Sir Matthew Christopher Bourne OBE (nacido el 13 de enero de 1960) es un coreógrafo británico . Sus producciones contienen muchas referencias al cine clásico y a la cultura popular y se inspiran temáticamente en musicales , cine negro y cultura popular.
Las novelas y películas populares suelen ser la base de su obra, pero las adaptaciones de danza de Bourne son sui generis , distintas de sus originales. Por ejemplo, su nueva puesta en escena de El lago de los cisnes de Chaikovski en 1995 actualizó la ambientación y la narrativa del ballet y, como es bien sabido, utilizó cisnes exclusivamente masculinos.
Los talleres, la colaboración y el inevitable diálogo con las obras originales dan forma a muchas de las rutinas coreográficas y conceptos temáticos de su adaptación. Para su nueva versión de Cenicienta de 1997, Bourne invocó las eras victoriana y eduardiana al difundir ciertos libros y novelas de esos períodos de tiempo entre los miembros del elenco de la producción.
El trabajo de su compañía de danza New Adventures abarca ballet , danza contemporánea , danza teatro y teatro musical .
Sus adaptaciones de La bella durmiente , Eduardo Manostijeras , Las zapatillas rojas , Dorian Gray y El señor de las moscas añadieron nuevas dimensiones a estas historias casi omnipresentes. La obra reciente de Bourne, La campana de medianoche , sitúa la novela de Patrick Hamilton de 1929 en un pub , y Romeo y Julieta de Bourne puso en el centro de la escena los temas de la tragedia , la salud mental y el suicidio juvenil .
En 2016, fue nombrado caballero como parte de la lista de honores de Año Nuevo 2016 de la Reina Isabel II por sus "servicios a la danza". [3]
Bourne nació el 13 de enero de 1960 en Hackney, Londres, Inglaterra. [4] Su madre era secretaria y su padre trabajaba para Thames Water . Bourne no tuvo formación formal de ballet durante su infancia. Sin embargo, cuando era adolescente, le apasionaba el mundo del espectáculo. Con frecuencia buscaba autógrafos en el West End de Londres después de que su madre lo llevara a ver Dame Edith Evans and Friends en 1974 en el Theatre Royal Haymarket . [5] [6] Escribió y recibió cartas de Joan Crawford , Charlie Chaplin y Bette Davis . Tenía dieciocho años cuando asistió al Sadler's Wells Theatre para ver su primer ballet, El lago de los cisnes . [5] [6]
Trabajó como archivador en la BBC y como acomodador en el Teatro Nacional durante cuatro años después de graduarse en la Escuela William Fitt y Sir George Monoux en Walthamstow, Londres . [6] A los 20 años comenzó a estudiar en el Centro Laban de Londres y comenzó a tomar clases de danza a los 22. En 1985, estuvo de gira durante dos años con la compañía de danza del centro. Sin embargo, sus intereses gradualmente cambiaron de la danza a la coreografía para televisión, teatro y otras compañías de danza. [4] Completó una licenciatura con honores en danza contemporánea en 1985. Y en 1986, se graduó con una maestría en interpretación de danza. [7] Cofundó la compañía Adventures in Motion Pictures (AMP) con sede en Londres en 1987. [4] Las reinterpretaciones radicales de Bourne de los ballets clásicos lo distinguen como coreógrafo. En 1992, situó la escena de Nochebuena de El cascanueces de Piotr Ilich Chaikovski en un orfanato victoriano que recordaba a una novela de Charles Dickens. Su versión de 1994 de La sílfide de Filippo Taglioni, titulada Highland Fling , se ambienta en un proyecto de viviendas de la actual Glasgow. [4] [8] Highland Fling también fue el comienzo de la alianza creativa de Bourne con el diseñador Lez Brotherston. [9]
El trabajo de Bourne se centra principalmente en la claridad de la exposición, la caracterización , la puesta en escena técnica y los recursos cinematográficos . Temáticamente, su trabajo se basa en los musicales de la Metro-Goldwyn-Mayer , el cine negro y Alfred Hitchcock , entre otros. [8] La trayectoria profesional de Bourne cambió después de su tiempo en el Centro Laban, donde perfeccionó su estilo teatral característico. Su trabajo contrastaba con los estilos de danza más provocativos de la década de 1980, asociados con artistas como Michael Clark y el DV8 Physical Theatre de Lloyd Newson . En cambio, el estilo de Bourne se centró en el romance, el ingenio y el drama tangible, como se demostró en su adaptación de El lago de los cisnes. [10]
