas por Adrian Boult con "una fiel adhesión a la clara puntuación de Handel". [98] En la Catedral de Worcester se ofreció una actuación con música auténtica como parte del Festival de los Tres Coros en 1935. [99] En 1950, John Tobin dirigió una actuación de El Mesías en la Catedral de San Pablo con las fuerzas orquestales especificadas por el compositor, un coro. de 60 años, contratenor contralto solista y modestos intentos de elaboración vocal de las notas impresas, a la manera de la época de Handel. [100] La versión de Prout cantada con muchas voces siguió siendo popular entre las sociedades corales británicas, pero al mismo tiempo, pequeños conjuntos profesionales ofrecían actuaciones cada vez más frecuentes en lugares de tamaño adecuado, utilizando partituras auténticas. Las grabaciones en LP y CD eran preponderantemente de este último tipo, y el Mesías a gran escala llegó a parecer anticuado. [101]
La causa de la interpretación auténtica avanzó en 1965 con la publicación de una nueva edición de la partitura, editada por Watkins Shaw. En el Grove Dictionary of Music and Musicians , escribe David Scott, "la edición al principio despertó sospechas debido a sus intentos en varias direcciones de romper la costra de convenciones que rodean la obra en las Islas Británicas". [102] En el momento de la muerte de Shaw en 1996, The Times describió su edición como "ahora de uso universal". [103] [n.10]
El Mesías sigue siendo la obra más conocida de Handel, con representaciones particularmente populares durante la temporada de Adviento ; [48] En un escrito de diciembre de 1993, el crítico musical Alex Ross se refiere a las 21 actuaciones de ese mes sólo en Nueva York como "repetición paralizante". [105] Contra la tendencia general hacia la autenticidad, la obra se ha representado en teatros de ópera, tanto en Londres (2009) como en París (2011). [106] La partitura de Mozart se revive de vez en cuando, [107] y en los países anglófonos son populares las actuaciones de " cantar a coro " con cientos de intérpretes. [108] Aunque ahora son habituales las representaciones que luchan por la autenticidad, en general se acepta que nunca podrá haber una versión definitiva del Mesías ; los manuscritos supervivientes contienen configuraciones radicalmente diferentes de muchos números, y la ornamentación vocal e instrumental de las notas escritas es una cuestión de juicio personal, incluso para los intérpretes más informados históricamente. [109] El estudioso de Handel, Winton Dean , ha escrito:
[E] aquí todavía hay mucho por lo que los académicos pelean y, más que nunca, los directores deben decidir por sí mismos. De hecho, si no están preparados para afrontar los problemas que presenta la partitura, no deberían realizarla. Esto se aplica no sólo a la elección de las versiones, sino a todos los aspectos de la práctica barroca y, por supuesto, a menudo no hay respuestas definitivas. [104]
La numeración de los movimientos que se muestran aquí está de acuerdo con la partitura vocal de Novello (1959), editada por Watkins Shaw, que adapta la numeración ideada anteriormente por Ebenezer Prout. Otras ediciones cuentan los movimientos de forma ligeramente diferente; la edición Bärenreiter de 1965, por ejemplo, no enumera todos los recitativos y va del 1 al 47. [110] La división en partes y escenas se basa en el libro de palabras de 1743 preparado para la primera representación en Londres. [111] Los títulos de las escenas se dan cuando Burrows resumió los títulos de las escenas de Jennens. [15]
