Scott Pilgrim vs. the World es una película de comedia de acción romántica de 2010 coescrita, producida y dirigida por Edgar Wright , basada en laserie de novelas gráficas Scott Pilgrim de Bryan Lee O'Malley . Está protagonizada por un elenco coral , con Michael Cera como Scott Pilgrim , un músico holgazán que intenta ganar un concurso para conseguir un contrato discográfico mientras lucha contra los siete malvados ex de su nueva novia Ramona Flowers , interpretada por Mary Elizabeth Winstead .
Se propuso una adaptación cinematográfica de los cómics tras el lanzamiento del primer volumen, y Wright participó en el proyecto en las primeras etapas del desarrollo. El rodaje comenzó en marzo de 2009 en Toronto y concluyó en agosto. La película se estrenó después de una mesa redonda en la Comic-Con International de San Diego el 22 de julio de 2010 y recibió un amplio estreno en Norteamérica el 13 de agosto. Fue reestrenada para su décimo aniversario en el Reino Unido el 21 de agosto. 2020 y Estados Unidos el 30 de abril de 2021.
La película utiliza características famosas de su entorno de Toronto y coincide con el estilo de las imágenes de los videojuegos y los cómics. Utilizó artistas musicales reales, incluidos Beck y Metric , como base para cada grupo ficticio en la trama de la batalla de bandas , y algunos de los actores también actuaron. Se utilizó una combinación de métodos digitales y físicos para crear los extensos efectos visuales .
Aunque fue una bomba de taquilla que no logró recuperar su presupuesto de producción de 85 millones de dólares, Scott Pilgrim vs. the World recibió críticas positivas de los críticos, que destacaron su estilo visual y humor, y obtuvo seguidores de culto . La película ha aparecido en varias listas de los diez primeros y recibió más de 70 premios y nominaciones . En el análisis académico, se ha discutido ampliamente como una narrativa transmedia .
En Toronto , Scott Pilgrim, de 22 años, es el bajista de su fallida banda de garage independiente Sex Bob-Omb. Está saliendo con Knives Chau, un estudiante de secundaria de 17 años, para gran desaprobación de sus amigos de la banda, su compañero de cuarto Wallace Wells y su hermana menor Stacey Pilgrim. Scott conoce a una repartidora de Amazon estadounidense, Ramona Flowers , después de haberla visto por primera vez en un sueño. Pierde interés en Knives pero no rompe con ella antes de perseguir a Ramona. Cuando Sex Bob-Omb toca en una batalla de bandas patrocinada por el ejecutivo discográfico Gideon Graves, Scott es atacado por el exnovio de Ramona, Matthew Patel. Scott derrota a Patel y descubre que, para salir con Ramona, debe derrotar a los seis malvados ex que le quedan.
Scott finalmente rompe con Knives, quien culpa a Ramona y jura recuperarlo. Scott derrota a los siguientes tres ex de Ramona: el actor de Hollywood y patinador Lucas Lee, el vegano superpoderoso Todd Ingram y la ninja lesbiana Roxy Richter, mientras también se enfrenta a su propio ex, la estrella del pop Envy Adams. Sin embargo, Scott se frustra durante el proceso y, después de un arrebato sobre el historial de citas de Ramona, ella rompe con él.
En la siguiente batalla de bandas, Sex Bob-Omb derrota al quinto y sexto ex malvados de Ramona, los gemelos Kyle y Ken Katayanagi, lo que le otorga a Scott una vida extra . A pesar de esto, Ramona parece volver con su séptimo malvado ex, Gideon. Sex Bob-Omb acepta el contrato discográfico de Gideon , a excepción de Scott, quien abandona la banda en protesta. Gideon invita a Scott a su lugar, el Chaos Theatre, donde se presenta Sex Bob-Omb. Decidido a recuperar a Ramona, Scott desafía a Gideon a luchar por su afecto, ganándose la espada "Poder del Amor". Knives interrumpe la batalla, ataca a Ramona, y Scott se ve obligado a revelar que los engañó a ambos. Gideon mata a Scott y Ramona lo visita en el limbo para revelar que Gideon le ha implantado un dispositivo de control mental .
Scott usa su 1-up para volver a la vida y vuelve a entrar al Chaos Theatre. Hace las paces con sus amigos y desafía a Gideon nuevamente, esta vez para sí mismo, obteniendo la espada del "Poder del autorrespeto". Después de disculparse con Ramona y Knives por engañarlos y aceptar sus propios errores, Scott une fuerzas con Knives y derrotan a Gideon. Ahora libre de su control, Ramona se prepara para irse. Knives acepta que su relación con Scott ha terminado y, alentado por ella, se va con Ramona para "intentar de nuevo".
Scott Pilgrim vs. the World fue una coproducción internacional entre varias compañías: Marc Platt Productions (Estados Unidos), Big Talk Films (Reino Unido), Closed On Mondays Entertainment (Estados Unidos) y Dentsu (Japón). [5]
Después de que el artista Bryan Lee O'Malley completara el primer volumen de Scott Pilgrim , su editor Oni Press se puso en contacto con el productor Marc Platt para proponerle una adaptación cinematográfica . [7] O'Malley originalmente tenía sentimientos encontrados acerca de una adaptación cinematográfica, afirmando que "esperaba que la convirtieran en una comedia de acción completa con algún actor que [él] odiaba", aunque tampoco "ni siquiera le importaba". ", admitiendo: "Yo era un artista hambriento y pensaba: 'Por favor, solo dame algo de dinero'". [8] Universal Studios contrató al director Edgar Wright , quien acababa de terminar Shaun of the Dead, estrenada en 2004 y acordó adaptar los cómics de Scott Pilgrim . [7] [9] Wright se interesó por primera vez en hacer la película cuando le dieron una copia previa al lanzamiento de la primera novela gráfica durante la gira de prensa de Shaun of the Dead , [10] luego dijo que "todo lo que [él] encontraba interesante Sobre el libro, y por qué se sintió fresco y único, fue irresistible adaptarlo". [11] En mayo de 2005, el estudio contrató a Michael Bacall para coescribir el guión. [9]
Wright citó la película Danger: Diabolik de Mario Bava de 1968 (otra adaptación de una serie de cómics) como una influencia en su acercamiento a Scott Pilgrim , afirmando que tomó una "influencia italiana, un sentido de imaginación completamente desenfrenada". "Cualquier intento de hacerlo parecer realista. La composición y la puesta en escena de Mario Bava tienen una verdadera actitud de intentarlo todo". [12] Otras influencias en los guionistas incluyen películas musicales como Más allá del valle de las muñecas , Dig! , y particularmente El Fantasma del Paraíso . [13] La película también adopta elementos de estilo de las novelas gráficas, incluido el uso de texto de cómic como gráfico (por ejemplo, onomatopeyas de efectos de sonido), que Wright y O'Malley describen como "meramente la perspectiva interna de cómo Scott se entiende a sí mismo y al mundo". [14] Ha sido descrito como un videojuego y una película de cómic. [15]
Bacall dijo que quería escribir la película de Scott Pilgrim porque sentía mucho por su historia y empatizaba con sus personajes. [16] Wright dijo que O'Malley estuvo "muy involucrado" con el guión de la película desde el principio, contribuyendo con líneas y agregando brillo. Debido al largo desarrollo, en los cómics posteriores de Scott Pilgrim se utilizaron varias líneas de varios guiones escritos por Wright y Bacall . [17] El segundo borrador del guión, que según O'Malley "se convirtió en el borrador principal de la película", se presentó justo a la medianoche de la noche en que se suponía que comenzaría la huelga de escritores en octubre de 2007. [18] No hay material de Scott Pilgrim's Finest Hour , el sexto volumen de Scott Pilgrim , apareció en la película, ya que el cómic no estaba completo en el momento de la producción de la película; O'Malley contribuyó con sugerencias para el final de la película y les dio a los productores sus notas para el sexto volumen, [19] pero afirmó que el final de la película era "su final". [20] Algunas ideas para el final de la película fueron eliminadas antes de la producción, incluyendo que Scott resultaría ser un asesino en serie que fantaseaba con los aspectos del juego [21] y que Gideon se convertiría en un robot al estilo Transformers . [22]
El casting de los personajes principales comenzó en junio de 2008, y Wright consultó con O'Malley durante el casting. [23] Los rodajes de prueba comenzaron en julio de 2008, y Wright dijo que hubo un año de preparación antes de que comenzara el rodaje. También dejó de trabajar en su guión de Ant-Man durante dos años durante la producción de Scott Pilgrim vs. the World . [11] En 2009, se había completado el casting y la película se tituló Scott Pilgrim contra el mundo . [24] El elenco pasó dos meses entrenando juntos antes de filmar, con Brad Allan y Peng Zhang del Jackie Chan Stunt Team ; [11] [25] Michael Cera dijo que "le dieron una patada en la garganta durante el entrenamiento" y "esperaba que fuera insoportable, pero no dolió en absoluto, lo cual fue realmente confuso". [10] La fotografía principal comenzó en marzo de 2009 en Toronto, [26] [27] y concluyó según lo previsto en agosto. [23] [28]
