Una estampa antigua (también llamada estampa maestra espaciada ) es una obra de arte producida mediante un proceso de impresión dentro de la tradición occidental. El término sigue vigente en el comercio del arte y no existe una alternativa fácil en inglés para distinguir las obras de " bellas artes " producidas mediante estampas de la amplia gama de estampas decorativas, utilitarias y populares que crecieron rápidamente junto con la estampa artística a partir del siglo XV en adelante. Las estampas del siglo XV son lo suficientemente raras como para clasificarlas como estampas antiguas incluso si son de una calidad artística tosca o meramente artesanal. Una fecha de alrededor de 1830 suele tomarse como el final del período cuyas estampas están cubiertas por este término.
Las principales técnicas utilizadas, en orden de introducción, son la xilografía , el grabado , el aguafuerte , la mezzotinta y la aguatinta , aunque existen otras. A menudo se combinan diferentes técnicas en una sola impresión. Con raras excepciones impresas sobre textiles, como la seda, o sobre vitela , las estampas de los antiguos maestros se imprimen sobre papel . Este artículo se ocupa de los aspectos artísticos, históricos y sociales del tema; el artículo sobre el grabado resume las técnicas utilizadas para realizar estampas de los antiguos maestros, desde una perspectiva moderna.
Muchos grandes artistas europeos, como Alberto Durero , Rembrandt y Francisco de Goya , eran grabadores consagrados. En su época, su reputación internacional se debía en gran medida a sus grabados, que se difundían mucho más que sus pinturas. Las influencias entre artistas también se transmitían principalmente más allá de una única ciudad a través de grabados (y a veces dibujos), por la misma razón. Por ello, los grabados se mencionan con frecuencia en los análisis detallados de pinturas individuales en la historia del arte . Hoy, gracias a las reproducciones fotográficas en color y a las galerías públicas, sus pinturas son mucho más conocidas, mientras que sus grabados rara vez se exponen, por razones de conservación. Pero algunas salas de grabados de museos permiten a los visitantes ver su colección, a veces solo con cita previa, y los grandes museos ahora presentan una gran cantidad de grabados en línea en imágenes ampliables de muy alta resolución.
La técnica más antigua es la xilografía, o impresión en bloques de madera, que se inventó como método para imprimir sobre tela en China. Esta había llegado a Europa a través del mundo islámico antes de 1300, como un método de impresión de patrones en textiles. El papel llegó a Europa, también desde China a través de la España islámica , un poco más tarde, y se fabricaba en Italia a fines del siglo XIII, y en Borgoña y Alemania a fines del siglo XIV. [1] Hay documentación de que las imágenes religiosas y los naipes fueron producidos en papel, probablemente impresos, por un alemán en Bolonia en 1395. [2] Sin embargo, las imágenes europeas impresas más impresionantes que sobrevivieron antes de 1400 están impresas en tela, para usarlas como tapices en paredes o muebles, incluidos altares y atriles . Algunas se usaban como patrón para bordar encima. Algunas imágenes religiosas se usaban como vendajes, para acelerar la curación. [3]
Las primeras imágenes impresas son en su mayoría de un alto nivel artístico y fueron claramente diseñadas por artistas con experiencia en pintura (en paredes, paneles o manuscritos). No se sabe si estos artistas cortaron los bloques ellos mismos o si solo entintaron el diseño en el bloque para que otro lo tallara. Durante el siglo XV, el número de grabados producidos aumentó considerablemente a medida que el papel se volvió más accesible y más barato, y el nivel artístico promedio cayó, de modo que en la segunda mitad del siglo el grabado en madera típico es una imagen relativamente tosca. La gran mayoría de los grabados supervivientes del siglo XV son religiosos, aunque probablemente estos fueron los que tuvieron más probabilidades de sobrevivir. Sus creadores a veces eran llamados "creadores de Jesús" o "creadores de santos" en los documentos. Al igual que con los libros manuscritos, las instituciones monásticas a veces producían, y a menudo vendían, grabados. No se puede identificar a ningún artista con un grabado en madera específico hasta finales de siglo. [4]
Las pocas pruebas que tenemos sugieren que las xilografías se volvieron relativamente comunes y baratas durante el siglo XV, y que eran asequibles para los trabajadores cualificados de las ciudades. Por ejemplo, lo que puede ser la primera estampa italiana que se conserva, la "Virgen del Fuego", estaba colgada de un clavo en la pared de una pequeña escuela de Forlì en 1428. La escuela se incendió y la multitud que se reunió para verla vio cómo el fuego levantaba la estampa en el aire antes de caer sobre la multitud. Esto se consideró un escape milagroso y la estampa fue llevada a la catedral de Forlì, donde permanece, desde 1636, en una capilla especial, expuesta una vez al año. Como la mayoría de las estampas anteriores a aproximadamente 1460, solo ha sobrevivido una única impresión (el término utilizado para una copia de una estampa maestra antigua; "copia" se utiliza para una estampa que copia otra estampa) de esta estampa. [5]
Los bloques de xilografía se imprimen con una ligera presión y son capaces de imprimir varios miles de impresiones, e incluso en este período es posible que se hayan producido algunas impresiones en esa cantidad. Muchas impresiones fueron coloreadas a mano, principalmente en acuarela ; de hecho, la coloración manual de las impresiones continuó durante muchos siglos, aunque los comerciantes la han eliminado de muchos ejemplos supervivientes. Italia, Alemania, Francia y los Países Bajos fueron las principales áreas de producción; Inglaterra no parece haber producido ninguna impresión hasta aproximadamente 1480. Sin embargo, las impresiones son muy portátiles y se transportaron por toda Europa. Un documento veneciano de 1441 ya se queja de las importaciones baratas de naipes que dañaban la industria local. [6]
Los libros en bloques eran una forma muy popular de libro (corto), en el que una página con imágenes y texto se cortaba como un solo grabado en madera. Eran mucho más baratos que los libros manuscritos y se producían principalmente en los Países Bajos; el Arte de morir ( Ars moriendi ) fue el más famoso; se conocen trece conjuntos diferentes de bloques. [7] Como técnica de relieve (véase grabado ), el grabado en madera se puede imprimir fácilmente junto con tipos móviles, y después de que este invento llegara a Europa alrededor de 1450, los impresores rápidamente comenzaron a incluir xilografías en sus libros. Algunos propietarios de libros también pegaban impresiones en libros de oración en particular. [8] Las cartas de juego fueron otro uso notable de las impresiones, y las versiones francesas son la base de los conjuntos tradicionales que todavía se utilizan en la actualidad.