La música de Handel para el Mesías se distingue de la mayoría de sus otros oratorios por una moderación orquestal, una cualidad que, según observa el musicólogo Percy M. Young, no fue adoptada por Mozart y otros arreglistas de la música posteriores. [112] La obra comienza tranquilamente, con movimientos instrumentales y solistas que preceden a la primera aparición del coro, cuya entrada en el registro bajo alto está silenciada. [43] Un aspecto particular de la moderación de Handel es su uso limitado de trompetas a lo largo de la obra. Después de su introducción en el coro de la Parte I "Gloria a Dios", aparte del solo de "La trompeta sonará", sólo se escuchan en Aleluya y el coro final "Digno es el Cordero". [112] Es esta rareza, dice Young, lo que hace que estas interpolaciones de metales sean particularmente efectivas: "Auméntalas y la emoción disminuirá". [113] En "Gloria a Dios", Handel marcó la entrada de las trompetas como da lontano e un poco piano , que significa "en silencio, desde lejos"; su intención original había sido colocar los metales fuera del escenario ( in disparte ) en este punto, para resaltar el efecto de la distancia. [31] [114] En esta aparición inicial, las trompetas carecen del acompañamiento de batería esperado, "una retención deliberada del efecto, dejando algo en reserva para las Partes II y III", según Luckett. [115]
Aunque Mesías no está en ninguna tonalidad particular, el esquema tonal de Handel ha sido resumido por el musicólogo Anthony Hicks como "una aspiración hacia el re mayor ", la tonalidad asociada musicalmente con la luz y la gloria. A medida que el oratorio avanza con varios cambios de tonalidad para reflejar cambios de humor, emerge re mayor en puntos significativos, principalmente los movimientos de "trompeta" con sus mensajes edificantes. Es la clave en la que la obra llega a su final triunfal. [116] A falta de una clave predominante, se han propuesto otros elementos integradores. Por ejemplo, el musicólogo Rudolf Steglich ha sugerido que Handel utilizó el recurso de la " cuarta ascendente " como motivo unificador ; Este recurso ocurre más notablemente en las dos primeras notas de "Sé que mi Redentor vive" y en muchas otras ocasiones. Sin embargo, Luckett encuentra esta tesis inverosímil y afirma que "la unidad del Mesías es una consecuencia de nada más arcano que la calidad de la atención de Handel a su texto y la coherencia de su imaginación musical". [117] Allan Kozinn , crítico musical del New York Times , encuentra "una unión modelo entre música y texto... Desde la suave melodía asignada a las palabras iniciales ("Comfort ye") hasta la pura exuberancia del coro Aleluya y "En el ornamentado contrapunto de celebración que apoya el "Amén" final, apenas pasa una línea de texto que Handel no amplifique". [118]
La sinfonía de apertura está compuesta en mi menor para cuerdas y es el primer uso que hace Handel en oratorio de la forma de obertura francesa. Jennens comentó que la Sinfony contiene "pasajes muy indignos de Handel, pero mucho más indignos del Mesías"; [117] El primer biógrafo de Handel, Charles Burney, simplemente lo encontró "seco y poco interesante". [43] Un cambio de tono a mi mayor conduce a la primera profecía, pronunciada por el tenor cuya línea vocal en el recitativo inicial "Comfort ye" es completamente independiente del acompañamiento de cuerdas. La música avanza a través de varios cambios de clave a medida que se desarrollan las profecías, culminando con el coro en sol mayor "Porque un niño ha nacido para nosotros", en el que las exclamaciones corales (que incluyen una cuarta ascendente en "el Dios Poderoso") se imponen al material. Extraído de la cantata italiana Nò, di voi non-vo'fidarmi de Handel . [43] Tales pasajes, dice el historiador de la música Donald Jay Grout , "revelan a Handel el dramaturgo, el maestro infalible del efecto dramático". [119]