En el final original de la película, escrito antes del lanzamiento del último libro de Scott Pilgrim , Scott vuelve a estar con Knives. [29] O'Malley se opuso al primer final porque sentía que diluiría el carácter de Knives. [30] Después de que se publicó el último libro de la serie, en el que Scott y Ramona vuelven a estar juntos, y con la reacción dividida de la audiencia ante el final original de la película, se filmó un nuevo final para que coincida con los libros, con Scott y Ramona regresando. juntos. [29] O'Malley ayudó a escribir el nuevo final y Wright llamó de antemano a la actriz de Knives, Ellen Wong, pensando que podría estar decepcionada por el cambio, pero descubrió que le gustaba la idea. [31] El final final se rodó tres meses antes del estreno de la película; [14] Wright dice que es su "final preferido". [22] La película recibió un presupuesto de producción de entre 85 y 90 millones de dólares, una cantidad compensada por devoluciones de impuestos que resultaron en un costo final de alrededor de 60 millones de dólares. [32] Universal aportó 60 millones de dólares del presupuesto previo al reembolso. [33] La pista de comentarios de O'Malley se grabó el 14 de agosto de 2010, un día después del estreno de la película en cines. [34]
Uno de los productores, Miles Dale, dijo que la película es "la película más importante jamás ambientada en Toronto". [36] La película presenta ubicaciones notables en Toronto: Casa Loma , St. Michael's College School , Sonic Boom, la Biblioteca Pública de Toronto Wychwood Library, una ubicación de Goodwill en St. Clair West, Second Cup , Pizza Pizza , Lee's Palace y Artscape. Graneros Wychwood . [35] [36] [37] La producción planeó ambientar la película en Toronto porque, en palabras de Dale, "los libros son súper específicos en sus detalles locales" y el director Wright quería usar las imágenes de los libros, por lo que Universal Los estudios no tenían planes de alterar el escenario. [36] Dale afirmó que " Bathurst Street es prácticamente la corteza cerebral de Scott Pilgrim". [36] David Fleischer de Torontoist escribió que aunque las películas ambientadas en la ciudad de Nueva York muestran los principales lugares de interés, "Scott Pilgrim se deleita con la simplicidad" de lugares cotidianos que todavía son identificables como Toronto, como la intersección Bathurst/Bloor y una sola Pizza. Pizzería. [37]
El director Wright, que vivió en la ciudad durante un año antes de hacer la película, dijo que "como cineasta británico que hace [su] primera película fuera del Reino Unido, no querría que nadie le diera deméritos por conseguir el ubicación incorrecta", apegándose al Toronto real y "filmando incluso las ubicaciones más banales" en el cómic. [37] Wright dijo que lo primero que hizo cuando llegó a Toronto fue recorrer todas las ubicaciones con O'Malley, y dijo que esto le dio una "especie de aterrizaje en las ubicaciones reales [que] simplemente hizo que todo pareciera "correcto", aunque O'Malley no podía recordar los lugares exactos de algunos, por lo que condujeron usando sus fotografías de referencia cómicas para encontrarlos. [37] A la producción se le permitió filmar en las ubicaciones de Second Cup y Pizza Pizza, y Wright dijo que usarlos en lugar de Starbucks "simplemente se sintió bien" porque "significa algo para el público canadiense y la gente del público internacional simplemente piensa que [ellos] hicieron [Pizza Pizza] ellos mismos. Suena como una linda marca de película". [37]
Wright dijo que estaba orgulloso de haber podido grabar el mural original del Lee's Palace antes de que lo quitaran; También hizo reconstruir el antiguo bar en un decorado para escenas interiores, lo que fue recibido positivamente cuando las bandas que asesoraban para la película lo visitaron. Wright sugirió que "querían que se conservara como pieza de museo". [37] Otra reconstrucción fue el club Rock It, que ya no existía, con el interior construido sobre un escenario de sonido. [37] La tienda de Sonic Boom había sido cambiada de cómo aparecía en los cómics, pero permitió que su interior fuera restaurado al aspecto anterior para la filmación. [35] [37] Los fondos también se cambiaron para la película: muchos paisajes se simplificaron en la posproducción para emular el estilo de dibujo de los cómics, incluida la eliminación de muchos árboles de las escenas filmadas en Hillcrest Park y Turner Road. [37]
Casa Loma ha servido como escenario de películas para muchas producciones diferentes, por lo que aparecer en Scott Pilgrim vs. the World como un escenario de película se describió como "muy alucinante". [37] La escena en Casa Loma también muestra la Torre CN y Baldwin Steps , con Don McKellar (quien interpretó al director en la escena) informando que "la gente se estaba volviendo loca" la noche del estreno en Toronto cuando se presentó. [37] La pelea de Casa Loma está en el cómic original, pero el momento en que Scott Pilgrim es empujado a través de un paisaje urbano genérico con pintura mate para revelar la Torre CN solo se agregó para la película. En su capítulo, '"Scott Pilgrim Gets It Together": The Cultural Crossovers of Bryan Lee O'Malley', Mark Berninger llama a esta revelación "una referencia irónica al lugar específico de la película" y dice que está "totalmente en línea con O' "El uso que hace Malley de comentarios metaficcionales para enfatizar la hibridación transnacional precisamente resaltando la identidad canadiense". [38]
Wright también tiene un ojo increíble para el casting, llenando su película con personas que podrían ser, y muchas veces pronto serían, superhéroes. Para darle una idea de cuán apropiadamente superheroicos son estos lotes, la alineación incluye al antiguo o futuro Superman , Capitán América, Capitán Marvel , LEGO Robin , Royal Pain , Human Torch , Punisher y The Atom .
– Helen O'Hara , La guía definitiva de películas de superhéroes (2020) págs. 74–75 [39]
El casting tuvo lugar entre 2008 y 2010, [23] [24] en el que participaron el director Wright y los directores de casting Jennifer Euston , Allison Jones y Robin D. Cook. [40] Cera fue elegida en marzo de 2008 [41] y Winstead en mayo. [42] A finales de 2008, Whitman, Wong y Kendrick fueron elegidos; En enero de 2009, Routh, Evans y Larson fueron anunciados juntos, y Webber, Pill, Simmons y Bhabha se agregaron casi al mismo tiempo. [43] El casting de extras en Toronto comenzó en febrero de 2009. [44] Aunque se basa en una novela gráfica sobre un músico, los expertos y críticos consideran que la película es una adaptación de un cómic y una película de superhéroes , y en los años posteriores a su lanzamiento los comentaristas señaló que la película presenta un elenco estelar de los actores más importantes de las películas de cómics y superhéroes, [39] [45] [46] y Noah Dominguez de CBR dijo que " Scott Pilgrim vs. the World puede tener lo mejor de actores de películas de cómics, jamás ". [45] Patrick O'Donnell de NME escribió que "actores notables [que han protagonizado] adaptaciones de cómics antes y después de sus papeles en Scott Pilgrim [inyectan] una metacalidad al estilo de la película que ya rompe géneros". [47]
El director Wright se sintió seguro con su casting para la película y dijo que "al igual que con Hot Fuzz [cuando] tenían gente genial en cada pequeño papel, ocurre lo mismo con esto. Lo bueno de esto es que hay gente [como] Michael [ Cera] y Jason [Schwartzman], y [...] gente prometedora, como Anna Kendrick, Aubrey Plaza y Brie Larson, y luego también hay completas incógnitas". [48] Collider notó que los actores menos conocidos encajaban bien en sus papeles, y Wright confirmó que no tenían mucha presión para encontrar muchos nombres importantes, y agregó que "Universal nunca le dio ningún problema para elegir a personas más importantes". , porque en cierto modo Michael [Cera] ha protagonizado dos películas de más de 100 millones de dólares, y también muchas otras personas, aunque no son los nombres más importantes, la gente ciertamente sabe quiénes son". [48] También señaló que si bien algunos de los actores eran más famosos cuando audicionaron, como Schwartzman y Evans, otros se hicieron más conocidos durante el tiempo que la película estuvo en desarrollo, diciendo que "Anna Kendrick hizo su primera audición para ella. antes de filmar la primera Crepúsculo . Y Aubrey Plaza consiguió el papel en Scott Pilgrim antes de filmar Funny People o Parks and Recreation , lo cual es una locura. Te muestra cuánto tiempo ha tomado hacer esta película". [10]
Todas las decisiones de casting estuvieron a cargo de O'Malley durante una sesión de casting con Wright; [19] O'Malley no estaba en la habitación, pero le mostraron todas las cintas. [18] Wright dijo que planeaba elegir a Cera mientras escribía Hot Fuzz , después de ver episodios de Arrested Development , [48] y también dijo que necesitaba un actor que "el público siga incluso cuando el personaje esté siendo un poco extraño". un culo." [49] Cera dijo que estaba igualmente emocionado de trabajar con Wright, "porque [él] era un gran admirador suyo". [10] Se comprometió a entrenar para escenas de lucha durante un año en preparación, lo que le valió el apodo en el set de "rey de las flexiones" debido a lo musculoso que se volvió. [50] Wright explicó que aunque Cera es un músico talentoso, no buscaban particularmente personas que ya pudieran tocar instrumentos, ya que los miembros del elenco no pudieron aprender posteriormente para la película. [48] Al igual que Cera, Wright ya tenía en mente a Mary Elizabeth Winstead como su elección para Ramona Flowers, pensando en ella para el papel dos años antes de que comenzara el rodaje porque "tiene una disposición muy alegre como persona, por lo que fue interesante haz que interprete una versión de sí misma que estaba rota por dentro. Ella es genial en la película porque causa mucho caos pero permanece sobrenaturalmente arraigada". [51] En 2020, Wright y Winstead explicaron cómo ella había sido su primera opción después de verla en Death Proof y porque tiene ojos grandes que reflejan la novela gráfica. Wright dijo que Universal había sugerido a Seth Rogen para el papel de Scott, ya que su reciente película Knocked Up había sido un éxito, pero Wright no podía ver a nadie más que a Cera en el papel. [52]