En el último cuarto del siglo, hubo una gran demanda de xilografías para ilustraciones de libros, y tanto en Alemania como en Italia, los estándares en el extremo superior del mercado mejoraron considerablemente. Núremberg era el mayor centro editorial alemán, y Michael Wolgemut , el maestro del taller más grande allí, trabajó en muchos proyectos, incluida la gigantesca Crónica de Núremberg . [9] Alberto Durero fue aprendiz de Wolgemut durante las primeras etapas del proyecto, y era el ahijado de Anton Koberger, su impresor y editor. La carrera de Durero fue llevar el arte de la xilografía a su máximo desarrollo. [10]
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El grabado sobre metal formó parte del oficio de los orfebres durante toda la Edad Media, y la idea de imprimir diseños grabados sobre papel probablemente comenzó como un método para que los orfebres registraran los diseños en las piezas que habían vendido. Algunos artistas formados como pintores se involucraron en este arte entre 1450 y 1460, aunque muchos grabadores siguieron teniendo un origen orfebre. Desde el principio, el grabado estuvo en manos de los comerciantes de lujo, a diferencia de la xilografía, donde al menos el corte del bloque se asociaba con los oficios de menor estatus de la carpintería y quizás con la talla escultórica de madera. Los grabados también fueron importantes desde muy temprano como modelos para otros artistas, especialmente pintores y escultores, y sobreviven muchas obras, especialmente de ciudades más pequeñas, que toman sus composiciones directamente de grabados. Servir como patrón para los artistas puede haber sido un propósito principal para la creación de muchos grabados, especialmente las numerosas series de figuras de apóstoles .
Los grabados supervivientes, aunque la mayoría son religiosos, muestran una mayor proporción de imágenes seculares que otros tipos de arte de la época, incluida la xilografía . Esto es sin duda en parte el resultado de las tasas de supervivencia relativas: aunque las casas ricas del siglo XV ciertamente contenían imágenes seculares en las paredes (interiores y exteriores) y tapices de tela, este tipo de imágenes han sobrevivido en cantidades minúsculas. La Iglesia fue mucho mejor a la hora de conservar sus imágenes. Los grabados eran relativamente caros y se vendían a una clase media urbana que se había vuelto cada vez más rica en el cinturón de ciudades que se extendía desde los Países Bajos por el Rin hasta el sur de Alemania, Suiza y el norte de Italia. El grabado también se utilizó para los mismos tipos de imágenes que las xilografías , en particular las imágenes devocionales y los naipes , pero muchas parecen haber sido coleccionadas para mantenerlas fuera de la vista en un álbum o libro, a juzgar por el excelente estado de conservación de muchas piezas de papel de más de quinientos años de antigüedad. [11]
A diferencia de la xilografía, desde el principio se encuentran artistas identificables. El Maestro de los naipes , alemán o posiblemente germano-suizo, estuvo activo al menos en la década de 1440; era claramente un pintor de formación. [12] El Maestro ES fue un grabador prolífico, de formación en orfebrería , activo entre 1450 y 1467, y el primero en firmar sus grabados con un monograma en la placa. Realizó importantes avances técnicos que permitieron tomar más impresiones de cada placa. Muchos de sus rostros tienen una apariencia más bien parecida a la de un pudín, lo que reduce el impacto de lo que, por lo demás, son obras excelentes. Gran parte de su obra todavía tiene un gran encanto, y los temas profanos y cómicos que grabó casi nunca se encuentran en la pintura superviviente de la época. Al igual que los grabados de Otto en Italia, gran parte de su obra probablemente estaba destinada a atraer a las mujeres. [13]
El primer artista importante que grabó fue Martin Schongauer (c. 1450-1491), que trabajó en el sur de Alemania y también fue un pintor muy conocido. Su padre y su hermano eran orfebres, por lo que es posible que tuviera experiencia con el buril desde una edad temprana. Sus 116 grabados tienen una autoridad y una belleza claras y se hicieron muy conocidos en Italia y en el norte de Europa, y fueron copiados en gran medida por otros grabadores. También siguió desarrollando la técnica del grabado, en particular refinando el rayado cruzado para representar el volumen y la sombra en un medio puramente lineal. [14]
El otro artista notable de este período es conocido como el Maestro del Libro de la Casa . Fue un artista alemán de gran talento que también es conocido por sus dibujos, especialmente el álbum del Libro de la Casa del que toma su nombre. Sus grabados se hicieron exclusivamente en punta seca , rayando sus líneas en la placa para dejar una línea mucho más superficial que la que produciría el buril de un grabador ; es posible que haya inventado esta técnica. En consecuencia, solo se podían producir unas pocas impresiones de cada placa, tal vez unas veinte, aunque algunas placas se rehicieron para prolongar su vida. A pesar de esta limitación, sus grabados claramente circularon ampliamente, ya que existen muchas copias de ellos de otros grabadores. Esto es muy típico de los grabados admirados en todos los medios hasta al menos 1520; no había un concepto exigible de nada parecido al derecho de autor. Muchas de las composiciones de grabados del Maestro del Libro de la Casa solo se conocen a partir de copias, ya que ninguno de los presuntos originales ha sobrevivido: una proporción muy alta de sus grabados originales solo se conocen a partir de una única impresión. La colección más grande de sus grabados se encuentra en Ámsterdam; Probablemente estas fueron conservadas como una colección, tal vez por el propio artista, desde aproximadamente la época de su creación. [15]