La compañía de La nueva aventura de Bourne está formada por bailarines de ballet y de danza moderna que interpretan coreografías complejas que surgen de las acciones y movimientos de los personajes. [11]
Las obras de Bourne a menudo convierten obras escritas en formas físicas, visuales y musicales, iniciando un diálogo entre la adaptación y la obra original enfatizando activamente la relación entre ambas. Además, debido a que su obra utiliza muchas referencias al cine clásico y a la cultura popular , [12] su impacto depende en gran medida de la relación del espectador con la obra original. [13]
Desde el comienzo de su carrera, el enfoque de Bourne ha implicado un proceso de colaboración con sus bailarines y socios creativos. En 2007, Sam Archer y Richard Winsor , que interpretaron a Edward en las representaciones iniciales de Edward Scissorhands , confirmaron que Bourne todavía utiliza este enfoque; en el que, en la etapa embrionaria de una pieza, Bourne asigna a los bailarines tareas como crear pasos de baile individuales que eventualmente forman parte de la coreografía. [14]
En ¡ El Cascanueces de Bourne!, una adaptación de danza de El Cascanueces de Pyotr Ilyich Tchaikovsky estrenada en 1992, [15] Clara habita un orfanato en blanco y negro bajo el gobierno de una estricta matrona y el Dr. Dross. De alguna manera, el muñeco Cascanueces de Clara se transforma en un joven que la guía en un viaje a Sweetieland, un lugar ficticio donde los dulces y la confitería representan el placer y el deseo. En este mundo, los personajes anteriores reaparecen como dulces en un entorno visualmente impactante creado por Anthony Ward , que combina elementos de la novela gráfica con colores vibrantes y surrealistas.
El Cascanueces de Bourne combina ballet, danza folklórica y pantomima en movimientos cuidadosamente coreografiados. La actuación hace referencia a la patinadora artística noruega Sonja Henie y a Les Patineurs para formar un cuadro que recuerda a los coreógrafos originales de El Cascanueces , Marius Petipa y Lev Ivanov . [16]
En 1995, AMP estrenó la nueva puesta en escena de Bourne de El lago de los cisnes de Chaikovski . En su versión actualizada, colocó al príncipe en una familia disfuncional contemporánea y lo hizo enamorarse de un cisne macho. Inspirándose en la música y la naturaleza de Chaikovski, Bourne retrató a los cisnes como criaturas grandes, agresivas y poderosas, bailadas por hombres con el torso desnudo y pantalones cortos hasta la rodilla hechos de seda triturada que se asemejaban a plumas. Esto fue un cambio significativo con respecto a la representación tradicional de los cisnes por mujeres jóvenes con románticos trajes blancos. El lago de los cisnes ganó el premio Laurence Olivier de 1996 a la mejor producción de danza nueva , y la producción ganó la 53.ª edición de los premios Tony de 1999 por dirección y coreografía después de su estreno en Broadway en 1998. El ballet realizó giras internacionales varias veces a principios del siglo XXI. [4]
La reinterpretación que Bourne hace de este clásico cuento de hadas se desarrolla en el Londres de la época de la guerra. Se estrenó en el Piccadilly Theatre de Londres en septiembre de 1997. Bourne proporcionó a sus bailarines libros y películas sobre Cenicienta y las eras victoriana y eduardiana que influyeron en su versión. La investigación de Bourne sobre interpretaciones anteriores y contextos históricos contribuyó a una actuación históricamente informada. Bourne se inclinó por la versión del Royal Ballet de 1977 , apreciando su dramatismo y ritmo narrativo, a pesar de su mayor duración. [17]
La interpretación de danza de Bourne de Carmen , de Georges Bizet , titulada The Car Man , se estrenó en el Royal Albert Hall en 2000.
La historia gira en torno a Luca, un vagabundo que se ve envuelto en un triángulo amoroso con Lana, la esposa del dueño de un garaje local, y Angelo, un joven que lucha por encontrar su identidad en el entorno hipermasculino de la ciudad . Como es habitual en las producciones de Bourne, la producción combina géneros, mezclando referencias al cine, al ballet y a la música entre sus diseños visuales retro.