Ellen Wong, una actriz poco conocida de Toronto, [23] audicionó tres veces para el papel de Knives Chau. En su segunda audición, Wright se enteró de que Wong tiene cinturón verde en taekwondo y dice que se sintió intrigado por esta "joven de rostro dulce que era un tipo rudo en secreto". [51] En la retrospectiva de 2020 de Entertainment Weekly , Wong dijo que ni siquiera creía que la considerarían para el papel porque es asiática, mientras que Chris Evans dijo que Wright se acercó a él sobre un papel en la película y sintió que " fue una obviedad [porque] era un gran admirador" del director, asumiendo el papel de Lucas Lee. [52] Otros actores considerados para Lucas fueron el futuro coprotagonista de Marvel Cinematic Universe de Evans , Sebastian Stan [40] y Robert Pattinson de Crepúsculo . [53] Los actores que interpretan a los dobles de Lucas son los verdaderos dobles de Evans. [54] Aubrey Plaza, quien tiene un papel secundario como Julie Powers, dijo que "hay muchas personas raras y perfectamente elegidas", citando a Michael Cera y Alison Pill como particularmente coincidentes con sus personajes. [55] Otros candidatos para el papel de Kim de Pill fueron Betty Gilpin , Zoe Kazan y Rooney Mara . [40] Además de Plaza, otros miembros del elenco y el equipo expresaron sentimientos similares: Kieran Culkin explicó que le enviaron un guión para una audición sin el nombre del personaje, pero cuando vio la descripción de Wallace supo que el papel era para él. , y Wright dijo que la audición de Brie Larson, que entonces tenía 18 años, "impresionó a todos los demás", y agregó: "[el productor ejecutivo] Jared [LeBoff] y yo dijimos después: 'Tenemos que elegirla'. ". [52]
Wright dice que algo que le hace particularmente feliz es que esta película, a diferencia de muchas comedias, incluida la suya, tiene "muchas mujeres divertidas", recordando una escena en particular que denominó "la carrera de relevos de mujeres divertidas", porque "comienza con Anna Kendrick, luego cambia a Aubrey Plaza, luego cambia a Mary [Elizabeth Winstead], luego cambia a Brie Larson, y es solo Michael [Cera] siendo atacado por todos lados por todas las diferentes mujeres de la película". [48] En junio de 2013, O'Malley, de ascendencia coreana y canadiense blanca, declaró que lamentaba el hecho de que el elenco de la película fuera predominantemente blanco y que no hubiera suficientes papeles para las minorías. [56]
El elenco de la película repitió sus papeles para la serie animada de Netflix de 2023 Scott Pilgrim Takes Off . [57]
La película no sólo está ambientada físicamente en Toronto, sino también, según Allan Weiss, cultural y temporalmente dentro de "los barrios de Anexo y Wychwood [de Toronto] durante la era de David Miller ", el tiempo y el lugar de una escena musical muy específica. que la película "se integra [se] [a sí misma] en [...] no sólo a través de la banda ficticia de Scott [,] sino también por la aparición de clubes como el ahora desaparecido Rockit [y] la banda sonora de indie rock de la película"; Weiss afirma que la película "marca la mitificación de la genial escena de Anexo, la transformación del indie rock de Toronto [...] en materia de aventuras", ya que "casi todos los eventos importantes [...] están conectados de alguna manera camino a esta escena musical." [58]
La banda sonora cuenta con contribuciones del productor de Radiohead , Nigel Godrich , Beck , Metric , Broken Social Scene , Cornelius , Dan the Automator , Kid Koala y David Campbell . [59] [60] [61] [62] [63] O'Malley había escrito listas de reproducción para cada uno de los cómics al final de los libros, presentando a Wright a otras bandas canadienses durante el desarrollo. Sobre esta base, Wright dijo que la producción "intentó [...] encontrar una banda real para cada una de las bandas ficticias, porque normalmente en las películas musicales hay un compositor que hace todo". [48] Wright y Godrich se reunieron y buscaron bandas para escribir para la película durante dos años. [10] Godrich compuso la música para la película, su primera banda sonora cinematográfica . [11] Antes de involucrarse en la película, los primeros guiones tenían el chiste de que "nunca escuchabas a las bandas [...] Escuchaste la introducción, y luego pasaba a la siguiente escena, y alguien decía, "Oh, Dios mío, esa es la mejor canción de todos los tiempos". Eso fue una broma durante mucho tiempo", según Wright. [64]
Webber, Pill y Simmons, como miembros de Sex Bob-omb, tuvieron que aprender a tocar sus respectivos instrumentos y pasaron un tiempo ensayando como banda con Cera (que ya tocaba el bajo) antes de que comenzara la filmación. [65] Chris Murphy de la banda Sloan fue el entrenador de guitarra de los actores de la película. [48] Los actores también cantan en la banda sonora de la película. [66] Beck escribió y compuso la música interpretada por Sex Bob-omb en la película. [67] Las canciones tardaron dos días en escribirse y grabarse, y Beck dijo que "había que pensarlo poco, [...] tenían que ser divertidas, pero [él] también quería que sonaran crudas, como demos". [68] Brian LeBarton toca la batería y el bajo para la banda en la banda sonora y la banda sonora de la película. En el avance también se pueden escuchar dos canciones inéditas. [67]
Brendan Canning y Kevin Drew de Broken Social Scene escribieron todas las canciones de Crash and the Boys. Las pistas fueron cantadas por Erik Knudsen , quien interpreta a Crash en la película. Drew declaró que la razón detrás de esto era que "[él] sabía que [Knudsen] no necesitaba ser cantante para lograrlo" porque las canciones eran "muy rápidas, punk y rápidas" y "tenía que ser la voz del personaje." [69]
Metric es la inspiración para la banda de la película The Clash at Demonhead y contribuyó con la canción "Black Sheep" a la película, [70] a petición de Godrich. [71] La ropa, la actuación y el estilo de la cantante principal de Metric, Emily Haines , es también la base para la cantante principal de The Clash at Demonhead, Envy Adams. [70] [72] Brie Larson, quien interpreta a Envy Adams, dijo que "no tenía idea de que [su] cuerpo podía moverse de esa manera" cuando habló en el estreno en el Reino Unido sobre su interpretación teatral de la canción. [73] La periodista musical Janelle Sheetz escribió que "la actuación de Larson es bastante similar a la de [Haines] pero con una actitud apropiada para [Envy Adams]". [74] La moda cinematográfica de Envy Adams también influyó inversamente en los cómics: la última novela gráfica estaba en desarrollo mientras se hacía la película, y O'Malley dijo que, aunque "intentaría distanciarse [de] [el] interpretaciones de los actores]", también "le dio a Envy Adams uno de los trajes reales de Brie Larson" en el cómic. [18]
Larson como Envy Adams proporciona la voz para "Black Sheep" en la película, mientras que la banda sonora presenta una versión de la canción con Haines como cantante principal, [75] según la solicitud de la banda; [76] Larson era cantante profesional y ha actuado en algunas de sus otras películas. [77] Metric había estado interpretando la canción en sus conciertos desde 2007, pero no la había lanzado antes de la película. [78] Todd Martens de Los Angeles Times dijo que "Envy es una caricatura de Haines" y asimismo, según Haines, que "'Black Sheep' es esencialmente una caricatura de Metric", como una canción que emula sus aspectos más distintos. [64] Godrich estuvo de acuerdo y agregó que "era perfecto para esta película [porque] no es Metric. Es una sombra de Metric". [64] Routh, quien interpreta al bajista de The Clash at Demonhead, Todd Ingram, dijo que "[él] puede tocar ["Black Sheep"] muy bien", pero la película no usó su instrumental, solo la voz de Larson sobre Metric, [11 ] quien había vuelto a grabar el tema para hacerlo más siniestro. [64] Routh pasó "tres o cuatro meses" aprendiendo a tocar el bajo para la película. [11]
La canción interpretada por Matthew Patel fue escrita por Dan the Automator e interpretada por Satya Bhabha en la película. Bhabha dijo que "[lo grabaron] en Capitol Records Studio 2, que es donde Frank Sinatra grabó muchas de sus cosas. Y había el piano de Ray Charles en la habitación", y explicó que la historia musical le ayudó a terminar la grabación. . [11]
Wright dijo que los cambios de tono de la película en línea con la representación de las diferentes partes del libro y sus escenas de lucha fueron tratados como una película musical , diciendo: [48]
Pensamos que debería ser como un musical en una forma en que las peleas no sean diferentes a las canciones. Siempre pensé que había muchas películas de artes marciales que eran como musicales, así que queríamos ir más allá. Ya sabes, en una película de Gene Kelly , cuando realiza una rutina increíble, al final de la escena nadie dice: '¡Dios mío, eso fue increíble!' La canción trata sobre algo, y luego puede haber algún diálogo al final que también trata sobre ese tema. Y así es como funciona esto, donde la gente tiene grandes peleas – y es como en los libros – donde todo vuelve a la normalidad, y hay una pequeña reacción a lo que acaba de pasar, pero no hay ningún tipo de lamento por el muerto.