Israhel van Meckenam fue un grabador de las fronteras de Alemania y los Países Bajos que probablemente se formó con el maestro ES y dirigió el taller de grabados más productivo del siglo entre 1465 y 1503. Produjo más de 600 láminas, la mayoría copias de otros grabados, y fue más sofisticado en la autopresentación, firmando grabados posteriores con su nombre y ciudad, y produciendo el primer autorretrato impreso de él mismo y su esposa. Algunas láminas parecen haber sido reelaboradas más de una vez por su taller, o producidas en más de una versión, y muchas impresiones han sobrevivido, por lo que su capacidad para distribuir y vender sus grabados era evidentemente sofisticada. Sus propias composiciones son a menudo muy animadas y muestran un gran interés por la vida secular de su época. [16]
Tanto la xilografía como el grabado aparecieron en el norte de Italia unas décadas después de su invención al norte de los Alpes, y tenían usos y características similares, aunque dentro de estilos artísticos significativamente diferentes y con una proporción mucho mayor de temas seculares desde el principio. La xilografía italiana más antigua conocida se ha mencionado anteriormente. El grabado probablemente llegó por primera vez a Florencia en la década de 1440; Vasari solía afirmar que su compatriota florentino, el orfebre y nielista Maso Finiguerra (1426-1464) inventó la técnica. Ahora está claro que esto es incorrecto, y ahora se considera que no hay grabados como tales que se le puedan atribuir de otra manera que no sea una especulación. Es posible que nunca haya hecho grabados impresos a partir de placas, en lugar de tomar impresiones de obras destinadas a ser nieladas. Hay una serie de complejas escenas religiosas nieladas que probablemente ejecutó, y puede que haya diseñado o no, que fueron influyentes para el estilo florentino en el grabado. Sobreviven algunas impresiones en papel y moldes de azufre de estas. Se trata de una serie de paxes que se encuentran en el Bargello de Florencia y uno en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, que representan escenas con grandes multitudes de pequeñas figuras bien organizadas. También hay dibujos en los Uffizi de Florencia que pueden ser de su autoría. [17]
Mientras que el grabado alemán llegó a un mundo artístico todavía gótico , el grabado italiano captó el Renacimiento temprano y, desde el principio, los grabados son en su mayoría más grandes, de atmósfera más abierta y presentan temas clásicos y exóticos. Están menos densamente trabajados y, por lo general, no utilizan tramas cruzadas. Desde aproximadamente 1460 hasta 1490, se desarrollaron dos estilos en Florencia, que siguió siendo el mayor centro del grabado italiano. Se denominan (aunque ahora los términos se usan con menos frecuencia) "estilo fino" y "estilo amplio", en referencia al grosor típico de las líneas utilizadas. Los artistas principales en el estilo fino son Baccio Baldini y el "Maestro de la Pasión vienesa", y en el estilo amplio, Francesco Rosselli y Antonio del Pollaiuolo , cuyo único grabado fue La batalla de los hombres desnudos (derecha), la obra maestra del grabado florentino del siglo XV. [18] Este utiliza un nuevo "trazo de retorno" en zigzag para modelar, que probablemente inventó. [19]
Una supervivencia casual es una colección de grabados florentinos ejecutados en su mayoría de manera bastante rudimentaria que ahora se encuentra en el Museo Británico , conocidos como los Grabados Otto en honor a un propietario anterior de la mayoría de ellos. Este fue probablemente el conjunto de grabados de referencia del propio taller, en su mayoría redondos u ovalados, que se usaban para decorar las tapas interiores de las cajas, principalmente para uso femenino. Se ha sugerido que las cajas así decoradas pueden haber sido entregadas como regalo en las bodas. El tema y la ejecución de este grupo sugieren que estaban destinados a atraer el gusto femenino de clase media; abundan los amantes y los cupidos, y una alegoría muestra a un joven casi desnudo atado a una estaca y siendo golpeado por varias mujeres. [20]
El otro centro temprano notable fue Ferrara , a partir de la década de 1460, que probablemente produjo ambos juegos de cartas llamadas " Mantegna Tarocchi ", que no son naipes, sino una especie de herramienta educativa para jóvenes humanistas con cincuenta cartas, presentando los Planetas y Esferas, Apolo y las Musas , personificaciones de las Siete Artes liberales y las cuatro Virtudes, así como "las Condiciones del Hombre" desde el Papa hasta el campesino. [21]
Andrea Mantegna , que se formó en Padua y luego se estableció en Mantua , fue la figura más influyente del grabado italiano del siglo, aunque todavía se debate si en realidad grabó alguna placa él mismo (un debate revivido en los últimos años por Suzanne Boorsch ). Durante mucho tiempo se han atribuido varios grabados a su escuela o taller, y solo siete de ellos se le atribuyen personalmente. Todo el grupo forma un conjunto estilístico coherente y refleja muy claramente su estilo en pintura y dibujo, o copia obras suyas supervivientes. Parecen datar de finales de la década de 1460 en adelante. [23]
En los últimos cinco años del siglo XV, Durero, que entonces tenía veintitantos años y contaba con un taller propio en Núremberg, comenzó a producir xilografías y grabados de la más alta calidad que se difundieron muy rápidamente por los centros artísticos de Europa. Hacia 1505, la mayoría de los jóvenes grabadores italianos pasaron por una fase en la que copiaban directamente estampas enteras o grandes partes de los fondos de paisajes de Durero, antes de pasar a adaptar sus avances técnicos a su propio estilo. La copia de estampas ya era una parte importante y aceptada de la cultura del grabado, pero ninguna estampa se copiaba con tanta frecuencia como la de Durero. [24]