El interludio pastoral que sigue comienza con el breve movimiento instrumental, la Pifa , que toma su nombre de los pastores-gaiteros, o pifferari , que tocaban sus flautas en las calles de Roma en época navideña. [114] Handel escribió el movimiento tanto en forma de 11 compases como extendida de 32 compases; Según Burrows, cualquiera de los dos funcionará en la interpretación. [34] El grupo de cuatro recitativos cortos que le siguen presentan a la soprano solista, aunque a menudo la soprano canta el aria anterior "Pero quién puede cumplir" en su forma de sol menor transpuesta. [120] El recitativo final de esta sección está en re mayor y presagia el coro afirmativo "Gloria a Dios". El resto de la Parte I lo lleva en gran parte la soprano en si bemol , en lo que Burrows llama un raro ejemplo de estabilidad tonal. [121] El aria "Él alimentará a su rebaño" sufrió varias transformaciones por parte de Handel, apareciendo en diferentes momentos como un recitativo, un aria de alto y un dúo para alto y soprano antes de que la versión original para soprano fuera restaurada en 1754. [43] El La idoneidad del material original italiano para el escenario del solemne coro final "His yoke is easy" ha sido cuestionada por el estudioso de la música Sedley Taylor , quien lo llama "una pieza de pintura de palabras... gravemente fuera de lugar", aunque admite que la conclusión coral de cuatro partes es un golpe de genialidad que combina belleza con dignidad. [122]
La segunda parte comienza en sol menor , una tonalidad que, según la frase de Hogwood, aporta un estado de ánimo de "trágico presentimiento" a la larga secuencia de números de Pasión que siguen. [47] El coro declamatorio de apertura "He aquí el Cordero de Dios", en forma fugaz , es seguido por el solo de alto "Fue despreciado" en mi bemol mayor , el elemento individual más largo del oratorio, en el que se cantan algunas frases. sin compañía para enfatizar el abandono de Cristo. [47] Luckett registra la descripción de Burney de este número como "la idea más alta de excelencia en expresión patética de cualquier canción inglesa". [123] La serie posterior de movimientos corales principalmente cortos cubre la Pasión, Crucifixión, Muerte y Resurrección de Cristo, al principio en fa menor , con un breve respiro en fa mayor en "Todos nos gustan las ovejas". Aquí, el uso que hace Handel de Nò, di voi non-vo'fidarmi cuenta con la aprobación incondicional de Sedley Taylor: "[Handel] hace que las voces entren en una secuencia canónica solemne, y su coro termina con una combinación de grandeza y profundidad de sentimiento tal como se encuentra en sólo el dominio del genio consumado". [124]
La sensación de desolación regresa, en lo que Hogwood llama la tonalidad "remota y bárbara" de si bemol menor , para el recitativo de tenor "Todos los que lo ven". [47] [125] La secuencia sombría finalmente termina con el coro de Ascensión "Levanten sus cabezas", que Handel inicialmente divide entre dos grupos corales, los altos sirven como línea de bajo para un coro de soprano y línea de agudos para los tenores. y bajos. [126] Para la actuación del Foundling Hospital de 1754, Handel añadió dos trompetas, que se unen cuando el coro se une hacia el final del número. [47] Después del tono de celebración de la recepción de Cristo en el cielo, marcado por la aclamación en re mayor del coro "Que todos los ángeles de Dios le adoren", la sección " Pensete " avanza a través de una serie de estados de ánimo contrastantes: sereno y pastoral en "Cómo hermosos son los pies", teatralmente operístico en "¿Por qué se amotinan las naciones con tanta furia?", hacia la culminación de la Parte II de Aleluya .