También dijo que algunos videos musicales se hicieron con interpretaciones de canciones, incluidas algunas de Sex Bob-omb y la única presentación de The Clash at Demonhead, filmando la canción completa a pesar de que no se usarían en forma completa en la película; dijo que eran tan buenos que quería grabarlos todos para que lo tuvieran. [48] El lanzamiento doméstico en Blu-ray incluye características especiales, con videos musicales de las actuaciones completas de "Garbage Truck", "Threshold" y "Summertime" de Sex Bob-omb, y "Black Sheep" de The Clash at Demonhead. [79] El vídeo musical de "Black Sheep" también se incluyó como característica adicional con el pedido anticipado de la banda sonora en iTunes . [80]
La música de la serie de videojuegos Legend of Zelda se utiliza para abrir la película, en efectos de sonido [81] y en una secuencia de sueños. Para obtener permiso para usar la música, Edgar Wright envió un clip de la película y escribió una carta a Nintendo of America que describía la música como "como canciones infantiles para una generación". [49] Hay otros efectos de sonido y clips de otros videojuegos utilizados en la película. [81] [82] Zeitlin Wu escribe que la película lleva los elementos del videojuego de la novela gráfica al límite al poder incluir tales efectos de sonido. [15]
Se describe que la película tiene un "aspecto inimitable" de iconografía de manga y videojuegos (particularmente de 16 bits ) con colores brillantes y gráficos mezclados con la acción en vivo; El supervisor de efectos visuales Frazer Churchill describió el aspecto como "difícil" de lograr y calificó el estilo y el atractivo de la película como "imágenes de muy alta tecnología con una sensación de muy baja fidelidad". [83] Churchill fue entrevistado por MTV en agosto de 2010 sobre los efectos de la película. Señaló que parte del trabajo era más complejo debido a la ética de filmación de Wright: que debería haber una representación física de cualquier efecto de posproducción, y dijo que "cada vez que la imagen parpadea en las tomas terminadas - cada golpe, choque de espadas o algo: en realidad eran flashes [...] en el set con flashes fotográficos [...] y luego [ellos] agregan [...] flash con CG. Cuando alguien muere y estalla en monedas, [ellos] vaciarían cubos de Mylar plateado para que los actores tuvieran algo a lo que reaccionar". [83]
Churchill describió la primera pelea (Scott contra Matthew Patel) como "la más desafiante". [83] Dice que esto se debió a los elementos técnicos involucrados, como el baile de Bollywood generado por computadora y que requería trabajo de pantalla azul , pintura mate y muchas acrobacias. La escena también incorpora el efecto de desplazamiento de fondo del videojuego , que fue filmado por una segunda unidad durante un día completo. Churchill añadió que un momento en particular requirió mucho trabajo: "Cuando Scott salta del escenario hacia ese vórtice estilo manga, se compone de fotografías cinematográficas realizadas en el set, fotografías digitales y gráficos y líneas de velocidad dibujadas a mano. lo que [Oscar Wright] nos dio". [83] El artista del guión gráfico Oscar Wright (también hermano del director Edgar Wright) señaló que la introducción de Patel se utilizó "para transmitir el tipo de energía que [ellos] querían y explorar cómo [ellos] introducirían los elementos gráficos 2D". [84]
La tercera pelea (Scott contra Todd Ingram) tuvo que adaptarse del material del cómic de manera más creativa, ya que los superpoderes de Todd se muestran impresos mediante anillos, de los cuales estuvo a cargo el equipo de efectos visuales. Churchill explica que se inspiraron en el antiguo logotipo de una torre de transmisión de RKO Pictures . Para imitar esto, "hicieron que los anillos parecieran desiguales y tuvieran estas aberraciones ópticas con explosiones de color". [83] En esta pelea, Scott también recibe un puñetazo a través de varias paredes, lo que se logró con configuraciones de cámara. El movimiento que se aleja de Todd se muestra en tomas de cámara amplias y estrechas , con Cera como Scott siendo arrastrado sobre una plataforma en la habitación. La imagen de Cera luego se fusionó con un Scott digital y un doble, que atraviesan las paredes. [83]
El superpoder de desaparición utilizado por Roxy en la película se logró mediante una pantalla azul, con la actriz Whitman borrada digitalmente, pero se utilizó humo blanco y flashes en el set para marcar las apariciones. El humo negro se agregó digitalmente, mientras que los destellos de las lentes se realizaron manualmente "simplemente haciendo parpadear diferentes luces en la cámara" durante un día para crear el material. [83] Roxy aparece en la cuarta pelea, donde usa un arma blanca. Churchill dice que Whitman aprendió a bailar con cintas y usó una cinta rosa en la coreografía, que fue reemplazada digitalmente con el arma. [83]
Se escribió un nuevo software para producir elementos de la quinta pelea (Scott contra los gemelos Katayanagi); Andrew Whitehurst desarrolló lo que Churchill llamó el "Generador de formas de onda", y el equipo de efectos visuales trabajó con el productor musical Godrich para poder transformar diferentes elementos de la música en animaciones y crear música visual. [83] Churchill explicó que "el software convertiría estas raíces de sonido en datos de animación, de modo que cuando la banda esté tocando, los gráficos y los dragones se muevan al ritmo de la música". [83] Esta pelea fue escrita por Oscar Wright sin ninguna referencia cómica ya que la película superó la publicación de los libros. [84] Los 'demonios del audio', que luchan contra monstruos impulsados por la música de la película, fueron creados en el set por Churchill utilizando globos meteorológicos . [83]
Para la pelea culminante contra Gideon, se filmó durante una semana una torre piramidal parecida a una de Super Mario Bros. , y Churchill dijo que a menudo se calentaba debido a los efectos de luz que se usaban, incluidos los flashes y las luces rojas para representar el fuego en la espalda de Scott. espada. La escena también utilizó pantalla azul y muchos especialistas. Oscar Wright hizo el guión gráfico de toda la secuencia, excepto el error de Gideon al final, en el que Edgar Wright pensó durante la edición y se creó íntegramente en posproducción. [83] Edgar Wright también señaló que la escena de la pelea en la torre de la pirámide era la pieza más lenta que había filmado jamás, y dijo: "Así que estábamos avanzando a este ritmo increíble. Y luego estaba esta escena final en una pirámide. De repente, Reduje la velocidad a hacer diez tomas en un día, lo cual es muy lento para mí. Me senté en la cima de esta pirámide, mirando hacia estas enormes plataformas que se maniobraban y pensé: '¿[De quién] fue esta idea?' ¡Y era mío!" [10]
Antes de dirigir escenas de lucha con efectos visuales, Wright consultó con directores amigos con más experiencia, incluidos Quentin Tarantino , Guillermo del Toro y Sam Raimi . [10]
La secuencia del título de apertura fue diseñada por Richard Kenworthy de Shynola y se inspiró en la animación dibujada en una película . La secuencia también comienza con una versión de 8 bits del título y la música de Universal, que Art of the Title llama el " amuse-bouche " de la película y que fue diseñado por Oscar Wright. [15] [84]
Oscar Wright dice que la idea del logotipo Universal de 8 bits fue una decisión temprana en la producción, y que lo trató "como un FMV de baja resolución y baja velocidad de fotogramas que podrías encontrar al comienzo de algunos de esos juegos" desde el principio. . [84] La creación del título implicó separar las letras de 'Universal' y hacerlas aparecer pixeladas, usando un gráfico de globo giratorio a juego de los animadores de la película VooDooDog, y reduciendo la velocidad de fotogramas a cuatro segundos (en lugar de uno) para que apareciera " paso a paso"; También se agregó una versión de 8 bits de la música que lo acompaña, que, según Oscar Wright, "realmente cierra el trato". [84]
A Edgar Wright se le ocurrió la idea de tener la secuencia de Quentin Tarantino después de proyectarle una primera versión de la película. Tarantino le dijo que la película "necesitaba una secuencia de título al principio para permitir que la gente se acomodara y diera más pistas sobre lo que estábamos a punto de ver". [85] La secuencia de apertura original tenía el título de la película mostrado sobre la larga toma de la banda de la sala de estar que viene antes de la secuencia del título, que Edgar Wright dijo que fue una de las primeras escenas en tener un guión gráfico, con los créditos del elenco al final de la película. . [84] Después de una primera maqueta de la secuencia del título en AVID , se acercaron a Shynola para crearla, [85] ya que los artistas gráficos de la película (Oscar Wright y Double Negative ) estaban demasiado ocupados con los otros efectos de la película en este momento. producción y Edgar Wright estaba familiarizado con su trabajo. [84]
Edgar Wright describió la animación AVID , un boceto de animación en blanco y negro con gráficos de forma de onda , como "dando a la película más sentido de ocasión y una ruptura muy distinta entre el prólogo y la primera escena que hace avanzar la historia". ". [84] En esta etapa, también habían elegido la "canción de la banda sonora más ruidosa" de Beck para reproducirla sobre la secuencia del título. [84]
Kenworthy habló de sus referencias para el diseño: [84]
No se puede estudiar animación y no conocer bien a Len Lye , Oskar Fischinger , Stan Brakhage y Norman McLaren . Volvimos y volvimos a ver esas películas y todavía estaban llenas de vida. Nos emocionó proyectar imágenes tan vívidas en la pantalla grande, frente a una audiencia que probablemente no había experimentado ese trabajo.
Shynola también recibió una selección de referencias de Edgar Wright, quien describió el breve como " 2001 se encuentra con Barrio Sésamo " y les mostró la secuencia del título de Faster, Pussycat! ¡Matar! ¡Matar! , que utilizaba pistas ópticas dibujadas . [84] Al igual que con la animación tradicional dibujada en película, Kenworthy trazó y pintó las imágenes. [84] Wright también proporcionó referencias musicales, diciendo que "querían visualizar la música y tener cada gráfico, símbolo e imagen subliminal al mismo tiempo que la música: un aluvión hipnótico de color, luz y música. La idea era "Lo tengo como si la animación fuera una manifestación de lo genial que es la música en la cabeza de Knives. Es por eso que [ellos] terminan la secuencia mientras ella mira, los títulos son como si su cerebro explotara con lo genial que es la pista". [84]