Durero también era pintor, pero pocas de sus pinturas podían verse excepto por quienes tenían fácil acceso a casas particulares en la zona de Núremberg. La lección de cómo él, siguiendo de manera más espectacular los pasos de Schongauer y Mantegna, fue capaz de desarrollar tan rápidamente una reputación en todo el continente, en gran parte gracias a sus grabados, no pasó inadvertida para otros pintores, que comenzaron a interesarse mucho más por el grabado. [25]
Durante un breve período, varios artistas que comenzaron copiando a Durero realizaron grabados muy finos en una variedad de estilos individuales. Entre ellos se encontraba Giulio Campagnola , quien logró traducir el nuevo estilo que Giorgione y Tiziano habían traído a la pintura veneciana al grabado. Marcantonio Raimondi y Agostino Veneziano pasaron algunos años en Venecia antes de mudarse a Roma , pero incluso sus primeros grabados muestran tendencias clasicistas, así como influencia del norte. [26] Los estilos del florentino Cristofano Robetta y Benedetto Montagna de Vicenza todavía se basan en la pintura italiana de la época, y también están influenciados posteriormente por Giulio Campagnola . [27]
Giovanni Battista Palumba , conocido antiguamente como "Maestro IB con el pájaro" por su monograma, fue el principal artista italiano en xilografía de estos años, así como un grabador de encantadoras escenas mitológicas, a menudo con un tema erótico. [28]
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Los grabados que copiaban grabados ya eran comunes, y muchos grabados del siglo XV deben haber sido copias de pinturas, pero no estaban destinados a ser vistos como tales, sino como imágenes en sí mismos. El taller de Mantegna produjo una serie de grabados que copiaban su Triunfo de César (ahora Palacio de Hampton Court ), o dibujos para él, que fueron quizás los primeros grabados destinados a ser entendidos como representaciones de pinturas, llamados grabados reproductivos . Con un ritmo creciente de innovación en el arte y de un interés crítico entre un público no profesional, las representaciones confiables de pinturas llenaron una necesidad obvia. Con el tiempo, esta demanda casi sofocaría la antigua estampa maestra. [29]
Durero nunca copió directamente ninguno de sus cuadros en estampas, aunque algunos de sus retratos se basan en un mismo dibujo, que es muy similar, para hacer una pintura y una estampa. La siguiente etapa comenzó cuando Tiziano , en Venecia, y Rafael , en Roma, empezaron a colaborar casi simultáneamente con los grabadores para hacer estampas según sus diseños. En esta etapa, Tiziano trabajó con Domenico Campagnola y otros en xilografías, mientras que Rafael trabajó con Raimondi en grabados, de los que sobreviven muchos de los dibujos de Rafael. [30] Más tarde, las pinturas realizadas por la Escuela de Fontainebleau fueron copiadas en aguafuertes, aparentemente en un breve programa organizado que incluía a muchos de los propios pintores. [31]
Las asociaciones italianas tuvieron éxito artístico y comercial, e inevitablemente atrajeron a otros grabadores que simplemente copiaban pinturas de forma independiente para hacer grabados totalmente reproducibles. Especialmente en Italia, estos grabados, de calidad muy variable, llegaron a dominar el mercado y tendieron a desplazar a los grabados originales, que declinaron notablemente entre 1530 y 1540 en Italia. Para entonces, algunos editores/comerciantes habían cobrado importancia, especialmente operadores holandeses y flamencos como Philippe Galle y Hieronymus Cock , que desarrollaron redes de distribución que se estaban volviendo internacionales y muchos trabajos fueron encargados por ellos. El efecto del desarrollo del comercio de venta de grabados es un tema de controversia académica, pero no hay duda de que a mediados de siglo la tasa de grabados originales en Italia había disminuido considerablemente con respecto a la de una generación antes, si bien no tan precipitadamente como en Alemania. [32]
Aunque ningún artista entre 1500 y 1550 pudo ignorar a Durero, varios artistas que siguieron su estela no tuvieron dificultad en mantener estilos muy distintivos, a menudo con poca influencia de él. Lucas Cranach el Viejo era solo un año más joven que Durero, pero tenía unos treinta años cuando comenzó a hacer xilografías, en un intenso estilo nórdico que recordaba a Matthias Grünewald . También fue uno de los primeros en experimentar con la técnica del claroscuro en xilografía. Su estilo se suavizó más tarde y tomó la influencia de Durero, pero concentró sus esfuerzos en la pintura, en la que se convirtió en dominante en la Alemania protestante, con sede en Sajonia , y entregó su muy productivo estudio a su hijo a una edad relativamente temprana. [33]
Lucas van Leyden poseía un talento natural prodigioso para el grabado, y sus primeros grabados tuvieron un gran éxito, con un tratamiento a menudo terroso y una técnica brillante, por lo que llegó a ser considerado el principal rival de Durero en el Norte. Sin embargo, sus grabados posteriores sufrieron una presión hacia la grandeza italiana, lo que dejó la técnica aplicada únicamente a composiciones mucho menos dinámicas. Al igual que Durero, tuvo un "flirteo" con el aguafuerte, pero sobre cobre en lugar de hierro. Sus sucesores holandeses continuaron durante algún tiempo bajo el hechizo de Italia, que tardaron la mayor parte del siglo en digerir. [34]