Las producciones más grandes utilizan una construcción de escenario flexible de varios niveles que incorpora una orquesta en vivo y pantallas publicitarias, lo que permite una transición perfecta entre escenas y crea un escenario impactante .
La banda sonora de la producción combina composiciones de la Suite Carmen de Rodion Shchedrin con efectos de sonido, por lo que funciona como una banda sonora orquestal y cinematográfica a la vez. Esta combinación de elementos de audio contribuye a la atmósfera y al desarrollo de la narrativa.
El elenco más reciente de The Car Man incluye a Zizi Strallen como Lana, Will Bozier como Luca y Paris Fitzpatrick como Angelo. La coreografía está profundamente integrada en la narración, con números grupales iniciales que establecen el escenario, antes de que las interacciones individuales se conviertan en la fuerza impulsora de la narrativa. Cabe destacar que los encuentros carnales entre Luca, Lana y Angelo, coreografiados con gran intensidad y fisicalidad, impulsan la historia hacia adelante.
En el espíritu del melodrama clásico, los hilos narrativos de la lujuria, el engaño y la violencia se entrelazan, dando lugar a un segundo acto dominado por temas de culpa y venganza. La dualidad de la producción refleja el personaje de Luca, que encarna de manera convincente múltiples aspectos de la exploración matizada del deseo y la identidad que se hace en la narrativa. [18]
Play Without Words debutó en 2002 como parte de latemporada Transformation del Teatro Nacional , destinada a atraer a un público más joven. La producción, una obra de danza, se inspiró en el cine de la nueva ola británica de los años 60. Contó con una banda sonora de jazz atmosférica de Terry Davies y estuvo ampliamente influenciada porla película de Joseph Losey de 1963 The Servant . Esta película, con guion de Harold Pinter , exploró la dinámica de clase y poder a través de la historia de un joven de clase alta que contrata a un valet cockney para que administre su casa, una relación que implosiona debido a la manipulación del valet.
El enfoque único de Bourne consistió en elegir a cada personaje varias veces, revelando simultáneamente aspectos diferentes y a veces contradictorios de sus personalidades. Esta técnica creó un entorno en el que coexistían la realidad y la fantasía, lo que dio como resultado una narrativa que recordaba el trabajo de Nicolas Roeg en Performance .
La trama sigue a Prentice, el sirviente , mientras atiende las necesidades de su empleador, Anthony, mientras al mismo tiempo planea su caída. La coreografía de Bourne se intensifica durante estas escenas, resaltando las interacciones dinámicas de los personajes.
Algunas escenas resaltan las relaciones ambiguas entre los personajes. Por ejemplo, Speight, el amigo de Prentice, seduce a Glenda, la prometida de Anthony, a quien ha abandonado, aunque sus acciones dejan entrever motivaciones más complejas. Speight es presentado como la encarnación de un futuro en evolución y sexualmente igualitario .
El tono pesimista de La obra sin palabras de Bourne contrastaba marcadamente con las obras más optimistas de la Olimpiada Cultural. La producción fomentaba la inmersión del público y alentaba a los espectadores a vestirse con atuendos inspirados en el cine británico de los años 60. [19]
La adaptación de la película de Tim Burton de la mano de Edward Bourne debutó en 2005. [20] La historia sigue la historia de un niño con tijeras en lugar de manos creadas por un inventor en un taller gótico. [20] El niño, Edward, interpretado por Dominic North, es recibido en los suburbios estadounidenses de los años 50 en un pueblo ficticio llamado Hope Springs. [20] Bourne caricaturizó sutilmente la vida social y los modales de la época realizados a través del vestuario y los diseños escénicos de Lez Brotherston . [20]