El escrito también solicitaba que la secuencia de apertura no utilizara ninguna obra de arte del cómic, para no estropear la película, por lo que Kenworthy lanzó "una pelea ocular epiléptica de 8 bits" y creó una película ambiental utilizando patrones geométricos y efectos visuales del manga; Edgar Wright solicitó que tuviera referencias a videojuegos menos evidentes. [84] Shynola luego trabajó con el concepto musical, y Kenworthy dijo que "lograron hacer una representación visual del sonido [de Sex Bob-omb] ligeramente amateur, crudo y estilo garage. Algo que tuviera la sensación de una presentación en vivo. La película scratch, vivaz, colorida y directa parecía encajar perfectamente". [84] Trabajando más con Edgar Wright, eligieron tener una representación visual de cada personaje y tachar el número apropiado de marcas 'X' para los actores que interpretaron a cada uno de los malvados ex. [84]
Como la película estaba a punto de terminar, Shynola tenía poco tiempo para terminar la secuencia del título, por lo que al principio trabajaron en sincronizar la secuencia y la música digitalmente, visualizando los ajustes finales antes de raspar en hojas de película de acetato . De cada lámina de acetato se produjo un segundo de metraje. [84] Kenworthy dijo que después de producir las imágenes, "pateaban deliberadamente [cada hoja] por el suelo un poco para recoger mucha suciedad, rayones y pelos". [84]
Imprimir la secuencia implicó colocar cada hoja en un escáner de negativos de alta resolución y cortarla en fotogramas individuales antes de imprimirla en una película de 35 mm . También hubo dificultades con la impresión en color, ya que la mayoría de los colores que querían utilizar eran "ilegales". [84] Durante el proceso de impresión, Kenworthy agregó partes de una película borrador que había hecho en la universidad, que había utilizado al escanear para verificar la precisión del color. [84]
ComicsAlliance llama a la secuencia del título "sólo la primera de una serie memorable de combinaciones perfectas de gráficos, películas y animación que traducen maravillosamente el espíritu de las novelas gráficas de Bryan Lee O'Malley a la pantalla". [86] Art of the Title describe la secuencia como "napalm visual", [84] y Bleeding Cool dice que es "bastante maravillosa". [87] Jade Budowski de Decider escribe que "con su rápida escena introductoria y la vibrante secuencia de título animada resultante, [la película] no pierde el tiempo en absorberte en [su] mundo". [88]
La película incluye varios huevos de pascua alusivos a los cómics o de presagio . Fleischer señaló que aunque el cómic y la película tienen el apartamento de Scott y Wallace en 65A Albert Avenue (filmado en 65 Alberta Avenue), hay una referencia al antiguo apartamento de O'Malley en 27 Alberta Avenue como la dirección en el recibo de entrega de Amazon que Scott firma. . [37] Fleischer también señala la 'L' parpadeante en un letrero del Flight Center en Manning Avenue, que, según él, es una advertencia de que está a punto de ocurrir una pelea. [37] Wright dijo, antes de que saliera la película, que una camiseta de Plumtree , la banda que originó el nombre 'Scott Pilgrim', aparecería en la película. [48] Otras camisetas que usa Scott incluyen una para The Smashing Pumpkins , una banda que comparte sus iniciales; [82] uno con el logo del bajo de la serie de juegos Rock Band ; [89] y uno que hace referencia a los Cuatro Fantásticos , que usa después de derrotar a Lucas, interpretado por Evans, quien en ese momento era mejor conocido por su papel de la Antorcha Humana en las películas de Los Cuatro Fantásticos . [81] Las camisetas cambiantes de Scott a menudo coinciden con el color cambiante del cabello de Ramona a lo largo de la película. [82]
También hay referencias a otros medios, particularmente juegos y cómics, con James Hunt de Den of Geek compilando una lista de varios, incluido el parche de X-Men de Scott visto mientras se lo arranca del abrigo; la Trifuerza de Legend of Zelda representada por las iniciales de Gideon en la película y la secuencia del título (que se muestra arriba) y Nega-Scott, inspirado en Dark Link ; La banda de Envy lleva el nombre del juego de 1990 The Clash at Demonhead (así como The Clash ); Kim vistiéndose al estilo gótico japonés de Lolita para la batalla final como cuestión de humor; la escena que fue filmada, interpretada y editada enteramente como un episodio de Seinfeld ; y usando la frase "este es un juego de liga" de El gran Lebowski . [81] /La película señala que los vidrios rotos en cámara lenta que caen y reflejan a Ramona y Roxy mientras pelean se asemejan a la pantalla de selección de personajes de Street Fighter , y que el trabajo forzado del Chaos Theatre y Sex Bob-omb es una referencia a EarthBound . [90]
Al igual que The Clash at Demonhead, los nombres de otras bandas hacen referencia a videojuegos: Sex Bob-omb a los Bob-ombs en los juegos de la franquicia Mario, y Crash and the Boys a un juego llamado Crash 'n' the Boys: Street Challenge . Según la actriz Larson, The Clash at Demonhead fue el primer juego que tuvo el autor de cómics O'Malley. [82]
Scott tocando la línea de bajo de lo que él llama " Final Fantasy II " también se considera un huevo de pascua; toca la línea de bajo del juego Final Fantasy IV , pero este juego fue lanzado como Final Fantasy II fuera de Japón en la década de 1990 porque la segunda y tercera entrega no se habían lanzado internacionalmente en ese momento. [82]
En su discusión sobre la adaptación, Zeitlin Wu señala que en la novela gráfica, la cuarta pelea (Scott vs. Roxy Richter) fue una recreación cuadro por cuadro de la introducción a Ninja Gaiden , y en la película, este mismo cuadro por cuadro. La nueva versión del cuadro se utiliza como introducción de la pelea final contra Gideon. [15]
Un panel de Scott Pilgrim contra el mundo se presentó en el Salón H [91] de la Comic-Con Internacional de San Diego el 22 de julio de 2010; Después del panel, Wright invitó a miembros seleccionados de la audiencia a una proyección de la película, seguida de una interpretación de "Black Sheep" de Metric. [92] [93] La película luego se proyectó en el Festival Fantasia en Montreal el 27 de julio de 2010, [94] y también se presentó en Movie-Con III en Londres el 15 de agosto de 2010. [95] Se estrenó formalmente en Canadá en Toronto el 13 de agosto de 2010; Plumtree, que se había separado años antes, volvió a estar juntos para un espectáculo en el evento. [18] [96]
La película se estrenó ampliamente en Norteamérica el 13 de agosto de 2010 y se estrenó en 2.818 salas. [32] [97] Terminó quinto en su primer fin de semana de lanzamiento con un total de $ 10,5 millones ($ 14,1 millones cuando se ajusta a la inflación), [32] [98] [33] y en su segundo fin de semana de lanzamiento había caído al último lugar entre los diez primeros. [99] El Wall Street Journal describió esto como "decepcionante", [98] y Ben Fritz de Los Angeles Times dijo que la película parecía ser una "gran decepción financiera". [100] Universal reconoció su decepción por las ganancias del primer fin de semana, diciendo que habían "sido conscientes de los desafíos de ampliar esta película a una audiencia mayoritaria"; Independientemente, el portavoz del estudio dijo que Universal estaba "orgulloso de esta película y de nuestra relación con el visionario y creativo cineasta Edgar Wright [...] [Wright] ha creado una película verdaderamente única que va más allá de los límites y cambia el género y, cuando se examina en profundidad La carretera será identificada como una pieza importante del cine". [33]
En el Reino Unido, la película se estrenó en Leicester Square (el Odeon ) el 19 de agosto de 2010, antes de estrenarse el 25 de agosto [73] en 408 cines, quedando en segundo lugar en su primer fin de semana con £1,6 millones. [101] En Italia, tuvo proyecciones nocturnas en los cines durante una semana antes de pasar a las franjas horarias de la tarde; Un académico ha sugerido que el "plan de marketing defectuoso" que la enmarcaba como una película para niños fue la razón de su pobre desempeño en taquilla. [102] En Japón, la película se estrenó durante el Festival Internacional de Cine Fantástico de Yubari el 26 de febrero de 2011, como selección oficial. Fue divulgado al resto del país el 29 de abril de 2011. [103] [104]
Cuando Universal Pictures inició el ciclo de promoción de Scott Pilgrim Vs. El mundo claramente no sabía qué ángulo empujar. Para ser justos, la película tiene muchas cosas que hacer.
– Nina Corcoran, Stereogum [13]Hablaré por mí y no por el estudio. Pero, para mí, tener a alguien como Edgar [Wright] con un proyecto como Scott Pilgrim y saber cuál iba a ser su visión, tanto sonora como visualmente, fue súper emocionante. Es lo que entusiasma mucho a un especialista en marketing: hacer algo original y audaz y, según creo, adelantado a su tiempo.
– Michael Moses, ex copresidente de marketing de Universal Pictures [105]
El 25 de marzo de 2010, se lanzó el primer avance . [106] Un segundo tráiler con música de The Ting Tings , LCD Soundsystem , Be Your Own Pet , Cornelius , Blood Red Shoes y The Prodigy se lanzó el 31 de mayo de 2010. [107] En agosto de 2010, se lanzó un tráiler interactivo. , y los espectadores pueden hacer clic en puntos del vídeo para ver datos de producción. [108] El cartel teatral, señalado en el libro de Liam Burke, "reflejaba la imagen inicial de la novela gráfica", como una señal de sus orígenes; Burke dice que la campaña de marketing de la película fue "típica de la estrategia de atraer a los fans y construir una audiencia central con material promocional que muestre la continuidad del cómic". [109]
Cera afirmó que sentía que la película era "difícil de vender" y que no "sabía cómo transmitir esa película en una campaña de marketing. [Podía] ver que era algo que la gente tarda en descubrir". [110] Se ha culpado al mal marketing por la falta de éxito de taquilla de la película, especialmente en comparación con su recepción crítica positiva y su popularidad. [13]
En los MTV Movie Awards 2010 en junio, se lanzó el primer clip de la película, en el que Scott se enfrenta a Lucas Lee en la batalla. [54] En esta proyección, Pill reveló que la relación pasada de Kim y Scott sería explorada en otros medios, diciendo que "habrá algo que se transmitirá en Adult Swim ". [111] El corto animado Scott Pilgrim vs. the Animation , producido por Titmouse Inc. , adapta el prólogo inicial del segundo libro de Scott Pilgrim y se emitió en Adult Swim el 12 de agosto de 2010, un día antes del estreno de la película en cines. , que luego se publicó en su sitio web. [112]
También relacionado con el lanzamiento de la película hubo un videojuego basado parcialmente en ella, Scott Pilgrim vs. the World: The Game . El juego fue lanzado para PlayStation Network el 10 de agosto de 2010 y en Xbox Live Arcade el 25 de agosto, recibiendo críticas en su mayoría positivas. [113] [114] El 14 de enero de 2021 se lanzó una reedición del juego titulado Scott Pilgrim vs. the World: The Game - Complete Edition , que incluye el juego principal y contenido descargable centrado en Knives y Wallace. [115] El juego es publicado por Ubisoft y desarrollado por Ubisoft Montreal y Ubisoft Chengdu, con animación de Paul Robertson y música original de Anamanaguchi . [116] [117]