Albrecht Altdorfer produjo algunas estampas religiosas de estilo italiano, pero es más famoso por sus paisajes muy nórdicos de alerces y abetos colgantes, que son muy innovadores tanto en pintura como en estampa. Fue uno de los primeros usuarios más eficaces de la técnica del aguafuerte , recientemente inventada como técnica de grabado por Daniel Hopfer , un armero de Augsburgo . Ni Hopfer ni los otros miembros de su familia que continuaron su estilo eran artistas formados o naturales, pero muchas de sus imágenes tienen un gran encanto, y sus "estampados ornamentales", realizados esencialmente como patrones para artesanos de diversos campos, difundieron ampliamente su influencia. [35]
Hans Burgkmair, de Augsburgo , vecino y rival de Núremberg , era ligeramente mayor que Durero y tuvo una carrera paralela en algunos aspectos, formándose con Martin Schongauer antes de visitar aparentemente Italia, donde formó su propia síntesis de estilos nórdicos e italianos, que aplicó en pintura y xilografía, principalmente para libros, pero con muchas impresiones significativas de "una sola hoja" (es decir, individuales). En la actualidad se le atribuye generalmente la invención de la xilografía en claroscuro (coloreada) . [36] Hans Baldung fue alumno de Durero y quedó a cargo del taller de Núremberg durante el segundo viaje italiano de Durero. No tuvo dificultad en mantener un estilo muy personal en la xilografía y produjo algunas imágenes muy poderosas. [37] Urs Graf fue un mercenario y grabador suizo, que inventó la técnica de xilografía de línea blanca , en la que realizó sus impresiones más distintivas. [38]
Los Pequeños Maestros es un término que designa a un grupo de varios grabadores, que produjeron grabados muy pequeños y finamente detallados para un mercado mayoritariamente burgués, combinando en miniatura elementos de Durero y de Marcantonio Raimondi , y concentrándose en temas seculares, a menudo mitológicos y eróticos, en lugar de religiosos. Los más talentosos fueron los hermanos Bartel Beham y el más longevo Sebald Beham . Al igual que Georg Pencz , vinieron de Núremberg y fueron expulsados por el consejo por ateísmo durante un tiempo. El otro miembro principal del grupo fue Heinrich Aldegrever , un luterano convencido con inclinaciones anabaptistas , que tal vez por eso se vio obligado a pasar gran parte de su tiempo produciendo grabados ornamentales. [39]
Otro protestante convencido, Hans Holbein el Joven , pasó la mayor parte de su carrera adulta en Inglaterra, que entonces y durante mucho tiempo después era demasiado primitiva como mercado y como asistencia técnica para sustentar la producción de grabados finos. Mientras vivía el famoso grabador Hans Lützelburger, creó a partir de los diseños de Holbein la famosa serie de xilografías pequeñas de la Danza de la Muerte . Otra serie de Holbein, de noventa y una escenas del Antiguo Testamento, en un estilo mucho más simple, fue el intento más popular de varios artistas de crear imágenes religiosas protestantes. Ambas series fueron publicadas en Lyon, Francia, por un editor alemán, habiendo sido creadas en Suiza . [40]
Tras la muerte de esta brillante generación, tanto la calidad como la cantidad de los grabados originales alemanes sufrieron un extraño desplome; tal vez se hizo imposible mantener un estilo nórdico convincente frente a la abrumadora producción italiana de estilo renacentista "mercantilizado". Los Países Bajos adquirieron ahora mayor importancia para la producción de grabados, lo que se mantendría hasta finales del siglo XVIII. [41]
Algunos grabadores italianos siguieron una dirección muy diferente a la de Raimondi y sus seguidores o a la de los alemanes, y utilizaron el medio para la experimentación y para un trabajo muy personal. Parmigianino produjo algunos aguafuertes él mismo y también trabajó en estrecha colaboración con Ugo da Carpi en xilografías en claroscuro y otros grabados. [42]
Giorgio Ghisi fue el principal grabador de la escuela de Mantua, que preservó bastante más individualidad que Roma. Gran parte de su trabajo fue reproductivo, pero sus grabados originales suelen ser muy buenos. Visitó Amberes, un reflejo del poder que los editores de allí tenían ahora sobre lo que ahora era un mercado europeo de grabados. Varios grabadores, principalmente en aguafuerte, continuaron produciendo excelentes grabados, pero principalmente como una actividad secundaria a la pintura o al grabado reproductivo. Entre ellos se encuentran Battista Franco , Il Schiavone , Federico Barocci y Ventura Salimbeni , que solo produjo nueve grabados, presumiblemente porque no le reportaba ingresos. Annibale Carracci y su primo Ludovico produjeron algunos grabados influyentes, mientras que el hermano de Annibale, Agostino, grabó. Ambos hermanos influyeron en Guido Reni y otros artistas italianos del período barroco completo en el siglo siguiente. [43]
Los artistas italianos conocidos como la Escuela de Fontainebleau fueron contratados en la década de 1530 por el rey Francisco I de Francia para decorar su castillo más emblemático en Fontainebleau. En el transcurso de este largo proyecto, se produjeron grabados, en circunstancias desconocidas pero aparentemente en el propio Fontainebleau y principalmente en la década de 1540, que en su mayoría registraban pinturas murales y yeserías del castillo (gran parte de ellas ahora destruidas). Técnicamente, en su mayoría son bastante pobres (secos y desiguales), pero los mejores evocan poderosamente la atmósfera extraña y sofisticada de la época. Muchos de los mejores son de Leon Davent con diseños de Primaticcio o Antonio Fantuzzi . Varios de los artistas, incluido Davent, fueron más tarde a París y continuaron produciendo grabados allí. [44]