El arco de movimientos de baile del protagonista progresa desde una tontería robótica similar a la pantomima hasta la confianza cuando su comunidad suburbana lo acepta. Pero finalmente desciende a la desesperación teatral después de que Kim y la comunidad del pueblo lo rechazan. [14]
Los momentos más destacados de la producción incluyeron el sueño de Edward, donde momentáneamente libre de sus manos de tijera, realiza un dueto con Kim flanqueado por bailarines vestidos como el arte topiario de Edward . [11] Terry Davies basó la banda sonora en temas de la banda sonora de la película de Danny Elfman . [21]
La adaptación que realizó Bourne de El retrato de Dorian Gray, de Oscar Wilde, en 2008 resalta la combinación de celebridad y juventud que conducen a la caída del protagonista de Wilde . [22] [23]
El concepto de Bourne se originó a partir de un taller de dúo masculino titulado Romeo y Romeo . Las contribuciones de los bailarines y las ideas coreográficas que surgieron del taller, con algunos cambios menores, formaron la producción final de Dorian Gray . Por lo tanto, en el programa original de la actuación, Bourne se atribuyó tanto a él mismo como a su compañía la coreografía de la producción. [13] Richard Winsor , que interpretó a Dorian, y Jason Piper , que interpretó a Basil Hallward en la segunda iteración del ballet, participaron en el taller Romeo & Romeo . [13] [24]
Además, comenzó a refinar la intrincada trama y los temas de la narrativa de Wilde durante conversaciones con su colaborador de largo plazo Lez Brotherston. Bourne atestigua que su adaptación preserva la mayor parte de la obra original de Wilde, en particular el tema central de la novela: la corrupción interna de un joven apuesto. [9]
El deseo de modernizar la narrativa generó varias discusiones sobre qué período de tiempo podría funcionar mejor para su nueva versión. Inicialmente, consideraron ambientar su adaptación en la década de 1960 porque tanto Bourne como Brotherston a menudo revisitan este período en su trabajo. Sin embargo, decidieron ambientar su interpretación en el presente. Más tarde, Bourne admitió que el entorno contemporáneo de la pieza trajo consigo un elemento de aprensión. [9]
En su adaptación de El retrato de Dorian Gray , Bourne cambia a Sybil Vane por un bailarín de ballet llamado Cyril y reescribe a Lord Henry como una editora de revista que ejerce un poder considerable. [25]
La trama de Dorian Grey de Bourne también difiere ligeramente de la de Wilde. En la adaptación de Bourne, el retrato que refleja el estado interior del protagonista se transforma en el doppelgänger de Dorian . El doppelgänger de Dorian plantea cada vez más una amenaza a la posición de Dorian como figura de adoración pública y privada. En última instancia, en lugar de destruir la pintura como lo hace en el original de Wilde, Dorian Grey, contemporáneo de Bourne, apuñala a su doppelgänger frente a los paparazzi . [26]
El Doppelgänger aparece por primera vez después de que Dorian se involucra en la sobredosis de drogas de su amante Cyril. La presencia del doppelgänger aumenta a partir de entonces. En varios puntos, Dorian examina sus propias acciones observando las acciones de su doppelgänger desde un estado disociativo. [26]
A diferencia de la novela original de Wilde, al introducir un Doppelgänger en la trama, Bourne replantea el conflicto del protagonista como un conflicto interno consigo mismo, su naturaleza y sus valores. [13]
La producción rompió el récord de mayor venta de entradas de un evento de danza del Festival Internacional de Edimburgo . Mark Morris estableció el récord anterior del festival de 10.146 entradas para su obra The Hard Nut en 1995. En ese momento, The Herald informó que Dorian Grey de Bourne vendió 11.212 entradas. [27]