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El panel de la Comic-Con de San Diego fue un evento popular, y Winstead reflexionó que "en la Comic-Con parecía que era la película más importante de todos los tiempos". [52] Tres de los miembros del reparto – Evans, Simmons y Larson – no estaban en el panel de la Comic-Con; Los frecuentes colaboradores de Edgar Wright, Simon Pegg y Nick Frost , hicieron breves apariciones, y Wright bromeó acerca de que no estarían en esta película. [91] Cera se vistió como el Capitán América en el panel, en referencia a la ausencia de Evans debido a compromisos para Capitán América: El primer vengador . [91] La Comic-Con de 2010 fue la primera vez que utilizó envoltorios de hoteles gigantes para anunciarse, que se pueden ver desde los aviones aterrizando; Scott Pilgrim vs. Comic-Con cerró el Hilton Bayfront para el evento. Fuera del salón de convenciones también se celebró la feria 'Scott Pilgrim Experience', que incluía productos y abundante pan de ajo gratis. [118]
Scott Pilgrim vs. the World se lanzó en DVD y Blu-ray en Norteamérica el 9 de noviembre de 2010, [119] y en el Reino Unido el 27 de diciembre de 2010. [120]
Las características del DVD incluyen cuatro comentarios de audio (del director Wright, el coguionista Bacall y el autor O'Malley; Wright y el director de fotografía Pope; Cera, Schwartzman, Winstead, Wong y Routh; y Kendrick, Plaza, Culkin y Webber). ); 21 escenas eliminadas, extendidas y alternativas , incluido el final original (donde Scott termina con Knives), con comentarios; errores ; galerías de fotos; y una pista de subtítulos de trivia. [79]
El lanzamiento en Blu-ray incluye todas las funciones del DVD, además de otras características especiales, que incluyen metraje alternativo, seis largometrajes , blogs de producción, Scott Pilgrim vs. the Animation , avances y anuncios de televisión, y guiones gráficos de imagen en imagen, así como un DVD. y una copia digital de la película. [79] [121] El disco Blu-ray "Ultimate Japan Version" incluye una pista de comentarios que presenta a Wright y Shinya Arino . También incluye imágenes de la gira publicitaria de Wright y Cera por Japón y una mesa redonda con el crítico de cine japonés Tomohiro Machiyama. Fue lanzado el 2 de septiembre de 2011. [122]
En su primera semana de lanzamiento en Estados Unidos, el DVD vendió 190.217 copias, generando 3.422.004 dólares de ingresos, y en 2011 la película había ganado 27.349.933 dólares por ventas de medios domésticos en Estados Unidos; había recaudado más de $ 29 millones hasta 2018. [3] Alcanzó la cima de las listas de Blu-ray del Reino Unido en su primera semana de lanzamiento. [123]
Simon Abrams revisó los lanzamientos de DVD y Blu-ray y escribió que la calidad de imagen del DVD es buena y que "realmente no podrías notar que hay algo mal" a menos que hayas visto la versión Blu-ray, que tiene calidad de cine. . [124] Agrega que "la mezcla de audio rica en capas es, sin embargo, tan excelente en el [DVD] como en la edición Blu-ray [y] la pista en inglés envolvente 5.1 replica perfectamente la forma en que sonó la película cuando se estrenó. fue estrenada en cines." [124] Abrams señaló que algunas de las características adicionales no son particularmente interesantes, pero que los comentarios de audio en particular eran entretenidos e informativos. [124]
La película recibió una amplia cobertura, una reunión y un relanzamiento planificado para su décimo aniversario en 2020. [125] [126] Sarah El-Mahmoud de CinemaBlend escribió que estaban viendo "tanto contenido de Scott Pilgrim, debe ser un ¡Clásico moderno o algo así!", antes de reconocer su estatus mejorado después de la decepcionante taquilla, [125] y Mashable dijo que "durante la última década, Scott Pilgrim ha disfrutado de admiración y prominencia más allá de los sueños más locos de sus competidores de taquilla. ". [126] Entertainment Weekly creó una cobertura retrospectiva para el aniversario, incluida la entrevista a varias estrellas y personas involucradas en la producción de la película. Wright dijo en el artículo que está "increíblemente orgulloso de la película. El hecho de que no estés haciendo un artículo sobre el décimo aniversario de The Expendables lo dice todo". [52]
En mayo de 2020, Wright anunció planes para proyectar la película nuevamente en los cines para su décimo aniversario, algún tiempo después de la pandemia de COVID-19 . [127] El relanzamiento será 4K [31] y en asociación con Dolby Cinema , [128] y estaba planeado para agosto de 2020, pero se retrasó indefinidamente debido a la pandemia. [129] En agosto de 2020, Odeon Cinemas reveló que le daría al relanzamiento un estreno amplio en todas sus ubicaciones en el Reino Unido a partir del 21 de agosto de 2020. [130] El elenco de la película también se reunió de forma remota en mayo de 2020 para grabar a Scott. Pilgrim Vs the World Water Crisis , un vídeo de lectura completa del guión para recaudar fondos para la organización benéfica Water For People . [131] [132] A principios de año, Cera y Pill habían sugerido por separado que se estaba planeando una reunión y un relanzamiento para el aniversario. [133] Screen Rant señaló que, dado que la película se volvió mucho más popular después de su lanzamiento inicial, podría convertirse en un éxito teatral mayor que en 2010. [129]
El relanzamiento teatral se reprogramó posteriormente para los cines Dolby Cinema de América del Norte para el 30 de abril de 2021 y la semana siguiente. Además, Wright anunció que un lanzamiento en Ultra HD Blu-ray de la película seguiría al relanzamiento en cines, pero no dio una fecha estimada de lanzamiento. [134]
El 20 y 21 de mayo de 2020 (según la zona horaria), la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas organizó una fiesta para ver la película. [128] [135] Durante la transmisión en vivo , Wright hizo un comentario con trivia sobre la película y varios miembros del elenco, incluidos Evans, Plaza, Whitman, Routh, Larson, Wong y Webber, se unieron a él en diferentes puntos para agregar los suyos. . [31] [127] [136] Collider señaló que la disponibilidad de gran parte del elenco, invitado a participar por la Academia, puede haber sido posible gracias a los cierres pandémicos. [136]
El video de Scott Pilgrim Vs the World Water Crisis se estrenó en EW.com y el canal de YouTube de Entertainment Weekly a la 1:00 p.m. EDT el 20 de julio de 2020. [131] [132] [137] La mayoría del elenco principal estuvo presente; Evans pareció leer su parte pero estuvo ausente durante la mayor parte del video, mientras que Larson, Simmons y Culkin no aparecieron y sus partes fueron leídas por Kendrick, Bhabha y el guionista Bacall respectivamente. A lo largo de la transmisión, O'Malley, quien también apareció junto con Wright, dibujó imágenes de personajes como premios por donaciones a Water For People. Cera recreó el boceto de Ramona que Scott le muestra a Comeau en la película para regalar también. [138]
La narración transmedia consiste esencialmente en ofrecer una narrativa utilizando una combinación de diferentes técnicas creativas. Scott Pilgrim vs. the World incluye pequeños detalles de sonidos, imágenes y subtítulos en pantalla poco realistas. Estos no funcionarían en cualquier película, incluidas otras adaptaciones de cómics. Estas adiciones son las que hacen de Scott Pilgrim una verdadera adaptación de un cómic. Incluso si nunca has oído hablar del material original, podrás sentir las influencias del cómic.
– Meghan Hale, Años cómicos [46]
Se ha discutido ampliamente que Scott Pilgrim contra el mundo invoca una narrativa transmedia , utilizando la plataforma de novela gráfica y las convenciones de videojuegos y cómics, dentro de la película. [15] [139] [140] [141] John Bodner explica que "la película se convierte en una adaptación de un texto que es, en muchos sentidos, una adaptación cultural que llama la atención sobre su propio material fuente en su empleo abierto de muchas técnicas". derivado de la estética del cómic". [140] Zeitlin Wu escribe cómo la película "[rinde] homenaje a los cómics, los videojuegos y las superposiciones entre los dos", y señala que su proceso de adaptación es único en la forma en que ha hecho una película de cómics que no es realista. , manteniéndose fiel a la forma original. [15] En su capítulo, "Pequeños textos preciosos de Scott Pilgrim: adaptación, forma y cocreación transmedia", Bodner señala varios elementos que crean la película como transmedial, describiendo sus referencias al cómic y los videojuegos. [14]
Bodner, Zeitlin Wu y Burke también señalan que Wright, con la película, se convirtió en uno de los únicos directores desde la década de 1960 en utilizar, en palabras de Bodner, "el cuadro de comentarios, las marcas (líneas de acción) y el texto de onomatopeyas como efectos de sonido". en una obra fílmica, utilizando tales técnicas tanto de manera convencional (etiquetando tiempo y lugar) como no convencional para el medio. [14] Burke describe el uso como "autorreflexivo". [109] Zeitlin Wu dice que "a diferencia del Batman de la década de 1960 , el uso de la onomatopeya visual en Scott Pilgrim fusiona a la perfección la realidad y la ilusión, lo que parece adecuado para una historia en la que las dos son indistinguibles", utilizando las palabras del cómic dentro de la película como parte de la historia y no junto a ella. [15]
En el uso poco convencional, Wright altera el realismo y la diégesis de la película con marcadores de cómic. Bodner da ejemplos de: el "[texto gráfico] 'a b o u tt oe xp l o d e' que aparece cuando un Scott agitado entra a la fiesta posterior" que "[prefigura] una pelea (no física) con Ramona" como una forma de etiqueta que "externaliza perspectivas subjetivas"; el uso de la típica voz irónica del autor de O'Malley que aparece cuando un cuadro de comentarios "parece útil informar [a la audiencia]" que Todd, después de decir aparentemente retóricamente que no conoce el significado de incorregible, "realmente no" conoce el significado; y el uso de gráficos de texto de onomatopeyas como efectos de sonido. [14] Zeitlin Wu señala que la película "es una de las únicas adaptaciones que incorpora texto de tal manera que transmite la construcción híbrida texto/imagen de los cómics en forma cinematográfica, llevando su transmedialidad al siguiente nivel", y en última instancia desestabiliza la forma formal. límites. [15]