El coro de Aleluya , como señala Young, no es el coro culminante de la obra, aunque no se puede escapar de su "entusiasmo contagioso". [127] Se construye desde una apertura orquestal engañosamente ligera, [47] a través de un breve pasaje de cantus firmus al unísono sobre las palabras "Porque el Señor Dios omnipotente reina", hasta la reaparición de las trompetas silenciosas durante mucho tiempo en "Y Él reinará". por los siglos de los siglos". Los comentaristas han señalado que la línea musical de este tercer tema se basa en Wachet auf , el popular coral luterano de Philipp Nicolai . [47] [128]
El solo de apertura de soprano en mi mayor, "Sé que vive mi Redentor", es uno de los pocos números del oratorio que no ha sido revisado desde su forma original. [129] Su sencillo acompañamiento de violín al unísono y sus ritmos consoladores aparentemente hicieron llorar a Burney. [130] Le sigue un coro tranquilo que conduce a la declamación del bajo en re mayor: "He aquí, os cuento un misterio", luego el aria larga "La trompeta sonará", marcado pomposo ma non-allegro ("digno pero no rápido"). [129] Handel originalmente escribió esto en forma da capo , pero lo acortó a dal segno , probablemente antes de la primera representación. [131] La melodía de trompeta característica y extendida que precede y acompaña a la voz es el único solo instrumental significativo en todo el oratorio. El incómodo y repetido énfasis de Handel en la cuarta sílaba de "incorruptible" puede haber sido la fuente del comentario del poeta del siglo XVIII William Shenstone de que "podía observar algunas partes de Mesías en las que los juicios de Handel le fallaban; donde la música no era igual". , o incluso era lo contrario , de lo que requerían las palabras". [129] [132] Después de un breve recitativo en solitario, al alto se le une el tenor para el único dúo en la versión final de la música de Handel, "Oh muerte, ¿dónde está tu aguijón?" La melodía es una adaptación de la cantata de Handel de 1722 Se tu non-lasci amore y, en opinión de Luckett, es el más exitoso de los préstamos italianos. [130] El dúo va directo al coro "Pero gracias a Dios". [129]
El reflexivo solo de soprano "Si Dios sea por nosotros" (escrito originalmente para contralto) cita el coral de Lutero Aus tiefer Not . Da inicio al final coral en re mayor: "Digno es el Cordero", que conduce al apocalíptico "Amén" en el que, dice Hogwood, "la entrada de las trompetas marca el asalto final al cielo". [129] El primer biógrafo de Handel, John Mainwaring , escribió en 1760 que esta conclusión revelaba que el compositor "se elevaba aún más alto" que en "ese vasto esfuerzo de genio, el coro Aleluya". [130] Young escribe que el "Amén" debería, a la manera de Palestrina , "ser pronunciado como a través de los pasillos y deambulatorios de alguna gran iglesia". [133]
Muchas de las primeras grabaciones de coros y arias individuales de Messiah reflejan los estilos de interpretación de moda entonces: grandes fuerzas, tempi lentos y reorquestación liberal. Ejemplos típicos son los coros dirigidos por Sir Henry Wood , grabados en 1926 para Columbia con el coro y la orquesta de 3.500 personas del Crystal Palace Handel Festival, y un disco rival contemporáneo de HMV con la Royal Choral Society bajo la dirección de Sargent, grabado en el Royal Albert. Sala . [134]
La primera grabación casi completa de toda la obra (con los cortes entonces habituales) [n 11] fue realizada por Beecham en 1928. Representó un esfuerzo de Beecham por "proporcionar una interpretación que, en su opinión, se acercara más a las intenciones del compositor". ", con fuerzas más pequeñas y tiempos más rápidos de lo que se había vuelto tradicional. [97] Su solista de contralto, Muriel Brunskill , comentó más tarde: "Sus tempi, que ahora se dan por sentado, fueron revolucionarios; los revitalizó por completo". [91] Sin embargo, Sargent conservó la tradición a gran escala en sus cuatro grabaciones de HMV, la primera en 1946 y tres más en las décadas de 1950 y 1960, todas con la Sociedad Coral de Huddersfield y la Orquesta Filarmónica de Liverpool . [91] La segunda grabación de la obra por parte de Beecham, en 1947, "abrió el camino hacia ritmos y velocidades más verdaderamente handelianos", según el crítico Alan Blyth . [91] En un estudio de 1991 de los 76 Mesías completos registrados hasta esa fecha, la escritora Teri Noel Towe llamó a esta versión de Beecham "una de un puñado de actuaciones verdaderamente estelares". [91]