El Dorian Grey de Bourne y la obra original de Oscar Wilde se enfrentaron a críticas similares; tanto la obra original de Wilde como la adaptación de Bourne parodiaban el exceso y la superficialidad de la cultura de las celebridades ; pero algunos críticos aún ridiculizaban la coreografía de la actuación por cómo mostraba los rasgos centrales del narcisismo de su protagonista . El desafío de satirizar un tema sin adoptar sus rasgos criticados ha sido un tema importante en el análisis posterior de Dorian Grey de Bourne . [23]
La adaptación de 2011 de Bourne del clásico de William Golding ilustra los efectos inductores de salvajismo de la masculinidad de una manera que las palabras no pueden. [28] A diferencia de las producciones anteriores de Bourne. El Theatre Royal se acercó a la rama caritativa de Bourne's New Adventures, ReBourne, [29] [30] para poner en escena el espectáculo con fondos del Scottish Arts Council [31] y un elenco que incluía a algunos jóvenes que nunca habían bailado antes. [30] El objetivo del proyecto era poner en escena una producción de El señor de las moscas que aprovechara el talento de las ciudades donde se exhibía. [29] [32] Como es típico en las adaptaciones de Bourne, como director, elige ambientar su El señor de las moscas en un teatro desierto. Las razones del niño para estar atrapado en un teatro desierto no están claras. Tampoco es evidente por qué este teatro abandonado tiene una cabeza de cerdo en descomposición. Pero en este nuevo entorno, los personajes de Golding se encuentran buscando mini tarrinas de helado en este nuevo entorno. [33]
Bourne se inspiró en muchas fuentes al crear La bella durmiente en 2012, al igual que sus bailarines para sus personajes. Leyó varias versiones de la historia, notando puntos en común y diferencias. Si bien ignoró la segunda mitad del original de Perrault , encontró que la versión de los Grimm , titulada Little Briar Rose , se acercaba más a la historia conocida. La película animada de Disney también se tomó libertades, como omitir el sueño de 100 años. Bourne incorporó elementos de cada una de estas versiones en su producción. Abordó las deficiencias percibidas en la historia original, y le dio crédito a Walt Disney por rectificarlas en la versión animada de 1959. El marco temporal histórico de la narrativa de Bourne proporcionó puntos de anclaje para los estilos de movimiento. El bautizo de Aurora se desarrolla en 1890, su fiesta de mayoría de edad en 1911 y su despertar en una pesadilla gótica moderna . La historia comienza con un rey y una reina sin hijos que buscan la ayuda del hada malvada Carabosse , quien deja a Aurora en la puerta del palacio. Las hadas le otorgan cualidades que refuerzan su naturaleza de espíritu libre. La versión de Bourne abarca temas del bien contra el mal, el sueño, el renacimiento y los vampiros. El hijo de Carabosse, Caradoc, es presentado para mantener el tema maligno, formando un triángulo amoroso con Leo. Los temas del sueño y el renacimiento aparecen en ambas versiones, con un hada llamada Hibernia , el Hada del Renacimiento, enfatizando esta conexión. [34]
El elenco original de Bourne de 2012 incluía a Dominic North como Leo y a Hannah Vassallo como Aurora. [35] La banda sonora fue adaptada y complementada con efectos de sonido adicionales. [36]
En 2022, La Bella Durmiente de Bourne regresó al Teatro Sadler's Wells para una residencia de siete semanas.
La adaptación de Bourne de 2016 de Las zapatillas rojas está basada en la icónica película de Powell y Pressburger e inspirada en el cuento de hadas de Hans Christian Andersen del mismo nombre sobre un par de zapatos rojos que mejoran las habilidades de baile de su dueño, pero a un costo.
Lez Brotherston diseñó el escenario para que pareciera la grandeza de un teatro de ópera. Y Terry Davies [ página necesaria ] incorporó las bandas sonoras más oscuras de Bernard Herrmann para crear una banda sonora atmosférica interpretada por la orquesta de 16 miembros de New Adventures dirigida por Brett Morris. [ página necesaria ] [37]
La adaptación se estrenó en Plymouth el 21 de noviembre de 2016, protagonizada por Ashley Shaw como Victoria Page.