Con respecto a la onomatopeya utilizada, Bodner señala que solo una vez ese texto como gráfico reemplaza realmente un efecto de sonido (el cabello de Todd desinflándose, junto con la palabra "SAG"), y los otros 40 casos aproximadamente tienen tanto el sonido como la onomatopeya que lo representa. . [14] Se dice que la función de la técnica del cómic en estos casos es un acto de desnaturalización de la forma cinematográfica y, según Robert S. Peterson, "ralentizar al lector y crear mayor profundidad visual y textura en la escena". [14] Zeitlin Wu, en cambio, sugiere que esto se hizo para incorporar aún más la naturaleza del cómic en la forma cinematográfica, con sonido e imagen perfectamente sincronizados, diciendo que "el resultado es una síntesis ilusionista de imagen, texto y sonido en la que las palabras tienen su propia materialidad. Cada fuente parece tener su propia personalidad y sustancia; 'DING DONG' se disuelve efímeramente, mientras que las letras en 'BLAM!' caen rápidamente fuera del cuadro uno por uno, como una fila de fichas de dominó". [15] Bodner añade que las marcas utilizadas en la película ilustran tanto el sonido como la línea de los ojos, cosas que se pueden mostrar en la película sin marcas, y por lo tanto también se utilizan para desnaturalizar las escenas en las que aparecen. [14] Burke escribe más sobre el uso de efectos de sonido escritos, diciendo que "hay áreas en las que el sonido visualizado de los cómics triunfa sobre la banda sonora del cine", interactuando con Robert C. Harvey para estar de acuerdo en que "la palabra y la imagen pueden combinarse para revelar la alegre bravuconería del héroe incluso en medio de acción atronadora". [109]
Otra técnica que Bodner describe como que le da a la película su lectura posmoderna [140] es cómo Wright parece alterar la forma de la película para reflejar elementos inherentes a las secuencias de los cómics, específicamente que "[Wright] [cita] consistente pero juiciosamente el contenido del panel a lo largo de la película. – generalmente [...] utilizando la ilusión de estasis en el cine para reflejar la ilusión de movimiento en los cómics". [14] En términos de forma, Bodner escribe que Wright transcodifica la "construcción de paneles cómicos" en la película; El propio Wright ha dicho que "mucha gente ha mencionado [...] cómo se siente leer un cómic", [14] un sentimiento del que se hace eco Zeitlin Wu. [15] Bodner sugiere que esto se crea mediante técnicas de transición , y que las técnicas que producen esto son las propias de Wright, basándose en su trabajo en Shaun of the Dead y Hot Fuzz , y agrega que funcionan "replicando al compañero [del panel] - la ' canaleta '." [14] Se dice que Wright recrea este elemento del espacio exterior en los cómics en forma cinematográfica haciendo "cortes que son extremadamente rápidos o que se abren en tomas que desplazan la lógica temporal convencional ( edición anticontinuidad ), o con cortes que utilizan un espacio intencionalmente apenas efecto de barrido visible ", [14] y mediante el uso de "apagones, que funcionan como breves momentos de espacio muerto" entre determinados fotogramas. [15]
Al analizar la traducción del cómic en su escrito sobre el proceso de adaptación de la película, Zeitlin Wu señala que "muchos guiones gráficos [para la película] fueron tomados directamente de los cómics", diciendo que un método para superar el tiempo-espacial y el ilustrativo-representativo Las diferencias entre los medios de novela gráfica y película es combinar el panel de cómic y la cuadrícula del guión gráfico. [15] En Scott Pilgrim vs. the World , escribe que las secuencias del guión gráfico del panel cómico "transmiten una sensación de fragmentación, en lugar de la ilusión habitual de continuidad cinematográfica" y que "el uso más efectivo de los cómics como guión gráfico es en el guión gráfico de Scott". secuencias de sueños, que facilitan sus encuentros con Ramona mientras ella viaja a través del 'subespacio'". [15] En la primera de las secuencias del sueño , "Wright mantiene la fragmentación del medio del cómic al conservar las divisiones entre los paneles originales: la pantalla se vuelve negra después de cada fotograma, un intento de imitar la experiencia simultáneamente diacrónica y sincrónica de la lectura. historietas". [15] En otro ejemplo de uso de paneles de película, Bodner señala que el cuadro estático muestra a Scott frente a la computadora ordenando un paquete, la siguiente toma es de Wallace y la siguiente de Scott sentado frente a la puerta, esperando; Bodner explica que la temporalidad de estas imágenes en la pantalla no es naturalista y que representan mejor paneles cómicos donde el lector puede deducir la temporalidad. Añade que, a modo de pastiche , esta escena cumple una doble función: presagiar el realismo mágico que aparecerá. [14]
De manera similar, hay dos escenas ("la primera batalla de las bandas y el 'grind' de Lucas Lee por la barandilla") donde Wright utiliza ruido a alto volumen para recrear la forma silenciosa de los cómics, como en un En la película, el volumen ahoga cualquier otro sonido y requiere el uso de texto de la misma manera que lo hace el cómic puramente visual. [14] Burke también señala el beneficio del texto visual cuando el sonido sería "silenciado por el ruido ambiental", y cómo (otras) "adaptaciones cinematográficas a menudo enmudecen a los personajes más locuaces de los cómics". [109]
En su capítulo "Tell It Like a Game: Scott Pilgrim and Performative Media Rivalry", Jeff Thoss escribe sobre las diversas señales transmediales, diciendo que "la película intenta superar la serie de cómics en su emulación de características de videojuegos tanto en el nivel del mundo narrativo y en el nivel de su representación, pero como ninguna de estas dos obras sale victoriosa, su supuesta rivalidad aparece menos como una competencia real que como una forma de iluminar las posibilidades y limitaciones narrativas específicas de los cómics, las películas y los cómics. juegos de computadora". [139] Basándose en Thoss, Fehrle examina la remediación ( Bolter y Grusin ), o el uso de la imitación, de significantes de videojuegos. Mirando particularmente la pelea entre Scott y Matthew Patel, escribe que "no sólo existe [la] remediación de las peleas arcade y los videojuegos beat 'em up, [...] sino también una estética televisiva [...] como así como una obra de teatro con algunos géneros cinematográficos icónicos [...] y, finalmente, un fuerte vínculo con el teatro como quinto medio añadido a la mezcla cuando vemos a Ramona en un balcón shakesperiano colocado en el centro de un foco extremadamente conspicuo". [141] Continúa analizando técnicamente la escena observando la pantalla dividida ; Fehrle primero ve la técnica como "más recientemente asociada principalmente con la estética de la televisión de MTV de los años 1990", señalando que es "una técnica de edición 'antinatural', que pone en primer plano la medialidad de la película al hacer visible el impacto de un editor, un papel que en el sistema de edición de continuidad dominante se considera que debe mantenerse oculto". [141] Fehrle describe el resto de la secuencia que presenta a Matthew Patel como una parodia de videos musicales, incluido el "taqué, que se destaca por el encuadre de la cámara solo de sus pies, así como su deliberadamente sobreactuada Fiebre del sábado por la noche - pose inspirada", al tiempo que menciona su "disparo de duelo a través de las piernas" inspirado en el Spaghetti Western . [141]
Sin embargo, también se une a Zeitlin Wu al describirlo como un elemento de cómic y videojuego, [15] [141] y destaca también la "fuerte espacialidad del medio de los cómics a través de su diseño de panel" representado en la película, especialmente el "canalón negro". como una división entre los tres 'paneles'" de la escena. [141] Fehrle agregó además que su videojuego referente para la pantalla dividida es el de los "modos multijugador de los videojuegos de consola", con otros elementos del videojuego que informan la secuencia, incluido "un sonido 'bling' arcade de 8 bits que se reproduce cuando aterriza Patel. [,] así como el eco excesivo y el ligero retraso en la voz de Wallace mientras grita 'pelea', [y] texto superpuesto [...] que yuxtapone dramáticamente a los oponentes, instruye al jugador qué hacer o explica la (salud o energía) estado de los personajes o ayuda a los jugadores a interpretar lo que está sucediendo". [141] Agrega que una remediación más obvia de los cómics se ve en los dibujos de novelas gráficas tipo O'Malley que parecen ilustrar la historia de fondo de Ramona y Matthew. A partir de esta multitud de referentes, Fehrle califica la película y la franquicia de Scott Pilgrim como " hipermediadas ". [141]
La secuencia que sigue a la ruptura de Scott con Knives se analiza de diferentes maneras. María J. Ortiz analiza la puesta en escena y el significado narrativo de la escena, y escribe que cuando Scott "le dice [a Knifes] que quiere romper la relación, la siguiente toma de ella es contra un fondo oscuro sin una razón realista". " y así introduce metáforas que informan la historia: "lo bueno es brillante/lo malo es oscuro" y que "el cambio de fondo [es] una metáfora del cambio producido en el estado de la relación", resultando en la idea de que un mal El cambio es literalmente un lugar oscuro aquí. [142] Bodner analiza la transmedialidad del encuadre utilizado cuando Scott se aleja, coincidiendo con la novela gráfica, con un árbol y un tranvía enmarcando el encuadre para introducir una soledad de Scott y Knives, particularmente con una cámara estática que representa el panel. En la película, esto es seguido por personajes que pasan frente a Scott para conducir a una toallita, lo que Bodner dice "es común en la película y actúa como la línea entintada que forma el borde del panel". [14]
El agregador de reseñas Rotten Tomatoes informa que el 82% de las 273 críticas de la película son positivas, con una calificación promedio de 7,50/10. El consenso del sitio web dice: "Puede que su guión no sea tan deslumbrante como sus impresionantes imágenes, pero Scott Pilgrim vs. the World es rápido, divertido e inventivo". [143] Según Metacritic , que tomó una muestra de 38 reseñas y calculó una puntuación promedio de 69 sobre 100, la película recibió una respuesta "generalmente favorable". [144] El público encuestado por CinemaScore le dio a la película una calificación de "A-" en una escala de A a F. [145]
Peter Debruge de Variety le dio a la película una crítica mixta, refiriéndose a ella como "un ejemplo de cine con déficit de atención en su forma más fina y frustrante", diciendo que era económica con su narración e incorporaba con éxito las muchas escenas de grandes peleas. pero perdió oportunidades para construir la relación de Scott y Ramona. [146] David Edelstein de la revista New York también escribió una crítica mixta, coincidiendo en que Scott "difícilmente parece digno de la Ramona de Winstead" y diciendo que pensaba que "el desfile de ex supervillanos [...] es como una marcha forzada; [Él] sintió que ya estaba harto de las peleas y que todavía quedaban cinco ex". [147] Michael Phillips dio una crítica generalmente positiva, pero estuvo de acuerdo en que el número de peleas frena la película y escribió que "Siete suena como mucho. De hecho, son dos o tres de más". [148] Kirk Honeycutt de The Hollywood Reporter escribió una crítica en gran medida negativa, encontrando la película "una película desalentadoramente floja en la que no hay nada en juego. Un personaje puede 'morir', luego simplemente rebobinar el video y volver a la vida. O cambiar su Piensa en su verdadero amor y luego vuelve a cambiarlo. La batalla de Scott Pilgrim no es contra el mundo; es contra una brújula moral errática". [149] Cindy White de IGN dio una crítica positiva, elogiando ampliamente a Wright y el estilo de la película, aunque mencionó que "la mitad se arrastra un poco y el final no es todo lo que [ella] esperaba que fuera". [150]