Hasta entonces, el único grabador de talla constante en Francia había sido Jean Duvet , un orfebre cuyo estilo muy personal parece a medio camino entre Durero y William Blake . Sus láminas están extremadamente pobladas, no están dibujadas de manera convencional, pero están llenas de intensidad; lo opuesto a la elegancia lánguida de los grabados de Fontainebleau, que tendrían el mayor efecto en el grabado francés. Sus grabados datan de 1520 a 1555, cuando tenía setenta años y completó su obra maestra, los veintitrés grabados del Apocalipsis. [45]
Cornelius Cort fue un grabador de Amberes, formado en la editorial Cock, con un estilo controlado pero vigoroso, y excelente en la representación de efectos de iluminación dramáticos. Fue a Italia y en 1565 fue contratado por Tiziano para producir grabados de sus pinturas (Tiziano había asegurado sus "privilegios" o derechos para reproducir exclusivamente sus propias obras). Tiziano se esforzó mucho por conseguir el efecto que quería; dijo que Cort no podía trabajar solo con la pintura, por lo que produjo dibujos especiales para que los usara. Finalmente, los resultados fueron muy efectivos y exitosos, y después de la muerte de Tiziano, Cort se mudó a Roma, donde enseñó a varios de los grabadores más exitosos de la siguiente generación, en particular Hendrik Goltzius , Francesco Villamena y Agostino Carracci , el último gran artista italiano que se resistió a la expansión del aguafuerte. [46]
Goltzius, posiblemente el último gran grabador, llevó el estilo de Cort a su punto más alto. Debido a un accidente de la infancia, dibujaba con todo el brazo, y su uso de la línea abultada, alterando el perfil del buril para engrosar o disminuir la línea a medida que se movía, es incomparable. Fue extraordinariamente prolífico y la calidad artística, si no técnica, de su obra es muy variable, pero sus mejores grabados esperan la energía de Rubens y son tan sensuales en su uso de la línea como lo es él en la pintura. [47]
Al mismo tiempo, Pieter Brueghel el Viejo , otro artista formado en Cort, que huyó para pintar, estaba produciendo grabados en un estilo totalmente diferente: bellamente dibujados pero con un grabado sencillo. Él solo grabó una placa, un paisaje magnífico, Los cazadores de conejos , pero produjo muchos dibujos para que los especialistas de Amberes los trabajaran, sobre la vida campesina, sátiras y acontecimientos de interés periodístico. [48]
Mientras tanto, muchos otros grabadores de los Países Bajos siguieron produciendo grandes cantidades de grabados reproductivos e ilustrativos de muy diversos grados de calidad y atractivo, aunque no siempre iban de la mano. Entre las dinastías notables, que a menudo eran editores y artistas, se encuentran la familia Wierix , los Saenredams y Aegidius Sadeler y varios de sus parientes. Philippe Galle fundó otra empresa familiar de larga duración. Theodor de Bry se especializó en ilustrar libros sobre nuevas áreas coloniales. [49]
El siglo XVII fue testigo de un aumento continuo del volumen de grabados comerciales y reproductivos; Rubens , como Tiziano antes que él, se esforzó mucho en adaptar a los grabadores capacitados de su taller al estilo particular que quería, aunque varios consideraron que sus exigencias eran demasiado elevadas y se marcharon. [50] La generación posterior a él produjo una serie de grabadores muy dispersos con estilos muy individuales y personales; para entonces, el aguafuerte se había convertido en el medio normal para estos artistas.
Rembrandt compró una imprenta para su casa en los días de su temprana prosperidad y continuó produciendo aguafuertes (siempre llamados así colectivamente, aunque Rembrandt mezcló técnicas añadiendo grabado y punta seca a algunos de sus aguafuertes) hasta su quiebra, cuando perdió tanto la casa como la imprenta. Afortunadamente, sus grabados siempre han sido coleccionados con entusiasmo y lo que parece ser una gran proporción de sus estados intermedios han sobrevivido, a menudo en sólo una o dos impresiones. Es evidente que él mismo participó muy directamente en el proceso de impresión y probablemente limpió selectivamente la placa de tinta para producir efectos de tono superficial en muchas impresiones. También experimentó continuamente con los efectos de diferentes papeles. Produjo grabados sobre una gama más amplia de temas que sus pinturas, con varios paisajes puros, muchos autorretratos que a menudo son más extravagantemente fantásticos que sus pinturas, algunos temas eróticos (en cualquier caso obscenos) y una gran cantidad de grabados religiosos. Se interesó cada vez más por los efectos de iluminación fuertes y los fondos muy oscuros. Su reputación como el mejor grabador de la historia de este medio se estableció durante su vida y nunca ha sido cuestionada desde entonces. Pocas de sus pinturas salieron de Holanda mientras vivió, pero sus grabados circularon por toda Europa y su reputación en general se basó inicialmente solo en ellos. [51]
Varios otros artistas holandeses del siglo produjeron grabados originales de calidad, en su mayoría adhiriéndose a las mismas categorías de género que pintaban. Los excéntricos Hercules Seghers y Jacob van Ruisdael produjeron paisajes en cantidades muy pequeñas, Nicolaes Berchem y Karel Dujardin paisajes italianizantes con animales y figuras, y Adriaen van Ostade escenas campesinas. Ninguno fue muy prolífico, pero el paisaje italianizante fue el tipo de tema más popular; Berchem obtuvo mayores ingresos por sus grabados que por sus pinturas. [52]