En 1954, Hermann Scherchen dirigió la primera grabación basada en la partitura original de Handel para Nixa , [n 12] seguida rápidamente por una versión, considerada erudita en ese momento, dirigida por Sir Adrian Boult para Decca . [135] Sin embargo, según los estándares de la interpretación del siglo XXI, los tempos de Scherchen y Boult todavía eran lentos y los solistas no intentaron ninguna ornamentación vocal. [135] En 1966 y 1967, dos nuevas grabaciones fueron consideradas como grandes avances en la erudición y la práctica interpretativa, realizadas respectivamente por Colin Davis para Philips y Charles Mackerras para HMV. Inauguraron una nueva tradición de actuaciones enérgicas y de pequeña escala, con adornos vocales por parte de los cantantes solistas. [n 13] Una interpretación de 1967 de Messiah de los Ambrosian Singers dirigida por John McCarthy acompañando a la English Chamber Orchestra dirigida por Charles Mackerras fue nominada para un premio Grammy . [138] Entre las grabaciones de interpretaciones de estilo antiguo se encuentran la grabación de Beecham de 1959 con la Royal Philharmonic Orchestra, con orquestación encargada a Sir Eugene Goossens y completada por el compositor inglés Leonard Salzedo , [91] la versión de Karl Richter de 1973 para DG , [139 ] y la interpretación de David Willcocks de 1995 basada en la edición de la partitura de Prout de 1902, con un coro de 325 voces y una orquesta de 90 músicos. [140]
A finales de la década de 1970, la búsqueda de autenticidad se había extendido al uso de instrumentos de época y estilos históricamente correctos de tocarlos. La primera de estas versiones fue dirigida por los especialistas en música antigua Christopher Hogwood (1979) y John Eliot Gardiner (1982). [141] El uso de instrumentos de época se convirtió rápidamente en la norma registrada, aunque algunos directores, entre ellos Sir Georg Solti (1985) y Sir Andrew Davis (1989) continuaron favoreciendo los instrumentos modernos. La revista Gramophone y The Penguin Guide to Recorded Classical Music destacaron dos versiones, realizadas respectivamente por Trevor Pinnock (1988) y Richard Hickox (1992). Este último emplea un coro de 24 cantantes y una orquesta de 31 músicos; Se sabe que Handel utilizó un coro de 19 personas y una orquesta de 37 personas. [142] Siguieron actuaciones en una escala aún menor. [n 14]
Se han registrado varias reconstrucciones de las primeras representaciones: la versión de Dublín de 1742 de Scherchen en 1954, y nuevamente en 1959, y de Jean-Claude Malgoire en 1980. [145] En 1976, Neville Marriner grabó la versión de Londres de 1743 para Decca. . Presentaba música diferente, versiones alternativas de números y orquestación diferente. Hay varias grabaciones de la versión de 1754 Foundling Hospital, incluidas las de Hogwood (1979), Andrew Parrott (1989) y Paul McCreesh. [146] [147] En 1973, David Willcocks dirigió un set para HMV en el que todas las arias de soprano fueron cantadas al unísono por los chicos del Coro del King's College, Cambridge , [148] y en 1974, para DG, Mackerras dirigió un Conjunto de la versión reorquestada de Mozart, cantada en alemán. [91]
La primera partitura publicada en 1767, junto con las adaptaciones y recomposiciones documentadas de varios movimientos de Handel, ha sido la base de muchas versiones interpretadas desde la vida del compositor. Las representaciones modernas que buscan autenticidad tienden a basarse en una de las tres ediciones escénicas del siglo XX. [110] Todos ellos utilizan diferentes métodos de numeración de movimientos:
La edición editada por Chrysander y Max Seiffert para la Deutsche Händel-Gesellschaft (Berlín, 1902) no es una edición de interpretación general, pero se ha utilizado como base para estudios e investigaciones. [110]
Además de la conocida reorquestación de Mozart, existen arreglos para fuerzas orquestales más grandes de Goossens y Andrew Davis ; ambos han sido grabados al menos una vez, en los sellos RCA [150] y Chandos [151] respectivamente.
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