AO Scott , quien hizo de la película una "selección de los críticos" del New York Times , también la revisó positivamente, sugiriendo que era "la mejor película de videojuegos de todos los tiempos". [151] Nick Schager de Slant Magazine también le dio a la película una crítica positiva, otorgándole 3,5 estrellas de 4, [152] y su colega Simon Abrams la calificó como "la película producida en estudio más emocionante visualmente, divertida y emocionalmente envolvente de la historia". el año" y otorgándole 4 estrellas sobre 5 en su reseña del DVD. [124]
Debruge elogió al elenco y las habilidades de dirección de Wright que hacen que cada uno de los muchos personajes sea distintivo. Sin embargo, criticó la actuación de Cera, diciendo que "su ritmo cómico es impecable, [pero] finalmente ha interpretado al marchito alhelí demasiadas veces". [146] Edelstein encontró que el mayor problema de la película era la actuación de Cera, diciendo que "un protagonista diferente podría haberte hecho reír y participar. Cera no cobra vida en las escenas de lucha como lo hace Stephen Chow en [...] surrealista". comedias de artes marciales [como] Kung Fu Hustle ", [147] con Honeycutt analizando la narración y determinando que "Cera no ofrece una actuación que ancle las tonterías" de la película. [149] Por el contrario, AO Scott escribió que "de alguna manera [Cera y Winstead] hacen que funcione" al vender la relación sin ser un cliché, [151] y Abrams dijo que los actores "nunca se habían visto tan bien, especialmente Cera", señalando que "[su] actuación es conscientemente afectada y ensimismada a lo largo de las escenas que representan las incómodas citas de Scott y Knives", ya que la película resalta deliberadamente el narcisismo inicial de Scott. [124] La frase de Cera en particular "Estaba pensando que deberíamos separarnos, o lo que sea" ha sido calificada como divertida [147] y torpemente realista. [148] White escribió que los actores que interpretan a los ex de Ramona "todos [parecen] divertirse mucho en sus escenas". [150] Brie Larson y Kieran Culkin han sido descritos frecuentemente como los ladrones de escenas de la película por sus actuaciones como la ex de Scott, la estrella de rock Envy Adams, y el compañero de cuarto de Scott, el sarcástico Wallace Wells. [10] [146] [153] [154] [155] [156] Chris Evans y Brandon Routh también han sido llamados ladrones de escenas en algunas críticas. [157] [158] [159]
Como aspecto negativo, Debruge añadió que "cualquier persona mayor de 25 años probablemente encontrará [la película] agotadora, como hacer de acompañante en una fiesta llena de universitarios con exceso de sexo", [ 146] comentarios de los que se hizo eco Honeycutt, quien calificó la película de "juvenil" y pensó que "parece poco probable una audiencia más amplia entre espectadores mayores o internacionales". [149] White le dio a la película una calificación positiva de 8/10, diciendo que es "más adecuada para la generación cableada y aquellos de nosotros que crecimos con Nintendo y MTV . Su naturaleza cinética y sus peculiares sensibilidades podrían ser un desvío para algunos". " [150] Scott también encontró atractivos los elementos juveniles y escribió que "hay algunas películas sobre la juventud que simplemente te hacen sentir viejo, incluso si no lo eres [pero] Scott Pilgrim vs. the World tiene el efecto opuesto. Es rápido, El espíritu divertido, feliz y triste es tan contagioso que la película te hace sentir como en casa en su mundo, incluso si el paisaje es, a primera vista, desconocido". [151] Abrams abrió su reseña lamentando que "lo triste de Scott Pilgrim vs. the World es que la gente asumió que debido a que abrazaba los intereses demográficos orientados a su nicho, en su campaña publicitaria y en su contenido, estaba destinado a ser un culto". estatus y nada más." [124]
Schager escribió que Edgar Wright es un "artista de mash-up inspirado, y Scott Pilgrim vs. the World puede ser su mejor hibridación hasta la fecha", diciendo que la película se ha convertido en un "videojuego de peleas intensas". [152] Debruge también dijo que "el estilo [...] se convierte en el nivel en el que debemos apreciar el trabajo de Wright", destacando particularmente el logotipo de Universal de 8 bits y la escena de Seinfeld . [146] White explica que, aunque el estilo y la estructura del videojuego no son realistas, "incluso los elementos más extravagantes fluyen naturalmente de la narración". [150] El estilo también se comparó con los cómics. Según Phillips, "Edgar Wright comprende el atractivo de las novelas gráficas originales de Bryan Lee O'Malley [...] Los libros inspirados en el manga de O'Malley combinan la banalidad absoluta con la hipérbole de superhéroes , [y] Wright, que es británico, ha tomado Continuó y ganó. [La película] vive y respira el estilo de los libros originales, con garabatos animados, corazones y estrellas llenando el encuadre en muchas tomas individuales ". [148] Edelstein abrió su reseña diciendo: "¡Sí, así es como se le da vida a una novela gráfica en la pantalla!", y explicó que "[Wright toma] los mangas canadienses (en los que lo mundano se encuentra con lo superheroico) y elabora una sintaxis que suyo: en parte panel de cómics, en parte videojuego arcade". [147]
Al comparar aún más la película con las novelas gráficas y discutirla como una adaptación, Honeycutt está de acuerdo en que "el director/productor/coguionista Edgar Wright [...] ha reproducido con éxito las imágenes y la visión del mundo de la novela gráfica de Bryan Lee O'Malley, en sí misma una mezcla de personajes comunes y corrientes perdidos en un mundo de manga, videojuegos, vídeos musicales e iconografía de cómics". [149] White escribe que los elementos de mash-up en el estilo de la película crean "un cóctel de cultura pop que es divertido, divertido y deliciosamente poco convencional", y elogia a Wright por "[hacer que los elementos del cómic] funcionen en la traducción para vivir acción, y [tener] suficiente respeto por el trabajo de O'Malley en primer lugar para tratar de capturar ese espíritu; [150] Scott está de acuerdo y dice que el éxito proviene de su ingenio al llevar el videojuego al mundo del jugador, en lugar de al revés, por lo que "la línea entre fantasía y realidad no se difumina sino que se borra, porque los realizadores crean un universo enteramente coherente y perpetuamente sorprendente". [151] Abrams también señala que algunos de los elementos cómicos funcionan mejor en "La película, como cuando Scott se despierta, seguido por Wallace y el otro Scott, debido al momento del medio. Él opina que Wright también logró incluir escenas adicionales que informan aún más la caracterización de Scott y agregan humor a los momentos de los cómics. [124 ] En general, en su reseña retrospectiva de 2020, Meghan Hale de Comic Years escribió que "[ Scott Pilgrim vs. the World ] no solo es una adaptación adecuada, sino que da vida a la historia de una manera que innova la forma en que mirar adaptaciones". [46]
Después de ver la película en una proyección de prueba, el director estadounidense Kevin Smith dijo que quedó impresionado y que "es fascinante y nadie va a entender qué carajo les acaba de pasar", y añadió que Wright "está dando vida a un cómic". ". [160] Smith también dijo que sus compañeros directores Quentin Tarantino y Jason Reitman estaban "realmente interesados". [160] Carla Gillis, escritora de Now y ex cantante principal de la banda Plumtree, también comentó sobre la película, ya que la canción de su banda " Scott Pilgrim " fue la inspiración para que O'Malley creara la serie; Gillis sintió que la película tenía el mismo tono positivo pero agridulce de la canción. [161] Varias personalidades notables de la industria de los videojuegos, el cine y el anime también elogiaron la película después de su estreno en Japón, entre ellos Hironobu Sakaguchi , Goichi Suda , Miki Mizuno , Tomohiko Itō y Takao Nakano . [162]
En un editorial de Rotten Tomatoes, Nathan Rabin escribió que la película tiene seguidores de culto, [163] y en un largometraje de la Met Film School de 2015 , Danny Kelly la incluyó como una de las seis películas más subestimadas de la historia, diciendo que es "un crimen". "Que más gente no fue a verlo. [164] Una clasificación de 2014 realizada por Den of Geek la colocó en tercer lugar en su lista de las 25 películas de cómics mejor subestimadas, y James Hunt escribió que "es fácilmente mejor que cualquier película de esta lista. Y de hecho, es mejor que la mayoría de las películas no están en esta lista"; sugirió que sufrió en taquilla debido a un marketing mal ejecutado y a que la gente se cansó de Michael Cera. [165] En 2020, Evans comparó a los fanáticos de Scott Pilgrim con los del Universo Cinematográfico de Marvel, diciendo que eran igual de rabiosos y dedicados; [52] En febrero de 2020, el crítico Alani Vargas escribió que "puede que hoy no sea tan 'de culto'; si le cuentas la película a alguien ahora, lo más probable es que obtengas una respuesta muy entusiasta". [166]
Los artistas musicales se inspiraron en la película, incluido Lil Uzi Vert con sus álbumes Lil Uzi Vert vs. the World y Lil Uzi Vert vs. the World 2 , [167] y el sencillo "Scott and Ramona". [168] [169] El vídeo musical del sencillo "Gimme Love" de la banda australiana The Vines es un homenaje a Scott Pilgrim vs. the World , adoptando el estilo visual de la apertura de la película, [170] [171] y Kid Cudi muestreó Diálogo de la película sobre la canción "She Knows This" de su álbum Man on the Moon III: The Chosen . [172]
Scott Pilgrim contra el mundo ha recibido numerosos premios y nominaciones. También entró en la lista final de siete películas para la nominación en la categoría de Mejores efectos visuales en la 83ª edición de los Premios de la Academia , pero no recibió una nominación. [173] Ganó el Premio del Público en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Lund de 2010 . [174] [175]
La película ha sido colocada en varias listas de las Diez Mejores Películas de 2010, incluso como número 1 por Harry Knowles , [176] y en varias listas por Empire . [177] [178] [179] [180]
En 2023, Barry Hertz de The Globe and Mail nombró la película como una de las 23 mejores películas de comedia canadienses jamás realizadas, reconociendo que no era una producción canadiense, pero escribiendo que "toda la producción, sin embargo, es tan explícitamente canadiense, y "Estoy tan enamorado de una era muy específica de 'Torontopia' en la que parecía que todo era posible, que excluirlo de este resumen sería una traición". [181]
Universal gastó alrededor de 85 millones de dólares para hacer la película, junto con una pequeña inversión de Relativity Media.
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