La representación en dos actos permite vislumbrar el funcionamiento interno de un teatro y el sacrificio que se requiere para que las representaciones sean perfectas. Por ejemplo, al principio de la representación, el foco sigue de manera voyeurista a la prima ballerina assoluta de la compañía , Michela Meazza, mientras agita, ondea y revolotea las alas de hada de un tutú al estilo de La Sílfide emulando los movimientos de la inminente representación. [38]
Después de su presentación inicial, The Red Shoes realizó una gira por el Reino Unido y el extranjero. [39]
La compañía de Bourne repitió Red Shoes para una gira internacional a fines de 2019. [38] [40] Adam Cooper regresó a New Adventures para la gira de 2019 para repetir su papel erótico y peligroso de cisne. [38] Sin embargo, después de una actuación final en Wimbledon , la gira terminó abruptamente debido a las restricciones de Covid 19 el 14 de marzo de 2020. [40]
El elenco creó una versión condensada de doce minutos de The Red Shoes durante el confinamiento de 2020. Actuaron en varios entornos domésticos, incluidas salas de estar, jardines y cocinas. Los intérpretes de esta versión vestían atuendos casuales como uniformes de fútbol , atuendos hechos en casa y toallas . [41]
Las representaciones de la tragedia de William Shakespeare sobre el suicidio adolescente suelen destacar la disputa familiar como la razón del suicidio conjunto del protagonista mientras ignoran la explicación más probable de su muerte; dos jóvenes separados a la fuerza en un momento difícil de sus vidas. [42] Durante los ensayos, Bourne reescribió repetidamente la trama y el escenario de Shakespeare , y finalmente se conformó con una institución segregada por género similar a un hospital psiquiátrico . No está claro exactamente qué tipo de institución es, pero Bourne especuló que podría ser: "Un reformatorio, una prisión, una escuela, algo que ver con la salud mental. Un exceso de sentimiento está mal visto; puede haber jóvenes que tengan demasiado sentimiento". [43] Lo que está claro son las estructuras de poder físico y sexual que unen a esta institución. Por ejemplo, Tybalt , un guardia de la prisión, ataca sexualmente a Julieta y la coreografía del ballet utiliza movimientos rígidamente sincronizados para subrayar el encarcelamiento de su personaje. [44] El decorado de Brotherston consiste en un escenario austero revestido de azulejos blancos flanqueado por puertas, un balcón, escaleras y rodeado por una valla blanca. En su primera puesta en escena en 2019, Cordelia Braithwaite retrata a Julieta como una intensa chica pelirroja . Mientras que el nervioso y atribulado Romeo está allí porque su madre y su padre desean desvincularse de su embarazoso hijo. [44] Al igual que la versión de Kenneth MacMillan anterior, en la versión de Bourne también está presente un vínculo homoerótico entre Romeo, Mercutio , Benvolio y Balthasar. [44]
La campana de medianoche de Bourne es una adaptación de la novela de Patrick Hamilton de 1929, La campana de medianoche , [45] que no debe confundirse con la novela gótica de Francis Lathom del mismo nombre . [46] Bourne subtituló la pieza Intoxicated Tales from Darkest Soho y la situó en un pub londinense lleno de humo de los años 30 llamado The Midnight Bell. [45] La narrativa se centra en las vidas entrelazadas de diez de los personajes originales de Hamilton. La actuación presenta a sus personajes a través de sus profesiones o roles sociales. Son principalmente individuos que buscan conexión social y consuelo de sus circunstancias en su pub local. Los dos actos representan las luchas personales de los personajes, los sueños y la evolución de sus relaciones a lo largo de un mes. Los arcos de personajes y actuaciones más notables de la obra fueron la interpretación de Bryony Wood de una joven prostituta, la representación de Michela Meazza de Miss Roach, la solterona solitaria y George Harvey Bone, el asesino trastornado interpretado por Richard Winsor. [47]
Matthew Bourne es mejor conocido por sus reinterpretaciones únicas del ballet tradicional, como su producción de 1995 de El lago de los cisnes , donde reemplazó el cuerpo de ballet tradicionalmente femenino por un conjunto masculino. [48] El lago de los cisnes (Bourne) pasó a ser el ballet de mayor duración en el West End de Londres y en Broadway de la ciudad de Nueva York. [49] La producción le valió el título como el único director británico en ganar tanto el premio a "Mejor coreógrafo" como el de "Mejor director" en el mismo año en los premios Tony de 1999. [50] Sobre el atractivo icónico de El lago de los cisnes en ese momento, The New Yorker dijo: "lo importante del cambio de género fue que hizo que esta vieja historia de amor volviera a ser romántica, al hacerla parecer peligrosa". [51]
Sus admiradores dicen que ha "ampliado la definición del ballet de una manera que ha atraído consistentemente al público joven". [52]
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Desde 1986, Bourne ha trabajado en danza, teatro musical y cine con sus compañías de danza New Adventures y AMP, [53] así como musicales coreografiados para West End Theatre como Mary Poppins y My Fair Lady . [54] Las producciones incluyen The Red Shoes (ballet) , The Car Man (Bourne) (basada en Carmen de Bizet ) y Edward Scissorhands (danza), entre muchas otras. La compañía ha reinventado muchos ballets tradicionales de Chaikovski , como El cascanueces y La bella durmiente , colocándolos en un nuevo contexto cinematográfico para animar su potencial de narración para una audiencia moderna. Bourne también ha adaptado cine y literatura famosos para el escenario, como una versión de danza de la película de 1990 de Tim Burton Edward Scissorhands , The Red Shoes (película de 1948) de Hans Christian Andersen y Pressburger y El retrato de Dorian Gray de Wilde .