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Giovanni Benedetto Castiglione creció en Génova y, cuando era un joven artista, estuvo muy influido por las estancias de Rubens y van Dyck en esa ciudad. Su técnica de grabado era extremadamente fluida y, en todos los medios, a menudo repetía los mismos temas en un gran número de composiciones totalmente diferentes. Sus primeros grabados incluyen una serie de tratamientos de temas clásicos y pastorales con gran maestría, mientras que más tarde predominan los temas religiosos. También produjo una gran serie de pequeñas cabezas de hombres vestidos de forma exótica, que fueron utilizadas a menudo por otros artistas. Fue innovador técnicamente, inventando el monotipo y también el boceto al óleo destinado a ser un producto final. Al igual que Rembrandt, se interesó por los efectos de claroscuro (contrastes de luz y oscuridad), utilizando una serie de enfoques muy diferentes. [53]
Puede que Jusepe de Ribera haya aprendido a grabar al aguafuerte en Roma, pero sus menos de treinta grabados los hizo en Nápoles durante la década de 1620, cuando su carrera como pintor parece haber estado en un punto muerto. Cuando los encargos de pintura empezaron a fluir de nuevo, abandonó casi por completo el grabado. Sus láminas se vendieron después de su muerte a un editor de Roma, que hizo un mejor trabajo de marketing que el propio Ribera. Su estilo poderoso y directo se desarrolló casi de inmediato, y sus temas y estilo siguen siendo cercanos a los de sus pinturas. [54]
Jacques Bellange fue un pintor de la corte de Lorena , un mundo que desaparecería abruptamente en la Guerra de los Treinta Años poco después de su muerte. Ninguna pintura suya que sobreviva puede identificarse con seguridad, y la mayoría de las que a veces se le atribuyen no son impresionantes. Sus grabados, en su mayoría religiosos, son extravagancias barrocas que fueron vistas con horror por muchos críticos del siglo XIX, pero que han vuelto a ponerse de moda con fuerza: el estilo barroco muy diferente de otro artista de Lorena, Georges de La Tour, ha disfrutado de un renacimiento comparable. Fue el primer grabador (o artista) de talla lorenés, y debe haber influido en el joven Jacques Callot , que permaneció en Lorena pero fue publicado en París , donde influyó enormemente en el grabado francés. [55]
Las innovaciones técnicas de Callot para mejorar las recetas de preparación de aguafuerte fueron cruciales para permitir que el aguafuerte rivalizara en detalle con el grabado, y a largo plazo significaron el fin del grabado artístico. Anteriormente, la naturaleza poco fiable de las preparaciones utilizadas significaba que los artistas no podían arriesgarse a invertir demasiado esfuerzo en una placa grabada, ya que la obra podría arruinarse por filtraciones en la preparación. Del mismo modo, las múltiples obturaciones, que permitían grabar líneas a diferentes profundidades variando la duración de la exposición al ácido, habían sido demasiado arriesgadas. [56] Callot lideró el camino en la explotación de las nuevas posibilidades; la mayoría de sus grabados son pequeños pero llenos de minúsculos detalles, y desarrolló un sentido de recesión en los fondos de paisajes al grabar con múltiples mordidas para grabar el fondo más ligeramente que el primer plano. También utilizó una aguja de grabado especial llamada échoppe para producir líneas hinchadas como las creadas por el buril en un grabado, y también reforzó las líneas grabadas con un buril después de morderlas; lo que pronto se convirtió en una práctica común entre los grabadores. Callot grabó una gran variedad de temas en más de 1400 grabados, desde grotescos hasta su diminuta pero extremadamente poderosa serie Les Grandes Misères de la guerre . [57] Abraham Bosse , un grabador ilustrativo parisino, popularizó los métodos de Callot en un manual para estudiantes que tuvo un gran éxito. Su propio trabajo tiene éxito en su objetivo declarado de hacer que los grabados parezcan grabados, y es muy evocador de la vida francesa de mediados de siglo.
Wenzel Hollar fue un artista bohemio ( checo ) que huyó de su país en la Guerra de los Treinta Años y se estableció principalmente en Inglaterra (fue asediado en Basing House en la Guerra Civil Inglesa y luego siguió a su patrón realista a un nuevo exilio en Amberes, donde trabajó con varios de los grandes editores allí). Produjo una gran cantidad de grabados en un estilo realista sencillo, muchos topográficos, incluidas grandes vistas aéreas , retratos y otros que mostraban trajes, ocupaciones y pasatiempos. [58] Stefano della Bella fue una especie de homólogo italiano de Callot, produciendo muchos grabados pequeños muy detallados, pero también obras más grandes y libres, más cercanas a la tradición del dibujo italiano. [59] Anthony van Dyck produjo solo una gran serie de grabados de retratos de notables contemporáneos, la Iconographia para la que solo grabó algunas de las cabezas él mismo, pero en un estilo brillante, que tuvo una gran influencia en el grabado del siglo XIX. [60] Ludwig von Siegen fue un soldado y cortesano alemán que inventó la técnica del mezzotinto , que en manos de mejores artistas que él se convertiría en una técnica importante, principalmente reproductiva, en el siglo XVIII. [61]
El último tercio del siglo produjo relativamente pocos grabados originales de gran interés, aunque los grabados ilustrativos alcanzaron un alto nivel de calidad. Los grabados de retratos franceses, la mayoría de las veces copiados de pinturas, fueron los mejores de Europa y a menudo extremadamente brillantes, y la escuela incluía tanto aguafuerte como grabado, a menudo en la misma obra. Los artistas más importantes fueron Claude Mellan , un grabador desde la década de 1630 en adelante, y su contemporáneo Jean Morin , cuya combinación de grabado y aguafuerte influyó en muchos artistas posteriores. Robert Nanteuil fue el grabador de retratos oficial de Luis XIV y produjo más de doscientos retratos brillantemente grabados de la corte y otras figuras francesas notables. [62]
Los grabados de William Hogarth, muy populares en Inglaterra, no se preocupaban demasiado por los efectos técnicos de la estampación; en muchos de ellos producía reproducciones de sus propias pinturas (algo sorprendentemente poco frecuente) que sólo pretendían transmitir sus abarrotadas composiciones morales con la mayor claridad posible. Sin saberlo, no sería posible distinguirlas de sus grabados originales, que tienen el mismo objetivo. Fijó el precio de sus grabados para llegar a un mercado de clase trabajadora media e incluso alta, y tuvo un éxito brillante en ello. [63]
Canaletto también fue un pintor de gran éxito y, aunque sus relativamente pocos grabados son vedute , son bastante diferentes de sus pinturas y plenamente conscientes de las posibilidades del medio del aguafuerte. Piranesi fue principalmente un grabador, un innovador técnico que extendió la vida de sus placas más allá de lo que antes era posible. Sus Vistas de Roma (más de cien enormes placas) estaban respaldadas por un conocimiento serio de la arquitectura romana y moderna y explotan brillantemente el dramatismo tanto de las ruinas antiguas como de la Roma barroca. Se habían producido muchos grabados de vistas romanas antes, pero la visión de Piranesi se ha convertido en el punto de referencia. Gianbattista Tiepolo , cerca del final de su larga carrera, produjo algunos grabados brillantes, caprichos sin tema de un paisaje de ruinas clásicas y pinos, poblado por una elegante banda de hermosos hombres y mujeres jóvenes, filósofos disfrazados, soldados y sátiros. Búhos malhumorados miran hacia las escenas. Su hijo Domenico produjo muchos más grabados en un estilo similar, pero sobre temas mucho más convencionales, a menudo reproduciendo las pinturas de su padre. [64]
Los medios técnicos a disposición de los grabadores reproductivos continuaron desarrollándose, y los mezzotinteros ingleses (muchos de ellos, de hecho, irlandeses) y los grabadores franceses produjeron muchas estampas soberbias y solicitadas en una variedad de técnicas. [65] Los intentos franceses de producir estampas en color de alta calidad tuvieron éxito en la última parte del siglo, aunque las técnicas eran caras. Ahora se podían producir estampas que se parecían mucho a los dibujos en crayón o acuarelas . Se produjeron algunas estampas originales con estos métodos, pero pocos artistas importantes los utilizaron. [66]
El auge de la novela condujo a una demanda de pequeñas ilustraciones muy expresivas para ellas. Muchos artistas franceses y de otros países se especializaron en esto, pero claramente se destaca el trabajo de Daniel Chodowiecki , un alemán de origen polaco que produjo más de mil pequeños grabados. Principalmente ilustraciones para libros, están maravillosamente dibujadas y siguen el espíritu de la época, a través del culto al sentimiento hasta el fervor revolucionario y nacionalista de principios del siglo XIX. [67]
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Las magníficas pero violentas aguatintas de Goya parecen a menudo ilustrar alguna obra de ficción no escrita, pero su significado debe dilucidarse a partir de sus títulos, que a menudo contienen varios significados, y de los breves comentarios que él mismo registró sobre muchas de ellas. Sus grabados muestran desde el principio el mundo macabro que aparece sólo en indicios en las pinturas hasta los últimos años. Casi todos fueron publicados en varias series, de las cuales las más famosas son: Caprichos (1799), Los desastres de la guerra ( Los desastres de la guerra de después de 1810, pero inéditos durante cincuenta años después). Se publicaron demasiadas ediciones posteriores después de su muerte, cuando su delicado tono de aguatinta se había desgastado o retrabajado. [68]
William Blake era tan poco convencional técnicamente como lo era en cuanto a la temática y en todo lo demás, y fue pionero en un proceso de grabado en relieve que más tarde se convertiría en la técnica dominante de la ilustración comercial durante un tiempo. Muchos de sus grabados son páginas para sus libros, con texto e imagen en la misma placa, como en los libros en bloque del siglo XV. [69] El movimiento romántico vio un renacimiento de la técnica del grabado original en varios países, y Alemania volvió a participar en gran medida; muchos de los miembros del movimiento nazareno eran grabadores. [70] En Inglaterra, John Sell Cotman grabó muchos paisajes y edificios en un estilo directo y efectivo. JMW Turner produjo varias series de grabados, incluida una, el Liber Studiorum , que constaba de setenta y un grabados al aguafuerte con mezzotinta que influyeron en los artistas paisajistas; según Linda Hults, esta serie de grabados equivale al "manual de Turner de tipos de paisajes y... una declaración de su filosofía del paisaje". [71] Con los relativamente pocos grabados al aguafuerte de Delacroix se puede decir que el período de la estampa de los viejos maestros ha llegado a su fin. [72]
El grabado revivió con fuerza a finales de los siglos XIX y XX, en una gran variedad de técnicas. En particular, el resurgimiento del aguafuerte , que duró desde aproximadamente la década de 1850 hasta el desplome de Wall Street en 1929 , rejuveneció las técnicas monocromáticas tradicionales, incluida la xilografía, mientras que la litografía se convirtió gradualmente en la técnica de grabado más importante durante el mismo período, especialmente porque se volvió más eficaz al usar varios colores en la misma impresión. [73]
Los grabadores que firmaban sus obras a menudo añadían inscripciones que caracterizaban la naturaleza de su contribución.
Una lista con sus definiciones incluye: [74]