Bourne es descrito después de una entrevista con The New Yorker en 2007 como un "artista particularmente consciente de la audiencia". [51] Bourne destaca la importancia de los intervalos para el público, "en la segunda mitad siempre son más demostrativos, porque han hablado con sus amigos y han decidido que está bien disfrutarlo". [51] También explica cómo siempre pide a los bailarines de la compañía que ofrezcan calidez en sus llamadas a escena, diciendo: "Me enorgullezco de las llamadas a escena de mi compañía, realmente lo hago. Creo que no verás una llamada a escena más agradable que la de mi grupo". [51]
Un grupo de graduados de Laban fundó la compañía, anteriormente conocida como 'Adventures in Motion Pictures' en 1987. Después del éxito de El lago de los cisnes , AMP (Adventures in Motion Pictures) se encaminaba hacia una ruta altamente comercial. Las giras internacionales de larga duración de El lago de los cisnes significaron que la compañía se encaminaba hacia la dominación mundial, lo que hizo que Bourne se sintiera incómodo, "sentía que estaba dirigiendo una oficina en lugar de una empresa". [55] La presión para crear producciones altamente rentables dejó a Bourne sintiéndose creativamente sofocado. Sintiendo la necesidad de estar más cerca de sus producciones y buscando espacio para experimentar y trabajar con un equipo más pequeño, Bourne y la codirectora de AMP, Katherine Doré, finalmente tomaron la decisión de separarse.
En 2000, fundó una nueva compañía, New Adventures, que se formó oficialmente con el director general Robert Noble OBE (también director general adjunto de Cameron Mackintosh ) y la colaboradora de mucho tiempo de Bourne, y ex bailarina, Etta Murfitt MBE como directora artística asociada. Esto le permitió a Bourne y a la compañía reducir la escala y crear espectáculos de bajo presupuesto, trabajando en estrecha colaboración con los bailarines y artistas que contribuyen enormemente a su proceso creativo. [55] La estimada crítica de danza Judith Mackrell señala que "hubo momentos en su carrera en los que Bourne fácilmente podría haberse dejado convertir en un producto comercial y desperdiciar su talento". [55]
Entre sus miembros más destacados se encuentra la bailarina y crítica canadiense Lynn Seymour . A menudo descrita como "una de las más grandes bailarinas dramáticas del siglo XX", [56] Se dice que a Seymour le gustó la adaptación de Bourne de El lago de los cisnes y le preguntó a Bourne si podía interpretar el papel de la reina. Al año siguiente, Seymour interpretó a una madrastra inspirada en Bette Davis en la adaptación de Bourne de La Cenicienta de Sergei Prokofiev . [56] [8] Y repitió el papel de madrastra en la versión de Bourne de 2017. [57]
Bourne comenzó a formarse en danza a la edad relativamente tardía de 22 años y se formó en Trinity Laban en Londres. Antes de eso, se describe a sí mismo como autodidacta y dice: "Mi primera clase de danza fue cuando hice una audición para la escuela de danza cuando tenía 21 años".
Cuando era adolescente, solía tomar el autobús hasta el West End para pedir autógrafos. [58] Bourne asistió al London Gay Teenage Group en Holloway, al norte de Londres. Habló sobre esto en el programa de Jo Whiley en BBC Radio 2 en 2018. [59]
Desde 2015, Bourne mantiene una relación a largo plazo con el coreógrafo de danza contemporánea Arthur Pita, a quien se ha descrito como el « David Lynch de la danza». Pita dice de su relación: «Hablamos mucho de trabajo, pero nunca es competitivo, nuestros estilos son muy diferentes». [60] Los dos se conocieron a través de la producción de Bourne de El lago de los cisnes, cuando Bourne era el director y Arthur era un cisne. [61]
Además de su título de caballero en 2016 , Bourne ha recibido múltiples premios y nominaciones a premios, incluido el Premio Laurence Olivier , el Premio Tony y el Premio Drama Desk , y también ha recibido varios doctorados honorarios en artes de universidades del Reino Unido. [62]
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